站在鸿沟前，渴望与战栗同时袭来。彼岸有太多不确定因素了跳过去，掌声、喝采与光芒就会从全世界聚焦；但只要一点点偏差，就可能摔得遍体鳞伤狂风在身后呼呼地催促，这样的你，敢不敢把一辈子赚来的筹码当作跳板，义无反顾地纵身一跃？ 身高 188 公分的陆逸轩（Eric Lu），身著简约的深色服装走来，神情冷静而自持。这位仿佛刚从战场归来的艺术家，没有胜利者的昂扬姿态，反而将所有波澜收敛在沉静之中。 回想去（2025）年 5 月他来台演出时，才刚与我们完成一次访谈。那时的他，穿著短裤、带著几分大男孩的轻松与自在，谁能想到，短短几个月后，他竟夺下全世界目光汇聚的萧邦国际钢琴大赛冠军？更令人难忘的是，在那个关键抉择之前，连他自己都踌躇，是否真的要踏上这条参赛之路？
但当他踏上波兰土地的那一刻，逃避的心情又不停地浮现上来。陆逸轩回忆，他在9月28日飞抵波兰华沙，当时他已经7年没有参加比赛，那种久违的、令人窒息的压迫感瞬间袭来。他在机场看到一个路人，戴著耳机、手里拿著乐谱，看起来像是来比赛的样子。那一瞬间，刚落地的陆逸轩脑中只有一个极其强烈的念头：「我可以现在就转身回家！」 当天晚上，他与钢琴家好友共进晚餐。对方看著陆逸轩的表情大笑，因为他的脸上写满了绝望，仿佛在问：「我们到底在这里做什么？」 他们只能透过互相开玩笑来缓解那种巨大的荒谬感与压力。随后的比赛期间，他已经无法再与朋友餐叙，更无法外出用餐，甚至婉拒媒体的采访。他说：「媒体都想询问我台上的感受」，但他内心的独白却是劫后余生的战栗：「我刚刚才经历了25分钟的地狱，而我活下来了。」 问他感觉最困难的是哪一轮。他毫不犹豫地回答是关键的「第3轮」。当时陆逸轩身体状况不佳，累积了3周的高压导致身心俱疲。然而，第3轮占总分权重极高，且他演奏的是技巧艰深、结构庞大的《第3号奏鸣曲》。他在身体最虚弱的时刻，凭借著那股超乎常人的意志力，在该轮拿下了最高分，为最终的胜利奠定基石。
「如果我们对外征求艺术总监，你觉得会有人来应征吗？」身为台南人剧团艺术总监的吕柏伸话锋一转，提出这个疑问。 真的，是个问句。 「没有人做过这个事情吧？我一直很想，但怕大家觉得我在开玩笑。」吕柏伸说得颇严肃，也坦然地说：「我现在眼睛不好，不过演员们反而觉得我好像听力变好了。」看似失之东隅，收之桑榆，也看似云淡风轻，却难掩在年纪增长之时，更代表他已在这个职位超过20年。 比剧团艺术总监更久的是，他在大专院校任职的时间，从兼任到专任于国立中山大学、国立台湾大学。创作与教学，两条生命轨迹彼此交叠，似乎构成「吕柏伸」，同时也见证他在不同阶段的自己。
「戏剧创作、或艺术创作这件事情，经验传承是很重要的。」吕柏伸或许在剧团与学院担任不同角色，但两者有明显交会。但现在的他，似乎更强调的是「陪伴」，「看学生创作时，就是给意见，陪伴他们。」他也说这是自己面对学生的不同阶段，「以前比较看不开，对他们的要求很严厉，但这几年已不是这样，有时候觉得不是你选择剧场，而是剧场有没有选择你？」而吕柏伸认为，不是非得做剧场不可，很多学生未来有不同出路，「戏剧训练不一定是人才培训，而是在训练他们像是如何跟人合作之类的这些事情。」（注1） 另一个角度则是在剧团里头提供新一代创作者接轨实务的空间。 比较久之前的案例，是在中山大学时期，让黄建豪加入《K24》，成为他表演经验快速累积的关键（注2）；另外像是即将于台南人剧团版《服妖之鉴》中饰演许湘君的演员陈映亘，就是参与台大戏剧学系2023学期制作《服妖之舰》后，被挖掘的新生代演员，吕柏伸说：「她今年刚毕业，让她可以跟崔台镐、杨迦恩等这些成熟演员一起工作，进步绝对是比在学校来得快很多。」还有与青年导演、编剧的合作，也间接改变了台南人剧团本身的创作轨迹。
