表演不僅是一種藝術形式，更是人類在當代社會中的生存狀態。廣義來講，人類時時都在表演的狀態內。狹義的表演，在作為藝術之外，還有著不同的實用方面的考量與價值。進入大AI科技主導時代之後，創作者有更多工具可以使用，不過未必能因此吸引更多觀眾來欣賞作品。有關表演藝術的挑戰，或許是觀眾在哪裡。在這個科技層面上，狹義的表演藝術必須和眾多其他媒介競爭，因為人類的注意力與金錢都有限。方方面面加總起來，專業表演藝術的吸引力變得更加薄弱。
為何法國劇場人聲稱自己有無法取代的社會責任？儘管公立劇院的滿座率節節攀升，大部分的觀眾仍是受過高等教育的中產階級。劇場似乎無法擺脫菁英藝術的刻板印象，而創作者、作品、觀眾之間的分歧也隨著多媒體文化的蓬勃發展，變得愈來愈嚴重。
在台灣商業劇場仍尚未成為主流的現在，當一個創作者或表演團體希望能被大眾看見，不免需要尋找公部門與私人企業的獎補助資源協助，現行台灣大環境裡針對表演藝術的獎補助，以公部門與其底下場館的計畫案為大宗，每年皆是各大表團的兵家必爭之地。
第一次進劇場看戲，純粹抱著追星心態去看四把椅子劇團《春眠》。記得看完戲，從我嘴裡蹦出來的第一句話，就是「不敢相信！」——明明戲裡人生流動的時間只有90分鐘，為什麼我卻感覺自己陪著他們一輩子？我想著或許和那些我從文字看不見的東西有關。從那之後，我看了較多著重在畫面與氛圍營造的戲，都讓我感受到，表演藝術能帶給觀眾的體驗，即是讓「不可能」與「可能」反覆辯證，讓我的身心能夠容納並相信更多不一樣的事情。謝謝表演藝術，我需要它。
評論人/許仁豪 ：整個演出從表演方式，到結構設計，到空間與影像的運用，都讓人眼睛為之一亮，留下了深刻的印象。但我不禁想到在表演過程，林靖雁曾淡淡帶過他有一個很hard core的成長過程，雖然只有一秒鐘的時間，但我真的很好奇那是一種甚麼樣的hard core過程，而林靖雁一個人的hard core，與來到劇場聽故事的眾人之間是否能有什麼社會倫理的連結？（台新藝術獎邀請提名觀察人，深度探討各種面向的當代藝術展演，更多精彩評論請見ARTalks網站）
《紅色青春》則讓我們看到白恐戲另一種「再記憶」在展現上的可能性。他們用的是對話式在劇場展開與觀眾的交流。當第四面牆不存在於演員與觀眾之間時，語言也跟著需要置換為一種日常較為自然的語言，因此帶動演員在表演技法上也需要完成兩者的結合。通過這種接近寫實主義的表現風格，如何與「再記憶」區別而産生記憶的後時間性是值得注意的。劇中連連出現的物件意味著各種情感記憶的藝術性符號，遂一一被領進歷史時空「再建造的過程」，成為了過去對受壓迫的記憶。
整場演出裡有兩個平行的即興主軸：歌聲和舞蹈。這兩個主軸都是從頭貫徹到尾的結構即興，卻能在極大的自由度中相互呼應，彷彿兩個主軸是持續對話、緊密相連又互相拓展彼此極限的兩個有機體。
去年秋末，編舞家黃翊帶著新舊舞作在加州、德州、紐約市、北卡羅萊納州和邁阿密等地7個場館進行了11場演出，這是近年來除雲門舞集外僅有的台灣舞蹈在美國的大規模商演。《墨》在紐約被規劃入林肯中心的秋季節目。
韓國政府的文化教育政策近日引發多方質疑與抗議，包括緊急戒嚴事件的後續爭議，以及各級學校藝術講師聘雇預算的削減。文化體育觀光部長官柳仁村就相關事件作出道歉和澄清，但文化藝術界與教育界對此仍表不滿。
坂本龍一不斷追求將「聲音置入空間」的藝術性挑戰，並且不斷對「時間的本質為何」一問提出深刻的思考。這些探索跨越了時代與空間的界限，為我們帶來全新的視角，持續拓展創造與體驗的邊界，為藝術與感知開啟無限可能性。
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