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本刊编辑部
发表文章 1953 篇
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焦点专题 Focus从两厅院出发，解锁他们的好奇旅程
多年来，国家两厅院持续拓宽台湾与全球的对话路径，将跨国网络转化为台湾创作者的孵化皿。透过海外驻村计划，许多艺术家得以追寻自身的好奇心，带著对世界、对自身的提问，将自己抛入陌生的文化腹地，展开一场场向外探索、向内挖掘的旅程。 今（2026）年开春，编舞家刘奕伶、郭爵恺与编剧吴明伦即率先前往希腊、澳洲与西班牙驻地参访。本专题将跟随3位创作者的脚步，一窥他们如何踏查异国现场。 编舞家刘奕伶带著对「身体规训」的探问，潜入希腊欧纳西斯基金会，在雅典娜的神话隐喻与古雕像姿态里，拆解当代舞者随时备战的生存法则。编舞家郭爵恺则前往澳洲伯斯艺术节实验室，在语言未能成为有效的沟通工具时，他放大感官，试图凿出微观的「窥探孔」，让私人的生命经验跨越文化，开拓宽广的对话空间。编剧吴明伦则在西班牙马德里国家戏剧中心展开一场无迹可寻的田野调查，于宗教与政治交织的历史缝隙中，追寻一位50年代台湾女学者的离散命运。 出走，是为了摘下自身的文化滤镜，拓宽可能的观看的方式。这些散落于海外的踏查轨迹，带回的从来不是标准答案，而是剧场里无可取代的生猛养分。让我们跟著艺术家与两厅院一同绘制的世界地图，看看这些充满未知的碰撞，如何浇灌出令人期待的创作宇宙。
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焦点专题 Focus在TIPC遇见来自世界的击乐力量
当鼓槌敲响重音，2026年的台湾再次激起跨国节奏。朱宗庆打击乐团第12届台湾国际打击乐节（TIPC）盛大登场，自1993年起来秉持「台湾走出去，世界走进来」的初衷，直到今日，已让这片土地成为国际击乐的平台与重镇。 本专题将带您走入这场时光纪事：从本届团队浓缩为5天密集展演的创举、直击10国155位音乐家的多元节目，到回顾当年如何建立无微不至的高接待标准等珍贵过往。 33年过去，这场跌跌撞撞的青春狂想未曾停歇；他们依然用每一记纯粹的敲击，将台湾的温度深刻进世界的记忆里。
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焦点专题 Focus解码谢克特
出身以色列、长年在伦敦发展的编舞家侯非胥．谢克特（Hofesh Shechter），兼具舞者与音乐创作者的背景，擅长将打击乐、电子声响与群体动作紧密结合以低重心、持续震动的身体，与强烈节拍交织，构成一种带有原始能量与集体感的舞台景观，在国际舞坛上形塑出辨识度极高的创作语汇。 进入谢克特的作品，我们往往是先被声响与节奏击中，才意识到身体正不由自主回应。也因此，本专题除了深入解析谢克特的音乐与身体语汇的深刻关联，回顾他的成长背景与艺术轨迹，理解音乐训练、以色列社会经验与舞团发展如何形塑其创作视野；接著从舞蹈与声响的关系出发，分析他如何以节奏、噪音与声响拼贴驱动身体，建立舞蹈与音乐同步生成的创作模式；最后，热爱看舞的小说家何曼庄则以谢克特的最新作品《潜梦剧场》为例，观察其剧场语言如何结合梦境叙事、舞台机制与近似Rave的群体能量，形塑一种强调感官参与的观看经验。 透过本专题，我们尝试多面向解码谢克特舞作中的几个关键：声音如何成为动作的引擎，群体身体如何在节奏中形成秩序与冲突，以及剧场如何被转化为一场强烈的身体与感官体验现场以此为起点，潜入他的剧场梦。
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焦点专题 Focus一唱一鼓的传统声光摇滚