接受视讯采访的这一天，雅伦．莱弗许兹（Yaron Lifschitz）正处在两场排练的空档。镜头里的他一边吃著简单的午餐，一边侃侃而谈，显得忙碌却丝毫没有疲态；语速敏捷、思绪清晰，在长年创作与营运压力下，仍充满感染力与能量。毕竟，他所领导的「瑟卡」（Circa），是一个拥有近 70 名艺术家与工作人员、足迹遍布全球的当代马戏团队。 瑟卡诞生于 1980 年代的澳洲布里斯本，它的前身「摇滚马戏团」（Rock n Roll Circus），是一个标榜「不守规矩、略带叛逆」的小型团队。1999 年，刚从澳洲国家戏剧学院（NIDA）毕业的莱弗许兹以门外汉之姿加入团队，并在 2004 年推出3人作品《空．间》（The Space Between），逐步改写团队的发展方向，也奠定了今日瑟卡 的创作轨迹。 在莱弗许兹的带领下，瑟卡展现了一种跨越马戏、舞蹈、剧场与音乐的身体美学：编舞式的铺排、极简的视觉、强烈的当下性与体能真实。此外，更持续跨界合作，拓宽马戏的边界，例如《Opus》（2013）让4位弦乐手在杂技演员之间移动演奏萧斯塔可维奇的乐曲，《回归》（The Return，2015）重新诠释了蒙台威尔第（Claudio Monteverdi）歌剧，回应当代难民议题。 将在台湾上演的《Humans 2.0》延续 2017年《Humans》的提问：「作为人类，我们究竟能承受多少？我们能背负多少重量？我们能信任谁来支撑我们的负荷？」特别在疫情后，「接触」（touch）变得伦理化、政治化的世界，莱弗许兹重新审视人类的脆弱、秩序、混乱与连结。11位马戏演员在3幕结构中，交织身体与情感，以彼此的重量述说信任，以危险的边缘探问自由，以节奏与呼吸塑造人类最原始的互动。
Q：身为导演，你的作品横跨不同领域。是什么驱动你持续创作？在每一部作品中，你始终关注的核心议题是什么？ A：我创作，一部分因为我热爱它；另一部分因为我不安全感重，我想确保我们有作品可以做。而且我永远对自己的作品不满意，所以想做更多、更好的作品。 我们也有很多人要养活，所以我们不能只靠现有作品，市场对新的东西永远有需求，而我们也想回应。 我觉得大部分的创作反应都来自「质疑」，或一点「不满」。我常觉得：「上一个作品很好，但我们可能没有找到足够的美，那下一个作品要不要更美？」像《Humans》比较温暖、慷慨，我就想：「那我们做一个更犀利、要求更高的作品吧。」于是做了《Wolf》。现在我又觉得我需要更多美，但不能俗气那要怎么找到？于是这推动我做下一个作品。 基本上每个作品都在问问题，而下一个作品试图回答它。 Q：瑟卡的演出常以编舞逻辑思考马戏，但你并无舞蹈或编舞背景，如何引导表演者将动作转化为语言？ A：这是一种合作。我觉得知道自己「不擅长什么」很重要，但现在我做这行很久了，也对动作如何组合、哪里可能有机会产生新的东西有一定感觉。 我看世界的方式和其他人不同。在芭蕾或舞蹈里，有某些固定步伐、固定节奏，那不是我的节奏，也不是我的路径。因此我反而学会拥抱它，那可能也是我能提供的东西。 有时候，接受自己「就是不擅长某件事」，会是一个不错的开始。
