首尔市立舞蹈团（Seoul Metropolitan Dance Theatre ）作品《佾舞》（One Dance）于世宗文化会馆第四度登台，再次掀起话题。为期4天的演出，门票在开演前一个月即售罄，印证了这部作品在国内外累积的口碑。 2023 年，《佾舞》于纽约林肯中心（Lincoln Center for the Performing Arts）首演，当地演出评论人留下高度赞誉：「简洁且精致的完美同步，精密编排的动作仅仅是开启这前所未见、惊艳舞蹈之夜的序幕。」获悉此评价的导演郑具浩（Kuho Jung）不禁含泪道出「这就是耕耘30年的成果，我就是为了这一刻奔驰至今。」
为了改善长期以来表演艺术工作者不稳定的劳动环境，包含「日本艺能实演家团体协议会」（简称艺团协）、「日本演剧兴行协会」等单位共同发起，成立「日本实演艺术福祉财团」，并于 7 月 22 日正式注册，23 日在东京举行记者会。「实演」泛指在舞台上从事表演艺术工作的人员，包含剧场演员、音乐家、舞者、编导、舞台技术人员等等。希望透过财团的设立，提升表演艺术工作者与幕后工作人员的社会福利，并建立能支撑整个产业的安全网络。 根据财团于记者会公开的资料，日本的表演艺术界正面临许多挑战，例如日圆的贬值与物价高涨，导致大企业调高薪资，吸走人才，造成表演艺术领域人力缺乏；整体社会对职场规范与骚扰议题的关注提升，让业界意识到改善工作方式与环境的重要性；同时，少子化及高龄化的趋势，也让愿意承继艺术工作的人力减少，形成日本多样的表演艺术文化传承危机。 日本实演艺术福祉财团的成立契机，是在 2021 年，文化艺术推进论坛针对受文化厅补助的机构进行调查后，建议建立由表演艺术业界支撑的互助合作制度。在这之后，艺团协也多次举办研究会，针对欧洲、韩国、美国等国家的艺术家社会福利及保障制度进行研究，并于 2024 年发表「艺术家互助制度」中期建议。而在今年 4 月，由艺团协与日本演剧兴行协会等团体成立筹备委员会，终于在今年 7 月落实成立财团。 财团成立后的首要任务，是先著力于推动「劳工职业灾害保险加保业务」。由于表演艺术工作者大多属于个人接案工作，普遍缺乏劳工与雇用保险的保障，一旦在排练或演出中受伤，往往必须自行负担医疗费。财团指出，国家制度的劳灾保险相比民间保险的费用合理、补助制度完整，更可以借此建立与一般劳工相同的安全网络。为了减轻个人负担，财团也将分摊加入团体的营运费用，并推动简化手续、强化宣传，以提高团体及个人的加保意愿。在政府与地方层面，近年已经有多项配套措施，包括文化厅设立的「文化艺术契约指引」、法律咨询窗口，以及地方自治体如东京「ARTNOTO」、京都「KACCO」、滋贺「AMADO」等设立的专门咨询平台。同时，《特定受托事业者取引适正化法》（简称「自由业法」）也已制定，逐渐扩大劳工职业灾害保险加入的适用范围。 除了保险业务，财团也陆续进行政策研究与提议，例如计划与今年 9 月成立的「剧场等演出空间运用基准协议会」合作，
由香港西九文化区委托，香港话剧团创作、制作及演出的原创粤语音乐剧《大状王》7月11日至20日在北京天桥艺术中心演出11场，座无虚席，赞美之声漫天而来，甚至众口同声地认为这是华语音乐剧的天花板之作。《大状王》藉清朝判官的原型，讲述著现代人对人生的梦想与挑战，以及对于善恶的价值观。自2015年开始构思，2019年试演，经过多方修改，2022年正式公演之后又做了不少调整，2023年的版本演出之后，大获成功，短短数年间不但拿了超过20个舞台剧的奖项，也获得绝大多数观众的喜爱，甚至被誉为香港有史以来最好的音乐剧。 然而，一部由话剧演员演唱的音乐剧竟然会被认为是中国音乐剧发展了数十年之后的极致之作？这对目前繁荣的中国音乐剧市场与当红的音乐剧明星来说，情何以堪？ 在对《大状王》的一片赞扬声中，剧评人北小京倒是看到了一部分的真相：「香港话剧团所做的铁杵磨针般的努力，不过是严谨的专业精神，也是艺术工作者本应该具有的品质，被这样拿出来大加赞赏，只能更加说明我们的戏剧行业里有多少急功近利、被粗糙炮制的作品在占据舞台。」