挪威剧作家易卜生（Henrik Ibsen）在 1881 年写成出版了《群鬼》（Ghosts），其内容涵盖了乱伦、梅毒、安乐死与自杀等议题，震惊当时的社会，因此被禁，没有一家挪威剧院愿意制作搬演这个剧本。近一个世纪半后的今天，即便这些话题依旧引人注目，但现代观众很难再觉得这样的题材惊世骇俗。然而，在伦敦西边的里瑞克．汉姆史密斯剧院（Lyric Hammersmith Theatre）在4月中再度搬演了这个剧本，由剧作家欧文（Gary Owen）改编，本剧院的艺术总监奥莉欧丹（Rachel ORiordan）执导，《群鬼》在伦敦剧场圈内再度引起话题。
巴黎初春举行的2个艺术节，成为当代表演艺术新星崛起的重要指标。巴黎市中心编舞创作基地──「玻璃动物园」（Mnagerie de Verre）每年春、秋进行的「非比寻常艺术节」（Festival des Inaccoutums）透过跨领域的编舞创作，发展突破形式局限的新型态演出。而在巴黎南郊城镇旺夫（Vanves）举办的Artdanth艺术节则长期支持前卫创作，将年轻艺术家推向国际舞台。
又是阳春三月，草长莺飞的时节。 当你在亚洲大厦的走廊撞见穿著戏服的演员，别惊讶他可能刚结束《阿波罗尼亚》的夜场演出，转身就要赶去说唱音乐剧《东楼》的剧组试音。 据《音乐财经》杂志统计，2025年第一季，中国剧坛引进原版音乐剧8部，占总剧码数比例仅11.2%，中文版剧码71部，占比攀升至88.8%。作为音乐剧半壁江山的上海，中文音乐剧以肉眼可见的增速崛起，而2025年的增长势头更为凶猛。不过，当观众为国风悬疑音乐剧《长安十二时辰》欢呼时，后台的计算器正悄然启动：每场演出费乘以场次减去房租，再加上不确定的商演机会这道现实主义的数学题，构成了音乐剧演员的日常生存公式。 在以亚洲大厦（编按）为核心的音乐剧江湖里，「一角九卡司」早已成常态。在一部《辛吉路的画材店》里，一个角色需要6至8名演员轮转，才能维持每月25场的高频率演出。有人1个月连轴转7部戏，白天排《阿波罗尼亚》，晚上演《谨遵医嘱》，中间还能抽空在《蝶变》里当个民国名媛。这种高强度运转的背后，是市场对新鲜感的极致追求。观众热中「集卡」不同演员的同角色演绎，制作方则将多卡司作为行销噱头。但硬币的另一面是，单部戏的演出周期缩短至1至2个月，演员难以靠一部戏稳定生存。正如业内人士所言：「在上海，演员必须像『人形永动机』，在戏与戏之间无缝切换。」 繁荣背后，演员的「生存算术题」 尽管上海音乐剧市场票房火爆，但演员的生存帐本却没那么光鲜。根据行业数据，一线城市音乐剧演员月薪约5千到1万3千元人民币，但这份收入需建立在「全年无休」的高强度演出基础上。 这本帐其实很好算，两个方面一目了然。 1、收入端 ◎ 新人价：一部戏排练费每天150元（无餐补），演出费单场几百元。假设一个月演20场，总收入约1万元。 ◎ 老手价：成熟演员可能拿更高分成，4千到5万不等，但若只接一部戏，月收入仍难破万。 2、支出端 ◎ 房租：上海单间月租3千元起步，内环一室户直逼6千元。 ◎ 五险一金：若自
2025年3月中，由美新尼雅女性学术与艺术基金会（Stiftung maecenia fr Frauen in Wissenschaft und Kunst，下简称美新尼雅基金会）举办的最后一场「女王之路系列讲座」（Kniginnenweg）顺利落幕，讲座标题为「到此为止，后会有期」（Bis hierhin und weiter），是美新尼雅基金会结束营运前的最后一场公开活动。这个从2002年活跃至今的讲座向来由美新尼雅基金会与法兰克福各文化机构合作举办，让女性艺术家和学者对大众发表受基金会支持的计划。讲座名为「女王之路」，因为是献给业界女性与其杰出的计划，但女性的职涯很少像德国俗谚所说的「国王之路」那么平坦宽广。 2000年成立于法兰克福的美新尼雅基金会，以「赋予女性力量就是改变世界」为宗旨，长年支持女性艺术家、音乐家、剧场和舞蹈工作者及学术研究者走出自己的道路，并奖助各种透过女性主义视角关注社会议题的计划，举例来说，近年受资助的有聚焦于政治议题的戏剧和电影作品，探讨日益右倾的全球政治光谱、相应而来的反女性主义浪潮、以及极权国家的全球网路监控对基本民主与言论自由的威胁等。另外，也有致力于改变学术领域里以男性叙事为主导的计划，如2016年资助的「数学界的女性」国际摄影展，至今在世界各地展出已超过100场，呈现20位不同国家的女数学家肖像和访谈，为这个仍属男性主导的领域开启了新视野。