想像一种古老的说唱艺术，仅靠歌者伴著鼓手，就能勾勒出一个绮丽的世界并引起震撼共鸣。这就是韩国传统的说唱艺术「盘索里」（판소리）。本专题将带领读者走进这门深具魅力的声音表现，并一窥它如何在当代剧场中解构重组，爆发出跨越语言隔阂的全新生命力。 首先，在〈关于盘索里的天才10问〉中，特别邀请到IPKOASON的盘索里歌者李胜熙，为读者揭开这门艺术的神秘面纱。透过10个深入浅出的提问，带您了解「盘索里」的真实意涵、探究演出，并解析歌者的独特呼喊式唱腔。为您建构扎实的文化基础，明白盘索里不仅是一人演绎的独角戏，更是一个仰赖歌者、鼓手与观众高度互动的「声音场」。 奠基于对传统的理解，第2篇文章则将目光转向今年5月于台湾戏曲艺术即将登场的当代巨作《看．见沈清》。这部由跨界团队MUTO与盘索里团队IPKOASON联手打造的作品，大胆颠覆了经典《沈清歌》中强调孝道牺牲的传统叙事，改从盲父沈学奎的视角出发，重新探索「看见」与「看不见」的生命挣扎。文章将深入解析这场沉浸式科技艺术实验，看团队如何将盘索里饱满的灵魂与语言韵律，与大型 LED 影像、雷射光束、玄琴及电子合成乐完美交融，将传统说唱扩充为一场前卫的感官飨宴。 无论您是对韩国古老文化感到好奇，还是热中于当代科技艺术的创新，就让我们透过这两篇文章，走进盘索里交织著传统底蕴与未来声光的迷人世界吧！
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焦点专题 Focus相遇．原作与重铨——克里斯多福．鲁宾 X 蔡柏璋
克里斯多福．鲁宾（Christopher Rping，1985－）是当代德语剧场最具影响力的德国导演之一，曾五度入选柏林戏剧盛会（Theatertreffen），其代表作之一《夜半鼓声》曾于2019年来台演出，提供了两个版本，而两种截然不同的结局在剧场里交替上演，带来无限可能。PAR特别在克里斯多福．鲁宾即将带来2021年入选柏林戏剧盛会的作品《不过就是世界末日》来台演出前夕，邀请目前旅居德国的台湾编导蔡柏璋，在他抢先看过此作后，与克里斯多福．鲁宾展开一场别开生面的对话，替《不过就是世界末日》写下无法定义的注脚。
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焦点专题 Focus时间揉出的纸，关系折出的舞
2020年，编舞家王宇光与舞者李尹樱以一张宣纸为载体，创作出探讨双人关系的舞作《捺撇》。后来，这支舞多次受邀前往世界各国演出，纸张在呼吸与汗水中反复被踩踏、拉扯甚至撕裂，那些不可控的变数，恰好成为关系最真实的隐喻。7年后，《捺撇》终于回到台湾，王宇光更不安于现状地开启了新的实验《捺撇duo》。 有别于舞蹈圈邀请年轻舞者的惯性，王宇光力邀其恩师苏安莉与古名伸加入，用两具充满岁月痕迹与智慧的成熟身体，与原版形成相互映照的「二重奏」。 本专题将透过两篇深度访谈，分别走进这两组双人舞的排练场。同一张纸，同一组提问，却折射出截然不同的生命风景。对王宇光、李尹樱而言，纸是测试信任与失衡的试剂；对古名伸、苏安莉来说，纸则是时间的皱折与共存的局限。透过4位舞者犹如4张不同质地的纸般的答复，我们看见《捺撇》如何在时间的流动中，持续进化成一支会呼吸的舞。
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话题追踪 Follow-ups对创伤，如何在「共情」与「抽离」之间拿捏观演距离？
主持人：白斐岚（独立评论人） 与谈人：黄思农（再拒剧团导演、当代艺术家）、彭子玲（乌犬剧场艺术总监） 台湾社会于2023年迎来一波#MeToo巨浪，动荡虽只维持数月，后续影响可说是「余波荡漾」──正如关系人、受害者往往得用更长时间与之共处，寻求出路，生态环境亦然，剧场也不能例外。#MeToo运动兴起的口号「在做艺术家前先是一个人」（Youre a human before youre an artist），似乎暗示著艺术创作有时会让人忘记人性，牺牲自我或他人，以成就所谓崇高的「艺术」。于是，一连串的事件，让我们有机会重新审视环境，建立新的平衡。 延续2024年台湾剧评人协会年度论坛选择直面创作伦理、性别议题以及评论之间角色，今年度更将关注面向扩大涵盖不同形式的「创伤」。第一场前导工作坊「记忆与抚慰：碰触创伤与记忆的力道」，于是邀请乌犬剧场彭子玲与再拒剧团黄思农参与对谈，并由独立评论人白斐岚担任主持。前者分享多年陪伴高风险青少年，并以此推出创作《麻嗨猴》与《低．俗．画本》的经历；后者则以单一观众形式演出的《感伤之旅》，聚焦「观看」的权力关系。 彭子玲提到她在创作时，总是会不断审视「自己究竟只把这些经历当作故事题材，还是有进一步探索与实践的可能」。确保动机出于后者，始终是最重要的事。她以剧团10年来陪伴触法青年、青少年的经验，分享「此时此刻与我们平行，但依然在发生」的另一个世界。这些人的成长经历，因原生家庭、外在环境之形塑，自然而然得用截然不同的方式生存与生活。在「成为人」的同时，意识到另个世界的不同，才能真正认识彼此。
