今（2026）年2月2日，新加坡剧团「彭魔剧团」（Pangdemonium）宣布剧团将在2026年以后结束运作。 剧团的联合创办人（也是艺术总监）彭耀顺和妻子崔希在2010年成立剧团，15年来为观众呈现了超过40部舞台剧，主要为观众呈现伦敦西区戏剧和百老汇音乐剧，并会为剧目注入几许新加坡特色。 彭魔剧团多年来常获《海峡时报》「生活！戏剧奖」提名，也频频获奖，被公认为其中几个极具商业价值与艺术成就的剧团之一。剧团既有个人捐助者提供稳定的捐助，并拥有星展银行与AlfaTech两家企业的支持，于是彭魔剧团宣布「谢幕」的决定，让同行与艺术爱好者们都觉得惊讶。
台湾民众熟悉的电视剧《冰与火之歌：权力游戏》（A Song of Ice and Fire: Game of Thrones），将由编剧麦克米伦（Duncan Macmillan）与导演库克（Dominic Cooke）改编成剧场版本，预计今年（2026）夏天在莎翁故居史特拉福的皇家莎士比亚剧院（Royal Shakespeare Company，RSC）主舞台演出。 麦克米伦根据《权力游戏》系列奇幻小说作者乔治．马丁（George R.R. Martin）的故事改编，此剧场作品将是热门影集的前传，名为《权力游戏：疯王》（Game of Thrones: The Mad King）。马丁不仅仅是畅销书作家，其小说《权力游戏》被改编成极其流行的电视剧，对于这个改编成剧场的版本，他表示皇家莎士比亚剧院是搬演此剧的不二之选，因为莎士比亚一直是他写作的灵感来源，他说：「不仅仅是如此，莎士比亚同时也面临著如何将战争场面放到舞台上的挑战，因此，他是我写作时志同道合的伙伴。」 这部剧作的诞生可谓历经波折。早在 2021 年，麦克米伦和库克就宣布将合作创作一台改编《权力游戏》的剧场作品，但当时并未透露演出地点。2月中，两人发表声明表示：「马丁的叙事手法在规模和主题上都堪比莎士比亚：王朝斗争、野心、叛乱、疯狂、预言、爱情悲剧等，从一开始，莎士比亚的历史剧和悲剧就是我们这部剧作创作的主要参考，因此皇家莎士比亚剧院对我们来说简直就像是天作之合。」皇家莎士比亚剧院的艺术总监哈薇（Tamara Harvey）和艾文斯（Daniel Evens）表示，这部新剧作史诗般的家族纷争与循环和莎士比亚的历史剧一脉相承，他们更补充：「此剧将透过年轻人从传承身分的视角，探讨权威的真正本质。」 同时担任制作人的马丁已经参观了史特拉福的剧院总部，他似乎对军械库一游非常满意。马丁说他从未想像过他 1996 年出版的小说会以书以外的形式呈现，结果这个系列小说于 2011 年被 HBO 改编成电视剧，全世界的观众透过电视媒介进入马丁想像的世界，如今马丁的小说又将被改编成舞台剧，这更出乎他的意料，但也令他格外兴奋。关于这个改编的剧场作品，库克和麦克米伦表示，他们剧中的事件发生在《权力游戏》故事起点的10多年前，但剧中将包含原著和电视剧中读者与观众熟悉的家族，例如兰
在毁灭冲动与渴望和谐之间摇摆的当下人类处境，被压缩在6具身体不断的推挤、跌落、托举、支撑与重组之间。阿拉伯血统基督徒、身分多重的以色列编舞家阿迪．布特罗斯（Adi Boutrous），第4部在巴黎首演的新作《坠落的本质》（Nature of a Fall）（编按）不追求优雅、不迷恋叙事，而是书写一则重生的寓言。从身分与地缘现实出发，将权力、伦理与共存的问题推向近乎形而上的反思，却又以极度具象、沉重的肉身把观众拉回到彼此伤害又依赖的现实关系当中，让人不断以感知预演坠落，逼问危机时代中的我们自身。
由李安电影《少年Pi的奇幻漂流》改编，横扫美国东尼奖与英国奥利维耶奖的同名舞台剧，最近已于韩国登台，并因演员朴正民（Jeong-Min Park）担纲主要角色而备受关注。然而在话题发烧、票房开出佳绩的同时，也引发了类型定义上的高度争议。该剧在世界各地皆以舞台剧之名上演，唯独在韩国售票时被归类于音乐剧范畴，但全剧并没有任何主题歌曲贯串，韩国制作方因而被质疑有刻意包装、不实宣传及欺骗大众之嫌。 面对质疑声浪，根据制作公司 SCo 的公开说明，观众实际感受到的音乐剧特性较强，因而定义为音乐剧；且该剧作融合偶戏表演、影像、灯光与音响效果，算是一种综合型表演，难以用舞台剧或音乐剧等单一框架界定，并为此剧创建了一个新的类型定义：「Live on Stage」。
