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演出评论More

PAR / 第325期 / 2020年01月号

一堂关於世界与人生的戏剧课

布鲁克的《为什么?》或许带领著观众叩问了:「为什么人生会如此?」「为什么世界会这样?」「为什么人会抵抗?」「为什么要表演?」「为什么要有这出戏?」「为什么要在剧场里演这出戏?」然而以更宏观的视角来看,所有问题都收束在同一问题:「为什么要有剧场?」在这里,我们既看到了剧场中的现实感,也看到了现实中的剧场感;布鲁克透过建构这问题的过程中,已揭示了问题的答案。

PAR / 第325期 / 2020年01月号

内外空间的权力反转

哲学家哈洛威说:「赛柏格(Cyborg)是一种拆卸与重新组装、后现代集体与个人的自我。」说明本剧自默片的复古画面和时空出发开展,在机械生命的极致想像后,抵达当代「赛柏格」之比喻,更进一步,则两性存有相互理解的温柔空间,且提出返回人类与自然最初的空间关系之可能。

PAR / 第325期 / 2020年01月号

光阴后花园里的一场散步

观众在自得的叙事脚步间藉戏曲共同回望,没有冒险,没有花稍的铺排技巧,只有与自已进行长达一小时的细细长谈,最后抵达难以和解与企及的身分根源。这也是本戏适合后续加演的优势,它看似占尽先天优势,触及种族、戏曲、城市发展、女性等议题,却选择内向而专注地在精神面蜿蜒流转,变得精致、动人且发人深省。

PAR / 第325期 / 2020年01月号

镜、境与尽

清宫戏三部曲个别尝试不同的创作语汇,去面对这些我们熟悉却也生疏的历史素材;但《梦》的编写方法更像在「回避」《康熙与鳌拜》的结构,而刻意塞进《红楼梦》,或许是镜射,或许是硬搭,便能乘著国光剧团「文学剧场」的创作脉络,稳稳向前。这到底是创作方法的尽头?或是编创理念的未竟?

PAR / 第325期 / 2020年01月号

最深的琴音 吐露人生与音乐底蕴

三声部的乐章,第一声部歌唱的线条,不断地断裂与大声直击,二三声部控制在非常小的音量,声部的鲜明只是一种理由,但更主要的是第二声部的伴奏音型才是英雄真正内在的声音。接在风暴般之后的《月光》第一乐章,它的「沉」与「静」堪称之最,此时才明了前曲的直接与快,都是为《月光》而来,钢琴家将两曲当一组作品在铺陈。

新锐艺评More

PAR / 第319期 / 2019年07月号

合折子为全本,析勇将之情性

从第一场〈啮臂别母〉以降,曾汉寿所饰的吴起合北曲的跌宕雄浑、但又有南曲以悠缓达成情感积累之效,使浑厚唱腔利於表述人物生命的诸多情怀,让整体演出节奏在明快当中,仍能达成抒情的特质。而第二场〈杀妻求降〉中,郭胜芳所饰的田氏女在诉说家世背景与婚姻期待时,则展现出旦角的柔美身段与水磨曲韵,虽然并非主角,但与吴起相对照,此刚柔并济的演出特质,已足使昆剧在演出上达成传统与新变的平衡。

PAR / 第316期 / 2019年04月号

平易近人的文化推广

由戏剧带入文化,再推广历史,也许只能让观众了解到冰山的一角,但平易近人的呈现方式,反而更打动人心。文化或历史的推广不见得需要大制作或名人加持,不论是放在剧中的阿波舞,或是藏在幕后现场演奏的日本传统乐器,52PRO!的用心,也值得台湾制作团队借镜。

PAR / 第315期 / 2019年03月号

当表演不作为舞台里的主角

《惊园》透过装置及视觉建构以其独特的叙事方式,并透过跨文化/跨形式,不同元素的调度达到舞台呈现上的均衡,进而对剧场的概念本身提出诘问。而考量马文的专业背景,或许表演在《惊园》里的「被稀释」也是可以理解的。无论如何,《惊园》绝对是一个值得一看的优秀作品,在跨界已成显学的今日艺坛,《惊园》对表演形式的叩问确实给出了一个令人惊艳且振奋不已的答案。