「急功近利」、「粗糙炮制」确实是目前中国音乐剧发展困境的症结所在。 如果问DeepSeek目前中国音乐剧发展的困境，它会从剧本、音乐、人才、产业生态与市场机制等方面系统性地展示中国目前的情况，然而，如果DeepSeek所根据的是目前中国音乐剧发展至今所有论述与批评文献的大数据，这种结论只能说明中国内地音乐剧圈的自省与自觉完全不著边际，因为我们看到的只是一个繁荣却并不健康的音乐剧市场的现象描述，问题的源头还是得回溯到根本的思维。 音乐剧是唯一一种能够完全由市场机制生存下来的表演艺术品类，所凭借的是它特殊的产出机制与商业模式，这在伦敦西区和百老汇被证明是有效的。然而在中国，中国特色的「国情不同」这个借口的背后扎实地站著做生意─投资，只关注短期收益的思维，当剧本缺乏戏剧逻辑、音乐与表演不匹配、导演调度不合理、演员忘词这些情况一再发生，日复一日，只能以明星效应和商业手段（如同时扮演著被操弄与反噬角色的粉丝经济）凌驾于专业，最终让人怀疑几度浪淘沙之后到底能留下多少值得再看的作品，当观众由期待转向失望甚至绝望后，市场的泡沫化也就可以预期了。 人才、资源（资金与设备完善的剧院）与市场规模都是中国发展音乐
紧接官方主办的「第二届澳门国际儿童节」之后，由「大老鼠儿童戏剧团」举办、澳门婴幼儿艺术创新网络协会协办的「Cute Fest」婴幼儿艺术节，将于9月4日至14日举行，来自澳门、新加坡、澳洲、波兰等地的婴幼儿剧场团体、导师将在澳门密集举行演出、讲座及工作坊。该艺术节延伸自「大老鼠」自2020年底开展之「推广及发展婴幼儿剧场计划」，原预计于2023年举行，由于疫情及政府资助条例的限制，延至今年发生。主办单位除推出本地创作的《亲亲．妈咪．大Tummy》外，也邀请了波兰亚杜飞剧团的幼儿音乐剧场《纸先生Satie》及新加坡The Artground的婴幼儿舞蹈剧场《跳进缤纷画室》到澳门演出。此外亦将举办多场分别为家长、幼教工作者和剧场工作者而设的分享讲座及工作坊，虽然首次举办但已具相当规模及国际化，也是澳门各个民办艺术节、戏剧节中，唯一以儿童、婴幼儿为对象的。
从纽约到东京：《鼻血》的追寻旅程 「你认识你父亲吗？」这是《鼻血》（The Nosebleed）的核心提问，也是活跃于纽约剧场的日裔美籍创作者小川彩（Aya Ogawa）在此自传式作品中，抛向观众也抛向自己的困惑。这部作品，近年来在纽约剧场界激起广泛共鸣，以直率的手法、幽默的基调且深具实验性的文本书写，引导观众直视由家庭记忆、自我认同与跨国族文化所共织而成的复杂课题。今年11月，《鼻血》将于日本东京新国立剧场上演（注），不仅对这部作品来说，是种国际巡演的里程碑，对这位日裔美籍的创作者而言，无疑也是某种文化意义上的回返与对话。 语言与文化之间：小川彩的剧场世界 小川彩是一位横跨剧本创作、导演与表演的跨界剧场艺术家，出生于东京，成长于纽约，作品常围绕身分、语言、性别与家庭等主题。在展演形式上，她经常以集体创作的方式与演员、设计师共同发展作品，关注的不只是语言与文本，也包括身体性、音乐性与观众的互动关系，风格兼具形式解构与深层情感，富饶丰沛多层且爆发性的表演能量，持续打破剧场的第四面墙，并挑战传统叙事结构。她独特的叙事手法与蓬勃的创作能量，备受纽约剧场关注，曾与林肯中心（Lincoln Center）、The Play Company、Soho Rep、Bushwick Starr等纽约重要剧场机构合作。 作为双语创作者，小川彩擅长在英语与日语之间穿梭，将语言的转换作为思考文化与权力结构的一种方式，而其多语能力与跨文化思考，不仅展现在创作上，也实践于日本剧作的译介。她不仅曾翻译冈田利规、前川知大、市原佐都子、神里雄大等多位知名日本剧作家的作品，同时也是日本剧作家协会所推动的剧本英译刊物《演剧：日本剧场在新千禧年》（ENGEKI: Japanese Theatre in the New Millennium）的御用翻译，并为该刊物的选书委员。著名杂志《Time Out》评其译作为「毫不费力、语感道地的翻译」，而《Village Voice》则称之为「一场语感转译的奇迹」。