从重探经典到徘徊在现实与虚拟之间的当代童话，法国剧场大师乔埃．波默拉（Jol Pommerat）持续探索既矛盾又复杂的成长旅程。其最新力作《现代小女孩（暂定标题）》（Les petites filles modernes [titre provisoire]）透过匠心独具的叙事手法，以及奇幻迷离的舞台效果，成功带领观众进入一场虚实交错的梦境。这部作品不仅证明这位「作者╱导演」（Auteur-metteur en scne）说故事出神入化的功力，更展现出他登峰造极的艺术成就。
甫于2月17日至23日举办的第2届下北泽国际偶戏节（下北沢国际人形剧祭，Shimokitazawa International Puppet Festival），以「技术与魔法，全新的偶戏」为口号，邀请8组付费演出、2组免费演出共襄盛举，同时来自台湾的飞人集社剧团也参与其中的子节目「第四届国际偶戏Slam」（International Puppet Slam），与其他13组艺术家同台亮相。 下北泽偶戏节的构想，来自对日本偶戏历史与现况之间落差的深刻观察。艺术总监山口遥子在欧洲研究偶戏时得知，日本其实拥有世界上最古老的偶戏理论，在近松左卫门的《难波土产》中一个章节，将偶定义「介于真实与虚假间的存在」，这样的思想在世界偶戏史中占有重要地位。而文乐作为日本代表性的传统艺术形式，也长期被视为高度成熟的偶戏表演形式。此外，长野的「饭田偶戏节」每年更聚集超过400个团体，从规模来看，日本的偶戏文化可说相当兴盛。
筹建美国首府的甘迺迪表演艺术中心（John F. Kennedy Center for the Performing Arts）一共花了13年（1958-1971），历经4任总统（艾森豪、甘迺迪、詹森、尼克森），但要毁灭它，只需要川普总统一个社群贴文的时间。 今年2月1日深夜，当全美东半部都还冻结在近几年最强的寒流下，川普在他自己的Truth社群上宣布震撼消息，甘迺迪中心将在7月4日美国国庆日后关闭两年，以进行整修。甘迺迪中心是美国最具指标性、档期最满的表演艺术场所，每年大小节目不下2000个，建筑本身还是联邦政府的「活的纪念堂」，365天开放。这样的公共场所，要关门通常得经过长期的准备，但川普的宣布就如同他一贯的行事突如其来，连中心的领导阶层都是隔天来上班才「听说」。 照说甘迺迪中心是独立的非营利机构，即使是美国总统也不能把它当成自家客厅，爱做什么就做什么。但川普去年一上任，就立马改组董事会和高阶领导，把原来超党派纯粹是喜爱艺术及专业的人士，都换成能控制的班底，这些国王的人马，二话不说就推举他为主席，让应该是中立的甘迺迪中心，瞬即染上党派色彩。去年（2025）12月，董事会更宣布，连中心的名字都加上川普二字，还在甘迺迪之上。 川普与甘迺迪中心的恩怨，可以追溯到他第一任时。2018年他出乎意料当选，给美国社会带来很大的震撼，各阶层族群依其立场各有不同的反应。表演艺术圈是以负面居多，他频频成为喜剧脱口秀的嘲笑对象，对他的政策也偶有批评，然而最高调的一个表现，就在有表演艺术终身成就奖意义的甘迺迪中心荣誉奖上。这个每年12月由甘迺迪中心颁发的奖，行程包括白宫招待会和总统亲临的晚会表演，在他任内因为受奖者反弹，取消了总统参与的环节。当时各方都刻意淡化，好像不算回事，其实川普已经怀恨在心，因此一回锅就展开复仇大计。 川普的鸭霸，引发更大的反弹，从百老汇大戏《汉弥顿》开始，许多艺术家宣布退演，人数多到维基百科可以开专页的程度。观众也以行动抵制，甘迺迪中心的票房一下子就掉了六成。至于他任命的管理阶层，连最基本的美国表演艺术的运作方式也一无所知。他们说所有节目都要自负盈亏，而且得在演出前就达标，这完全不符现实，华盛顿歌剧团就是因此而离开；他们推出的「传达传统基督教价值」的节目，没有吸引
