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本刊编辑部
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特别企画 Feature全球新浪潮来袭！盘点全球天团的当代声音蓝图
当2026╱27年新乐季的交响诗篇缓缓展开，全球古典乐坛也在经典与前卫之间，激荡著时代的声响。从欧美到亚洲，循著乐音的轨迹，直击全球音乐现场的核心脉动。 古典音乐重镇德奥乐坛，各大天团正以贝多芬逝世200周年的不朽神圣、马勒与布鲁克纳的交响巨作，在历史积淀中铸造当代新传统；处于「无总监时代」的法国乐坛，指标场馆反而摆脱枷锁大胆破格，在华格纳《指环》首演150周年之际，借由现代前卫导演的剧场美学，为经典赋予极致的感官灵魂；转向正处于音乐总监交班期的英美乐坛，则在多元文化的跨界交融与即时 AI 科技的冷冽碰撞中，奋力重构属于美国的音乐史诗；而回到我们立足的亚洲乐坛，以百年为维度的顶尖乐团们，正在国际大师与新生代天才的执棒下，寻求越过西方标准后的「诠释主体性」。
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特别企画 Feature5位专家的岛屿寻声！怦然心动的台湾音乐地图
本乐季的国内乐坛百花齐放、争奇斗艳。从澎湃万千的交响巨作、富含当代生活温度的跨界国乐，到撞击灵魂的史诗歌剧与精致人声，无一不展现出台湾音乐创作者与演奏家无与伦比的生命力。北、中、南各地乐坛，正以各擅胜场的艺术姿态，呈现出各有千秋的音乐风景。 在这场令人屏息的听觉飨宴揭开序幕、新乐季正式启动之前，5位专家学者们毫无保留、精雕细琢呈献的私房清单，正是为您递上的最佳导读。不妨在出发聆听前，先翻开这份指南，看看这些让作曲家、策展人与乐评家们心跳加速的「终极选择」，是否正好与您心中那份封存已久的聆听期待，不谋而合？
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焦点专题 Focus巡回演出的仪式与轶事
跟著作品四处巡演，是许多表演艺术工作者者的日常。除了进到饭店房间前，先敲几下房门跟未知的存在打声招呼，出门在外的日子里，每个人都有自己熟悉的仪式感。有人是乐器不离手，一有空就练习；有人习惯早起走路，用身体认识陌生城市；也有人是改变装扮，或是在演出后买个东西犒赏自己。有日复一日、无论身处国内国外都会忠实上演的行动，也有身处异乡才会做的当地限定。 当然在这些移动与演出的路途中，突发事件也常随之相伴。有时危机就是转机，而有时，则是人算不如天算的福祸相依。再回过头来看，因为巡演与熟悉的家乡拉开一段距离，才有机会重新审视与反思原来，这就是我在做的音乐；原来，这就是我喜欢表演的理由。原来，离开会让人更了解自己，认识自己。 （本文出自OPENTIX两厅院文化生活）
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焦点专题 Focus超越生死的黑夜宣言
理查．华格纳的《崔斯坦与伊索德》（Tristan und Isolde）是音乐与歌剧史上重要的里程碑，不仅代表著他个人创作生涯的关键转捩点，更是对人类情感与潜意识的深层挖掘。作品最为人称道的和弦与动机紧密交织，打破了传统和声的疆界，营造出永无止境、无法获得满足的强烈渴望与不安定感。对华格纳而言，独特的和弦并非刻意的叛逆，而是他用以实践「过程的艺术」之核心工具，透过不著痕迹的和声转换与极致成熟的管弦乐混合声响，让难以言喻的爱与渴望在音乐舞台上得到完美升华。 为了引领乐迷深入这场极致的美学革命，本专题特别规划了双向视角的深度探索。专题前半部分著眼于历史与创作脉络：上篇将带您回到华格纳创作此剧时的人生际遇，探寻他内心的知性情愫与《威森董克之歌》的诞生渊源；下篇则深入剖析剧本对中古史诗的改编、主角几乎完全抽离现实并处于主观内心世界的独特剧本结构，以及其在调性与和声上的伟大美学成就。最后则将目光投向当代的舞台实践，聚焦于台北市立交响乐团即将在9月推出的年度歌剧盛事。我们抢先剖析这部德奥最具挑战性的巅峰巨作，探讨导演如何扬弃写实时空，以白昼与黑夜的深层隐喻，带领台湾观众见证超越生死的灵魂救赎与情感骇浪。