PAR / 第315期 / 2019年03月号

遗失的拼图

「致亲爱的孤独者」以女子的视角串起故事的起承转合,试图以角色面临的孤独与困境,带领观众正视内在的自己,并试图带领观众进行一场反思的旅程。或许,我们都在试图拼凑著属於人生的拼图,也试图於其中完满那原本遗失了的角落……

PAR / 第314期 / 2019年02月号

挤与不挤的空间

在遇见彼此前,剧中角色们被过去的一切推到了现在,眩晕地问著:是怎么一回事?但藉著重述、聆听故事,颠簸、破碎的关系得到某种圆满的可能。整出剧像是续写著未完,帮过去觅得现在。在有点挤又不太挤的车内,司机乘客共同疗愈,但也让人不禁想问:所谓完满,难道不也是一声「啊,事过境迁,也就只能这样了吧」的轻吁。

回想与回响More

PAR / 第325期 / 2020年01月号

连结与深化:一个艺术节的偶师之心 2019利泽偶聚祭

在艺术对谈里,除了血缘连结的偶戏家族,不同背景、不同年龄的人也因偶戏被凝聚,因为相同又相异的创作语汇而成为另一种家人――那是作为制偶手艺人与操偶表演者彼此间的惺惺相惜……或许因为创作者或多或少都得「退居幕后」,让物件先行表露生命的另一种型态、翻转投射不同的想像,於是在这里交流的作品与创作者,都有种靠近的温柔,没有区别地共同交流著。这也回应到了一个「偶戏村」的想像,藉由偶戏,共同生活在一起。

PAR / 第322期 / 2019年10月号

共同的乡愁 写在「向巴赫致敬」后

由早年的键盘练习曲到最后的《赋格的艺术》,二○一九年夏的台湾乐迷得以随著这些作品的演出,回顾巴赫的一生,有如穿越时空般,窥见距今三百多年前的欧洲宫廷里,那位勤勤恳恳、日复一日以音乐奉事的宫廷乐长,而巴赫留给后人的礼赞,却不只是手稿、作品、即兴技术、对音乐的狂热执著,还有一种难得的归属感,能够跨越门类与乐种,或许那就是爱乐者们共同的乡愁吧!

PAR / 第317期 / 2019年05月号

表演性理论的有限性 评析明日和合制作所《半仙》

师父对宫主而言不是角色,而是一个大过於名叫黄麒文的存在体;藉著让渡出肉体,宫主任其上身。他所修练的,是如何在自身的韵律(人)与来自於外的能量体(灵)之间维系最大的和谐感,让神灵办事与身而为人不相冲突。这与在剧场中,演员将神灵客体化,让扮演成为可能,完全不同。也因此,当济公禅师完全进入宫主的肉体之后,表演性的理论就失去论述作品的功能。

PAR / 第316期 / 2019年04月号

关於布莱希特剧场音乐的百年揣想 从慕尼黑室内剧院《夜半鼓声》谈起

《夜半鼓声》的音乐运用在很多方面解答了过往文字理论叙述无法填补的空缺——至少就我而言是如此,毕竟当年如何谁又知道呢?布氏声音美学最重要的一点,如其与华格纳「殊途同归」的主张,即如何建立形式与内容彼此呼应的叙事关系——绝非只是动人或突显歌者技巧而已。他的岔出/中断,都不是片面、零碎的瓦解,而是有意识以对话、碰撞过程收束至结构之中,带出更多层次的思考空间。此点在这次《夜半鼓声》演出版本的酒馆场景中最为明显。

PAR / 第313期 / 2019年01月号

转角相遇,共同穿越偶戏风景 2018利泽偶聚祭

第二届的利泽偶聚祭虽然年轻小巧,在策展思考上却十分完整,展现了无独有偶工作室在台湾近廿年的偶戏耕耘,亦可见其五年下来在利泽的社区融入。然以「亲近民众」作为目标时,选择上难免稍嫌保守,尤其国外邀演作品,多仍聚焦在个人情感与想像的翻转上,虽然技艺精湛,可创作主题上稍嫌单薄。期待一届届的积累后,偶聚祭真能成为一个当代偶戏的交流据点。