蛇年尾的热闹并未在天桥音乐剧年度盛典的华丽总结里落幕，盛典一结束，2025年12月19日，前中央戏剧学院（简称中戏）院长、表演系前主任郝戎向中纪委自首，为自己在中戏30年的藉权牟利恶行认罪。在中国，这种打贪腐、某个领导落马的新闻多有所闻，一般人见怪不怪，但北京戏剧圈肯定为之震惊，毕竟中戏是中国最重要最专业的戏剧艺术高等学校，目前很多当红的电视电影明星都是从这里毕业的。这事掀起的舆论波澜不算大，但就在进入马年的前几天，2月12日，前任中戏表演系主任陈刚也自首了，还没完，隔了不到24小时，现任表演系主任王鑫也进去了。应接不暇的瓜让人吃得合不拢嘴，这事成了新年假期里最被热议的话题，估计也是北京戏剧圈很多年后都会被复诵的事件。 罪恶是从招生开始的，中戏表演系每年新生不到百分之一的录取率，让系主任及负责招生的单位有操作的空间，虽然录取的学生并非全部透过操作，但是开学之后，导师制又会发展出师门、师阀，以及毕业后与业界的各种利益纠葛，不夸张地说，这是一条利益庞大的产业链，产品就是学生，或未来的明星。在抖音、小红书、微信这些媒体平台上多不胜数的新闻和八卦中，有少数文章点明了这个产业链是如何建构与运作的，如果其言可信，那么这个产业链从2011年就成形了，这种不良生态至今15年，早就被所有学生与家长默认为常态。虽然中戏这些年来仍然培养了不少优秀的演员及从业人员，但失去公平性和摒弃道德的生态毕竟不是永续之道，有无可能翻转就看此事后续的发展了。
来到莫札特的故乡萨尔兹堡（Salzburg），几乎不可能不被这位作曲家的身影所包围，尤其今年适逢莫札特诞辰270周年，庆祝活动又比以往更为热络。每年1月，萨尔兹堡都在莫札特生日（1月27日）前后，以「莫札特周」（Mozartwoche）为这位「音乐神童」庆生，也让国际乐坛的目光再次聚焦到这座小城。莫札特周创立于1956年，当时正值莫札特诞辰200周年，今年迎来音乐节70周年，为期10天的节庆特别规划了70场节目，希望能从多元面向感受莫札特的音乐世界。 自2019年起，曾红极一时的巨星男高音罗兰多．维拉松（Rolando Villazn）获邀担任艺术总监，为莫札特周带来了新气象。他大刀阔斧地规划多元与创新的节目，以打破边界的思考，希望让莫札特融入现代人的生活之中，消弭古典音乐与现代生活之间的界线。因此，在星光熠熠的音乐会包括维也纳爱乐、马勒室内乐团等顶尖乐团及独奏家的演出之外，莫札特周特别策划的「TRAZOM」系列，更是提供了另一种观看莫札特的角度。这个名称的由来饶富玩味：莫札特在与家人写信时，喜欢玩文字游戏而将自己名字MOZART反过来写签名，既是文字游戏，也象征颠覆与翻转。这系列节目包含了木偶剧场、早期莫札特专题稀有影音珍藏放映、艺术家对谈、酒馆益智问答及家庭音乐会等多样化内容，让莫札特周的节目不只是发生在音乐厅中，而是深入到萨尔兹堡的街头巷弄里，落实「莫札特作为一种生活方式」的策展愿景。
槟城虽然是马来西亚继首都吉隆玻之后，戏剧表演最蓬勃的城市，不过一直以来缺乏长期商演的条件，导致不少热爱表演的人才外流，直到去年7月，一部主打峇峇娘惹文化的音乐剧《Rasa娘惹情》出现后，局面才有了改变。 峇峇娘惹是15世纪华人从中国南下马来半岛，与当地马来人通婚的后代，至今依然保留丰富的中华习俗。槟城全职歌手兼舞台剧演员王茵诗的祖母也是一位娘惹，所以她去年成立峇惹艺术制作团队（Baya Arts Production），全心投入音乐剧的制作，找来剧场导演王涵伦和编剧曾福明合作，决心以歌唱和表演来推广峇峇娘惹文化。
色彩是琴键，眼睛是琴槌，而灵魂则是拥有众多琴弦的钢琴。 康丁斯基 去年（2025）10月，巴黎爱乐音乐博物馆（Le Muse de la musique Philharmonie de Paris）与庞毕度中心（le Centre Pompidou）合作，推出「康丁斯基：色彩的音乐」（Kandinsky - La musique des couleurs）特展，展出20世纪俄罗斯抽象画大师康丁斯基（Vassily Kandinsky，1866-1944）的200件作品。有别于传统的静态展览，这次的展览透过灯光、投影、影像与立体动态舞台，让整体的展示呈现出动态感。此外，也让每位参观者配备智慧型耳机，随著观展动线，耳机会自动拨放出对应的音乐、人声或环境音，带领观者走进一种沉浸式的声响体验，领略康丁斯基的艺术世界。