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焦点专题 Focus艺术家的农历年：牵著红色的圆满，定义自己的团圆
对某些人来说，农历年可能是一套预设好的剧本：固定的开场、重复的问候，无法逃避的家族秩序，难能想到如何翻转，简直像是每年固定上演的一场戏码然而，对于剧场人来说，台上的剧本可以排练，台下的生活往往真正在流动中才显现真实。本次专题，我们邀请了3位不同背景的艺术家，在各自的生命场景里，谈谈他们如何从传统的框架中，长出属于自己的年节姿态。 明华园天字团的当家小生陈昭香在锣鼓声中撑起家族荣光，穷剧场艺术总监高俊耀从南洋的甜汤里回味故乡，剧作家李屏瑶则一再从台北的违章建筑中寻找光。他们手中的红气球，轻盈漂浮，拉著他们与传统对话，建立生活秩序，用自己想像的方式，决定他们想过的年。 （本文出自OPENTIX两厅院文化生活）
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焦点专题 Focus舞台之外，生活之中
如果说剧场是艺术家精心搭建的异度空间，那么那些散落在排练场、餐桌上、甚至是营火边的思考与日常对话，便是支撑创造的真实血肉。 国家两厅院每年秋天举行的「秋天艺术节」，以丰富、含金量高的周边活动著称，深入艺术家的创作脉络与关怀，带领观众用不同的角度来认识或接近作品，从而开启对话的可能。本专题透过2025秋天艺术节「在裂缝中重组我们」的4场活动侧记，尝试穿越不同感官的维度：在首篇与第2篇文章中，我们从视觉与记忆出发，看区秀诒、瓦旦．督喜与桑布伊如何从迁徙的生命史中提炼艺术，并进一步在「降灵会」般的剧场考古中，跟随区秀诒与陈侑汝深入探索光影、历史与观看的权力结构。 接著，我们将感官转向味觉与身体。第3篇钟适芳、樊夏与陈启明的餐桌旅行，揭示了奶茶、甜味与豌豆粉背后的政治疆界与身分认同；而最后一篇的「烤火会」，则深入TAI身体剧场的花莲「工寮」与台北河畔桥下现场，靠近瓦旦．督喜的身体劳动感知，以此重新缝合人与土地的断裂。 从吉隆坡的老戏院到缅甸街的茶馆，从19世纪的幻灯秀到花莲工寮的火堆旁，跟随艺术家的洞见，让我们钻进世界的裂缝，重组感官，与作品对话。
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焦点专题 Focus从台北出发：TSO亚洲巡演的五重乐章
暌违6年，台北市立交响乐团（TSO）再度启程，踏上跨越国界的音乐旅程。从日本到韩国，这趟亚洲巡演不仅是乐团艺术实力的展现，更是一场文化交流的深度对话。本专题首篇文章带领读者走进舞台核心，直击巡演节目在韩国富山音乐厅举办的亚洲文化推展联盟（FACP）年会的特别演出；随后透过团长视角，探索乐团经营与对未来音图中心的蓝图。两位首席、法国号与小号手「两大门神」以台上观点分享表演现场，而富山音乐厅节目企划部经理则从专业角度分享城市与场馆的经营智慧。最终，我们将以团员的视角与足迹，串起这趟巡演中每座音乐厅的独特风景。5篇报导，构筑出一场从台北启航、与亚洲共鸣的交响篇章。
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焦点专题 Focus当代马戏在柏林
