每看完一部作品，我便和《勸世三姊妹》的美方製作人 Ken Dingledine 與 Barbara Darwall 一起討論、交換對作品的想法，並且交換著對明年製作的共識，他們指出，專業製作人的工作不僅是尋找資源，更是要能夠在文化差異與語言隔閡中，找到讓作品生存的關鍵點。音樂劇不僅是藝術表達，更是一種與觀眾建立聯繫的方式。我們的作品應該如何在這樣一個競爭激烈的市場中脫穎而出，必須得先深入了解目標觀眾的期待，並在此基礎上進行創作。
洪席耶對當代「政治藝術」有不少批評。他批評的面向和題材無關：誰說白色恐怖不值得書寫？誰說環保意識、抗爭事件、性別議題、種族歧視不值得呈現？問題不在題材，而在創作者的意圖、手法和視野。
「氣息隱沒，聲音消散，黑夜是一雙無形的眼，俯視那些渴望的靈魂。我們的怨無聲蔓延，等待一切在寂靜中腐化。」多年以後，鋼鐵持續著敲打，廢墟無聲地融於大地。雨水輕輕灑落焦土，嫩芽從灰燼中緩緩探出頭。
劇團的3位導演各有所長。來自印度的Chongtham Jayanta Meetei（江譚佳彥）深耕本質劇場，強調身體語彙的當代展現；來自馬來西亞的張偉來，擅長融合表演者的肢體聲音及樂器的運用；台灣在地的汪兆謙，著眼文本、翻轉民俗文化揉合於現代戲劇。這次，我們從劇團的3位演員李昕宜（EX-亞洲劇團）、劉佩芬（身聲劇場）、鍾汶叡（阮劇團）出發，談談他們各自的演員之路，也在認識彼此的過程中展開表演與生命交會的可能。
評論人/孫平：《人之島》是一個難以被定義的作品。名稱涵蓋了人與島，寓意得以開闊而充滿想像；而人與島中間的「之」，讓一切似乎又多了一點點佔有或所有(possessive)的投射，好像島上所有的物種神靈，都在率性的想像裡，被圈拾包覆了起來。身為坐在第一排的觀眾，和作品如此近的距離，我似乎看到了它的開闊，也沈浸在其中的萬象朦朧裡。有些似懂非懂，卻也無須搞懂什麼的，被鬆開了腦部的思考。（台新藝術獎邀請提名觀察人，深度探討各種面向的當代藝術展演，更多精彩評論請見ARTalks網站）
《單程轉運站》這些跳舞的台灣人身體是這麼好看，這麼有生命力，我思考著學院訓練的舞者身體和非學院訓練的舞者身體，是否在本質上兩者根本無關差異，而在於當我們用身體進行表達時，靈魂和身體是否共在，是否正熱切地向觀眾表示著什麼。賴翠霜舞創劇場從2017年至今，與台南、台江文化中心的合作推廣舞蹈劇場素人工作坊，從兩年一期到三年一期，舞蹈持續疊上時間的厚度，除了跳舞的身體被模塑，共事的情感與地方似乎也漸漸芽發了關於屬己社群的可能性。
錢敏華回憶2003年「香港鼓樂節」創始的初衷：「當時SARS肆虐，樂團思考著如何讓社會重新振作、凝聚人心，最後決定透過『鼓聲』提振士氣。沒想到活動效果超出預期，最終吸引3000人參加，更創下最多人一起打鼓的金氏世界紀錄。」
在這種音樂會裡，整個大廳空間的觀演關係被重新定義，舞台降低至與觀眾席地板同高，觀眾座位不是一排一排向前方排列，而是排成圍著中心一圈一圈的同心圓。根據樂器的不同，樂手們分散坐於大廳各處，觀眾則散坐在樂手之間。
將搬遷至伯明罕的國家青年音樂劇團，將以競技場劇院的派翠克工作室為基地，訓練青年演員、舞蹈家與音樂家，並發展新音樂劇及展演製作，此舉更是讓伯明罕成為全國音樂劇發展引擎的助力。
是危機，還是轉機？紐約劇場界正在經歷前所未見的世代交替，將近10個劇團的資深領導人已經或準備退休，而其中至少半數是紐約最大的非營利劇團，還有4個擁有百老匯劇場，影響力不在話下。
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