《PAR表演藝術》 309 期 / 2018年09月號

焦點專題（二） Focus | 從無，到無限——2018新點子樂展

三場尋找自我的旅程 2018新點子樂展

文字 李秋玫

「『抽象』對藝術來說是一個寶藏，多少劇場演出千方百計要將具象從舞台上消除，但音樂卻不必經過這道程序，因為它的特質正是抽象。」二○一八新點子樂展策展人暨作曲家趙菁文說：「音樂就是有那種『奢華』，不靠視覺，而是完全用聽覺把事情講得直白。」的確，一種情感用盡千言萬語形容，都不如噤聲聆聽來得直接明確。音樂的創作不論從古代樂器的發明，到如今電子聲響、電腦數據的應用，千年來亙古不變的，依舊是傳遞人們胸中那一點點的溫度。

「競技XYZ」  傳統音樂會的互別苗頭

將手上的樂譜、樂器昇華，甚至沒有演奏家在現場，音樂會又剩下什麼？今年的主題設定在“From Human to Machine”，思考的就是這個問題。第一場節目從傳統的音樂會出發，以「競技」為主題找來Eic巴黎愛樂廳天團小號首席克萊蒙．梭尼耶（Clément Saunier）、比利時天團Ictus首席擊樂家湯姆．寇柯（Tom De Cock），以及歐洲長笛巨星馬提歐．賽撒利（Matteo Cesari）輪番上台較勁。因為演奏家交錯著演奏，因此三人帶來拿手絕活前來PK。

長笛家賽撒利的《單體膠囊》 Unity Capsule，據他自己的形容是「會讓樂器爆炸」的曲子，在十五分鐘內要同時處理五到六行的樂譜，演奏到最後幾乎是要將演奏家逼到一個完全瘋狂的境界。而最後一首給低音長笛的《分離》Staglio，則像一首「怪獸曲」，因為不太用長笛吹奏，從頭到尾有四分之一的時間是用改良的古希臘與往笛管裡面唱歌，來尋求與樂器之間的共鳴。小號演奏家梭尼耶的曲目中，有《系列X》Sequenza X為小號與作為共鳴器的鋼琴、《一個旋律的途徑》Ricercare una melodia為小號與即時電聲等，除了熟悉的小號聲響外，還使用吹氣、花舌、顫音、蓋半孔、微分音等產生特殊音響效果來表現美學概念。而擊樂家寇柯除了帶來耐人尋味的《黑琴雞笛練習曲》Birkhahn Studie之外，《手．李奧納迪斯》Mani.De Leonardis為汽車避震器鋼環、玻璃與木箱這首曲子的聲響更是令人好奇。此外，每位演奏家更將和國內音樂家合作，分別演奏一首台灣作曲家作品，與國外經典一別春秋。

「變數遊樂園」  人與機械共奏

常說音樂的演奏與欣賞的門檻比其他表演藝術來得高，因為沒有經過學習，即使擁有再好的樂器也無法讓它發出好聽的聲音，而聆聽者若不理解音樂的語法，也難以參與其中。但若是拿掉那些訓練、理論與規範，音感和創作的能力不也是與生俱來的嗎？

據今年初《數位時代》雜誌的統計，台灣近八成民眾每天花兩小時滑手機，資策會的統計，國內智慧型手機普及率在世界上也名列前茅，在這一人一機、甚至多機隨身的世代，音樂會也將使用手機當作樂器來顛覆想像。在「變數遊樂園」中，策展團隊引進法國里昂研創中心Grame「智慧手機樂團」技術，只要下載app，揮動手機就能根據甩動、旋轉或搖晃等等動作產生有趣的聲響。