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特别企画 Feature前浪布局、后浪接班！
台湾现存的表演艺术团队中，成立最久的大概可追溯到1929年，明华园的前身由陈明吉与戏院老板蔡炳华共同创办；而多数团队的创立，多半落在1980年代前后，有稍早的云门舞集（1973），或是在近年陆续成立40、30周年的表演工作坊（1984）、当代传奇剧场（1986）、朱宗庆打击乐团（1986）、台南人剧团（1987）、金枝演社（1993）、国光剧团（1995）、莎士比亚的妹妹们的剧团（1995）等。 当成立时间进入30年左右的门槛时，「接班」、「传承」等议题似乎再也无法回避，甚至有部分团队因应环境、人事、制度、创作脉络等方面的变化，更早就有团长、艺术总监等职位的移交。更复杂的是，这些团队的组成可能涉及家族血缘、私人营运、国家资源等不同组织系统的延续与转变。因此，本专题以「前浪」与「后浪」进行设计，邀请表演艺术团队目前的营运者、艺术总监，与陆续、或预期接下团队经营任务的下一代，透过「布局」与「接班」两个角度切入，来思考台湾表演艺术团队的存续与未来。
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特别企画 Feature布局与接班
接班与传承的布局，体现的是表演艺术团队的永续发展。 无论国内、国外，或是不同的表演艺术领域，我们先看到的往往不一定是「团队」，而是「艺术家」，甚至是所谓的「大师」这些大师从「个人」延续到「团队」以及该领域的「美学表现」。只是，在过去20年间，当代表演艺术圈开始进入「后大师时代」。大师终究是「人」，无法抵抗体力的退化、生命的逝去，那么「如何交棒、谁来接班」成为困难的艺术管理问题。 因此，我们将从国内、外的案例开始爬梳，无论是血缘与技艺的传承、行政与支持系统的建立、中断团队营运等，在掀起这波浪潮的当下，看见更多表演艺术团队的选择与可能性。
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焦点专题 Focus在舞台之外——关于团员的巡演日常与幕后
每一趟巡回演出，对乐团而言，都是一场与时间竞赛的旅程。从移动、排练到正式登台，每一个环节都紧凑而精准，忙碌与紧绷几乎成了巡演的日常。然而，一场演出的成功，从来不只是指挥与独奏家的光芒，更仰赖每一位团员默默累积的专业与默契。 在准备时间里，团员们一踏上舞台，便迅速切换至最专注、最稳定的演出状态；而当灯光之外、掌声之前，他们也各自拥有属于自己的巡演节奏与仪式：琵琶首席郑闻欣带著「阿毛」走天下；张舒然与萧奕飞在自己的粉专分享足迹；郭珊如则带著跑鞋在没有人的清晨探索新环境这些看似平凡的小习惯，不仅陪伴他们走过一场又一场巡演，也构成了舞台背后最真实的人物风景。
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焦点专题 Focus从跨世代交锋到全龄同乐，让自由灵魂从小放飞
走过24个年头，国家两厅院的「夏日爵士派对」早已成为台湾乐迷在仲夏夜里最期盼的隐形脉动。今年，这场盛会以「Play It Solid！」为核心主题，不仅呼应了早期爵士俚语中代表「极致出色、无懈可击」的赞美语汇，更宣告了本届大师云集、坚定且极具分量的精采企画。 本次专题将引领读者深入探索本届阵容的丰沛灵魂。首先，我们将倾听甫获葛莱美奖的「人声瑞士刀」当代爵士巨星妮可．茱莱提斯（Nicole Zuraitis）如何以钢铁般的意志，从喧闹酒吧的背景乐手一路逆袭。她以独立音乐人之姿包办创作与制作，将创伤炼化为诗意的爵士原创曲目，更将获奖的商业收益全数倾注于流浪动物救援，展现柔性行动主义的动人力量 循著国家音乐厅的轨迹，我们将接著见证两位跨世代大师的精采交锋：当代萨克斯风天后雷琪夏．班杰明（Lakecia Benjamin）承袭约翰．