来自槟城的高永杰是独立音乐场景中的一个传奇，他除了是摇滚乐队的鼓手，本身也是一名继承家族事业的纸扎师，平日亦担任华人丧礼的礼仪师。年轻时组团参与各类音乐场景，从Swearwood、灰色地带、COMA演变到如今的䰱乐队，20多年来初心不变。他从面包师回归家传的纸扎店，白天忙工作晚上练团，一有机会就接演出，两年前应舞蹈家李瑞强邀请参与《昙花堂：非典型之旅》的正念剧场演出时，首次把本身对生死轮回的观念实践在创作上，于是便有了《中阴身》的雏形。 「中阴身」是佛教观念，指人的意识离开肉身后至投胎之前的一个状态，没有实体但感受强烈。可以瞬间移动，最终会受到生前业力的牵引，投生到六道轮回中的其中一道。了解中阴身，可以帮助人们更加理解生死轮回的意义。䰱乐队的「䰱」是一个古汉字，是指古代一种人面兽身的神明，䰱乐队擅长后摇（Post-rock）、庞克、迷幻和死亡金属等暗黑音乐风格，完全契合中阴身脱离肉身的撕裂氛围。
2025年7月，德国权威剧场杂志《剧场今日》（Thater heute）在第一页刊登了一篇相当不寻常的文章，是来自英国和爱尔兰387位作家联名的一封公开信全文，批判以色列政府在加萨走廊对平民进行大规模的屠杀行为。 此公开信以〈不同意的观众 Unzustimmende Zuschauer〉为标题，借用了国际人权联盟和国际刑事法庭以「同意的观众」一词，描述许多前南斯拉夫公务员在内战期间沉默看著军队对人民进行屠杀，这样的沉默，在战后被国际刑事法庭视为默许屠杀进行。如今，签署此信的作家们则不愿意对以色列在加萨进行的攻击保持沉默。 此文描述，在2023年10月哈马斯组织对以色列进行恐怖攻击后，被定调为犯下战争罪和反人类罪，这点毫无疑问。然而，当以色列对加萨持续进行无差别大规模攻击，使得每天数以百计的巴勒斯坦平民身亡，医疗人员、记者、妇女、孩童和身心障碍人士都成为攻击目标、人道救援物资管道被切断、巴勒斯坦累计死亡人数更超过6万人时，「时至今日，我们也必须以种族灭绝、战争罪和反人类罪来描述以色列政府对加萨居民的持续攻击」。 《剧场今日》刊登这封公开信的不寻常之处，在于它借用英国和爱尔兰作家的文字，刺进了在德国最为敏感的政治议题：指控以色列政府大规模攻击加萨走廊的行为是种族灭绝，是否算是反犹太主义言论？ 在德国，非常有可能。 2023年11月，德国最大的当代摄影双年展（Biennale fr aktuelle Fotografie）策展人之一，来自孟加拉的Shahidul Alam，在展览筹备期间于脸书上发表一则贴文，内容包括将以色列与哈马斯之间的冲突与二战期间犹太人大屠杀相提并论，并指责以色列对巴勒斯坦人进行种族灭绝。在贴文发表隔天，双年展的赞助单位集体撤资，再隔一天，主办城市曼海姆市政府决定直接全盘取消2024年的双年展，并且以违约方式立即遣散工作团队，理由是策展人Shahidul Alam发表反犹言论。 大约在同一时间，德国各文化机构都收到了「上级指示」，表示受到公立补助的各项文化计划不得透出「反犹色彩」，也就是，不得带有任何形式批判以色列政府的言论，也不允许任何同理巴勒斯坦人民或是支持双方和平协商的观点。德国政府和许多德国人民将反犹的定义与批判以色列政府绑在一起
6月份，野米剧场为新剧本《Homepar》进行的读剧活动，未获准公开举办。根据资讯通信媒体发展局和内政部的联合文告，《Homepar》的内容描绘并「美化」吸毒行为，违反艺术娱乐分级准则，有违新加坡的禁毒政策。 野米剧场反对这项指责，指有关当局把一部探讨人们为何会接触毒品的深刻反思，过于简化成向观众宣导吸毒行为的作品；并且把读剧与正式演出相提并论，如此指责有欠公平。 《Homepar》的读剧本来会进行两场，每场只限60人入场，这部新作品是野米剧场今年启动的「饭锅读剧」计划（培育新剧本创作的平台）所孵育的新作。 「饭锅读剧」是剧团在2024年设立的「文艺部门」旗下的剧本创作平台，公开征集新剧本以后，获选参与的编剧将有机会接受剧团提供的指导，其创作也有机会以读剧方式呈现，让编剧能够得到观众的反馈，继续调整并完善剧本。