1998年创团的身声剧场（下亦简称身声），从身体出发，走过竹围、淡水、再到国际，也跨越了音乐、舞蹈与戏剧的边界。接下创办人吴忠良遗志后，团长庄惠匀从演员的身体，一路走向创作者与管理者的角色。她说：「我们当前的世界就是混杂的。」所幸身声一直都理解世界的复杂，并且甘愿用纯粹的身心与那复杂碰撞。
苏洋征记得很多细节，像是电影开场的第一个画面、音乐祭场景与场景之间的换场、或是九吋钉乐团主唱特伦特．雷泽诺（Michael Trent Reznor）表演中讲的每一句话，众多细节像是一条一条勾引人进入梦境里的丝线，带著苏洋征与他的观众，重返场景之中。 打开苏洋征隐藏人格的关键字是「重金属音乐」。若有什么题材或形式能让这位肆意游走于影视、剧场、动画的创作职人苏洋征毫不犹豫地答应，那非得是摇滚乐不可，重金属的更好。而当这组关键字不经意现身于访谈之中，前半场仍侃侃而谈剧场观众毋需理解幕后苦境、技术与预算不该成为作品借口、分析串流与影音娱乐和剧场试错成本高低的理性导演，突然间转化成为知无不言、言无不尽，执著中满怀细腻与澎湃热血的感性追星人。
时间倒转回到2007年。 那年，张芳瑜是「岚创作体」（注）全本搬演外百老汇音乐剧《I Love You, Youre Perfect, Now Change》（在台湾常简称为《LPC》）其中一名小演员，我是同样初次登台的钢琴乐手。我们一同来到声音指导连芳贝家中上课，张芳瑜唱了剧中一首描述女子等爱心情的〈I Will Be Loved Tonight〉，千回百转的旋律线，千丝万缕的心绪，缠绕著恐惧、期待与自我怀疑，最终堆叠成坚定的信念「我会被爱」。 最后的和弦余音落定，老师转头说：「张芳瑜，你唱歌都没在想，这样很好。」 这是称赞肯定张芳瑜不落入那些细微、纠结的技巧展现，反而毫无后顾之忧，跟著旋律指引的方向，抛出自身与角色、旋律与声音的情感共鸣。访问时提起这段往事，她说：「好怀念也好羡慕喔，我现在都想很多耶！」 很难想像「想很多」的张芳瑜是什么样子。
比利时编舞家杨．马腾斯（Jan Martens）今年将第三度来到台湾（注1），带来重制版《再见狗日子》（THE DOG DAYS ARE OVER 2.0）。藉这次演出机会，我们回望他的创作轨迹从17岁上第一堂舞蹈课、19 岁踏入舞蹈学院、26 岁开始编舞，到如今成为国际舞坛备受瞩目的名字，马腾斯如何一步步建立自己的舞蹈观？ 他的作品经常从概念出发，以舞者的身体作为对当代的回应语言。与其说他拥有一套可被辨识的风格，不如说他不断透过不同的身体实验舞蹈语汇，每一次都像是在测试舞蹈的边界。 从房间里随意起舞的少年，到拆解舞蹈规训的叛逆期，再到如今愿意将经典视为工作箱重新开启《再见狗日子》不只是一次重制，更像是他与自己的创作历程之间一次诚实的对话。
不同于威廉．佛塞或碧娜．鲍许的作品，动作辨识度高，马腾斯的艺术语汇在于极简地处理「透明度」和舞台上的「人」。这也是为什么他再次搬演《再见狗日子》，「如果我在10年后放入不同的人，会如何改变这个作品？」对他而言，作品不只是重制，而是一次次让身体重新打开，去回应当下所处的时代与现场。 灵感不是引用，而是一种燃料 谈到灵感来源，或许与马腾斯曾经对文学感兴趣有关，阅读对他而言成为非常具启发性的艺术形式。