「Todos Fest ! 共融艺术节」已然成为石头公社一年一度的品牌节目，在几乎每月一节庆的澳门，「共融艺术节」可算是一个独特的存在，每年与不同的社福机构、艺术团体合作，以「共融」为理念，为身心障碍者、长者提供演出及创作平台。「Todos Fest!共融艺术节」从2021年开始举办，并一连两届作为澳门城市艺穗节的「节中节」，去年首次离开官方节庆，由石头公社独立主办，也获得博彩企业金沙澳门作为场地支持单位，在离岛氹仔炮烛厂遗址活化片区中举办。 举办至第5年、且获得不俗口碑的「Todos Fest !」，却传出没有得到政府单位资助的消息，主办单位只能硬著头皮继续办下去。相对过去几年，第5届的「Todos Fest !」在表演类节目的数量上似乎减少了，却迎来法国鬼才编舞家杰宏．贝尔（Jrme Bel）享誉国际的舞作《盛会》（Gala）（注），而且所有节庆活动都在澳门文化中心的剧院和广场上举行。《盛会》的澳门版本由莫倩婷、关若斐担任重排助理，在澳门公开招募16位表演者。台上表演者具有不同的身体经验，有舞者、演员、儿童、身心障碍人士及银发族，展现了出一幅多元、平等的风景，在杰宏．贝尔看似简约却是精心编排的结构下，不同能力表演者在台上展现的并非一般才艺表演式的弱势社群演出，而是透过不隐藏差异、允许「做不到」的平等展示，共构一个互相包容的公共空间。在宣传经费限制有限、澳门大众对当代舞蹈兴趣不足的条件下，这部理应作为澳门年度盛事的演出，入场人数还是坐不满澳门文化中心小剧院，但演出现场气氛的高涨、观众的热情投入，却是澳门剧场演出中少见的。
最近音乐才子方大同辞世，让许多乐迷深感惋惜，网路上不少人去重温他的访问和音乐会。香港表演艺术界近月亦有几位资深学者、创作者和技术专家辞世，也让圈内人士唏嘘不已。 香港资深音乐学者与乐评人刘靖之教授于2月初辞世，他除了是音乐研究者亦是翻译学研究者，在1970年代就开始撰写音乐评论，多年来笔耕不辍，硏究涵盖音乐、文学和翻译3个领域，主要著作包括《中国新音乐史论》、《刘靖之谈乐》3辑、《欧游乐记》、《林声翕传》等，并在中国多个音乐学院进行长期的学术交流。刘教授在2001年已响应香港中央图书馆发起的「文献征集行动」，将他个人收藏多年的珍贵书刊、文献，赠予公共图书馆，成立了「刘靖之文库」特藏。 一样是2月份，香港舞台技术及设计人员协会名誉顾问、香港话剧团前舞台技术主管林菁先生辞世。他是在1989年加入香港话剧团参与剧场技术及舞台管理专业，在剧团服务超过30年，不单是剧团的元老级人马，也为香港的剧场技术及舞台管理留下了很多宝贵的经验，并曾经在话剧团出版的书刊中接受访问。 3月，著名作曲家陈能济先生离世。印尼出生的他，在1989年初获台湾高雄市实验国乐团邀请，担任乐团职业化之后第一任驻团指挥；在台湾生活5年期间创作不断，及后在1993年获香港中乐团邀请，出任乐团助理音乐总监一职。在1970年代，陈能济就曾协助香港中乐团由业余发展至职业化，提倡「中乐交响化」的理念，他的作品数量甚丰，包括音乐剧《城寨风情》、《六朝爱传奇》、大合唱《东方之珠礼赞》、音乐朗诵剧《孙悟空三打白骨精》、舞剧《九天玄女》。香港艺术发展局的「口述历史及资料保存计划」有关于陈能济的访谈，在郑学仁博士的努力下在今年上架，让乐界朋友可以在透过网站了解他的创作历程。 香港著名填词人、有「词圣」美称的卢国沾则在日前于睡梦中辞世，他的作品包括《小李飞刀》、《天蚕变》、《人在旅途洒泪时》、《陆小凤》等，都是香港电视剧一代观众的集体回忆。而曾经参与「香港舞蹈口述历史（1950至70年代）」计划的梁漱华女士，是中国和加拿大著名舞蹈编导家和教育家，也是加拿大舞蹈教师协会首位承认的中国舞教师，亦曾在香港留