相较于法国自1970 年代就因「新马戏」运动而蓬勃发展，当代马戏在柏林起步甚晚，2000年之前，几乎是一片荒原。 直到2004年，围墙倒塌后的自由氛围里诞生的变色龙剧院，才从综艺娱乐逐步转向当代马戏，成为最早为这种新型态表演搭建舞台的地方。 时间快转到10年后，柏林马戏节在废弃机场草坪上扎根，把看似「不合时宜」的帐篷节庆培养成固定艺文选项，并推动文化政策承认马戏为独立艺术门类，逐步改善了马戏的生态环境。 这两条路线，一个深耕于室内剧院，一个拓展于户外场域，共同塑造了当今柏林的马戏样貌。从曾经的边陲娱乐到今日的多元繁花，这20年来的发展，见证了马戏艺术如何在裂缝中茁壮，并逐渐成为城市文化不可或缺的一环。
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话题追踪 Follow-ups与时俱进、实践永续 创造「明日的遗产」
2025世界剧场设计展（World Stage Design，WSD 2025）于10月18日至25日在中东文化之都沙迦（Sharjah）拉开帷幕。本届展览不仅是4年一度的全球剧场盛事，更是一场对剧场设计语言、科技趋势与永续责任的深度审视。 趁此机会，本刊特地访问到2025 WSD 世界剧场设计展专案总监贾姬．乔治（Jacqui Georg）。在访问中，她说明了本届WSD部分奖项调整的考量，也分享了在中东气候下推动永续实践的挑战与承诺，以及如何透过与 Goumbook 合作种植红树林，将碳排放抵销纳入全球活动规划中。面对强大的AI数位浪潮，她表示「当前表演设计界的科技变化既是礼物，也是挑战。」而今年WSD的主题「明日的遗产」，「正是对这种张力的回应。」
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焦点专题 Focus台北爱乐40年的文化实践
成立40年的台北爱乐管弦乐团（TPO），以民间力量谱写台湾交响的新高度。近年来，乐团透过国际巡演与艺术输出，让「台湾之声」在世界舞台上愈发清晰。今年9月，首席弦乐四重奏携手华洲园布袋戏团登上大阪世博舞台，连续3天上演融合台湾民谣与布袋戏的交响乐《挪咤闹东海》，以西方古典结构交织在地故事与传统技艺，吸引数千观众驻足赞叹。演出后，乐团飞抵东京，将台湾民谣与柴科夫斯基第1号弦乐四重奏的感动延伸至海外听众心中。 不止于演奏，台北爱乐管弦乐团更举办第4届「东亚乐派论坛」，推动跨国学术交流与原创创作，累积深厚的文化能量。本专题将从多个角度，带领读者走进乐团的国际舞台实践、跨界创作理念与东亚乐派的学术探索，呈现台北爱乐如何从土地出发，将台湾音乐文化推向世界。
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焦点专题 Focus首尔如何进化为看表演的旅游新地标？
今（2025）年可说是韩国表演艺术大放光彩的一年，除了音乐剧《也许是美好结局》（Maybe Happy Ending）横扫美国东尼奖，韩国表演艺术市场营收也创下新纪录，产业规模以惊人速度进化，正逐步形塑出一个能与观光、流行文化并行的生态系统。而首尔正是引爆这场文化浪潮的起点，不仅是继纽约、伦敦、东京之后，全球旅人看表演的新地标，也是观测K-content的风向站。 本系列深度报导从3个面向切入：第1篇前进2025「Welcome 大学路」艺术节现场，看韩国政府与业界如何扩大国内外市场，创造多元节点，奠基扩大观众群的基础；第2篇则聚焦粉丝经济，看韩国表演艺术制作团队如何吸纳K-pop、K-drama等「K」流量，以及其中的隐忧；最后，则聚焦在2025「Welcome 大学路」艺术节B2B市场展的参展作品，观察韩国制作人与创作者如何超越「韩国性」的框架，从人的情感与选择出发，讲述能在全球引发共振的故事。
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特别企画 Feature2025╱2026 乐季最前线：国内篇
