文化旅游产业近年在中国兴起，各地争相创作，打造以本土风情人物为核心的大型实景演出，但随著演出量的热潮涌现，内容品质却是断崖式下降。无人机低空漫游，艳俗的灯光秀，流于套路的非物质文化遗产「打铁花」，土味歌曲串连，再加满台堆砌的金碧辉煌，本该庄严肃穆的泰山封禅大典，都可能沦为差评满天飞的高价后悔药。 不过，令人刮目相看的是，当湖南洞庭湖畔岳阳楼的飞簷在夜色中被光影点亮，当守楼人的声音穿越千年时空时，岳阳楼景区推出的沉浸式走读诗境戏剧《今上岳阳楼》用一场别出心裁的表演，让这座千年名楼从静态的文化地标变成了动态的情绪剧场。自去年5月首演至今，超过10万观众、500余场演出、景区夜间消费提升20%的数据，印证了它作为文旅+戏剧融合标杆的成功，也为传统文化的当代转化提供了经验和启示，笔者亦于近期亲临观赏。
台上在演戏，台下也上演由观众主演的活生生的戏剧情节！ 香港最近有个舞台剧演出《关于那只龟回魂的故事》，在香港演艺学院歌剧院进行，这是一个能容纳过千观众的场地。但在演出进行时，在观众席高处的两名男女观众因声浪问题发生争执，即使演员不受影响，但已经打扰到演出气氛，据说男观众到最后谢幕鼓掌时按捺不住，击打对方致受伤，最后需报警送医。有些表演艺术界人士提及，近年香港剧场因为多了由电影或网红跨界担纲的演出，不少剧场新观众对剧场礼仪陌生，不知是否因此让观众素质普遍下降。 以往观众将到剧场看戏或听音乐会是种仪式，不论是服装或心态都会有所准备，剧场礼仪大家都会奉为圭臬，让台上表演者不受骚扰也让台下观众尽情享受演出。随著剧场的普及化，剧场礼仪当然也是观众认知的共识；但现在进剧院的仪式感的确也没有太浓烈，即使在剧场传统较强的欧洲等地，观众也不一定就对剧场礼仪高度重视，加上手机文化蚕食了大家的专注力，的确大大冲击了剧场礼仪的底线。笔者就曾在欧洲一个大型艺术节的日本能剧演出中，坐在两位全程都不断看手机和谈笑的年轻女生旁，与台上专注的能量形成强烈对比，明显地这些能量并未能比手机更吸引到她们的关注。 在香港最能自在欣赏表演艺术的场域，可能真的是传统戏棚，而戏曲和粤剧演出在上世纪中期开始时也是和电影放映院共用一个表演空间，观演礼仪比较不拘泥，当这些作品在现代的剧场演出时对礼仪要求的差异，有时会影响很多传统戏曲观众的经验。 近年香港好些音乐会在正式开始前，会有节目总监亲自上台介绍节目并同时请观众关掉电话，但仍有不少观众的电话不受控地发出声音，这对追求宁静演出环境的音乐会演出来说，是很恼人的事。当主办方用上这一方式仍未能改变即使是一晚的演出氛围，当代剧场观众如何珍视自己在台下与台上表演者这种当下交流的独特经验，专重表演者和同场的观众，重拾剧场的神圣仪式感，可能比只用礼仪来教育观众更重要。
5月份，《海峡时报》「生活！戏剧奖」公布了得奖戏剧作品、得奖戏剧工作者。戏剧奖今年迈入第25届，作为新加坡目前唯一具权威性的授奖机构，在公布入选名单至宣布获奖名单的8天里，虽未兴起全城热议，却也让报章读者们一窥各大剧团过去一年来的付出。 5月份，也是一年一度的「新加坡国际艺术节」。新加坡国际艺术节迈入第49年，在新艺术总监张子健的带领下，这3年的策展主题是「艺起来玩！」，而今年的焦点则是「传承」。值得一提的是，艺术节设立了「艺术节村」，在维多利亚剧院外的大草地上，有室内与户外演出，有互动装置艺术与社区参与活动，绝大部分的演出是免费的。 戏剧奖为各大剧团颁奖，新加坡国际艺术节试图在大型演出与社区表演之间取得平衡，边缘剧场的动向又如何？过去几个月，新加坡艺穗节积极公开募款，以便能够在2027年持续下去。但募款截止以后，却仍未达到其期望的8万新加坡币的募款目标。然而在今年4月底，新加坡艺穗节仍给公众公开好消息：尽管所筹得款项只有近6万新加坡币，2027年新加坡艺穗节仍将如期进行，并继续开放募款至今年9月底。