7月流火，中国剧坛的演出市场又迎来了一个火红的时节。一二线城市忙著在打造亚洲演艺之都、中国演艺之都或西南演艺之都，三四线城市也在搭建改造更多的演艺新空间或举办各类小剧场戏剧节。不过，此刻一些知名的剧团负责人或制作人却很难笑得出来。上海话剧艺术中心（上话）的原创大戏《觉醒年代》即将亮相临港演艺中心，但是制作人却接到了众多观众的举报和投诉，「《觉醒年代》被山寨了，我们花钱看了一场冒牌戏。」她有些无奈，真李逵老是遇上假李鬼，去年上话被迫发布《觉醒年代》版权声明，今年3月底又发了一遍，但至今依旧有观众上当。 无独有偶，中国国家话剧院（国话）近期也为舞台剧《青蛇》发布了版权声明，起因是观众投诉，有打著《青蛇》招牌的话剧，但观众进剧场后发现并非是著名导演田沁鑫执导的《青蛇》。国话为此声明：「中国国家话剧院经授权根据香港作家李碧华同名小说改编话剧《青蛇》。近期，社会上发现有公司未经中国国家话剧院同意擅自使用上述作品，违法进行冒演、虚假宣传、滥用AI换脸技术欺骗观众。请观众在购买话剧《青蛇》演出票时，擦亮眼睛，辨别真伪。」 事实上，这些并不是个案，而是当下中国戏剧市场正在上演的荒诞连续剧。
香港艺术发展局（艺发局）在2025年初公布修订资助政策，为了加强艺术团队的流动性与让更多艺术家受惠，除了取消年度的3年资助，只设2年和1年资助外，本来只有获资助艺团能申请的额外资助计划也取消，所有艺团都需在计划资助的「大海」内碰运气。 每年艺发局的年度资助期由7月1日开展，以往为了让获资助艺团有比较充裕的时间去开展工作计划，一般来说会在3周或4周前通知结果，今年不知是否受修订资助政策和艺发局行政总裁更替的影响，艺团迟迟未获任何有关资助结果的消息，加上政府银根紧张，以及很多外围因素的冲击（如世界性的经济下行和国际政治局势不定），早前由政府直接资助的「九大」旗舰艺团已被削减资助，让中小型资助艺团的不安全感更是强烈。 最后艺团在6月30日分别收到通知，本年度有不少艺团受到不同程度的影响，包括「影画戏」和「同流」两个戏剧团体不获资助，另外有两个剧团则由获3年资助变为只获1年资助，其他如「前进进戏剧工作坊」、「剧场空间」等都保留在2年资助的名单内，资助额都没有太大改变。另外「光影作坊」和「艺术到家」两个视觉艺术团体都不获资助，另有艺团的资助额则大幅削减。 此外，国际演艺评论家协会（香港分会）、社区文化发展中心两个属跨媒体资助的组织，亦只获1年资助，资助额亦被削减10%；舞蹈方面则有3个艺团只获1年资助；连八和粤剧学院亦难逃落入1年资助的境地。艺发局在15年前因应艺团长远发展和减省行政程序，推出3年资助多年后作出如此修订，在加强艺团的流动性的同时，亦相对更容易从资助增减上管理艺团出入这个机制的可能性。政府目前大力以KPI衡量部门成绩，受资助艺团目前也似乎更得在量化（如观众数量）的成绩上做出增长，才合乎当下「发展」。这样的寒冬不见得是短期现象，而整体看来文化资助在各地城市亦不见增长，可以预期的是，艺术家们将面对疫情后的大挑战。
两年一度的国际偶戏艺术节（La Biennale internationale des arts de la marionnette）自市中心扩展至巴黎近郊，邀请观众探索融合工艺、身体、情感的当代偶戏。从2001年创办以来，法国国家偶戏中心（Le Mouffetard Centre national de la Marionnette）透过这场艺术盛会推广迸发想像的创作形式，并鼓励跨领域合作，突显偶戏艺术在材质与叙事上的多元可能。2025年的第12届国际偶戏艺术节于5月13日至28日举行，邀请欧美各国创作者以独特的美学语言，探讨生命与死亡、理智与疯狂、历史与未来的边界，让偶戏超越美学疆界，介入当代现状。 出死入生的美学书写 美国艺术家Lone Wolf（又名Kevin Augustine）以奇幻又诡谲的视觉语汇，营造出一场徘徊在尘世与幽冥之间的旅程。受舞踏启发的他运用双手、双脚操控以泡棉与橡胶制成、肌理细腻的人形雕塑宛如被解剖的残破尸骸，却带有一种温润又细致的手工质感。《肉身演奏会》（Body Concert）透过躯壳与灵魂的互动，突显生死之间的辩证，提出浮生如寄的存在哲思。