今年，滨海艺术中心向来在3月份举办年度儿童艺术节「前进」（March On），已迈入第5届了。新加坡每年3月都有一周的学校假期，放假的孩童便有机会和父母共同观赏演出，而今年的「前进」为期3周，比往年更长，一共有5场付费演出，以及一系列的免费艺术活动如工作坊、装置艺术等。 「前进」艺术节专为12岁以下的孩子打造艺术体验，而孩子们都是与父母一起前来参与艺术节，所以「前进」也相当注重适合亲子共赏的活动与演出。如今年邀请的英国Punchdrunk Entertainment《消失的图书馆》（The Lost Lending Library），和澳洲Polyglot Theatre的《BB车一族》，都是适合亲子共同参与的参与式剧场。
《君心．南洋梦昭君》（以下简称《君心》）是新加坡滨海艺术中心与湘灵音乐社所联合制作，于2月中在滨海艺术中心新电信水滨剧院演出，并由来自台湾的周慧玲、李易修分别担任编剧与导演。《君心》的剧作结构，为全剧延伸了多重叙事的观点，甚至开创了传统现代化特别是在现代剧场里创作与现代戏剧结合的南管的一种新的美学、新的史观，将南管演唱者和千百年来传诵的故事女主角，直呈于受众的认知与想像之中。对于新加坡的湘灵音乐社来说，这个作品极具当代意义；其表现完全不同于2019年台湾戏曲艺术节中与国光剧团合作《费特儿》时，音乐受缚于庞大京剧体系下被动的角色。音乐设计黄康淇为这出戏剧的说唱，穿针引线地缝绣出相当立体多彩的视觉画面。 《君心》的戏剧情节是假托20世纪初一艘来自麻六甲的橡胶商船，在前往泉州采买和迎娶新妇后，经台湾大稻埕，回程时于船上所发生的日常和奇幻遭遇。开场时，一名女子（由湘灵音乐社首席林明依担任，饰演来自台湾的南管歌者廖阿昭）在微弱的灯光中清唱著以王昭君为主题的南管散曲〈出汉关〉，随著鼓声和弦乐的导引，抽象的音乐竟然发挥感官摄影术，将犹如特写的音乐独白，转化为大场景的远镜头，于此开始了全剧呼应南管〈出汉关〉内容的3段演出：〈风吹雁门关〉、〈家书把鼓乐〉与〈海道难比山险峻〉。追究到底，全剧不过唱一曲〈出汉关〉，只是从头到尾重复了3遍，但因每回重复和转折的情节方式不同，观者却因而体会了几重莫名的高潮迭起。
槟城以福建人居多，因此广东话作为媒介的舞台剧比较罕见，尤其是原汁原味的香港创作。不过这一回，剃刀实验剧场首次与「90制作团队」合作，特别邀请来自香港的编导陈绮华前来槟城，进行为期3个月的排演，为观众呈现难得一见的原创双人剧《最后的华尔滋》，全程以广东话演出，尝试打开槟城剧场另一个可能。 《最后的华尔滋》讲述一名生无可恋的妇女，好不容易储够勇气，站上椅子准备投缳自尽，不料却被一个落魄小偷意外捣乱计划。两个绝望的人在纠缠之间，发掘了彼此之前的人生交集，还原一段舞蹈排练室感人的师生关系，最后透过一支久违的舞蹈，重燃求生的希望。
泰国设计界和艺文界年度盛事曼谷设计周（Bangkok Design Week ）在2月8到23日在曼谷登场。曼谷设计周由泰国创意经济局（Creative Economy Agency）主办，以老城区的泰国创意设计中心（TCDC）为中心，在曼谷各大区域有不同形式的活动和展览，从一开始的静态展览，逐渐扩张到近几年的讲座、工作坊、城市导览、音乐表演和市集等，曼谷设计周不只是单纯是个设计展而已，一开始的目的就是要以设计为力量，让民众走进城市的各个角落，进而带动社区的经济发展。 曼谷设计周从2018年开始，展区最早从曼谷老城区第一条现代化的道路石龙军路（Charoen Krung）和达叻仔（Talad Noi）开始，展区逐渐扩大。中间经过COVID-19的挑战，到了2025年曼谷设计周的主题是「设计跃升：正向力量迎接挑战」（Design Up+Rising: Facing Challenges with a Positive Twist），加入了永续性的概念，4大重点领域包括展示曼谷作为创意之都的特色、新兴设计师的展示平台、创意专业人才的交流以促进商机以及透过美食和时尚展现泰国的软实力。