2020年，上海亚洲大厦「星空间1号」迎来《阿波罗尼亚》首演，标志著中国演艺新空间正式启航。5年过去，这一模式已蔓延全国：北京累计认定的演艺新空间达79家，广州2025年一季度的小剧场演出达1712场，占全市55.2%。据中国演出行业协会最新发布的数据，目前全国剧场类演出（含演艺新空间）已达29.64万场，票房119.29亿元。 然而光鲜数据背后，行业深陷「成长的烦恼」。上海亚洲大厦已从1个小剧场扩张至20余个，各地纷纷在商场、写字楼「垂直生长」出大量演艺新空间。但这种「百老汇式」的群集效应，真的撑得起「中国百老汇」的梦想吗？ 三大病灶，让「新空间」成了「新困局」 演艺新空间的爆量增长，其实也带来了困局。其一是「同质化泛滥」。走进任何一座城市的演艺新空间，你大概会看到悬疑惊悚、热门IP改编、打「同性情谊」擦边球的作品。上海「环人广」有50余个剧场，演出题材却高度雷同；北京、广州、成都的演艺新空间，也难逃「复制贴上」的宿命。这种创作上的惰性，正在快速消耗观众的新鲜感。 其二是「地下偶像化」陷阱：演艺新空间最突出的问题，是「粉丝经济」的过度膨胀。制作方体系性地以「人」而非「艺」作为卖点，官方卡司表上标示的「百场」、「生日场」等行销手段，公开鼓动粉丝为特定演员购票。一种「大粉姐」现象1年看270余场演出、花费10几万元、与演员形成奇特的权力关系正在各地重演。这种「地下偶像」式的运营模式，导致演员技艺退居次要，戏剧的艺术本质被严重稀释。 其三是「专业主义缺失」：更严重的是，部分制作方的主要目的并非票房，而是拉赞助、做数据，将戏剧异化为金融游戏。这种「以出租场地替代经营、过度依赖补贴」的模式，正在伤害行业的根基。 这些问题的根源，在于演艺新空间从诞生之初就以高度商业化为导向。上海「一台好戏」创造的《阿波罗尼亚》模式因过于成功，以致后续制作公司纷纷效尤，却无视中国缺乏支撑「外百老汇」模式成熟市场基础的事实。而各地争相打造「演艺之都」，又忽视了内容建设的长期性。虽然北京推出了25家演艺空间培育专案，广州推出了《关于推动广东演艺市场高质量发展的若干政策措施》，但这些政策更多关注的是硬体建设和场
《奴隶游戏》（Slave Play）是美国非裔青年编剧杰瑞米．欧．哈里斯（Jeremy O. Harris）就读耶鲁大学戏剧学院时创作的3幕剧，从2018年于纽约外百老汇首演、隔年登上百老汇舞台，到2024年移师伦敦西区以来，这出探索美国族裔冲突、历史创伤与现代性下的亲密关系、当代心理学治疗之间交杂问题的剧作，在大西洋两岸点燃两极反应，不乏怒火、抵制、笑声，以及赞誉（注1），该剧的长尾效应甚至在2024年催生了纪录片《奴隶游戏。不是电影。作戏罢了。》（Slave Play. Not a Movie. A Play.），2025年秋季，在美国川普政府正大肆追杀DEI多元共融价值，而加拿大在官方政策及教育上仍拥立DEI的情境之下，本作迎来出自多伦多加拿大舞台（Canadian Stage）的加拿大首演（注2）虽然本剧或许并不那么简单工整地回应DEI价值。 《奴隶游戏》剧名便隐含多重意义，既向外揭示美国蓄奴历史背景，也向内强调剧中人参与的奴隶角色扮演疗法，在自我指涉上，于叙事层次内突显情欲关系的扮演游戏本质，在叙事框架外，则自我诘问这是否终究是出有关奴隶的奇观化演出。
香港的表演艺术工作者经常诟病本地的演艺场地数量不足，近年随著西九文化区和大馆等场馆启用，好像缓解了一些问题，但这些场地不属政府管理，即使有空档，但租金对团队来说不是容易负担的事，要多做几场和提高票价才有机会收支平衡。然而能有长演可能性的作品，和能够承担长演节目的本地团队，真的屈指可数。 长期依靠政府资助运作的经营策略是发展的困局。长演制作过去10多年有较多讨论和实践，目前仍然是以有明星参演、且有商业制作公司愿意投资的作品较有成功的可能。不过曾是葵青剧院演艺厅17年场地伙伴的风车草剧团，在2025年底公布最新一轮的场地伙伴名单时就不再入选，这场地会由本来与风车草共享场地的中英剧团独家获得。 「场地伙伴计划」从2009年起开始推行，对政府场地来说，可说是一次与演艺团队同行的突破，除了发展场地形象和伙伴团队特色，在观众拓展的长期策略方面，亦能让场地和团队双方受惠。风车草剧团是当年第一轮获入选的演艺团队之一，当时与W创作社一同申请成为场地伙伴，两团在当时都是新进专业剧团，在艺术方向上以本地原创和贴近年轻人心态和关注的题材出发，累积了一群同代的观众群，并成功建立几位创团成员梁祖尧、汤骏业、邵美君的独特的舞台魅力，在演艺厅这个900席位的场地深耕出他们和观众对这地方的归属感，让这个位于新界的场地的活力不逊色于市区内的场地。 