尽管职涯发展顺风顺水，大量工作和巡演也让他没有足够时间去画廊或看电影（关于这点，他表示这真的需要被改变），于是他经常在火车上、飞机上、饭店房间里进行大量阅读，获取创作想法。 像是《再见狗日子》来自美国摄影大师菲利普．哈尔斯曼（Philippe Halsman）关于跳跃的引言，《噪音之声》（VOICE NOISE，2024）的灵感则来自安．卡森（Anne Carson）的〈声音的性别〉。卡森提到古希腊女性的喊声 「Ololygē」，那是一种介于快乐与痛苦之间的声音。马腾斯想著「好，让我们创造属于我们的『Ololygē』，我不知道它是什么，但我和舞者们一起做研究。」文本的内容并不是被直接用于舞蹈作品中，而是作为创作起点。 舞蹈史、行为艺术作品等各类型的艺术形式，也是重要的工作箱。除了《汗流浃爱》以芭蕾双人舞拆解而生，行为艺术家玛莉娜．阿布拉莫维奇（Marina Abramović）和乌雷（Ulay）经典作品中的主题，像是耐力、残酷、时间，也都成为马腾斯当时在编创中非常重要的工具。 谈及如何在外部参照与直觉之间取得平衡时，马腾斯说：「有些时候，我必须刻意放下灵感来源，让直觉接管，否则作品会卡住。」就像《再见狗日子》以跳跃作为唯一语法，他为自己设定严格限制，但在发展过程中暂时松开限制，允许舞者带入更多上半身与手臂动作，再回到概念本身做出取舍。「我相信事情终将步上正轨，最重要的是要信任自己的直觉。」他有时在首演前夕才突破瓶颈，或许相信直觉是艺术家必要的冒险，透过看似不合理的做法来找到最完美的呈现。
舞台中央，一台10公尺长的跑步机低沉运转，宛如时间的齿轮在黑暗中无情推进。4名表演者踏上平台，有人快步向前，有人被迫后退，仿佛被无形的力量操控，却又在极限中挣扎求生。虽是马戏作品，捷克夜店马戏团（Cirk La Putyka）《奔跑者》（Runners）却不时让人想起偶戏：跑步机像是那条牵动木偶的线，只是这一次，它化为速度与重力，主宰场上的表演者。 这样的联想并非偶然。捷克偶戏在欧洲有著深厚的历史与艺术地位，夜店马戏团导演罗斯提斯拉夫．诺瓦克（Rostislav Novk Jr.）正出身于这样的传统偶戏世家第8代。 从小耳濡目染，但他并没有单纯延续这项家族传统，而是在布拉格戏剧艺术学院（DAMU）接受「偶戏与另类剧场学系」（Katedra alternativnho a loutkovho divadla）的专业训练后，逐渐转向马戏与跨界剧场。 2008 年，他与弟弟维特克．诺瓦克（Vtek Novk）共同创立夜店马戏团，名字取自捷克语「酒馆」之意。10多年来，团队创作超过30个作品，巡演30余国。诺瓦克不断尝试把杂技、舞蹈、戏剧、音乐与视觉元素交织，他说：「我不想只满足观众或评论家的期待，马戏必须不断探索新的边界。」这样的信念，正体现在《奔跑者》的作品企图上。
Q：你的作品常被形容为「马戏剧场」（circus-theatre），融合多重艺术语汇。你认为这是当代马戏的趋势吗？ A：对我而言，多重语汇是必要的。某些主题以语言表达更具力量，但有时杂技动作与技巧才是我们与观众之间最强的桥梁，是传递情感与思想的方式。 我总是从主题出发，再寻找最合适的表达形式。马戏艺术、技艺与平衡永远是基础。 就像《奔跑者》，人们或许会问：这是剧场、舞蹈，还是马戏？对我来说，标签和分类并无意义。 Q：夜店马戏团几乎是捷克当代马戏的代名词，你如何看待当代马戏与传统马戏的关系？ A：20世纪初，捷克曾拥有欧洲最大之一的马戏团，不仅为娱乐，其目的也有教育性让人们能见到平时无法看到的动物。那时没有网路，也没有动物园。传统马戏的魅力在于氛围、大帐篷与圆形舞台，但如今少有作品处理戏剧性、叙事性或结构创新。 传统马戏无法适应时代，也无法找到新的出路。有人争论是否应在舞台上使用动物，但若从那角度看，所有涉及动物的运动也都该结束。 对我而言，马戏艺术是多元而缤纷的从最商业化的太阳剧团，到最实验的表演；从公共空间、画廊，到教育性、科学性、政治性与非政治性的创作。传统马戏无法涵盖这样的广度。
与郑宗龙相约云门，他一身黝黑，说是昨天才刚从「濑户内国际艺术祭」带领云门舞者演出《定光》与几场推广活动回来。神情虽显旅途的疲惫，谈话上却反而轻松爽朗。或许是濑户内的烈日晒得他一身松，也可能是接任云门艺术总监近5年的历程，他的身心在各种周旋中逐渐找到自在的方向。 不过，说5年是仅就可见的转变点而言。2020年他正式接手云门，但早在2017年底林怀民就已透露两年后云门将交棒郑宗龙，所以这重担最少得算个7年吧。而这之前，他不仅在独立创作上如《在路上》（2012）获台新艺术奖肯定，更在云门平台上创作了《一个蓝色的地方》（2013）、《来》（2015）等展现其优异编创能力的作品，更不用说2016年那脍炙人口并巡回欧美多国的《十三声》。再有才华与累积的艺术家，接下云门这个年过半百且享誉国际的庞大组织都不可能没有压力。
细数郑宗龙的每个作品，舞蹈动态固然是主要焦点，但我们也会发现，与听觉有关的种种似乎更是驱动他每个作品中独特身体的关键钮。从《来》、《十三声》的唱咒，驱动舞者身体有如降神般的神秘力量；《定光》中细微的自然声响，挠动舞者怪奇身体动态与动作组成；向《水月》致敬也挑衅的《霞》，运用清水靖晃版本的巴赫大提琴无伴奏组曲，让观众看见《水月》中不曾出现的骚动感；又或是更早期《一个蓝色的地方》以无声片刻突显当下焦虑与躁动。
大学就读国立中山大学剧场艺术学系，研究所毕业于国立台北艺术大学剧场艺术创作研究所表演组，然后在研究所阶段与同学创立剧团，持续创作超过10年。近期成立公司，并参与不同剧场类型、剧团的演出。这是「嚎哮排演」团长黄建豪的剧场履历。 很顺畅，且理所当然。 这么说的时候，略显慵懒姿态的黄建豪放下手上正在吃蛋饼的筷子，摇摇手，「才没有，我研究所念了7年。」每次休学时都觉得自己应该不会念完了，「我都在说服自己，那张纸根本不重要。人家会做的梦是那种『醒来觉得自己还在当兵』的梦，我做的是『醒来发现我没有拿到毕业证书』的梦。」话锋一转，他感谢起徐亚湘老师。一直毕不了业，其实是卡在黄建豪过于脆弱的戏剧理论，没办法通过必修课程，直到徐亚湘老师开设的台湾戏剧相关研究专题，让他意外发现亲戚曾制作台语广播剧，于是到国家图书馆翻找报章杂志，做成报告。「其实不大像报告，更像精美的寻宝故事。」或许看到黄建豪的认真，徐亚湘老师让他过了关。 履历上的洋洋洒洒，似乎不那么理所当然地成功与顺利。
今年的传艺金曲奖典礼，颁发「最佳编剧奖」时，从颁奖人口中说出「叶志伟」这个名字。少有时刻穿著西装、白衬衫的他走上台，先是感谢，但接下来的一句话是：「老实说，我从今天一入场，一直觉得自己走错棚。」以布袋戏作品《豆花公剧场版拍断手骨颠倒勇》拿下奖项的他，从事现代剧场工作超过20年，而获奖作品是他第2部台语布袋戏剧本。 「最后我想要说，我是一个北港人，我从小在妈祖庙前、菜市场长大」这是叶志伟致词的最后一段，接下来要说的，则是关于他的成长、关于台语，更关于这个做现代剧场、编导传统戏曲、写影视剧本的叶志伟，此时此刻身在何处。