槟城剧场才子林宽慰虽然离世两年，但他超过半世纪的戏剧人生仍然留在大家的记忆中，成为津津乐道的剧场史。他和友人联合创办的「造心厂剧坊」在今（2026）年6月13日，特地举办了一场「忆．宽慰」追思纪念会，以分享延续记忆，以读剧点亮舞台，让他的原创精神生生不息地流传下去。 制作人陈福庆表示，2024年6月12日这一天，对槟城剧场界来说是一个难以接受的日子，林宽慰在北京心脏病猝死的消息传来，大家都措手不及难以置信，因为事前没有任何征兆，至今都还有人心情难以平复，所以才有了这次的追思会，证明剧场人对他的离去有多么的不舍。
第26届澳门艺术节于5月8日开锣，今（2026）年以「艺海新航」为题，强调澳门作为海上丝绸之路的重要枢纽，呈献14个来自北京、上海、澳门、香港、葡国、义大利、哈萨克斯坦（编按：台译为哈萨克）等多地的表演节目。今年适逢为「中国和哈萨克斯坦文化交流年」，文化局特别邀请了哈萨克斯坦的团结歌舞团与澳门多个舞团，以「民族舞蹈汇演」作为艺术节开幕节目，相信亦是近20多年来首个门票免费派发的澳门艺术节开幕节目。 参与此届澳门艺术节的本地节目有5个，与去年相同，然而可能由于公开征集计划开展太迟，1月中公开征集，3月中才进行初选面谈，5月就要上场，因此5个本地节目中有3个才于去年上演过，今年旋即于艺术节重制，其中环境舞蹈剧场《夜．观应》自2021年由文化局主办后，至今已多次由濠江舞蹈团重演。从题材上看，澳门本土故事可说是本地艺团节目的一大亮点，5个节目中，有4个以澳门历史发展与现况为题材。在评定为世界文化遗产的郑家大屋中多次重演的《夜．观应》，以曾在澳门留居的中国近代思想家、企业家郑观应的成长故事与爱国思想，早在2022年澳门文化局的新闻稿就写道「让观众从历史遗产观看澳门的发展脉络，在欣赏环境舞蹈剧场的同时感受澳门的文化魅力，丰富文旅体验，冀进一步提升澳门文化形象，为『一基地』的建设打下坚实的人文基础。」（注） 该剧即可视为政府文旅政策与城市形象的活案例。 郑观应曾在他的政论文章中提及19世纪中后期，澳门作为中国苦力贸易中心之痛，并呼吁淸政府加强管治，关注国民人身安全和国家关税权益；这次卓剧场的《兰桂楼》正是以澳门「猪仔贸易」的历史现象为主题，以说唱、戏剧的形式，透过为谋生而离乡别井的「郑海」，被诈骗集团被卖到古巴当苦力，却又在异地当上猪仔馆负责人的故事，透过「猪仔」的遭遇，探视身分的转换与流变，人们为生存而失去自由与尊严的无奈。该剧于去年澳门城市艺穗节首演，由香港导演方祺端创作，联合演员黄珏基及现场乐手吴锐民演出，原是在澳门旧区的一栋老房子中演出，这次艺术节的版本则搬进了文化中心黑盒剧场重制。
在韩国的诸多表演艺术展演空间中，位于首尔的「艺术殿堂」（Seoul Arts Center）可谓居于领导地位，但自 1988 年开馆至今，慢性赤字的隐忧始终存在。随著享誉国际的指挥暨大提琴家张汉娜（Han-Na Chang）近期正式接任社长，这位「艺术殿堂」自 1992 年实行社长制以来最年轻、同时也是首位音乐家出身的女性领导者，在就职典礼上宣告「艺术殿堂」正式迈入积极转型的新时代。 张汉娜在上任后的首场公开演说中，便向全体员工抛出直接坦率的提问：「根据近期统计，表演艺术市场正在成长，文化艺术消费也在增加。但我们必须明白地审视，为什么『艺术殿堂』没有随之成长？」张汉娜同时直言：「欧洲主要表演艺术机构的有价票座席比率可以稳定维持在 90% 以上，但根据 2024 年的统计数据，『艺术殿堂』仅保有 36.6% 的水准，也就是 10 个位子卖不出 4 个，因此我们无法回避『为什么观众不选择艺术殿堂？』的根本问题。」 实际上，截至 2024 年，「艺术殿堂」的累积营运亏损高达 779 亿 2,700 万韩元（约新台币 16 亿 6,000万元）。对此，张汉娜表示：「艺术不能单凭数字来概括论定，这一点我比谁都清楚，但经营成果必须透过累积赤字、有价票比率、空间启动率、事业损益结构、顾客回访率等数字来衡量与评价。」