2025/2026 国内新乐季的节目已经展开，曲目丰富而多元，从经典巨作到惊喜首演，值得细细规划。今年的节目不仅有众多焦点场次，也隐藏著许多值得发掘的惊喜。每一位乐迷都能依循自己的偏好，打造属于自己的梦幻清单，把时间留给音乐最美的时刻。 本次企画中，我们特别邀请到李元贞、林伯杰、林采韵、连士尧、张皓闵（依姓名笔画顺序排列）这5位音乐相关工作者，与大家分享他们眼中的国内新乐季节目亮点，让读者参考他们的选择，一起探索这段音乐旅程；乐迷们也可以对照自己心中的清单，看看与推荐人所选曲目的异同，或许能从中发现新的惊喜与灵感。 编按：由于各乐团的不同属性及规划宣传等考量，部分节目未能在截稿前提供推荐，部分则尚未完整公布，本刊抢先公开，让读者得知第一手消息。
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焦点专题 Focus身体 X VR——从「不可见之感」出发的阴性叙事
在虚拟与现实的界线逐渐交融的今日，虚拟实境（Virtual Reality，VR）不仅是一种观看的工具，更是一种触动身体、延展感知的场域。本企画「身体 X VR从〈不可见之感〉出发的阴性叙事」，从阴性视角出发，聚焦3组台湾艺术家的实践，探索身体如何在 VR 中消散、重组、生成，并与情感、记忆与未知力量交织。 在疫情促使创作转向的契机下，编舞家何晓玫以《林投姐，妳叫什么名字？》透过女性鬼魂的凝视，将舞蹈、吟唱、米艺与 VR 融合，让漂浮、裂解的身体在虚拟空间中得以延续，开启观看破口，让潜伏于历史阴影中的女性得以发声。 另一方面，编舞家苏文琪则延续10年的科学探索，从欧洲核子研究组织（CERN）走向宇宙深处，历经《黑洞博物馆+身体浏览器》，推出新作《暗宇之感》，深入创作的洞穴，尝试以 VR 再现黑洞、暗物质等「不可见的存在」。在她的实践中，科技不再是硬核的展示、不是创作的目的，而是透过阴性质地的敏感与柔韧，向不可知提问，体现不可言说的能量。 而由双胞胎编舞家谢筱玮、谢筱婷历时7年酝酿的《The Awake》正迈向最后一哩路，以渐冻人的身体经验为切口，转化病友与家属的幽微情绪与时间感，藉 VR 打开非线性、片段化的情感场域。观众不仅「观看」作品，更被牵引著进入其中，在感受先于理解的过程里，将自身生命经验投射其中。 这3件作品有各自的核心关怀，却在 VR 的延展里相互呼应，指向身体作为感知载体的开放性，并透过敏锐凝视，触及那些难以名状、无法被符号化的「不可见之感」。这些创作不仅挑战剧场与观演的边界，更以阴性叙事为方法，让 VR 成为感官、情感与记忆交错的场域。 她们共同展现的是阴性叙事的力量：不在于给出唯一的答案，而在于共感他者的生命经验，打开更多感受与想像的可能。
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特别企画 Feature2025╱2026 乐季最前线：国际篇
2025╱26年乐季即将展开，世界主要乐团的节目策划无不在兼顾地缘文化、艺术传承与当代关怀之间取平衡。从亚洲日益壮大的策展自信、法国的跨域融合、德奥的重磅经典到英美的策展风格，这一季的国际音乐场景不仅延续了熟悉的传统，更处处展现未来的企图心。 亚洲的表现不容小觑，在稳健迎接国际音乐家之余，也以更清晰的在地立场、文化自觉与年轻策展人声音，回应全球艺术语境的快速演变。法国则以跨界与当代艺术语汇为导向，将音乐会转化为文化事件，模糊舞台与生活的界线，邀请观众进入一场多感官的艺术对话。 德奥地区仍以深耕经典作品为本，并逐步将新声音融入老架构中，在厚重历史与未来视野之间找寻当代聆听的位置。英美乐团则将策展意识推至前沿，从独立主题到大型跨年度专案，演出不只是「演什么」，更是「怎么说」。在这种架构中，曲目与语境并重，乐迷的体验被有意识地导向更深层的叙事。 国际乐季不再只是输出与输入的线性关系，而是一张立体交织的网络。透过这国际乐季脉动的观察，我们得以先行一窥全球古典音乐的节奏、语言与价值，如何在此刻被重新定义。
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焦点专题 Focus酷派爵士风 经典Cool一夏