近年，风车草剧团每年平均制作3至4个作品，在演艺厅上演两星期的票房都爆满，有些受欢迎剧目甚至另觅场地接连演出，可说是场地伙伴计划推出以来的一张亮丽名牌。不过近年很多香港场地常常出现很多不可抗力的原因，让作品未能顺利上演，其中由政府管理的场地自然会有更多人关注。另一方面，政府既期望在「促进表演艺术的多元化、专业化、产业化及盛事化发展」，在场地上如能把握更多可控元素，似乎应该更容易管理，但场馆的不确定因素增多，也让团队发展受到影响。 风车草剧团作品能引起大量观众共鸣和支持，一定程度上是因为能说出观众的心声，但这些心声是否人人有感，则难以估计。去年公布表演场地租用政策和措施的改革方案时，已减少了伙伴计划的场地数量（绝大部分场地不再会同时有两个团队进驻），及减少获选艺团使用场地的日数，部分评选委员说是希望资源能让更多团体使用，然而这样的调整是否已偏离计划的初
2026年的澳门剧场，几乎可以叫「晓角月」。 在澳门政府文化发展基金的资助名单中，现代剧场团体超过30个，真正成立超过20年（2005年前成立）而又每年维持一定演出量的不足10个。其中以成立于1975年的晓角话剧研进社年资最长，演出量最高。去年是「晓角」成立50周年，该团于今年1月3日至2月2日期间，在「中国现存最古老的西式剧院」岗顶剧院中举办了长达1个月的纪念活动。 晓角话剧研进社以「半世纪舞台．世遗的回响」为主题，连翻推出四大剧目共15场演出，当中涵盖当代翻译剧《纸牌游戏》（The Gin Game)、剧团旧作复排的有《剖》与《等灵》，以及全新原创剧作《日日是好日》，展现了「晓角」多年来在不同题材和剧场美学上的探索与突破。同时，亦在岗顶剧院「镜厅」（观众进场前的大厅）立起了几块展板，举办「五十年戏剧创作回顾展」，以剧社不同发展成就来分类，展出演出剧照、手稿、戏服与影像，让观众重温晓角的成长历程。其中一个周末又在剧院前的户外庭园举办「戏剧嘉年华」，透过亲民的户外短剧、即兴演出、角色扮演、戏服体验及文创市集等方式营造了一片欣欣向荣的热闹气氛。
2026年，「新加坡艺穗节」（Singapore Fringe Festival）正式迈入第22年头。这是艺穗节的里程碑过去21年来，由剧团「必要剧场」主办的艺穗节都由电信业者第一通（M1）赞助。像电讯公司M1这么一家为艺术做出如此长期资助的机构，在新加坡委实少见。M1在2025年以后取消赞助，艺穗节为了能够持续下去，积极发起筹款活动，于是第22届的艺穗节是首次以群众募资形式筹办的活动。 必要剧场将今年的艺穗节主题定为「再现」（represent），除了旨在舞台上「再现」（represent）边缘化群体的课题，也意指这次的艺穗节以民间筹办的形式「再次呈现」（re-present）于观众面前，有不一般的意义。
法国现代戏剧先锋诺瓦里纳（Valre Novarina）于2026年1月16日辞世，享年83岁。这位独树一格的导演暨剧作家透过实验性的手法，颠覆以情节、角色为主的文本创作，将书写的文字幻化为五颜六色的笔触，甚至是抑扬顿挫的音乐，被誉为文字魔术师、语言的革命家。他的离去虽然是法国剧场界的损失，但他留下的丰饶遗产，将持续在当代剧场抵抗语言贫乏的浪潮中，发出强而有力的回响。 话语流动的盛宴 创作能量丰沛的诺瓦里纳共累计了50多部剧作及理论，可说是法国现代舞台上最激进的创作者之一。对他来说，文字并非传递讯息的媒介，而是驱动生命的燃料。不同于荒谬剧场常见的语言匮乏与失效，诺瓦里纳企图用书写创造出一种充满流动性及饱满能量的「话语剧场」（thtre de paroles）。他将作曲的概念融入剧本创作中，在字里行间探索迸发旋律、营造几何运动的可能。他的剧作没有复杂的舞台指示，更摒弃了传统的因果逻辑，反而运用精简的空间，让文字脱离符号，化身为主要的角色，它们可以行走、跌倒、跳舞与呼喊，宛如一场欢腾又热闹的原始庆典。在这种融合理性与感性的实验场之中，观众必须用全新的感知面对熟悉的语言，彻底翻转聆听和观看的方式。
