PAR 表演藝術雜誌

芬蘭，一個遙遠的境土，充滿神話、布滿森林的千湖之國，首都赫爾辛基更是地靈人傑，自十八世紀起就有十分活絡的音樂風氣，從室內樂到歌劇的多元呈現，已然成為重要的日常活動，再加上音樂教育的深耕推展，十九世紀創立的「文化與教育協會」（Society for Culture and Education）及赫爾辛基交響樂團，到了西貝流士（Jean Sibelius）的手中，更是將這個民族的獨特人文精神推向最高峰。

北國音樂才子  國際樂壇綻放光芒

半個世紀後，艾薩-佩卡．沙隆年（Esa-Pekka Salonen），這位生於赫爾辛基，原本主修法國號與作曲，之後畢業於西貝流士音樂學院的指揮家及作曲家，承襲優良的音樂傳統，繼往開來。一九一九年以帶領芬蘭電台交響樂團開啟職業指揮家生涯，之後於國際樂壇履創佳績。未及耳順之年的他，現任洛杉磯愛樂的桂冠指揮、英國愛樂管絃樂團常任指揮，同時也是紐約愛樂的駐團作曲家，並與前瑞典斯德哥爾摩的音樂廳（Berwaldhallen）總監麥可．特登（Michael Tydén）及指揮家葛濟夫（Valery Gergiev），共同創辦了「波羅的海音樂節」（Baltic Sea Festival），每年八月於斯德哥爾摩及鄰近地區舉行，期間邀請著名的音樂家共襄盛舉，發揚波羅的海地區特有的音樂傳統。

沙隆年曾獲多項大獎，如一九九八年獲法國政府頒授藝術及文學勳章，二○○三年獲西貝流士音樂學院頒授名譽博士學位，二○○五年又獲頒授赫爾辛基勳章，亦獲《美國音響》雜誌選為「二○○六年度音樂家」。此外，在作曲上的成就更是令人驚豔，曾於二○一二年以《小提琴協奏曲》榮獲美國路易斯維大學（University of Louisville）「葛洛麥爾獎」（Grawemeyer Award）的音樂創作獎項。

同行不相忌  為當代作曲家發聲

沙隆年除了投入創作及演出傳統古典曲目外，更積極為當代作曲家發聲，許多新作皆在他的指揮棒下「初試啼聲」，如約翰．亞當斯（John Adams）為電子小提琴及管絃樂團所寫的《大南方岬的達摩法》The Dharma at Big Sur（2003）、約翰．科里利亞諾（John Corigliano）《紅色小提琴》The Red Violin（1998）、阿福．佩爾特（Arvo Pärt）《第四號交響曲》Symphony No. 4, Los Angeles（2009）、卡雅．莎里亞荷（Kaija Saariaho）的歌劇《媽媽雅德莉亞娜》Adriana Mater（2006）等等，皆傳為佳話。

除了為當代新作首演之外，沙隆年對於挖掘前輩作曲家束之高閣的舊作亦不遺餘力，譬如在今年二月才於倫敦首演了斯特拉溫斯基（Igor Stravinsky）生前並未付梓及演出的作品《葬禮的音樂》Musique Funebre。這是史氏為紀念其恩師林姆斯基-高沙可夫（Nikolai Rimsky-Kosakv）所寫，為史氏年輕時的創作，這令同樣身為作曲家的沙隆年感同身受，格外振奮，也很驚訝，他分享道：

「當我獲得斯特拉溫斯基的曾孫女瑪麗亞．斯特拉溫斯基女士的允許讓我們在歐洲首演，並拿到《葬禮的音樂》的電子版樂譜時，那是很難忘的一刻！欣喜若狂之餘，也對此曲感到驚訝，因為他的老師林姆斯基-高沙可夫對他的影響無庸置疑，但在這部作品中竟也可找到華格納《帕西法爾》Parsifal及《崔斯坦與伊索德》Tristan und Isolde第二幕的影子。從《斯特拉溫斯基回憶錄》Stravinsky's Memoirs得知史氏本身並不欣賞華格納的風格，並大肆批評，所以在這部作品裡看見史氏使用綿延不絕的旋律線，與華格納作風相近，出乎我的意料之外。」

話說回來，每一位作曲家的創作風格，會隨著生活經驗及所處的環境而產生變化，斯特拉溫斯基更是如此，這首《葬禮的音樂》與他之後的創作風格就相距甚遠。沙隆年說到：「這絕對是史氏發自內心、本乎情的作品，音樂充滿感傷的情緒，我相信每位聽眾都可以感受到他當時對恩師離去的不捨及傷痛，但我們仍可從這首曲子中找到很多之後的音樂元素，像是和聲的風格，當時可能還是在嘗試階段，可從這首曲子中看到他的某些作曲技法的雛型。」