2月下旬，北京专做杂技表演、1300座的朝阳剧场推出两场「脱口秀之夜」，门票秒杀，脱口秀受欢迎的程度已从它的秀场满溢到不同的剧场了。开年以来的两个月，北京脱口秀演出超过3400场，占商业演出约43%。如果再讨论「脱口秀是不是表演艺术」这个问题，很快地没进过剧场的年轻人可能都会认为剧场就是演脱口秀的。就像10多年前，很多想投资话剧（舞台剧）的人以为话剧就是开心麻花。与此同时，北京首批25处挂牌的演艺新空间在这个农历新年期间也贡献了500多场次的演出，包括正乙祠古戏楼的经典戏曲，三里屯爱乐汇艺术空间，七七剧场的沉浸式悬疑剧等等。脱口秀与演艺新空间代表著北京的表演艺术日益多元化，但也代表著娱乐化表演需求日殷，势不可挡。另一个史无前例的数字也令许多人惊叹，2024年北京国家大剧院与天桥艺术中心票房收入双双破两亿人民币，领先全国所有大型剧院。剧院努力往市场营运的道上奔跑。 表演艺术的内容娱乐化、受众年轻化与剧院营运市场化在表面上看来对表演艺术产业似乎是正面的，因为统计数字每年都是增长的。但是，如果把表演艺术仅仅视为娱乐产业的话，最终这个社会将失去支撑人们对这个世界思考与反省的文化底蕴。艺术仍应该在不同的时代发出不同的声音，发出自己的声音，而要做到这些，最重要的就是艺术创作的原创力，也就是有好内容的作品。在北京其实并不缺乏编剧人才的孵化计划，但大多是为了公部门的文化成绩单，形式为上，真正纯粹为拓展艺术创作力设想的计划少之又少。值得庆幸，也很自然的是，大河中总有那么几只小鱼逆流而上，在这个讲究商业模式与营销策略的氛围里，仍有人关注著艺术本质的原创力，以孵化原创剧本为职志的「声嚣」（Sound Fury）就是其中之一。
被誉为加拿大最具代表性、同时也是历史最悠久的文学奖总督文学奖（Governor Generals Literary Awards）日前公布2024年的得奖名单。剧本类获奖作品为Caleigh Crow的《有暴力、有正义的暴力，还有死亡，或是重生的乌鸦》（There is Violence and There is Righteous Violence and There is Death or, The Born-Again Crow，以下简称《重生的乌鸦》）。 该奖项由加拿大国家艺术委员会主办，每年针对小说、非虚构写作、诗、剧本、儿少文学、儿少图画书与翻译（英翻法、法翻英）七大类别，评选出当年度最佳英语及法语出版品，并分别颁发25,000加币给得奖者、3,000加币给出版社作为奖金。
以 20 世纪 50 年代女性国剧团为题材的网路漫画《正年》，在去年改编成电视剧后大获成功，创下亮眼收视成绩，成为近期难得一见的票房佳作，更成功唤起大众对「女性国剧」这门被遗忘艺术的关注。 女性国剧源于 1948 年，由一群女性国乐艺术家组成的「女性国乐同好会」（여성국악동호회）开创，并于 1950 年代迎来黄金时期。女性国剧的特色在于全女性演员包办剧中所有角色，包含男性角色，融合唱腔、舞蹈与戏剧表演。其中，扮演男性角色的「花美男」演员更因俊美形象与精湛演技，吸引大量粉丝，被誉为韩国粉丝文化的起点。然而，随著 1960 年代电视和电影等娱乐形式的普及，女性国剧票房急剧下滑。不仅外部环境变迁影响，过度依赖明星美男演员光环、商业化取向导致艺术性被忽略等内部问题，也使这门独特的通俗艺术逐渐失去立足之地，最终被排除在国家文化政策支持之外，渐渐淡出大众视野。
2025年的「共生共创艺术节」，于3月5日至15日在神奈川县民会馆举行，主办单位强调这是一场不分年龄与身心状况，所有人都能参与并享受表演艺术的盛会。艺术节的规划透过戏剧、音乐、舞蹈与工作坊等，探索共生与共创的可能性。本次艺术节同时也是神奈川县民会馆于今年4月1日休馆（期间未定）前最后的大型活动，为场馆画下具有象征意义的阶段性句点。