1993年，由「二哥」王荣裕创立的剧团金枝演社，汲取「胡撇仔戏」的养分，发展出风格化的表演美学、台湾在地的语言能量与文化内容；同时，更是极少数培养专职演员的现代剧团。团内的资深演员李允中自2000年入团、施冬麟隔（2001）年入团，再加上稍晚入团的曾铧萱，至今都仍维持团员身分，甚至是人生迄今只加入过金枝演社。因此，我们将从他们开始接触现代剧场的那个时间点开始，细数李允中、施冬麟与曾铧萱3位资深团员在金枝演社的这些日子。
Q：3位的母语都是台语吗？在金枝学习台语、演出台语剧，对你们而言的意义又是什么？ 施：我们家以前会有3种语言，国语、四川话跟台语，但台语比例很低。在金枝发展到后来，我对台语的认同开始出现。 李：金枝一直很注重台湾本土发生的事情，所以我们的核心是都是从那些东西去发展的。因为在这个团，才发现原来台湾有这件事情，因为这出戏要做功课，才开始对台湾这块土地有愈来愈多认识。 现在二哥也开始鼓励我做一些自己的创作，我就会很明确表达自己的创作一定是全台语的没有为什么，这就是我的坚持。 我们这年纪的小孩都一样。家里父母都讲台语，但对我们都会说国语，因为他们认为台语就是没水准，希望小孩不要因为语言被歧视。像我以前真的被我同学伤到过，但他其实是无意的。因为本来会讲台语的人，讲国语的卷舌音就会发不好，然后有次我就有个音没有卷舌，同学就说我头发都自然卷，但讲话却不会卷，其实我是蛮受伤的，但我们是好朋友，那时候就笑一笑。 施：我自己后来到了近10年，开始意识到台语的意义。 以前在演戏的时候，我会把自己放在艺术本位，是为了艺术服务，但后来我发现戏剧不应该是纯艺术，因为戏剧要发声、要讲话，怎么去设定故事内容、背景，怎么去设定角色，其实都是一种「政治」。 后来觉得自己开始想要去认真著墨台语，有两个原因。 一、我觉得台语是个很「戏剧性」的语言，比我们现行的国语，有更多层次变化。 二、从国语里面找不到的那种力量跟活力，我在台语里面找到。后来会觉得，如果我把台语当成是个可以去深入的目标，我好像找到了一个「落点」以前是纯艺术，是悬挂在空中的，可是学习台语、认识台语，透过台语去认识台湾的事情的时候，我就可以稳稳地踩下来。 曾：我阿公、阿婆是客家人，妈妈是台语，可是他们不会跟小朋友讲台语。我现在仔细想想，其实我从小跟阿公、阿婆住一起，所以我小时候听到的客语比较多。可是他们在我国小时都过世了，所
《爱丽丝书中奇幻冒险》（ALiCE）并不是英国编舞家雅丝敏．瓦迪蒙（Jasmin Vardimon）第一次改编经典童话，她早在2016年就曾经挑战过《皮诺丘》（Pinocchio）。从1997年创立舞团至今，她始终以创作直面当代社会、历史与文化的反思，雅丝敏认为，选择经典改编，是让艺术与人产生共鸣最直接的方式。 1971年出生成长于以色列，雅丝敏儿时曾经是体操运动员，14岁开始跳舞，后加入以色列奇布兹现代舞团（Kibbutz Contemporary Dance Company），直到1995年搬至欧洲开启舞蹈职涯，不到25岁就获得第一座编舞奖项。1997年创立了以自己为名的雅丝敏．瓦迪蒙舞团（The Jasmin Vardimon Company）。她擅于运用多重媒材，在舞台上打造充满层次的视觉意象，除了细腻扣合原始文本探讨的议题，也不乏以当代日常为主题所进行的创作。她以舞者身体为媒介，结合动态身体与剧场的叙事，让观众得以在演出中重新感知自己的处境，看见人类对事物的理解是如何随著视角与情境而转变。