柯川（John Coltrane）的精神，揉合放克与灵魂乐，吹奏出如烈火般燃烧的即兴生命力；而见证半世纪融合爵士历程的传奇鼓王彼得．厄斯金（Peter Erskine），则带著《Dr. Um》计划的黄金班底登台，在风驰电掣的鼓点中再现历经天团淬炼的纯粹律动。两人共同勾勒出爵士乐既向传统致意、亦朝未知前行的壮阔风景 不仅国际名家璀璨，国内群英的汇聚更展现了岛屿爵士的成熟样貌与大胆突破。迈入15周年的「两厅院夏日爵士节庆乐团」，首度揉合狂放咆勃、热情拉丁与精致古典弦乐，向大师查理．帕克与克里夫．布朗致敬。为落实全龄参与，阿图罗．奥法里尔（Arturo O'Farrill）领军的「轻松自在场」《节奏千层面》，更打破观演界线邀观众共创律动。最终，这股能量将在户外派对全面释放，客家山歌、传统民谣与台语流行轮番上阵，让世界的爵士声响里，骄傲地鸣放著台湾专属的混血生命力。
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焦点专题 Focus三大殿堂中的宝岛拼图：台北市立国乐团2026年欧洲巡演
2026年6月，台北市立国乐团（TCO，亦称北市国）在团长郑立彬的领军下跨越重洋，历史性地同时登上了德国柏林爱乐厅、莱比锡布商大厦音乐厅与奥地利维也纳金色大厅。这不只象征著台湾第一个同时征服欧洲三大顶级音乐殿堂的职业国乐团诞生，更是向世界传达出属于台湾独特的声音。面对西方古典音乐发展的最高殿堂，北市国深知唯有展现自身无可取代的文化主体性，才能让世界留下深刻印象。因此，这趟巡演以全场台湾作曲家作品为核心，由台湾音乐家演绎台湾作品，用最自豪的「台北之声」挑战欧洲最挑剔的耳朵。 然而，每一趟盛大的巡演，对乐团而言，都是一场与时间与体力的极致竞赛。从紧凑的移动、高压的排练、与陌生的空间声学进行音响试炼，到正式登台，每一个环节都不得怠慢。一场史诗级演出的成功，从来不只是指挥与独奏家的个人光芒，更仰赖著每一位声部团员默默累积的专业、默契与其不可或缺的核心力量。 值得珍惜的是，北市国团员之间不但拥有坚实的情感，在绚烂的灯光与掌声之外，这群顶尖的演奏家，拥有著属于自己的巡演节奏与生活仪式。有人在背包装入绒毛娃娃陪伴，在孤独与高压的舞台角落寻找温柔的寄托；有人将跑鞋放进行李箱，再用双脚跑过的足迹，在世界地图上盖下专属的印章；更有人将胡琴的「口传心授」与数位短影音演算法相遇，开启一场场跨越时空与粉丝的对话。 这不仅是一次历史性的海外展演，更是一场关于东方丝竹乐器在西方声响语汇的最高标准中，自我定位、寻找主体性的深沉思辨。当音乐响起，舞台前后的生命温度、自律与热情完美地交织。来自福尔摩沙的乐音，已在欧洲古典音乐的中心，拼贴出一幅璀璨的宝岛文化地图。
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焦点专题 Focus通灵？转译？ 当平面设计遇上表演艺术
无论是10数年前的纸本3件套DM、海报、节目册，书店陈列的酷卡，或是现今网路世代的Banner，在走进剧场观看表演之前，这些平面设计的成品是许多人接触表演艺术的第一印象。 主视觉上的演出卡司与资讯，是吸引人买票的诱因；主视觉的用色、设计风格，则是表演团队想要传递给观众的讯息，让人在看到海报的同时，就能试著想像「这是一档什么样的演出？」 而为了行销需求，为作品设计主视觉的时间点，往往早于作品创作完成的阶段。那对平面设计师来说，该如何观看、理解，或接近表演艺术，才能进行设计呢？不同设计师有各自经验累积，但可以确定的是，比起「平面设计有时候是在通灵」的说法，倒不如说，这份工作本来就得仰赖反复沟通与聚焦，才能在创作、市场与业主需求之间找到平衡，交出一份过关的主视觉。 （本文出自OPENTIX两厅院文化生活）
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焦点专题 Focus当编舞家走进马戏帐篷