现年75岁的编舞大师威廉．佛塞（William Forsythe）于2015年离开法兰克福成为自由编舞家，2025年再次回到当年离开的舞团，创作最新作品《娱乐未满》（Undertainment）。 威廉．佛塞的创作生涯和法兰克福缘分匪浅，他自从1984年担任法兰克福芭蕾舞团（Ballett Frankfurt）的总监，直到2004年此芭蕾部门被关闭为止。离开市立剧院之后，2005年他与部分原班人马在法兰克福成立佛塞舞团（The Forsythe Company），并以总监身分带领舞团持续发表创作至2015年。在此30年间， 佛塞以古典芭蕾体系为基础，发展出其独特的编舞概念、思考方式、动作语汇和即兴技巧，以此将芭蕾转化为属于21世纪充满生命力的全新艺术形式。2015年佛塞卸任总监，原佛塞舞团更名为「德勒斯登法兰克福舞团」（Dresden Frankfurt Dance Company），此冠名显示出给予舞团几近全额财务资助的两个城市，也呈现出舞团必须在这两个城市进行每个作品首演的义务。
旧戏新演在西方剧场界很普遍，尤其是古典戏码像莎士比亚、席勒、莫里哀、易卜生、尤金．欧尼尔等剧作家的作品，原因之一是经过时间考验而仍能留存至今的作品，必然有其恒久价值。另一个原因是，已经作古的剧作家，没法反对任何诠释手法，导演乃至演员有很大的空间去重新解释、甚至是挑战剧作家的艺术观。（这当然有例外，像贝克特版权持有者就有很严格的限制，因此他的作品比较少重演） 要重新诠释在世剧作家的作品，顾忌就多得多，尤其是现代很多剧作家，不只写下对话，甚至对舞台动作场景都有注记（田纳西．威廉斯是此中代表），任何偏离原著的表演，首先要通过剧作家这一关。如果剧作家已进入大师等级，那就更是让人敬而生畏。 当然不是所有创作者都如此坚持己见，美国音乐剧大师桑坦（Stephen Sondheim）就是众所周知很愿意听取年轻剧场人意见的人，英国音乐剧泰斗韦伯（Andrew Lloyd Webber）最近也开始容许新的诠释。这两位同一天生日却代表全然不同的音乐剧风格的大师，很可能因为这个开放的态度，而要在21世纪的音乐剧场界继续发挥影响力。
每年5月，布鲁塞尔国际艺术节（Kunstenfestivaldesarts，下简称KFDA）汇集全球30多部最新创作，将欧洲交通枢纽大城转化为前卫艺术的实验场。今年适逢艺术节创立30周年， KFDA延续以跨域精神与国际视野，展现艺术家对世界变动局势的敏锐观察，突显当代表演艺术介入社会的政治力，无愧它与亚维侬、维也纳艺术节并列为当代表演艺术的指标。
本届最受瞩目的艺术家，莫过于巴西女导演碧昂奇（Carolina Bianchi）。两年前，她才以在舞台上吞下迷奸药的《婊力三部曲》（Trilogie Cadela Fora）首章《新娘╱晚安灰姑娘》（A Noiva e o Boa Noite Cinderela），震撼亚维侬艺术节。今年她在KFDA呈现二部曲《兄弟情》（The Brotherhood），再度将身体化为抵抗创伤的工具，透过自我剖析突显普世的残酷现实。从性侵恶梦苏醒，她直视艺文创作的罪恶根源。以《海鸥》的妮娜为蓝本，碧昂奇指出某些男性创作者滥用权力，对女性施加身心虐待。然而，她批判的对象不仅限于男性，更涵盖西方艺术史传承的父权价值，及其共犯结构，包括曾经将杨．法布尔视为偶像的自己：「剧场不是无辜的，它是一个权力的场所（）我们由大师们所塑造。对抗他们的同时，也背负著他们。」（注7）对她来说，尽管兄弟情谊带来暴力与创痛的阴影，但它却凝聚了创作团队的向心力，成为艺术家必要的生存手段。碧昂奇透过不宣泄、不煽情、不宽恕的自我觉醒，揭露当代女性创作者内心深处的自我矛盾，并探询艺文产业的病灶。
