PAR 表演藝術雜誌

加拿大創意產業聯盟（The Creative Industries Coalition）2025年底在多倫多針對2025╱2026年度聯邦政府預算規劃發表聲明，呼籲加速建立「現場表演藝術稅額抵免」（Live Performing Arts Tax Credit）的必要性。 創意產業聯盟並非常態運作的組織，而是疫情期間為針對現場表演領域進行政策及預算倡議而組成的聯盟。成員包括表演藝術各領域最大的工會（如：國際戲劇舞台從業人員聯盟、加拿大演員工會、加拿大音樂家聯盟、加拿大聯合設計師協會等）、場館與演出組織（如：加拿大專業劇院協會、加拿大現場音樂協會等），以及具高度影響力的文化機構（如：Mirvish Productions、蕭伯納戲劇節等）約40個涵蓋勞資雙方立場的單位參與。聯盟上一次大規模發聲是2022年，針對聯邦政府提出「因防疫政策造成藝文組織收入損失的補償預算」進行評論。

2025年12月，北京天橋藝術中心舉行了「2025北京．天橋音樂劇年度盛典」，除了頒發當年中國原創音樂劇的各類獎項之外，中國演出行業協會也發布了《2025中國音樂劇市場年度報告》：全年音樂劇演出場次1.97萬場，較2024年同期相比增長了15.04%；票房收入18.07億元人民幣，同期相比增長7.55%；觀眾人數818.59萬人次，同期相比增長10.41%。相對於紐約百老匯目前正面臨著的製作成本大漲，招牌依舊閃亮，後台卻精算著每一分錢。中國音樂劇市場則在2025年初顯不可抑制的爆發之勢。 音樂劇一直是中國演出市場中增長最快的領域之一，2025年原版引進劇碼和中國原創劇目的票房已相當接近（前者近10億元，後者則達8.79億元），顯示這幾年正處於中國原創音樂劇發展的關鍵時刻。2025年中國音樂劇市場確實熱鬧無比，引進的原版音樂劇都是經典之作，《莫里哀》（法語）、《劇院魅影》（英語，台譯《歌劇魅影》）以及《巴黎聖母院》（法語，台譯《鐘樓怪人》）位列場次前三；《劇院魅影》、《悲慘世界》（英語）40周年紀念版音樂會，以及《搖滾紅與黑》（法語）位列票房前三。中文原創音樂劇的市場則隨著演藝新空間（即非劇場演出空間）在各地興起，沉浸式體驗需求提升，促使駐場沉浸式音樂劇新劇不斷，《辛吉路的畫材店》、《桑塔露琪亞》和《怪物》列演出場次前三，《受到召喚．敦煌》、《錦衣衛之刀與花》和《她對此感到厭煩》則列票房收入前三。如同其他類型演出，北京和上海兩地的音樂劇市場仍占全國票房的60%以及近一半的演出場次，吸引了全國超過六成的觀眾。 這次盛典同時舉行了高峰對話，對談者為倫敦尼可爾娛樂公司聯合創始人Nick Brook與原韓國音樂劇協會會長劉禧聲，內容非常精準地針對中國音樂劇市場亟需構建的生態。倫敦西區的戲劇產業高度成熟，而且西區不僅僅有戲劇與劇場，更是文化與經濟的「生態系統」；劉禧聲則提出「音樂劇必須本土化，才能讓亞洲的音樂劇作品在世界舞台上占有一席之地」的呼籲，他以榮獲6項東尼獎的《也許是美好結局》（Maybe Happy Ending）為例，剖析「韓式音樂劇」是一個由版權引進、本土化、粉絲經濟驅動、國際聯合製作構成的多元化產業體系。了解紐約百老匯的商業模式、倫敦西區的生態系統與「韓式音樂劇」的產業體系，對中國音樂劇產業未來的發展無疑地有著非常深刻的警示