在知名香港导演邓树荣带领下，「邓树荣戏剧工作室」不少作品持续获得国际舞台和艺术节的巡演邀约，其中《泰特斯》和《马克白》都是莎士比亚的剧作。带著自己的粤语作品在海外上演，邓树荣一方面把香港的作品放在不同文化的观众眼前，让他们认识莎剧在东方身体和语境的演绎美学；同时，身为导演和策展人的他，也亲自观赏过很多不同地方的当代莎剧作品。于是邓树荣于2024年在西九文化区推出了首届「香港国际莎剧节」，透过莎士比亚这跨时代、跨文化和跨地域的交流桥梁，在香港这个号称中外文化艺术交流中心的城市，邓树荣期望做出有视野的专题国际艺术节，让本地表演艺术界打开视野。第2届的2026莎剧节也将在6月5日至21日举行。
当#MeToo运动进入第二波浪潮，一场在法国亚维侬开庭的性侵刑事审判，以其不寻常的「公开」震惊全球。被害人吉赛儿．佩利科（Gisle Pelicot）拒绝不公开审理（在法国司法体系中，性侵案件的受害者有权要求闭门审判，以避免二次伤害），要求将其丈夫多明尼克．佩利科（Dominique Pelicot）长达10年的罪行（以药物迷昏她、并招募逾50名陌生男子轮番侵犯她）暴露在社会的目光之下。「羞耻必须换边」她这句话成了时代箴言，也成为整出《培利科审判，一部清唱剧》（Le procs Pelicot, un oratorio）的核心精神。 法国导演塞尔万．黛克勒（Servane Dcle）与以「真实剧场」闻名，惯于在司法现场与舞台之间将真实审判搬上舞台的瑞士导演米罗．劳（Milo Rau）携手，两人广泛接触受害者律师、司法记者、社会学家、精神科医师及女性主义组织等，以及逾600小时的审讯，从中提炼出40个片段，构成这部长达4小时的清唱剧。剧作于2025年6月维也纳戏剧节首演，翌月移师亚维侬，2026年3月初在巴黎协和广场剧院（Thtre de la Concorde）以「民主的被遗忘者」系列之名再次搬演。仅一次演出，免费入场，网路同步直播，事后限期观影，并出版同名书籍同步上市。 剧作借「清唱剧」（oratorio），这种起源于16世纪罗马祈祷室，无布景、以朗诵与演唱呈现神圣故事的音乐形式，赋予普通刑事审判一种准宗教的仪式感。舞台陈设极简，一张桌子、一座讲台。「诵者们」依次上台排排座直面观众与镜头，素颜、不刻意表演，以自己的肉身与声音作证。整场演出以亨利．普赛尔（Henry Purcell）17世纪的咏叹调《寒冷的歌》（Cold Song）开场与结尾，那悲凉的巴洛克声腔如一道低沉的哀歌，将现代罪恶罩入历史的悲剧纵深。 开头，女星娜塔莉．德赛（Natalie Dessay）朗读文艺复兴诗人彼特拉克（Francesco Petrarca）攀登旺图山（Ventoux）的诗句（注），以对抗物质诱惑的古典命题，遥呼审判本身的精神维度。终场，她再度「出声」以吉赛儿对支持者的谢词闭幕，首尾设计无疑达到了仪式感的完满。