英国文化部长丽莎．南迪（Lisa Nandy）于上月宣布政府将注入超过 2.7 亿英镑到国家文化部门，其中的 8,500 万英镑将用于维持场馆营运的紧急基建工程。 南迪说：「我来自一个对戏剧有著浓厚兴趣的家庭，我对剧场这类空间非常熟悉，但有太多这个世代长大的孩子没有这样的背景以建立这样的感受。」她的父亲是国家剧院的董事会成员，姊姊则在曼彻斯特皇家交易剧院（Royal Exchange Theatre）工作。南迪表示，文化在社区里消失，也逐渐在课纲中被抹去，这对这个国家的年轻人来说太不公平了，因此政府提出「处处有艺术基金」（Arts Everywhere Fund），专门用以解决这个困境，确保在社区的文化机构持续运转，及各族群的文化遗产能传承，毕竟，这个国家是许多不同族群的故事组成的，因此政府必须保障各族群文化，继续为国家注入故事与活力的能量。 剧场界重要人士包含剧作家格雷厄姆（James Graham）、导演奎阿玛（Kwame Kwei-Armah）以及英格兰艺术委员会（Arts Council England）执行长达伦．亨利（Darren Henley）等都对这笔资金强烈表示欢迎，国家剧院（National Theatre）的联合执行长凯特．瓦拉（Kate Varah）也称这项政策表示工党政府对艺术有敏锐的洞察力。 不过，伦敦剧院协会（Society of London Theatre）和英国剧院组织（UK Theatre，会员为英国剧场工作者） 则持保留态度，表示至少需要 5 亿英镑来确保国内剧院不关门，去年这两个团体就已警告，若政府不挹注资金在剧场艺术界，近 40% 的场馆将面临关闭的风险，另有 40% 的场馆将因没钱翻修不够安全而无法使用。伦敦剧院协会与英国剧院组织的联合执行长汉娜．埃塞克斯（Hannah Essex）称这笔资金是必要的升级，但可能不足以缓解剧院的困境，她说：「接下来的支出审查（Spending Review）必须提出永续投资的纲要与细节，以获得慈善事业和其他赞助机构更长远的资金支持。」埃塞克斯认为这是长期的问题，没有短期解决的方案。 除了用于紧急基建工程的 8,500 万英镑外，2.7 亿英镑的资助还包含用于修复濒危文化遗产建筑的 1,500 万英镑，以及包含英国电影学
在川普的第一任内，美国艺文界常常扮演「反对者」的角色：《汉弥顿》的演员向看戏的副总统彭斯宣扬包容移民，视觉艺术家Richard Prince宣称总统女儿Ivanka收藏的一件作品不是他的，甘迺迪中心荣誉奖得主拒绝与他见面等。回锅的川普现在很清楚地宣告：不会再容许这样的行为！他的做法，就是掌握甘迺迪中心的管理权。 川普2月7日在X上宣布他要让甘迺迪中心「再度伟大」，一周之内他就开除了董事会主席及所有民主党总统任命的成员、包括总裁在内的数位高阶管理人员，然后立即补足所有董事并推举他为主席。 美国政府对艺术基本是采放任的态度，甘迺迪中心与美国绝大多数的艺术机构一样，是不涉政治的非营利组织。当然因为位于首都，又是政府出钱盖的，地位比较特殊，所以为了维持政治中立，政府的钱只能用来维修建筑本身，其他人事和节目经费都要自筹。而由现任总统任命的董事，则有6年的任期，也是为了保持任何总统无法在4年内更换全部的董事。 但川普上任以来就展现了他对所有惯例都是嗤之以鼻的态度，而甘迺迪中心至今的反应，也充分表明了艺术界其实并没有真正反抗的能力。川普任用的人马随即上任，除了个别艺术家宣布解散与中心的合作或演出关系外，美国艺术界并没有发生任何有效的抵制。 川普为什么会盯上甘迺迪中心，与他之前被荣誉奖排除在外有关。这个由1978年开始颁布的奖项，表扬的是表演艺术（包括电影、电视、流行音乐）工作者的终身成就，每年的表扬晚会，总统或副总统皆会出席，之前还会在白宫招待受奖者。但是川普上任第一年的受奖者就表示不愿与他见面，经过协调，取消了白宫参与部分，之后3年也都是如此，到拜登上台才又恢复「惯例」。 甘迺迪中心的节目比起纽约洛杉矶等很多地方的表演，在艺术上或许不是最前卫，但毕竟仍有指标地位。川普的介入，在美国可谓史无前例。表演艺术节目的规划，通常要一段时间，不容易朝令夕改，所以一时之间还不能看出川普对其影响。但是从他与新的主管目前的发言来看，可以知道他们不会采放任的态度，所以甘迺迪中心未来恐怕也很难摆迫「政治力干涉」的印象，而什么样的受奖者才是川普可接受的，更是没人知道，至于艺术家和观众将选择合作或杯葛，还真是只能「请看下集」了。