传统马戏总是在寻求超越极限，试图掩饰重力的存在；但编舞家走进马戏帐篷，他们追求的却恰好相反他们要让身体找回真实的重量，甚至学会「坠落」与「失败」。 本专题聚焦近年表演艺术圈最生猛的混血：「舞蹈」与「马戏」。我们特邀编舞家陈武康专访云门舞集创办人林怀民，看这位宣告退休却停不下脚步的编舞家如何走进FOCASA马戏团的排练场，编创《几米男孩的100次勇敢》不求绚丽奇观，而是教导习惯憋气的马戏演员「呼吸」，要求他们在叠罗汉时「表演失败」，并且在一次次的失败练习中，长出直击人心的勇敢。 在国际舞坛，我们则进一步盘点哈希德．乌兰登（Rachid Ouramdane）、尤安．布乔亚（Yoann Bourgeois）、奥雷利安．博瑞（Aurlien Bory）、穆哈．莫苏奇（Mourad Merzouki）和亚历山大．凡托恩豪特（Alexander Vantournhout）等5位欧陆编舞家的创作路径，看他们如何透过马戏的极限风险与空间力学，以「编舞式马戏」（Choreographic Circus）探索人类集体的恐惧、信任与生存隐喻，透过编舞重新丈量重力，并与马戏特技碰撞出迷人火光。
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特别企画 Feature舞蹈如何构作？
近几年，「构作」（dramaturg）俨然成为台湾当代舞蹈的演职人员标配。然而，这门隐形的技艺究竟在「构作」什么？追溯其历史流变，18 世纪德国剧作家莱辛（Gotthold Ephraim Lessing）在汉堡国家剧院确立了「戏剧构作」文本结构与外部审视的职能；在20世纪末，欧陆当代舞蹈浪潮崛起，碧娜．鲍许（Pina Bausch）聘请了原为记者的莱蒙．霍格（Raimund Hoghe）为戏剧顾问，并让这个职务在舞蹈界广为人知之前，这双「外部之眼」的概念与实践，其实早已潜伏于不同国家与不同艺术家的创作历程中。（注） 这股思潮在台湾著陆后，又产生何种转变？ 本专题试图穿越排练室那堵隐形的墙，特邀评论人／构作樊香君从工作现场拆解「舞蹈构作」的技艺，回探近10年舞蹈构作在台湾的发展；并从谢杰桦与樊香君、庄博翔与林人中等不同世代的编舞家与舞蹈构作的合作关系、国家两厅院节目企划部经理赖依莉的场馆制作的人才培育／市场观察、2026德国舞蹈三年展联合艺术总监张欣怡、Monica Gillette、编舞家Katerina Andreou与戏剧构作Costas Kekis等人的国际观点，深入台湾在地的生产机制，剖析排练室里的对话与角力，解码构作在创作、制作等不同层面所扮演的角色与创作生态现况。 注：详情请参考：卡塔琳．特莲雀妮著，陈佾均译，《戏剧顾问：连结理论与创作的实作手册》（国家表演艺术中心国家两厅院，2016），第九章。
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焦点专题 Focus从两厅院出发，解锁他们的好奇旅程
多年来，国家两厅院持续拓宽台湾与全球的对话路径，将跨国网络转化为台湾创作者的孵化皿。透过海外驻村计划，许多艺术家得以追寻自身的好奇心，带著对世界、对自身的提问，将自己抛入陌生的文化腹地，展开一场场向外探索、向内挖掘的旅程。 今（2026）年开春，编舞家刘奕伶、郭爵恺与编剧吴明伦即率先前往希腊、澳洲与西班牙驻地参访。本专题将跟随3位创作者的脚步，一窥他们如何踏查异国现场。 编舞家刘奕伶带著对「身体规训」的探问，潜入希腊欧纳西斯基金会，在雅典娜的神话隐喻与古雕像姿态里，拆解当代舞者随时备战的生存法则。编舞家郭爵恺则前往澳洲伯斯艺术节实验室，在语言未能成为有效的沟通工具时，他放大感官，试图凿出微观的「窥探孔」，让私人的生命经验跨越文化，开拓宽广的对话空间。编剧吴明伦则在西班牙马德里国家戏剧中心展开一场无迹可寻的田野调查，于宗教与政治交织的历史缝隙中，追寻一位50年代台湾女学者的离散命运。 出走，是为了摘下自身的文化滤镜，拓宽可能的观看的方式。这些散落于海外的踏查轨迹，带回的从来不是标准答案，而是剧场里无可取代的生猛养分。让我们跟著艺术家与两厅院一同绘制的世界地图，看看这些充满未知的碰撞，如何浇灌出令人期待的创作宇宙。
