《PAR表演藝術》 321 期 / 2019年09月號

企畫特輯 Special

華格納的複雜心志 當代人類的自毀寓言 拉夫拉前衛劇團的華格納歌劇《諸神黃昏》

文字 張瑋珊

由四部歌劇組成的《尼貝龍指環》，為華格納於一八四八年起創作，耗時廿六年完成的作品。其創作緣起，來自於作品《漂泊的荷蘭人》完成後，創作意念轉向至家鄉神話題材，且著迷研究各式各樣的日耳曼傳說。外在發展上，華格納當時發展到處碰壁，許多陋習使他無法自由地一展長才，在不滿當時文化現狀加上政壇局勢動亂下，他先後加入民間組織革命、武裝起義等抗爭活動。後來，革命被軍隊鎮壓下，華格納開啟了長達十一年的流亡生涯。於此，《尼貝龍指環》也在這些事件的影響下，蘊含著強烈的反動精神，透過最後一部《諸神黃昏》來看，故事結尾看似結束於舊時代墮落與毀滅，但在布倫希德的捨身下，曙光乍現，褪去桎梏的新時代即將來臨。作品中，處處隱藏著華格納心中無法言說的複雜情感，以及德意志民族文化的意象符號。

今年，由臺中國家歌劇院推出的「指環四年計畫」最終章——《諸神黃昏》即將於2019NTT「遇見巨人」系列隆重登場。由指揮呂紹嘉率領著國家交響樂團、東海大學合唱團用音樂敘事；舞台上，則由西班牙拉夫拉前衛劇團以極具奇幻色彩、後工業化的視覺打造舞台，加上人體高空特技挑戰舞台技術之極限，重新幻化這部史詩巨作。

文本意象立體化  創造嶄新視覺衝擊

一八四九年華格納提出總體藝術理論，對於劇本編撰、舞台設計、整體視覺概念強調必須與音樂內容、演唱角色、乃至管絃樂達成全面觀照，歌劇必須具藝術性，同時展現文本的文學深度，成為一種「觀」與「聽」的美學平衡。在這樣的原則下，由卡盧斯．帕德利薩執導，西班牙拉夫拉前衛劇團製作的《尼貝龍指環》，曾被美國權威歌劇雜誌《歌劇新聞》讚譽：「拉夫拉前衛劇團的創意、新意與視角，讓華格納的《尼貝龍指環》煥然一新，也讓觀眾深思。」自一八七六年拜魯特歌劇院首演後，二○○九年拉夫拉團隊以嶄新視角重新詮釋的《諸神黃昏》，華格納的美學觀被完整融入、更巧妙轉化於此製作中。導演將自然界中自我毀滅性的掠殺、人類自我認同危機，作為對這部充滿作曲家自我經歷與政治社會投射的註解。劇團除了建構視覺色彩的衝擊感外，同時引發觀眾對於劇本再現、篩選與展示上的議題討論，呈現當代劇場展演實踐之能量。導演利用現代科技效果，立體化文本結構中的重要意象元素，如火與水的意象與其變形，一直出現於拉夫拉前衛劇團《諸神黃昏》的舞台上，其視覺畫面搭配音樂裡的動機符號，為結局——眾神世界即將走向消亡毀滅一途埋下伏筆。

在音樂中注入張力  用聽覺延伸戲劇性

華格納一剛開始創作《尼貝龍指環》時，最初是以《齊格飛之死》為命名，或許可以推測到作曲家當時欲將文本聚焦於英雄齊格飛這個角色，幾經鑽研後，發覺單一部歌劇無法滿足他以日耳曼神話為題創作的企圖心，決定擴充為四部聯篇歌劇，而《齊格飛之死》後來則被改名為《諸神黃昏》。

在這部終曲中，華格納埋了大量具回憶功能的引導動機，例如在最後一幕齊格飛臨死前夕，亦被專家學者認為在形象及氣氛營造上相當成功的樂段，用音樂完美刻劃出主角死前的痛苦與哀愁。另外，在第三幕第三景中，當齊格飛喚醒布倫希德之音樂動機，樂段仍沉浸於調性音樂中，隨著劇情發展，C大調樂段擴張發展為非調性，這個手法同時出現在布倫希德叫醒齊格飛時，意圖在角色情感上作對照與回應。作曲家利用音樂加強聽覺上的戲劇性張力，管絃樂在和弦式演奏的細緻搭配下，協助引導出舞台上情感流動氛圍，並勾勒著角色們心理狀態與變化。全曲多處可觀察到作曲家刻意打造的特殊和聲進行，常見於樂段終止式的半音解決，以及為加強管絃樂團的音響效果，安排與堆疊不同和弦分別給銅管、木管演奏，開展出遼闊的音域空間感。

《諸神黃昏》透過拉夫拉前衛劇團的再現，讓它突破了時空、民族文化界限，成為另一種能夠被反覆探討、詮釋的題材。透過當代劇場詮釋，日耳曼神話不再只是民族精神的附庸，而是昇華成一種歷時性的藝術理念，並在現今表演藝術潮流美學中不斷的進化與發展。