位于英国卡地夫（Cardiff）的国家剧院威尔斯（ National Theatre Wales） 因为在 2023 年失去所有威尔斯文化部（ Arts Council Wales ）的补助，苦撑1年而最后在去年年底宣布关闭。今年1月，威尔斯议会发布了一份跨党派报告，内容显示过去10年威尔斯的文化平均支出在欧洲排名倒数第二人均 69 英镑，仅高于希腊，而英格兰为 91 英镑，榜首为冰岛的 691 英镑。 同在今年1月，知名威尔斯籍演员麦可．辛（Michael Sheen）宣布要筹备资金创办威尔斯国家剧院（Welsh National Theatre）；并因威尔斯文化部确认将提供过渡资金以协助新剧院发展其结构和愿景，麦可．辛于4月发布了2026年第1季的演出节目，包括由威尔斯导演古德里奇（Francesca Goodridge）执导的《我们的小镇》（Our Town），麦可．辛将为此剧主角之一，还有威尔斯剧作家欧文 （Gary Owen） 的剧本《欧文与亨利》（Owain And Henry），麦可．辛将在剧中饰演威尔斯王子。作为新威尔斯国家剧院艺术总监的麦可．辛，他的愿景是在此创作来自威尔斯的世界级作品，并将其推向世界，他渴望以此剧院汇集威尔斯的艺术人才，让这个国家的故事能栩栩如生地流传下去。 上个月，麦可．辛创办的威尔斯国家剧院找到了它的新家，其总部将设在斯旺西市政中心（Swansea Civic Centre），俯瞰斯旺西湾。麦可．辛的戏剧生涯始于威尔斯第2大城斯旺西，当时他是西格拉摩根青年剧团（West Glamorgan Youth Theatre ）的成员，对麦可．辛来说，回到起点组织国家剧院感觉再合适不过了。他说：「新剧院总部不仅仅是一个办公室，更是一个欢迎艺术创作人士的文化中心。我们正在拟定计划，在作品诞生前让演员、导演、制作人、剧作家为此空间注入活力。再过7个月，斯旺西的观众将成为全球首批现场观赏威尔斯国家剧院作品的观众，倒数计时现在正式开始。」 斯旺西市政中心于 1982 年开始运作，目前是市议会会议厅和中央图书馆的所在地。斯旺西市议会主席斯图尔特 （Rob Stewart ）表示这项决定更确定了斯旺西作为创意城市发展的目标，在斯旺西成立全国性的英语剧团将改变这座城市
原创音乐剧《也许是美好结局》（Maybe Happy Ending）近期荣获美国剧场界最高殊荣东尼奖（Tony Awards）6项大奖，在韩国国内及国际表演艺术领域引发广泛关注与讨论。为庆祝此项殊荣，韩国国立中央图书馆推出特别企画，展示 1966 年首演的首部国产音乐剧《悄悄来到我身边》（Saljagi-Opseoye）的原始剧本及影音资料，并汇整自1994 年以来 190 余部韩国音乐剧的历史档案。透过包括剧作家朴天休（Hue Park）在内的创作者深度访谈，以及东尼奖颁奖典礼实况影像，引领观众深入回顾「K-Musical」从初创阶段迈向成熟发展的珍贵轨迹。 韩国音乐剧迈向国际的开拓之路已经走了30年。1997 年，由韩国第一代导演尹浩镇（Ho-Jin yoon）执导的《明成皇后》（The Last Empress）在纽约林肯中心（Lincoln Center）举办短期公演，成为首部登上欧美主要音乐剧舞台的韩国原创音乐剧；其后，描摹民族英雄安重根的《英雄》（Hero）亦曾在林肯中心登台。尽管两部作品的评价褒贬不一，但都开启了文化输出的先河，也为后起之秀奠定市场开发与创作实验的基础。2015 年，《也许是美好结局》以创作工作坊为起点，历经多次重制，从首尔大学路的迷你舞台一路进军百老汇，至今获得东尼奖高度肯定，不仅为当代音乐剧注入新范本，也成功突破「韩国原创剧作仅能局限于本土市场」的想像。