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焦点专题 Focus在TIPC遇见来自世界的击乐力量
当鼓槌敲响重音，2026年的台湾再次激起跨国节奏。朱宗庆打击乐团第12届台湾国际打击乐节（TIPC）盛大登场，自1993年起来秉持「台湾走出去，世界走进来」的初衷，直到今日，已让这片土地成为国际击乐的平台与重镇。 本专题将带您走入这场时光纪事：从本届团队浓缩为5天密集展演的创举、直击10国155位音乐家的多元节目，到回顾当年如何建立无微不至的高接待标准等珍贵过往。 33年过去，这场跌跌撞撞的青春狂想未曾停歇；他们依然用每一记纯粹的敲击，将台湾的温度深刻进世界的记忆里。
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焦点专题 Focus解码谢克特
出身以色列、长年在伦敦发展的编舞家侯非胥．谢克特（Hofesh Shechter），兼具舞者与音乐创作者的背景，擅长将打击乐、电子声响与群体动作紧密结合以低重心、持续震动的身体，与强烈节拍交织，构成一种带有原始能量与集体感的舞台景观，在国际舞坛上形塑出辨识度极高的创作语汇。 进入谢克特的作品，我们往往是先被声响与节奏击中，才意识到身体正不由自主回应。也因此，本专题除了深入解析谢克特的音乐与身体语汇的深刻关联，回顾他的成长背景与艺术轨迹，理解音乐训练、以色列社会经验与舞团发展如何形塑其创作视野；接著从舞蹈与声响的关系出发，分析他如何以节奏、噪音与声响拼贴驱动身体，建立舞蹈与音乐同步生成的创作模式；最后，热爱看舞的小说家何曼庄则以谢克特的最新作品《潜梦剧场》为例，观察其剧场语言如何结合梦境叙事、舞台机制与近似Rave的群体能量，形塑一种强调感官参与的观看经验。 透过本专题，我们尝试多面向解码谢克特舞作中的几个关键：声音如何成为动作的引擎，群体身体如何在节奏中形成秩序与冲突，以及剧场如何被转化为一场强烈的身体与感官体验现场以此为起点，潜入他的剧场梦。
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焦点专题 Focus一唱一鼓的传统声光摇滚
想像一种古老的说唱艺术，仅靠歌者伴著鼓手，就能勾勒出一个绮丽的世界并引起震撼共鸣。这就是韩国传统的说唱艺术「盘索里」（판소리）。本专题将带领读者走进这门深具魅力的声音表现，并一窥它如何在当代剧场中解构重组，爆发出跨越语言隔阂的全新生命力。 首先，在〈关于盘索里的天才10问〉中，特别邀请到IPKOASON的盘索里歌者李胜熙，为读者揭开这门艺术的神秘面纱。透过10个深入浅出的提问，带您了解「盘索里」的真实意涵、探究演出，并解析歌者的独特呼喊式唱腔。为您建构扎实的文化基础，明白盘索里不仅是一人演绎的独角戏，更是一个仰赖歌者、鼓手与观众高度互动的「声音场」。 奠基于对传统的理解，第2篇文章则将目光转向今年5月于台湾戏曲艺术即将登场的当代巨作《看．见沈清》。这部由跨界团队MUTO与盘索里团队IPKOASON联手打造的作品，大胆颠覆了经典《沈清歌》中强调孝道牺牲的传统叙事，改从盲父沈学奎的视角出发，重新探索「看见」与「看不见」的生命挣扎。文章将深入解析这场沉浸式科技艺术实验，看团队如何将盘索里饱满的灵魂与语言韵律，与大型 LED 影像、雷射光束、玄琴及电子合成乐完美交融，将传统说唱扩充为一场前卫的感官飨宴。 无论您是对韩国古老文化感到好奇，还是热中于当代科技艺术的创新，就让我们透过这两篇文章，走进盘索里交织著传统底蕴与未来声光的迷人世界吧！
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焦点专题 Focus相遇．原作与重铨——克里斯多福．鲁宾 X 蔡柏璋
克里斯多福．鲁宾（Christopher Rping，1985－）是当代德语剧场最具影响力的德国导演之一，曾五度入选柏林戏剧盛会（Theatertreffen），其代表作之一《夜半鼓声》曾于2019年来台演出，提供了两个版本，而两种截然不同的结局在剧场里交替上演，带来无限可能。PAR特别在克里斯多福．鲁宾即将带来2021年入选柏林戏剧盛会的作品《不过就是世界末日》来台演出前夕，邀请目前旅居德国的台湾编导蔡柏璋，在他抢先看过此作后，与克里斯多福．鲁宾展开一场别开生面的对话，替《不过就是世界末日》写下无法定义的注脚。