日本著名舞踏艺术家市原昭仁（Akihito Ichihara）开年不久后来到马来西亚交流，逗留期间受邀到槟城主持了一个为期两天的工作坊，向较少接触舞踏的当地演艺爱好者推介入门基础，事后和20多位学员一起呈献成果展，吸引了百多位观众前来槟城和谐中心见证。
新春伊始，中国演出行业协会发布了最新年度的《全国演出市场简报》。据悉截至目前，全国剧场类演出（含演出新空间和小剧场等）有29.64万场，票房收入119.29亿元，观众人数5424.11万人次。其中业绩最为亮眼的是音乐剧，在专业剧场演出中，音乐剧演出场次同比增长超过5%，票房增长超过10%。 与此同时，中国最大的剧场演出连锁院线「中演院线」也发布了2024年度《全国演艺市场观演意向调查报告》，报告指出，在观众最喜爱和最想看的剧场演出类型排行榜上：音乐剧以64.88%的比例，和话剧╱舞台剧（61.49%）与舞剧（46.38%）分别占据前三名。 这两份报告从不同的角度显示，音乐剧近几年俨然已成为中国剧坛盟主，独占市场、票房和观众量之鳌首。这固然是一个令人欣喜的现象，但另一个更为异乎寻常的现象却已开始兴风作浪近来盛行于音乐剧演出内外的「人质」文化现象。 「人质」文化现象，指的是音乐剧的制作，从创排、营销到演出，制作方把演出的成败、票房的盈亏、口碑的好坏，押宝在邀约担纲主演的明星或流量艺人身上；而另一方面，观众或粉丝则把自己喜爱的艺人作为「人质」，与是否担纲音乐剧的主演紧紧「绑架」在一起。他们不问内容，只问爱豆（Idol，偶像），市场的兴旺，票价的高低，连续赶场刷票的次数，均取决于自己的爱豆是否全程出演首席主角。 于是，便出现这样一幅奇异的场景：在岁末年初，音乐剧《战争与和平》刚官宣当红流量男团明星马嘉祺加盟，瞬间，但凡有马嘉祺参演场次的票价即刻被爆炒到近5,000元人民币，而其他场次则纷纷打起了100多元的骨折价。在一个知名社交平台发起的关于「是否会为了人质看烂剧」的投票讨论中，结果，愿意为「人质」看烂剧的大有人在。甚至有粉丝直白地说：「对人质的信任，不就是相信他在不那么好看的剧里，也会有绝美的发挥吗？」 诚然，一档拥有亮眼的卡司阵容的演出，是决定观众自愿买票走进剧场的重要因素之一，明星加盟也确实为音乐剧带来了高人气和大市场；但是爱豆们一旦被「绑架」成粉丝、市场和票房的「人质」，就不能不让人产生疑问：在这些喧嚣走进剧场的人潮中，有多少是真正热爱艺术、陶冶情操的音乐和戏剧爱好者？！ 上海专业人士指出，演艺界的「人质文化」或「饭圈现象」并非中国独有，
以往香港艺术发展局（简称艺发局）「年度资助」的申请期在每年年底就开始，但今年却迟迟未闻消息，直至2025年1月中，艺发局才在官方网站发新闻稿，宣布修订「年度资助」制度，主要包括取消「三年资助」及让受年度资助团队可参与争逐一般资助计划。 自1990年代末，称艺发局推出支援艺术团队发展稳定艺术行政能力的「年度资助」，多年来凝聚成一幅中小型团队多元发展的百花齐放景象，亦是本地创作的重要能量。年度资助在当时政府较全盘的、同时在不同阶段与业界沟通后所制定的文化政策下发展，让在香港演艺学院的毕业生及各式文化组织，各有较长远对艺术发展的想像。 诚然「年度资助」多年来都出现不少变化和讨论，如业界对资助「吃不饱但饿不死」的额度一直认为有调高的需要，但艺发局除了本身资源是来自政府、每年都面对不同挑战，多年来年度资助的饼都大不了多少，虽然在其他如文化交流、个别主题（如针对行政人才训练或海外演艺市集）等项目上有增加额度以对应不同界别的需要，但获资助团队「上车下车」的流动性不多，多年来资深团队的发展已经到了瓶颈，却欠缺再往上提升的空间，另一方面，新进团队加入的比例却不高。即使艺发局一直强调要强化团队寻找其他资助的能力，让团队有更多元的开源空间，不过这些年来，客观的文化环境却不利于团队发展，如长期演出空间的开拓、增加排练空间等，都只能牛步前进。 