英国国家剧院（National Theatre）的最新帐目显示，剧院的演出收入从 2023╱2024 年度的 5,460 万英镑下降了 17%，至 2024╱2025 年度的 4,500 万英镑。这些数据涵盖了剧院在泰晤士河南岸 South Bank 的3个剧场的演出、西区（West End）商业演出、以及国内和国际的巡回演出。国家剧院在此财政年度（2024╱2025）共搬演了 19 部戏剧和音乐剧，而前一年共有 31 部戏；其位于南岸的3个剧院，在这个财政年度的座位上座率为 81%，相较于前一年的 87% 少了 6%。 国家剧院发言人表示，剧院2024╱2025年度在票房、募款和数位演出（NT Live）有不错的进展，但同时也有两项因素会影响国家剧院未来财务的永续性。 首先是财政部长瑞薇丝（Rachel Reeves）在 2024 年秋季预算案中提出增加的雇主国民保险缴款，该措施于 2025 年稍早生效，国家剧院估计，这项支出的增长将使剧院每年损失约 110 万英镑。另外一项因素是关于演出成本的增长。由于技能短缺、演出技术性日益增强、以及加强确保员工与创作团队的工作福利和工作与生活平衡，制作演出的成本增加是不可逆的。报告指出，剧院预计这些变更将使剧院每年的基础成本增加约 100 万至 200 万英镑。 这些因素都将阻碍国家剧院摆脱持续亏损的目标。COVID-19疫情后，国家剧院制定了一项5年策略，目标是在 2026╱2027 财政年实现收支平衡。但由于上述挑战，剧院现在将收支平衡的目标调整为 2027╱2028。帐目报告里指出，南岸的剧院在未来10年需要进行大规模投资以已更换老化的基础设施，并确保这些更新的设施适合世界级的艺术家在南岸剧院里创作最好的作品，而这更为收支平衡的目标添增财务挑战，雪上加霜。 同时，国家剧院在COVID-19疫情时获得的 2,060 万英镑文化复苏基金（Culture Recovery Fund），这笔贷款需分 20 年偿还，每年 150 万英镑（含利息），从去年 （2025）3月开始。上月初，英国国会上议院议员霍琪（Margaret Hodge）发表了关于英格兰艺术委员会（Arts Council England）的补助报告，她在评论中指出许多获得文化复苏基金贷款的文
14 世纪的义大利，得益于佛罗伦斯的梅迪奇家族（Medici）长期以来稳定且积极地为艺术家提供赞助，使义大利成为文艺复兴的起源地，进而为人类文明写下重要的历史篇章。放眼当代韩国，在国产流行音乐、电视剧、电影等娱乐作品热潮席卷全球之际，也有一群演艺界名人回流支持纯粹艺术，并且逐渐形成「韩版梅迪奇效应」。 近年最具象征意义和话题性的赞助者之一，是创办知名娱乐公司「HYBE」的音乐制作人房时爀（Bang Si-hyuk）。身处全球流行音乐产业核心的同时，房时爀以后援会成员身分赞助韩国国立芭蕾舞团，至今已持续3年。业界普遍认为此举并非单纯捐助，而是大众文化金字塔顶端的创作者回溯源头汲取养分的具体行动。对房时爀来说，纯粹艺术或许正是校准感受力和激荡创造力的灵感来源。
加拿大创意产业联盟（The Creative Industries Coalition）2025年底在多伦多针对2025╱2026年度联邦政府预算规划发表声明，呼吁加速建立「现场表演艺术税额抵免」（Live Performing Arts Tax Credit）的必要性。 创意产业联盟并非常态运作的组织，而是疫情期间为针对现场表演领域进行政策及预算倡议而组成的联盟。成员包括表演艺术各领域最大的工会（如：国际戏剧舞台从业人员联盟、加拿大演员工会、加拿大音乐家联盟、加拿大联合设计师协会等）、场馆与演出组织（如：加拿大专业剧院协会、加拿大现场音乐协会等），以及具高度影响力的文化机构（如：Mirvish Productions、萧伯纳戏剧节等）约40个涵盖劳资双方立场的单位参与。联盟上一次大规模发声是2022年，针对联邦政府提出「因防疫政策造成艺文组织收入损失的补偿预算」进行评论。