1876年8月，华格纳的拜鲁特音乐节开幕，在他依古希腊剧场概念建造的节日剧院中首演了人类文明史上最伟大的歌剧作品《尼贝龙指环》（Der Ring des Nibelungen）。今年是《指环》首演150周年，北京国家大剧院在2024年就开始执行了《指环》演出计划：2024年《莱茵的黄金》（Das Rheingold），2025年《女武神》（Die Walkre），2026年《齐格弗里德》（Siegfried）及2027年的《诸神的黄昏》（Gtterdmmerung）。这个计划引人注意的是，它一反过去中国躁进求快的心态（如一个下午演完贝多芬9首交响曲，24小时演完华格纳《指环》等），扎实地一年只制作演出一部，在中国艺术家适度参与的前提下，每一部都与不同国家的艺术家合作，包括导演、歌唱家、舞台设计、服装设计、编舞，甚至指挥，一剧一格，由大剧院主导及制作，并提供最新科技支援，实际地融入中国力量。 两年前的《莱茵黄金》由义大利全能导演斯特法诺．波达（Stefano Poda）执导，舞台、服装、灯光、多媒体及至舞蹈设计都由他一人操持。波达的舞台不但有著真实的水营造出莱茵河的质感，更有著巨大人偶与特殊物件的符号隐喻，充分展现了歌剧在巴洛克时代所追求的奇观景像。这部歌剧演出时的舞台监督多达6人，可见制作之繁复。去年的《女武神》由义大利导演达维德．利维摩尔（Davide Livermore）执导，在舞台上铺设了广达600平方公尺的LED超大萤幕与接近HDRI级别的彩色纵深动态影像，为华格纳的神幻世界提供IMAX式的沉浸体验。今年的《齐格弗里德》由英国导演劳伦斯．戴尔（Laurence Dale）与舞台设计加里．麦卡恩（Gary McCann）主导，脱离了前两年的宏大奇观，转而呈现一种回归自然主义的细致质感，以具象的森林、洞穴、山野再现英雄的纯净本我。《齐格弗里德》结合了10个国家的艺术家，由丹麦资深的华格纳男高音马格努斯．维吉利乌斯（Magnus Vigilius）担纲，于4月28日至5月4日上演。
削瘦的男子脱掉西装外套，用白色黏土覆盖脸庞，塑形出一张张如怪兽的形象。这部28年前由法国造型艺术家奥利维耶．德．萨加赞（Olivier de Sagazan）创作的影片，在YouTube上的点阅率已累积684万次。（注1）这出行为艺术的传奇之作已在全球25个国家巡演450场，却鲜少在法国演出。（注2）它跨越形式分野，将观者的视觉感知推往极限，直到近几年才从地下文化圈跃升至主流舞台。 从客观科学转向主观艺术 萨加赞是一位难以定义的跨域艺术家，无论是绘画、雕塑、表演、编舞，他试图透过材质与肉身展开形象与内在的有机对话。1959年出生于刚果的他一开始热中于生物学研究。他企图从科学的角度，参透生命的法则。然而，枯燥的数据分析却使他离存在本质愈来愈远。直到在阿姆斯特丹的旅行中邂逅林布兰（Rembrandt）的自画像，他才明白色彩与光影可以勾勒出灵魂的质地，唯有融合理智与感知的艺术，才能同时触及生命的表里，进而带领观者穿越存在的迷雾。 结束在喀麦隆的志愿役，萨加赞投入绘画创作。他透过临摹展开无师自通的旅程。他并非想成为技巧非凡的艺术家，而是如何转化他对于非洲文明的启发，寻找连结自我的方法，让作品成为一种介入生活的必要行动。对他来说，绘画尽管固定在框架之中，但其中的材质、线条、色彩都浓缩了创作者的身体运动。萨加赞不想创造赏心悦目的作品，而企图在画布上营造出一股体现他内在恐惧、亢奋、疑惑和抵抗的「当下临场性」（prsence）。他想要邀请观者透过凝视，探索自己内心深处的诡谲欲望，进而塑造一种画作与观者之间的共感体验。
位于东京都杉并区的「座．高円寺」剧场，日前公布2026年度节目内容，并于4月2日公开象征更新意义的全新标志。自本年度起，剧场指定管理单位由「剧场创造网络」转移至「合同会社 syuzgen」，并在艺术总监白井圭太（シライケイタ）的带领下，以「所有人的文化创造据点」为目标，展开全新体制的营运。