事实上在疫情过后，国际的表演艺术环境尚未完全复原，亦有待迈进下一阶段的范式转移，如永续表演的探索等，艺术团队对资助的期待亦可理解，因此当这次2025-2026「年度资助」相关资讯迟迟未公布，申请资助团队的焦虑可想而知。 有趣的是这次消息的流通，是从非官方的发布展开：《明报》在艺发局官方宣布修订资助制度的前几天，以大篇幅「预测」改动，而局方在正式宣布后，也没有设咨询会与业界交流，有别于以往会保持与界别的沟通。这次改动主要在于取消10多年前加设、让有经验团队能有较长远发展、减低行政负担的「三年资助」，现在只设一年和两年资助，虽然资助额上限与去年相近（如两年资助申请每年上限最高预算是港币200万），局方亦强调这次修订有助加强团队获资助的流动性，不过团队的长远计划肯定会受限，行政负担亦会增加。 另一方面，以往获年度资助团队不能申请一般计划资助，而是另设额外资助计划，让更小型的
近两年澳门剧场界都会出现两个年度演出的票选活动，一个是表演艺术评论网站「评地」的剧评人「年度回顾」，另一个是网上平台「Art骚共同体」的「本地舞台剧网上票选」。 两者均为年度表演艺术类回顾活动，分别为从2023年首办的「本地舞台剧网上票选」开放予「全民投票」，并选出最高票数的「人气剧目」、「人气男、女演员」、「最欣赏本地编剧」、「最欣赏本地导演」。奖项揭晓当日会举行线上直播，除公布最高票数者之外，还会邀请嘉宾回顾过去一年的剧场现象。2024年的「大赢家」可说是友人创作（艺术）剧团的《那夜与友人》，该剧同时获得「人气剧目」第一名和「最欣赏本地导演（及其作品）」，而主演的吴嘉伟亦获得最高票数的「人气男演员」。该剧翻译自日本剧作家山本卓卓（Suguru Yamamoto）的剧作，由澳门戏剧演员黄湘雅进行中译， 2022年于「全球优秀剧本读剧节」进行过一场读剧演出，读剧和正式演出的导演均为这次获得「最欣赏本地导演」的赵启业。澳门资深剧作家李宇梁获得「最欣赏本地编剧（及其作品）」，龚嘉敏则连续第2年获得最高票数的「人气女演员」。 而自2021年起由「评地」网站举办的「年度回顾」则著重
新加坡「M1艺穗节」（M1 Singapore Fringe Festival）创办于2005年，2025年的节目于1月8日至19日演出。这个由新加坡剧团「必要剧场」主办的艺术节庆，这21年来由电信业者第一通（M1）赞助。然而第一通将在今年以后撤资，少了冠名赞助，作为非营利组织的必要剧场就无法独立让艺穗节持续下去。因此自去年10月起，必要剧场就积极为艺穗节寻求个人或企业的资金支持，发起筹款活动，计划筹措新币5万元（约新台币115万元），以让2026年艺穗节能够顺利进行颇有「走一步算一步」的打算。 多年来，艺穗节秉持著为观众展示非主流、具社会意识的艺术作品，除了戏剧表演，也集合舞蹈、音乐、行为艺术、装置艺术等多种艺术形式。艺穗节一般在每年的1月份举行，每年都会设定与社会和世界课题相关的主题，例如战争、气候危机、移工困境、心理健康等社会课题，任艺术工作者们回应。
曾在法兰克福芭蕾舞团及威廉．佛塞舞团担任舞者近20年的法布里斯．马兹利亚（Fabrice Mazliah），从当年佛塞舞团还在时就持续以编舞者身分发表作品至今，并长年受邀至许多欧陆知名舞团编舞。2021年，法国里昂国家歌剧院芭蕾舞团委托马兹利亚制作新作《Sheela》，并与佛塞经典名作《重制一道平面》（One Flat Thing, reproduced）在同晚节目一起演出。2024年下半年，马兹利亚应「莱茵．美茵舞蹈节」（Tanzfestival Rhein-Main）之邀，将《Sheela》重新编制为法兰克福新版本，于舞蹈节期间在法兰克福实验剧场（Frankfurt LAB）首演。 歌声不断、接触即兴不断 在此版本的《Sheela》中，全空的黑盒剧场里除了墙边少量椅子外，没有规划观众应该坐下的区域。观众被告知可以在任何位置停留，也可以随时自由移动，坐或躺成不同的形貌。演出时间一到，一名舞者从观众群里站起，向远处大声唱出一个回转的单音。