2025年12月，北京天桥艺术中心举行了「2025北京．天桥音乐剧年度盛典」，除了颁发当年中国原创音乐剧的各类奖项之外，中国演出行业协会也发布了《2025中国音乐剧市场年度报告》：全年音乐剧演出场次1.97万场，较2024年同期相比增长了15.04%；票房收入18.07亿元人民币，同期相比增长7.55%；观众人数818.59万人次，同期相比增长10.41%。相对于纽约百老汇目前正面临著的制作成本大涨，招牌依旧闪亮，后台却精算著每一分钱。中国音乐剧市场则在2025年初显不可抑制的爆发之势。 音乐剧一直是中国演出市场中增长最快的领域之一，2025年原版引进剧码和中国原创剧目的票房已相当接近（前者近10亿元，后者则达8.79亿元），显示这几年正处于中国原创音乐剧发展的关键时刻。2025年中国音乐剧市场确实热闹无比，引进的原版音乐剧都是经典之作，《莫里哀》（法语）、《剧院魅影》（英语，台译《歌剧魅影》）以及《巴黎圣母院》（法语，台译《钟楼怪人》）位列场次前三；《剧院魅影》、《悲惨世界》（英语）40周年纪念版音乐会，以及《摇滚红与黑》（法语）位列票房前三。中文原创音乐剧的市场则随著演艺新空间（即非剧场演出空间）在各地兴起，沉浸式体验需求提升，促使驻场沉浸式音乐剧新剧不断，《辛吉路的画材店》、《桑塔露琪亚》和《怪物》列演出场次前三，《受到召唤．敦煌》、《锦衣卫之刀与花》和《她对此感到厌烦》则列票房收入前三。如同其他类型演出，北京和上海两地的音乐剧市场仍占全国票房的60%以及近一半的演出场次，吸引了全国超过六成的观众。 这次盛典同时举行了高峰对话，对谈者为伦敦尼可尔娱乐公司联合创始人Nick Brook与原韩国音乐剧协会会长刘禧声，内容非常精准地针对中国音乐剧市场亟需构建的生态。伦敦西区的戏剧产业高度成熟，而且西区不仅仅有戏剧与剧场，更是文化与经济的「生态系统」；刘禧声则提出「音乐剧必须本土化，才能让亚洲的音乐剧作品在世界舞台上占有一席之地」的呼吁，他以荣获6项东尼奖的《也许是美好结局》（Maybe Happy Ending）为例，剖析「韩式音乐剧」是一个由版权引进、本土化、粉丝经济驱动、国际联合制作构成的多元化产业体系。了解纽约百老汇的商业模式、伦敦西区的生态系统与「韩式音乐剧」的产业体系，对中国音乐剧产业未来的发展无疑地有著非常深刻的警示
预计于2027年11月1日正式开馆的「港区立港艺术中心m～m（むーむ）」，于2025年11月30日在东京都港区的日生会馆举办「开馆倒数两年前导活动」。这是m~m首次举办的大型公开活动，吸引约1200名民众参与，让市民提前认识这座即将诞生的艺术新据点。 本次活动以论坛与跨领域表演为主轴，内容包括钢琴演奏与即兴绘画的跨界演出，以及多项可亲身参与的艺术体验。现场也规划了VR展示、戏剧工作坊、乐高积木创作、城市散步企画与交流空间，让不同年龄层的参与者都可以从多元角度接触艺术。 在论坛中，港区区长清家爱表示，艺术文化在快速变动的社会当中，具有连结人与人、促进相互理解的重要力量，期盼m～m能够成为共享感动与创造喜悦的空间。创意总监箭内道彦则指出「m～m」这个暱称本身，就鼓励大家都可以用自己的感受去理解，也正是艺术体验最珍贵的价值。 担任本次前导活动主持、同时也是立港艺术中心开馆准备室节目总监的相马千秋，分享了她对剧场与共生概念的想法。她表示，透过过去的讨论与实践，逐渐认为理想的共生状态应该像「沙滩」一样，让所有人都可以按照自己的生活节奏自由地进出。她也指出，剧场是一个能让人把自己的想像力带往不同地方、连结不同他人的空间，同时也能成为某些人的「容身之处」。 港区立港艺术中心m～m位于山手线浜松町站直结位置，未来将整合约600席座位的剧场、具有移动式观众席的多功能空间，以及工作室、排练场与交流空间，作为港区文化艺术新的核心据点，推动市民参与、创作与交流。而剧场的暱称「m～m」则是由公开征选产生，象征「港」（minato）与「我」（me）的连结，也代表从「无」中孕育出无限可能的创造力。而符号「m」与「～」分别代表手与海浪，描绘出港区人们与海边共生的意象。