預計於2027年11月1日正式開館的「港區立港藝術中心m～m（むーむ）」，於2025年11月30日在東京都港區的日生會館舉辦「開館倒數兩年前導活動」。這是m~m首次舉辦的大型公開活動，吸引約1200名民眾參與，讓市民提前認識這座即將誕生的藝術新據點。 本次活動以論壇與跨領域表演為主軸，內容包括鋼琴演奏與即興繪畫的跨界演出，以及多項可親身參與的藝術體驗。現場也規劃了VR展示、戲劇工作坊、樂高積木創作、城市散步企畫與交流空間，讓不同年齡層的參與者都可以從多元角度接觸藝術。 在論壇中，港區區長清家愛表示，藝術文化在快速變動的社會當中，具有連結人與人、促進相互理解的重要力量，期盼m～m能夠成為共享感動與創造喜悅的空間。創意總監箭內道彥則指出「m～m」這個暱稱本身，就鼓勵大家都可以用自己的感受去理解，也正是藝術體驗最珍貴的價值。 擔任本次前導活動主持、同時也是立港藝術中心開館準備室節目總監的相馬千秋，分享了她對劇場與共生概念的想法。她表示，透過過去的討論與實踐，逐漸認為理想的共生狀態應該像「沙灘」一樣，讓所有人都可以按照自己的生活節奏自由地進出。她也指出，劇場是一個能讓人把自己的想像力帶往不同地方、連結不同他人的空間，同時也能成為某些人的「容身之處」。 港區立港藝術中心m～m位於山手線浜松町站直結位置，未來將整合約600席座位的劇場、具有移動式觀眾席的多功能空間，以及工作室、排練場與交流空間，作為港區文化藝術新的核心據點，推動市民參與、創作與交流。而劇場的暱稱「m～m」則是由公開徵選產生，象徵「港」（minato）與「我」（me）的連結，也代表從「無」中孕育出無限可能的創造力。而符號「m」與「～」分別代表手與海浪，描繪出港區人們與海邊共生的意象。

輝達創辦人黃仁勳最近有一則與公司市值、晶片要不要賣給中國、亞洲總部在哪裡、或者他又去吃了哪家小吃都無關的新聞，卻是與加州表演藝術息息相關，那就是他和太太捐了一大筆錢給舊金山歌劇院（San Francisco Opera）。 或者不該說是只有一筆，新聞是說黃仁勳夫婦從今年開始，在未來「數年」內，每年捐贈500萬美元，錢除了用在歌劇製作上，也可以用來培育年輕藝術家、社區外展、開發數位資源等，很有彈性。這筆捐款的第1個受益者，是秋季大戲《猴王悟空》（The Monkey King）。這是一部由來過台灣很多次的作曲家黃若和劇作家黃哲倫合作的新歌劇，講孫悟空誕生、修法、大鬧天宮、到被佛陀壓在五指山下的故事，11月演出時，票房口碑皆長紅，《紐約時報》盛讚是「歌劇可以在大規模上成功的明證。」 舊金山是華人在美國落地生根的起點，舊金山歌劇院這幾年來努力拓展與當地華人的關係，2022年首演過盛宗亮創作、賴聲川導演的《紅樓夢》，《猴王悟空》再接再厲，成績更上一層樓，黃仁勳夫婦也是專為這齣戲設立的委員會的共同主席。