她的歌声在麦克风收音并即时混音后，自音箱传出极大的回音，仿佛是从山谷中对著另一座山头呼喊。接著，另一名舞者从遥远的黑幕后方以同样的方式应对回唱，而其他4名舞者也从黑暗中逐渐加入和音，同时向剧场中央靠拢。 随后，6名女舞者互相询问彼此「妳希望怎么触碰我」及「妳希望我怎么触碰妳」，作为接触即兴的开端。一段时间后，其中一位舞者开始唱歌，其他舞者则依次加进。令人感到惊奇的是，她们不只唱1首歌，而是1首接著1首唱完13首歌，一直唱到演出结束为止，每首歌皆为西方女性流行歌手耳熟能详的名作。随著歌曲的转换，接触即兴也逐渐发展出不同的主题，歌词时而忠实原曲，时而改编成舞者自身的经验写照。舞者们在观众之间流畅穿梭，舞蹈动作和群体间互动的能量则遥遥呼应著每首歌词带出的语意。
文化终究成为政治的牺牲品？今年初，台湾立法院在野党提案删除中央政府总预算，掀起哀鸿遍野的文化浩劫。从去年开始，法国内阁与地方政府也力行撙节政策，造成艺文界的生存危机。文化预算的删减并非是开源节流的最佳对策，反而突显政客对艺文产业的冷漠无知及惯性霸凌。
泰国艺文界年度盛事「清迈设计周」（Chiangmai Design Week）自2024年12月7日到15日在清迈老城区内外登场，这个活动由泰国创意经济局（Creative Economy Agency）主办，是在地艺术家、设计师和创意工作者展现作品的重要平台，透过设计的力量，推动清迈的社会、经济和文化发展，更吸引不少在地人才回乡贡献所学，为清迈注入源源不断的活力。 今年清迈设计周迈入了第10年，可以说是一个重大的里程碑，创意经济局清迈办公室主任尹哈泰（Imhathai Kunjina）指出，设计周让清迈在地的社群了解到创意和设计可以成为文化的资产，也让各界了解到清迈除了传统文化之外的其他面向。 设计周更成为「母舰」，许多清迈的文创活动会因此搭配设计周的时间举行，邻近的楠府（Nan）、素可泰府（Sukhothai）和南邦府（Lampang）也会有工艺师或设计师参加，形成群聚效应，让本就是清迈旅游旺季的12月充满节庆气氛，同时带来更多观光客与收入。
东京都现代美术馆于2024年12月21日至2025年3月30日，以「坂本龙一｜可视的声音、可听的时间」（坂本龙一｜音を视る 时を聴く）为主题，举办日本首次坂本龙一（1952-2023）的大规模展览，结合大型装置艺术作品，全面带领观众探索其独特的艺术世界。 坂本龙一在超过50年的艺术生涯中，以多元的表现形式不断推动时代的前进。他在1990年代开始运用多媒体工具进行现场演出，并在2000年代后进一步与不同艺术家合作，致力于思考并实践将声音以立体形式融入空间的表现当中。本次展览以坂本龙一生前为东京都现代美术馆设计的展览构想为核心，聚焦于他长期关注的两大主题：「声音」与「时间」。展览内容包含他未曾公开的新作品与过去的代表作，总计超过10件沉浸式与体验型声音装置艺术作品，将在美术馆内外的各式空间展示。透过这些作品，观众可以追溯坂本前卫且实验性的创作轨迹。 这些作品，不仅是对坂本龙一开创与实验性创作历程的回顾，也试图向观众揭露他作为一名艺术家的另一个面向。借由「可视的声音、可听的时间」的概念打开观众的视觉与听觉，从内心的触动开始带来不同于传统音乐表演或美术展览的全新体验。坂本龙一不断追求将「声音置入空间」的艺术性挑战，并且不断对「时间的本质为何」一问提出深刻的思考。这些探索跨越了时代与空间的界限，为我们带来全新的视角，持续拓展创造与体验的边界，为艺术与感知开启无限可能性。 此外，本次展览特别邀请多位国际知名艺术家与坂本龙一合作，包括高谷史郎、真锅大度、卡斯滕．尼古拉（Carsten Nicolai）、阿比查邦．韦拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）、Zakkubalan，以及岩井俊雄。艺术家中谷芙二子也以特别合作的形式参与展览，为其增添更丰富的艺术表现形式。 相关网站：东京都现代美术馆
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