暮春初夏的时节，总是演出市场的旺季。当「戏剧+景区+商业」的演艺模式正在中国剧坛盛行之际，一种戏剧的新业态已在京津沪及广州、南京、苏杭、成都、武汉、长沙等众多大中型城市此起彼伏。从洛阳博物馆的《博物馆奇妙夜》到北京国家典籍博物馆的《永乐长思》，从沉浸式导览剧到科幻国风互动剧，「博物馆+戏剧」的模式正以破圈之势席卷表演艺术和演出市场。 「戏精」创造了全新文化消费场景 在故宫畅音阁，明代瑞兽甪端与当代文物保护专家的跨时空对话引发观众惊叹。这不是虚构场景，而是北京故宫博物院推出的音乐儿童剧《甪端》的现场。该剧以故宫文物南迁史为背景，首演后在全国巡演48场，吸引超10万人次观看，相关微博话题阅读量突破2.3亿次。而苏州的吴文化博物馆原创的《身临其「镜」》、《寻槎记》等文物剧，累计观众超10万人次。 文物不再是冰冷的器物，而是化身戏精，承载著人性温度的故事载体。在国家博物馆的肢体剧《俑立千年》中，一尊沉睡千年的女陶俑苏醒后，带著好奇与不同朝代的俑对话，观众透过她的视角感受历史的悲欢离合。这种拟人化叙事，让文物从「被观看」变为「主动诉说」，满足了年轻人对「共情」与「代入感」的渴望。 北京宣南文化博物馆的互动剧《宣南往士》则利用真实古建筑作为舞台，让观众移步换景间「穿越」至光绪年间，与文物共情。这种「身体在场」的体验，让年轻人从被动接受资讯变为主动探索，也满足了他们对新奇感和参与感的追求。 票房数据也印证著这种模式的爆发力。敦煌研究院和甘肃演艺集团打造的首部洞窟体验剧《乐动敦煌》首演至今，观众达15万人次，其中25岁以下群体占比达62%，衍生文创产品销售额突破800万元人民币；这种高消费意愿让博物馆戏剧迅速成为演出产业的「潜力股」。 狂欢背后的冷思考：博物馆戏剧的隐忧 尽管眼下全国博物馆戏剧新创剧码较去年同期增长了68%，但在知名的新媒体豆瓣评分上，均值却仅为6.2分。 当秦始皇帝陵的兵马俑在《复活的军团》演出中「复活」，用陕西方言讲述征战故事时，这种演绎也引发了两极评价。据制作方表示，这部剧演出两年接待超50万游客，但学界质疑声不断，41%的专业人士认为此类改编存在「
1930年代有一群来自中国广东省的自梳女，为了家计离乡背井，来到南洋一带当华人家庭的帮佣。为了不再成为盲婚哑嫁的受害者，她们选择终身不嫁，通过自梳仪式扎起一条长辫子，身穿白衣黑裤，成为人们眼中的「妈姐」。她们集结成社，合力筹钱买下屋子住在一起，就是外人俗称的「姑婆屋」。 槟城乔治市南华医院街一带是当年妈姐的落脚地。街上都是百年历史的战前老屋，很多被当时的妈姐买来当姑婆屋养老。经过半个世纪的洗礼，姑婆屋不复存在，其中一间坐落在29号的屋子近年被修复成艺文空间Journal Caf，屋内张挂著泛黄的妈姐生活照，记载著这段特殊的历史。
澳门晓角话剧研进社制作、李宇梁编导的《捉迷藏》一剧，最近获得「第10届中国戏剧奖．曹禺剧本奖」，颁奖晚会5月21日于上海举行，李宇梁及该剧主要演出者、剧团成员等专程赴沪出席颁奖活动。 《捉迷藏》2023年于深圳首演，同年12月在澳门文化中心演出3场，是澳门剧作家李宇梁最新戏剧作品。《捉迷藏》故事讲述与丈夫离异的退休教师惠贞，带著毕生积蓄从澳门飞到加拿大，准备投靠自小就被自己送到亲戚家中长大、在异国接受教育的女儿Crystal，到加国后，才发现母女两人在语言、生活习性、价值观上难以磨合，惠贞更因为自己手上那笔钱经常感到生命受到威胁悬疑推理的故事包装著华人社会与西方世界的家庭、亲缘的价值差异。剧作家李宇梁于1975年与友人共同创立「晓角话剧研进社」，50年来笔耕不绝，即使于1990年代移民加国，期间亦经常编写剧作，供澳门剧团搬演。2000年，由李编剧、晓角话剧研进社制作的《水浒英雄之某甲某乙》代表澳门参加在台举办的「第3届华文戏剧节」，于国家两厅院实验剧场上演。