香港的表演場地不少是由政府管理，最晚落成的已經是在2014年開幕、較集中搬演戲曲作品的高山劇場新翼；近年隨著如西九文化區和大館等具個性和節目定位的場地落成，官方的場地方面，在面對設施和觀眾拓展方面的老化與滯緩、疫情後特別針對科技與藝術結合的方向下，終於迎來了政府醞釀多年，亦暖場多時，最近終於正式揭幕的「東九文化中心」。 座落在港鐵站附近，鄰近多個大型商場和住宅社區的東九文化中心，周邊的經濟活動相當活躍，其觀眾拓展的對象也是面向大眾的。中心大樓由香港知名建築師嚴迅奇及其團隊設計，其中包括「一個高滲透度、無縫地接連周邊人流匯點的架空藝術回廊」，整體採光良好的設計吸引很多人流聚集。目前場館內不少展覽是免費入場，如在「樂隊表演、擴音音樂會及錄音理想場地」的樂館進行的跨媒體藝術家王志勇《時間的潮汐》是一個沉浸的互動展覽裝置，週末要等待約1小時才有機會入場．但仍然有不少觀眾靜候參觀。亦有其他專屬的教育空間引入科技互動元素以吸引兒少族群，讓這個座落民居之間的場地更貼近大眾，讓文化藝術得以融入生活。 除了樂館，中心還有劇院、劇場、創館和形館4個場地．其中「可供全牆投影，配備折合式座椅和彈跳板」的形館，「人．舞團」的舞蹈作品《熟悉的陌生》就在這裡上演。作品由新加坡郭瑞文編舞，參與者包括新、馬和港澳藝術家。作為以推動科技與藝術為焦點的場地，作品當然利用了配置的全息投影和讓舞者罈之卓以虛擬方式進入敘事，在演後座談時創作人也有進行介紹，讓觀眾更清楚技術的運用。

澳門政府在11月中推出了「澳門國際綜合旅遊文化區」的公眾意見收集，根據政府新聞稿的介紹：「文化區的建設旨在進一步深化澳門『世界旅遊休閒中心』的內涵，推進『以中華文化為主流、多元文化共存的交流合作基地』的建設，落實『文化澳門』的發展願景。項目計劃於合適選址，規劃建設3項文化設施及配套功能空間，包括澳門國博文化館、澳門國際表演藝術中心及國際當代美術館（暫名）。」 1999年「澳門回歸」以後一直沒有建設新的官方表演藝術場地，其實早在規劃澳門文化中心之初，除了兩個開幕時就存在的鏡框舞台外，另有一個黑盒劇場在整體構思當中，但沒有付諸實行；一直到了2023年6月底「臨時活化」的舊法院黑盒劇場關閉後，文化中心黑盒劇場才正式建成啟用。自此澳門的表演場地便完全集中在同一棟建築、同一個管理部門。 其實，近10年來關於澳門官方表演場地與城市規劃之間的討論也時有出現。2015年澳門特區政府進行「澳門新城區總體規劃」第3階段公眾諮詢，當時諮詢文本中已清楚標示新城中的「城市級文化設施」及「社區級文化設施」，然而在5年後的《澳門特別行政區城市總體規劃（2020至2040）》草案（下稱「草案」）中，文化設施被歸入「公用設施」，文化設施的概念、分類與比例均變得含糊不清。文本中只強調「新城A區南端建設城市級地標性文化設施」及「外港區2的文化中心附近以及路環區的荔枝碗船廠片區規劃城市級文化設施」，而社區級文化設施則並未提及。該草案於2020年10月提出後，不少藝文工作者反映了意見，主要指出「草案」缺乏對文化設施承諾未明確提出各區公共設施的覆蓋率，尤其缺少表演場地、展覽空間等文化設施的指標，導致文化願景流於口號。而社區文化被邊緣化，偏重地標建設，草案中雖提及衛生、教育、圖書館等設施，但文化設施未被列入重點，反而強調「文化地標」。這可能增加居民接觸文化的成本，並造成地區「貴族化」現象。亦有本地文化團體及劇場工作者指出，文化應植根社區而非僅依附旅遊或地標。若缺乏政策支持，居民的文化權利難以落實，文化發展恐受限。

2023年諾貝爾文學獎得主約恩．福瑟（Jon Fosse）的作品席捲今年秋天的巴黎舞台。這位挪威當代劇作家以極簡的筆觸、如音樂般的重複話語、欲言又止的沉默，為難以言喻之物賦予了一種聲音。由法蘭西劇院（Comdie Franaise）及熱納維利爾劇院（Thtre de Gennevilliers）推出的2部作品分別以不同角度，勾勒出他筆下的「無聲之聲」。在政治與社會議題喧囂的當代劇場，這2部作品重新叩問身在人世的疑惑，將我們帶往介於等待、失落、哀悼與時間的裂縫。