為此，他們找來烏茲別克音樂劇場大師Artyom Kim帶領卅位台灣少年擊樂家們，在暑期一週的「共創工作坊」中完成長達卅分鐘的全新創作。趙菁文說：「Artyom在世界各國帶過不同年齡、不同編制的演奏家們創作，去年新點子樂展的其中一場，演奏家們在他的引導下，用自己熟悉的樂器創作出一首樂曲。這次，他在工作坊前給孩子功課，讓他們想像『風的回應』，體會夜深人靜下，風在周遭的聲音，然後用塑膠袋、鑰匙等等『演奏』出來。所以他們以共創的筆記當作非典型的樂譜，記錄花朵、天空……在他的帶領之後，一個一個的『和弦』像作畫一樣，組合起各種層次。」看看曲目中記錄使用的畫布、即時電聲、雷鼓與鋁板，不免令人好奇。屆時孩子們將會帶著多重感應的智慧型手機創作出什麼樣的作品，在前往欣賞之前不妨找到海報掃描QR code下載玩玩，你也可以先創作出屬於自己的作品。

「無人音樂會」  尋找一個答案

雖說音樂是時間的藝術、稍縱即逝，但是拜錄音技術發明之賜，要重覆錄製與播放聲音已不是困難之事。只不過即使能夠錄下聲音，我們能夠確實抓住一個空間凝聚的氛圍嗎？最後一場「無人音樂會」請來致力於研發音樂科技的史丹佛聲學中心CCRMA和台灣劇場與音樂團隊合作，利用「3D球型環繞聲場」來創造聽覺新體驗。所謂3D球型環繞聲場就是利用卅二顆大小不同揚聲器，從底層、耳際層、斜上層到頂層包圍聆聽者。不像一般揚聲器從舞台前方向外投射到觀眾席，這裡的音場就像一個虛擬的空間，將觀眾放在構築的音牆內。

在演出前，團隊四處奔走，找到至今超過百年的「苗栗功維敘隧道」，全長四百六十公尺的隧道有著極為特殊的彎月型，回音可以長達廿五秒之久，令人驚豔。因此他們在隧道內利用低頻到高頻測試、氣球爆破等等方式，將音場數據記錄下來，再精確測量揚聲器距離，均化每個揚聲器抵達的時間、測量每顆揚聲器的脈衝響應，計算濾波器，呈現同樣的聲音質地。換句話說，就如同是將隧道內的聲場掃描之後，移到實驗劇場重建。趙菁文笑著說：「像是打開多啦A夢的任意門一樣，觀眾進入之後說話的回音，就跟在功維敘隧道裡聽見的一模一樣。」但為什麼是隧道？因為火車過山洞是台灣史上共有的印記，舊時鐵道開發與台灣經濟發展命脈共同跳動，歷經清朝、日治時期建造的隧道見證了台灣的興盛，卻隨著時代的變遷而逐漸被遺忘，然而就像回聲一樣，只要在隧道觸發聲音，他就會給予相對的回應。

說是音樂會，但整體曲目設計及劇場空間的設計都有戲劇的寓意。就像《番茄五重奏》充滿了實驗室的感覺；《隱形的價值- I：雨傘 II：視力矯正器》有著雨聲，以及用聲音表現視覺模糊到清晰的過程；《3D像素之歌》講述從舊型列表機產生龐大的噪音，隨著科技進步噴墨印表機安靜下來，但到3D列印又發出巨響的思考，反映在創作上。最後團隊共創《聖索菲亞大教堂聲場：聲音肖像》、《苗栗功維敘隧道聲場：火車回憶錄》則是以一個意想不到的演出收尾，發人省思。也許在黑到看不見別人的時候，才會意識到自己；也許身在此地，才能聽見遠方的聲音。如果這樣，那麼是不是在沒有人演奏的音樂會中，才能突顯出「人」的存在？

「我從來不相信當代音樂是小眾，反而會愈來愈大眾，因為每一首創作都太有趣了！」趙菁文用堅定的語氣述表示：「現代的人喜歡新奇、客製化、表現自我，等這些進過音樂劇場的孩子們長大，怎麼會甘願只聽莫札特、貝多芬？而且未來他們再接觸現在做的這些，就會覺得玩過了，想要再繼續創造新的點子出來！」音樂不是樂譜、不是樂器，演奏家也不是按鍵就演奏的播放器，除卻這些外在，音樂的本質就是人類高層次的想像。三場From Human to Machine的終極答案，或許恰恰是逆向反推的，就像趙菁文說的那般──「沒有人，才有人。」