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焦点专题 Focus时间揉出的纸，关系折出的舞
2020年，编舞家王宇光与舞者李尹樱以一张宣纸为载体，创作出探讨双人关系的舞作《捺撇》。后来，这支舞多次受邀前往世界各国演出，纸张在呼吸与汗水中反复被踩踏、拉扯甚至撕裂，那些不可控的变数，恰好成为关系最真实的隐喻。7年后，《捺撇》终于回到台湾，王宇光更不安于现状地开启了新的实验《捺撇duo》。 有别于舞蹈圈邀请年轻舞者的惯性，王宇光力邀其恩师苏安莉与古名伸加入，用两具充满岁月痕迹与智慧的成熟身体，与原版形成相互映照的「二重奏」。 本专题将透过两篇深度访谈，分别走进这两组双人舞的排练场。同一张纸，同一组提问，却折射出截然不同的生命风景。对王宇光、李尹樱而言，纸是测试信任与失衡的试剂；对古名伸、苏安莉来说，纸则是时间的皱折与共存的局限。透过4位舞者犹如4张不同质地的纸般的答复，我们看见《捺撇》如何在时间的流动中，持续进化成一支会呼吸的舞。
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话题追踪 Follow-ups对创伤，如何在「共情」与「抽离」之间拿捏观演距离？
主持人：白斐岚（独立评论人） 与谈人：黄思农（再拒剧团导演、当代艺术家）、彭子玲（乌犬剧场艺术总监） 台湾社会于2023年迎来一波#MeToo巨浪，动荡虽只维持数月，后续影响可说是「余波荡漾」──正如关系人、受害者往往得用更长时间与之共处，寻求出路，生态环境亦然，剧场也不能例外。#MeToo运动兴起的口号「在做艺术家前先是一个人」（Youre a human before youre an artist），似乎暗示著艺术创作有时会让人忘记人性，牺牲自我或他人，以成就所谓崇高的「艺术」。于是，一连串的事件，让我们有机会重新审视环境，建立新的平衡。 延续2024年台湾剧评人协会年度论坛选择直面创作伦理、性别议题以及评论之间角色，今年度更将关注面向扩大涵盖不同形式的「创伤」。第一场前导工作坊「记忆与抚慰：碰触创伤与记忆的力道」，于是邀请乌犬剧场彭子玲与再拒剧团黄思农参与对谈，并由独立评论人白斐岚担任主持。前者分享多年陪伴高风险青少年，并以此推出创作《麻嗨猴》与《低．俗．画本》的经历；后者则以单一观众形式演出的《感伤之旅》，聚焦「观看」的权力关系。 彭子玲提到她在创作时，总是会不断审视「自己究竟只把这些经历当作故事题材，还是有进一步探索与实践的可能」。确保动机出于后者，始终是最重要的事。她以剧团10年来陪伴触法青年、青少年的经验，分享「此时此刻与我们平行，但依然在发生」的另一个世界。这些人的成长经历，因原生家庭、外在环境之形塑，自然而然得用截然不同的方式生存与生活。在「成为人」的同时，意识到另个世界的不同，才能真正认识彼此。
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焦点专题 Focus艺术家的农历年：牵著红色的圆满，定义自己的团圆
对某些人来说，农历年可能是一套预设好的剧本：固定的开场、重复的问候，无法逃避的家族秩序，难能想到如何翻转，简直像是每年固定上演的一场戏码然而，对于剧场人来说，台上的剧本可以排练，台下的生活往往真正在流动中才显现真实。本次专题，我们邀请了3位不同背景的艺术家，在各自的生命场景里，谈谈他们如何从传统的框架中，长出属于自己的年节姿态。 明华园天字团的当家小生陈昭香在锣鼓声中撑起家族荣光，穷剧场艺术总监高俊耀从南洋的甜汤里回味故乡，剧作家李屏瑶则一再从台北的违章建筑中寻找光。他们手中的红气球，轻盈漂浮，拉著他们与传统对话，建立生活秩序，用自己想像的方式，决定他们想过的年。 （本文出自OPENTIX两厅院文化生活）