辉达创办人黄仁勋最近有一则与公司市值、晶片要不要卖给中国、亚洲总部在哪里、或者他又去吃了哪家小吃都无关的新闻，却是与加州表演艺术息息相关，那就是他和太太捐了一大笔钱给旧金山歌剧院（San Francisco Opera）。 或者不该说是只有一笔，新闻是说黄仁勋夫妇从今年开始，在未来「数年」内，每年捐赠500万美元，钱除了用在歌剧制作上，也可以用来培育年轻艺术家、社区外展、开发数位资源等，很有弹性。这笔捐款的第1个受益者，是秋季大戏《猴王悟空》（The Monkey King）。这是一部由来过台湾很多次的作曲家黄若和剧作家黄哲伦合作的新歌剧，讲孙悟空诞生、修法、大闹天宫、到被佛陀压在五指山下的故事，11月演出时，票房口碑皆长红，《纽约时报》盛赞是「歌剧可以在大规模上成功的明证。」 旧金山是华人在美国落地生根的起点，旧金山歌剧院这几年来努力拓展与当地华人的关系，2022年首演过盛宗亮创作、赖声川导演的《红楼梦》，《猴王悟空》再接再厉，成绩更上一层楼，黄仁勋夫妇也是专为这出戏设立的委员会的共同主席。
香港的表演场地不少是由政府管理，最晚落成的已经是在2014年开幕、较集中搬演戏曲作品的高山剧场新翼；近年随著如西九文化区和大馆等具个性和节目定位的场地落成，官方的场地方面，在面对设施和观众拓展方面的老化与滞缓、疫情后特别针对科技与艺术结合的方向下，终于迎来了政府酝酿多年，亦暖场多时，最近终于正式揭幕的「东九文化中心」。 座落在港铁站附近，邻近多个大型商场和住宅社区的东九文化中心，周边的经济活动相当活跃，其观众拓展的对象也是面向大众的。中心大楼由香港知名建筑师严迅奇及其团队设计，其中包括「一个高渗透度、无缝地接连周边人流汇点的架空艺术回廊」，整体采光良好的设计吸引很多人流聚集。目前场馆内不少展览是免费入场，如在「乐队表演、扩音音乐会及录音理想场地」的乐馆进行的跨媒体艺术家王志勇《时间的潮汐》是一个沉浸的互动展览装置，周末要等待约1小时才有机会入场．但仍然有不少观众静候参观。亦有其他专属的教育空间引入科技互动元素以吸引儿少族群，让这个座落民居之间的场地更贴近大众，让文化艺术得以融入生活。 除了乐馆，中心还有剧院、剧场、创馆和形馆4个场地．其中「可供全墙投影，配备折合式座椅和弹跳板」的形馆，「人．舞团」的舞蹈作品《熟悉的陌生》就在这里上演。作品由新加坡郭瑞文编舞，参与者包括新、马和港澳艺术家。作为以推动科技与艺术为焦点的场地，作品当然利用了配置的全息投影和让舞者坛之卓以虚拟方式进入叙事，在演后座谈时创作人也有进行介绍，让观众更清楚技术的运用。
澳门政府在11月中推出了「澳门国际综合旅游文化区」的公众意见收集，根据政府新闻稿的介绍：「文化区的建设旨在进一步深化澳门『世界旅游休闲中心』的内涵，推进『以中华文化为主流、多元文化共存的交流合作基地』的建设，落实『文化澳门』的发展愿景。项目计划于合适选址，规划建设3项文化设施及配套功能空间，包括澳门国博文化馆、澳门国际表演艺术中心及国际当代美术馆（暂名）。」 1999年「澳门回归」以后一直没有建设新的官方表演艺术场地，其实早在规划澳门文化中心之初，除了两个开幕时就存在的镜框舞台外，另有一个黑盒剧场在整体构思当中，但没有付诸实行；一直到了2023年6月底「临时活化」的旧法院黑盒剧场关闭后，文化中心黑盒剧场才正式建成启用。自此澳门的表演场地便完全集中在同一栋建筑、同一个管理部门。 其实，近10年来关于澳门官方表演场地与城市规划之间的讨论也时有出现。2015年澳门特区政府进行「澳门新城区总体规划」第3阶段公众咨询，当时咨询文本中已清楚标示新城中的「城市级文化设施」及「社区级文化设施」，然而在5年后的《澳门特别行政区城市总体规划（2020至2040）》草案（下称「草案」）中，文化设施被归入「公用设施」，文化设施的概念、分类与比例均变得含糊不清。文本中只强调「新城A区南端建设城市级地标性文化设施」及「外港区2的文化中心附近以及路环区的荔枝碗船厂片区规划城市级文化设施」，而社区级文化设施则并未提及。该草案于2020年10月提出后，不少艺文工作者反映了意见，主要指出「草案」缺乏对文化设施承诺未明确提出各区公共设施的覆盖率，尤其缺少表演场地、展览空间等文化设施的指标，导致文化愿景流于口号。而社区文化被边缘化，偏重地标建设，草案中虽提及卫生、教育、图书馆等设施，但文化设施未被列入重点，反而强调「文化地标」。这可能增加居民接触文化的成本，并造成地区「贵族化」现象。亦有本地文化团体及剧场工作者指出，文化应植根社区而非仅依附旅游或地标。若缺乏政策支持，居民的文化权利难以落实，文化发展恐受限。
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