王宇光与陈德政皆是身兼数角的创作者，编舞家王宇光是微光制造的艺术总监，同时也是拥有渔业证书的渔人。作家陈德政早年曾撰写音乐专栏并担任DJ，35岁后开始登山，如今主业写作兼主持Podcast节目。虽然两位创作者深耕不同的领域，而其创作基点有著「从身体出发」的共通性。他们各自带「身体」载具，努力将生命中的「经验」之石填入其中，最后潜心打磨转化为层峦叠翠的生命作品。 国家两厅院举办了「爱国东小聚场」艺术家对谈活动，特邀王宇光与陈德政从身体经验出发，互相分享如何将生命经验转化为各自领域的创作语言。面对创作与人生，两位进入不惑之年的创作者始终保持热忱，有时依然疑惑，绝对真挚。两人亦尝试以音乐召唤过去，再现各自生命中珍贵的经验「宝石」。
王宇光's pick： ◎ 坂本龙一《Bibo no Aozora》 ◎ 杨大正《航向远方的船》 陈德政's pick： ◎ 花伦乐队《大象》
兆欣，1984年生，自高中起学习京剧旦角艺术，曾赴中国学戏，遍访诸多前辈艺术家，并取得国立中央大学中国文学博士学位。但他不囿限于京剧表演，陆续以导演、演员等身分，加入现代舞、布袋戏、现代剧场、歌剧等各类形式的创作，演出足迹更扩及法国、义大利、印度、新加坡等国。2025年5月23日，兆欣意外于家中辞世，享年40岁。本刊特邀昆剧艺术家温宇航，以兆欣挚友的身分，回忆他与兆欣相识、相惜的过程，以为纪念。
许多人认识演员鲍奕安，应该是因为《新社员》。 这部由再拒剧团、前叛逆男子共同制作的音乐剧，在台湾尚无音乐剧热潮、2.5次元戏剧也尚未流行的2014年，以「台湾首部BL摇滚音乐剧」为名掀起炫风。而鲍奕安在剧中饰演就读高中二年级的主唱小安，文弱且天然呆的气质，不只开启剧中的恋爱效应，也触动观众对青春、热血的各种想像。 「（《新社员》）的确让很多人认识我。」鲍奕安说：「不只是演员、或是剧组的里程碑，而是台湾剧场史上一个蛮重要的演出。」他强调，并不是说《新社员》多伟大，「而是打开了某扇门，让更多人愿意进到剧场，让整个剧场的观众开始有些变化。因为这个演出，大家开始知道剧场很好玩喔！」 从大学就加入剧场演出的他，早就记不得演过多少戏了，穿梭于大小剧场、沉浸式演出、商业表演、影视作品等，20年左右的光景仿若用好多角色堆叠出鲍奕安现在的模样。
演出结束那一刻，台北国家音乐厅的灯光尚未全暗，观众席间却已响起难以抑制的掌声。站在台上的，是首次来台演出的日本钢琴家小林爱実。她深深一鞠躬，身形轻盈，动作却透著一种刚刚好的坚定。再次回到舞台上，她微笑著坐回钢琴前这一次，不是她一人，而是与钢琴家夫婿反田恭平，以及恩师刘孟捷，一同六手联弹拉赫玛尼诺夫的钢琴小品。 钢琴前，3人肩膀几乎相触，两大一小的身影彼此让位，小林被挤到一侧，笑得宛如孩子。观众也笑了，因为这画面太过可爱，太过真实，像是难得一见的幕后时刻悄然浮现在舞台上。 这样的笑，是难得的。曾几何时，小林曾历经一段漫长的安静与挣扎。而她今天愿意笑、愿意弹、愿意来到舞台中央，说的不是「我要证明」，而是「我想演奏」。
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