盛夏台北，热浪一波波袭来，街道上急促的脚步与空气里悬浮的湿热令人烦躁。然而就在城市的心脏地带，两厅院悄悄张开一道清凉的音乐缝隙，邀请我们走进另一种夏天的可能一个用节奏缓解焦躁、以旋律洗涤思绪的季节性避风港。 爵士乐的世界一向多元而包容，每一种风格都有它的声音性格。但今年，两厅院夏日爵士派对特别聚焦于那一抹冷静、克制、讲究结构与质地的「酷爵士」（Cool Jazz），一种不急于说话、却总能在最不经意的时刻让你屏息倾听的音乐态度。它不是冰冷的距离，而是温润的深思；不是华丽的技巧炫技，而是优雅地说出内心。 这样的精神贯穿今年的节目策划：从邀请国际乐手登台演出的钢琴家佛莱德．赫许（Fred Hersch）启幕，到近年在爵士界掀起风格讨论的爵士歌手瑟希儿．迈可罗恩．萨尔凡特（Cecile McLorin Salvant）。前者是细腻的传奇爵士钢琴诗人，而后者的音色不柔美却极具穿透力。此外，还有与山林对话的高海拔音乐现场、剧场里如同沉思小品的Cool爵士夜晚，表演场域与音乐风格交织出多重层次的夏日体验。 其中最令人感到温柔而坚实的连结，是多年来参与两厅院夏日爵士音乐节、同时为台湾培养跨世代爵士小号手与编曲家的麦可．摩斯曼。他的存在就像这场音乐节的基底，不张扬，但支撑著节奏与信念。他年轻时曾与酷爵士的两位传奇人物 Gerry Mulligan 与 Lee Konitz 同台演出，如今则以教育者与创作者的身分，在这片土地上播下更多种子。 不只在剧场里，今年的爵士派对也将音乐带出户外，透过一年一度的户外派对设计，把爵士从各种场内解放出来，与夏日的空气、草地与观众的身体一起呼吸。在那里，爵士是一场让人会心一笑的惊喜，也是一个属于大众的盛宴。 在这样一个节庆里，「酷」不只是姿态，而是一种对节奏与情感的真诚回应；「经典」也不只是复古，而是对美感与风格的当代表达。当旋律慢慢沁入耳中，我们仿佛听见了那句关键的邀请酷派爵士风，经典Cool一夏。
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焦点专题 Focus创作、育儿、生活……剧场亲子温馨日和
为人父母的剧场人，会怎么把生活、创作、孩子活在一块儿？ 今夏亲子专题系列，我们看见许多「不设限」的可能：有人把孩子带进排练场，有人乾脆把育儿生活搬上舞台，也有人选择什么都不做，只是安静地陪著孩子在情绪里沉浮。演员孩子未必真的想当演员、舞者的孩子也可以只是纯然喜欢与自己的身体冒险，但他们都在这些共创的时光中，学会怎么认识自己、怎么与人相遇。 在本次系列专访中，没有宏大的艺术宣言，更多的是一种自然的流动感：表演和育儿不一定对立，创作的灵感也不只来自孤独与煎熬，有时正是那些「没办法好好排戏」的片刻，才带来真正深刻的体会。透过剧场人的日常，我们重新看见艺术最朴实的样子它其实就藏在哄睡、玩耍、一起看戏的日子里，藏在一次又一次，愿意靠近彼此、理解彼此的拥抱里。 借此机会，我们也邀请4组受访者推荐今夏期待亲子一起共享的剧场演出，读者或许也能在剧场里遇见他们 （本文出自OPENTIX两厅院文化生活）
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焦点专题 Focus移动、连结、共构──给未来剧场的备忘录
在COVID-19重塑全球节奏之后，剧场资源紧缩、巡演模式改变、资源与观众结构重组，一波又一波的剧烈转变，使剧场工作者不得不重新思考「连结」的本质：我们为何需要合作？又该如何与他者、社群、世界建立关系？ 我们从「移动、连结、共构」出发，记录表演艺术机构、艺术节与艺术家、制作团队在跨国的制作生态中的实践策略。借2025 Taiwan Week举办之机，我们邀请比利时列日剧院艺术总监塞吉．宏哥尼（Serge Rangoni）、英国Dance Umbrella艺术总监佛瑞迪．欧波库-艾岱（Freddie Opoku-Addaie）和国家两厅院艺术顾问施馨媛进行深度对谈，讨论当前欧陆与亚洲表演艺术机构与艺术节的合纵连横策略；并借由欧亚交流论坛侧记聚焦各国单位的实践与未来发展方向，一窥艺术市场趋势脉动。3篇跨国移动日志则呈现艺术家与制作人如何在不同文化场域中协调、协作、定位自我，并带著作品走到更远的地方。 当剧场以不单靠输出与输入节目维持国际关系，合作的形式与节奏也在改变。这些经验不只是近年表演艺术制作生态的实践记录，更是我们如何共构下一阶段剧场的备忘录。