今年5月中旬，第62届柏林戏剧盛会（Theatertreffen）顺利落幕。作为一年一度德语区最具指标意义的盛事，柏林艺术节的总监马蒂亚斯．皮斯（Matthias Pees）以「欢迎来到深渊」作为开幕典礼的欢迎致词，不只意指开幕演出《深闺大宅》（Bernarda Albas Haus）剧情阴暗压抑，也同时影射当下文化预算被大幅删减的惨况。（编按）
4月初，法国国会公布针对文化产业性骚扰及侵害的调查报告，震撼全体艺文圈。举凡法兰西戏剧院、亚维侬艺术节、阳光剧团，这些闻名遐迩的文化机构都无法摆脱权势性暴力的阴影，突显出「#Metoo」绝非个别事件，而是根深柢固的病灶。 相濡以沫的暴力温床？ 整起国会调查起源于电影女演员戈德雷奇（Judith Godrche）的吹哨者控诉（注1），并扩延至影视、表演艺术、时尚、广告等整体艺文产业。在长达6个月的调查中，国会共举办了85场听证会，邀请共计350位业界人士展开长达118个小时的会谈，最后于279页的报告中列举87项改革方案。调查报告指出，施暴者通常都是长辈、雇主或师长，善用权力行逾矩之实。受害者往往为了职涯发展忍气吞声，反而再次承受凌辱与惩罚。而多半的见证者都选择相互包庇，因为人脉是在艺文界的生存关键。调查会主席卢梭（Sandrine Rousseau）强调：「无论是性别歧视、性暴力、金援压迫、身体暴力，整体艺文产业对施暴者都采取比较宽容的态度。艺术环境盲目地崇拜才华与天分，似乎为拥有权力的创作者寻找一切开脱的借口，让他们故技重施，并一再剥夺受害者的人性尊严。」（注2）
香港表演艺术的专业化发展，以戏剧为例，多会以1970年代末由当时政府直接管理的香港话剧团的成立作为里程碑；当时的演艺专业人才培训，很多时候会是从影视方面探索师资。而香港演艺学院在1980年代中成立，提供包括戏剧、音乐、舞蹈和舞台艺术等多方面的专业课程，为香港的表演艺术发展往后的发展奠下基础。 今年演艺学院迎来了创立40周年志庆，亦在4月正式由资深的舞蹈教育工作者、行政人员陈颂瑛教授接任院长，正如她在学院通讯的访问中提及与学院的缘分很深，除了她在1987年就报读了学院的舞蹈课程外，也与她在学院担任教育、行政和推广等不同的职务有关。陈颂瑛一方面熟悉演艺学院内部的文化和工作方式，同时她在节目策划和连结本地和海外网络方面亦有丰富经验，这些优势相信会让她在院长这位置上更能有所发挥。
今年5月，一年一度的新加坡国际艺术节登场，而一年一回的新加坡专业剧场的「公园中的莎士比亚」也再度与观众见面。 1997年，新加坡专业剧场首次举办「公园中的莎士比亚」，在福康宁公园演出了《哈姆雷特》。这当然是效仿纽约每年夏日在中央公园举办的戏剧盛宴「莎士比亚节」，希望让新加坡观众在岛国的星空下一边野餐一边欣赏莎剧。 自2007年起，新加坡专业剧场开始了每两年一次的「公园中的莎士比亚」；从2011年起，这终于成了一年一度的剧场盛事。在2017年，由于资金不足，剧团停办这项演出，积极向各方筹资，并在2018年再次演出。然而2018年之后，「公园中的莎士比亚」还是停办了5年（期间也受疫情影响），直至2023年才卷土重来。
加拿大舞台（Canadian Stage）于4月8至27日上演《摩诃婆罗多》（Mahabharata）两部曲，全剧合计共4个半小时，由「为何不剧团」（Why Not Theatre）制作。 《摩诃婆罗多》由拉维．贾恩（Ravi Jain）与米里亚姆．费尔南德斯（Miriam Fernandes）编导，剧中采用的诗歌段落选自英国作家卡洛尔．萨蒂雅姆提（Carole Satyamurti）于2015年出版的《摩诃婆罗多：现代重述》。原作《摩诃婆罗多》是一部古印度史诗，讲述婆罗多王朝中两大家族为了争夺王位而引发的战争，并从中开启对生命、道德和宇宙观的哲学对话，被认为是印度及南亚文化的基础，至今仍影响著印度人的价值观。
本网站使用 cookies
为提供您更多优质的内容，本网站使用 cookies 分析技术。 若继续阅览本网站内容，即表示您同意我们使用 cookies，关于更多 cookies 以及相关政策更新资讯，请阅读我们的隐私权政策与使用条款。