由作曲家的觀點去看另一位作曲家，更能清楚了解創作風格的養成及思考脈絡，與自身的經驗相印證。

不管創作或指揮  最重要的是讓聽眾進入音樂中心

不久前，沙隆年才剛完成了為馬友友所寫的《大提琴協奏曲》，在今年三月與芝加哥交響樂團進行首演。馬友友與他相識多年，亦多次合作演出過不同的曲目，如德弗札克、蕭斯塔可維奇、盧托斯瓦夫斯基（Witold Lutosławski）等作曲家的大提琴協奏曲，至於說與老朋友演奏自己的作品，沙隆年認為：「這是我們在音樂上的合作的自然延伸，老實說，我覺得跟他一起演奏其他作曲家的作品是沒有兩樣的。演奏古典音樂跟新創的音樂，就像是讀今天的報紙跟讀上週的報紙，衷心期望自己的作品能給予聽眾一些新意，亦可承襲前人的優良傳統。」

不論是詮釋自己的創作與其他作曲家的作品，最重要的是要讓聽眾進入到音樂的中心，對於沙隆年而言，猶如一部電影中，身兼數職——自編、自導、自演。

古典音樂新舞台  走上數位科技最前端

在沙隆年與英國愛樂管絃樂團的努力創新下，古典音樂的大門為所有人而開啟，不再遙不可及。近年來，他們將古典音樂的觸角延伸至多媒體藝術，最令人津津樂道的就是《夢之城：維也納1900-1935》City of Dreams: Vienna（1900-1935）、《惡魔之舞：貝拉 巴托克的世界》Infernal Dance: Inside the world of Béla Bartók，以及為紀念其恩師維托爾德．盧托斯瓦夫斯基百年誕辰的計畫《交織之語：音樂始於言辭終結之處》Woven Words: Music begins where words end。

除此之外，他也策劃曾獲獎的跨界展覽RE-RITE演出斯特拉溫斯基《春之祭》與Universe of Sound演出霍爾斯特（Gustav Holst）《行星組曲》The Planets suite，讓民眾透過影像與聲音計畫，得以參與演奏、指揮，或是用任何自己想要的方式與音樂貼近。並協助發展iPad應用程式“The Orchestra”，挑選出八首作品的片段，讓使用者透過螢幕的觸控，更了解音樂中的細節，每件樂器在某個樂段所扮演的角色及宏觀性的整體感。

沙隆年也與蘋果電腦合作，用音樂參與iPad Air的促銷活動，讓聆聽古典音樂是一種具時尚感的休閒。沙隆年樂觀其成：「我們希望藉此讓古典音樂更大眾化，尤其是年輕族群（在歐美國家聆聽古典音樂的人口以銀髮族居多），我們現在也有在開發虛擬技術，透過數位化的傳播，成為古典音樂推廣的平台。」所以期待不久的將來，古典音樂能有更多元化的呈現。

來台演出理查．史特勞斯  兩首交響詩隱喻矛盾心理

今年五月，沙隆年將率領英國的愛樂管絃樂團再次訪台，會在臺中國家歌劇院呈現兩首理查．史特勞斯的交響詩——《唐璜》Don Juan（1888）與《查拉圖斯特拉如是說》Also Sprach Zarathustra（1896）。沙隆年表示，這兩部作品創作的時間相隔八年，皆為理查．史特勞斯試圖用音樂訴諸哲理，不斷延伸來表現尼采（Friedrich Nietzsche, 1844-1900）「超人說」（Übermensch），戰勝虛無主義，而這兩首作品也隱喻了矛盾心理：「哲學思想在歌劇中是不易表現的，理查．史特勞斯親自撰寫劇本《貢特拉姆》Guntram（1894），當年以慘敗告終，之後他就以純器樂來表現，給予空間去想像音樂所帶來的弦外之音。《查拉圖斯特拉如是說》，明明已產品了無窮的力度，但他最終決定以『問號』來終止音樂，就像是經過了漫長的旅途，我們最後停留在一個矛盾情結，真相是模稜兩可，理查．史特勞斯認為生命是無止境的延伸，每天都在不斷地學習新的東西、持續累積經驗，否則生命是索然無味的……」沙隆年更強調：「這兩首作品風格迥異，音樂的結尾皆是懸而未決的，但音樂的對位結構及和聲變化都經過縝密設計，管絃樂配器相當瑰麗，所以演奏的過程可說是相當享受。」

這位來自千湖國的才子，不斷以各種形式，邀約我們進入音樂的世界，透過他的指揮、創作、數位化的傳遞，沙隆年將神話轉為奇蹟，讓古典音樂成為瞬間click垂手可得的禮物。