英国剧场向来光鲜亮丽，但 1976 年，她的魅力更是巅峰造极。那年，西区剧院协会 （Society of West End Theatre）推出了年度奖项，当年名为 SWET 奖，即为现在的「奥利维耶奖」（Olivier Award）前身。首届颁奖典礼于 12 月在摄政街的皇家咖啡馆 Caf Royal 举行，英国演艺界的精英云集，是一场绚丽的盛会。2026年4月 12 日，则是这个剧场奖第 50 次聚集众星，一起庆祝这年度重要颁奖典礼。 奥利维耶奖 50 周年，根据《舞台》（The Stage）杂志报导，今年共有 60 万人收看 BBC 直播的颁奖典礼，这也是奥利维耶奖 20 年后再度回到 BBC 的直播平台。颁奖典礼主持人由喜剧演员兼英国实境节目《背叛者名人版》（Celebrity Traitors）参与者尼克．穆罕默德（Nick Mohammed）担任，他开玩笑表示，很多人（包括他的经纪人）都问过他是怎么得到这份工作的。他甚至还拉来入围最佳男主角的汤姆．希德斯顿（Tom Hiddleston）帮他举提示字卡。
即将率莱比锡布商大厦管弦乐团来台的指挥家安德里斯．尼尔森斯（Andris Nelsons）最近成了古典乐界的话题人物，只不过这个新闻是他未曾预料也不想要的。因为他担任了10年音乐总监的波士顿交响乐团（Boston Symphony Orchestra），在3月突然宣布不再与他续约。这个宣告事前毫无征兆，包括尼尔森斯本人和乐团团员，都是在宣布前才知道。 消息一曝光就在乐界引起轩然大波，尼尔森斯本人是选择低调回应，只说这个决定不出于他，但乐团团员发出强烈的声明，谴责管理阶层的决定并支持尼尔森斯，观众也在接下来几场音乐会，给他热烈的掌声。美国乃至欧洲不少乐团，也都声明支持他。 面对源源不绝的挺尼尔森斯余波，管理层开始进行危机处理，一改最初的新闻稿的语焉不详，对媒体指出票房持续下跌、财务恶化、尼尔森斯的音乐口味太传统，是与他分道扬镳的原因。 据报导看来，症结是乐团总裁史密斯（Chad Smith）与尼尔森斯理念不合。史密斯属于乐界的改革派，主张扼止观众流失的方法是开拓曲目、走入社区、以新手法呈现音乐会。在他看来，尼尔森斯是传统派，诠释经典曲目有实力，但对当代创作不是那么热中。
加拿大广播公司（CBC）旗下Podcast频道PlayME全新一季广播剧登场。今年首部作品为韩裔加拿大编剧崔因斯（Ins Choi）的《金家便利商店》（Kims Convenience），以多伦多一家街角便利商店为场景，透过韩裔加拿大家庭的生活，展开对移民、归属感与代际沟通的对话。 《金家便利商店》更广为人知的是其在Netflix上的5季情境喜剧影集，该剧原为舞台剧，2011年首演于多伦多艺穗节并获得当届最佳新剧本奖，当时崔因斯亲自担任编导并演出儿子一角。首演回响热烈，隔年由Soulpepper剧院制作并展开加拿大巡演行程，于2017年登上外百老汇舞台后落幕。
女导演罗涵．德．萨加赞（Lorraine de Sagazan）透过真实的见证，发展一系列介于真实与虚构之间的作品，剖析腐蚀法国社会体系的种种问题。她的新作《犬》（Chiens）今（2026）年初在巴黎北方剧院（Thtre des Bouffes du Nord）上演，从极具争议的司法案件出发，突显色情产业的剥削状态，进而质疑父权主义渗透集体意识的遗毒。这出作品透过宗教祭仪的形式，揭露人性的阴暗面，宛如一场将感官推向极限的震撼教育。 让剧场成为探勘体制机能的破口 出身于哲学背景的萨加赞以集体创作投身剧场。立志当导演的她曾担任大师奥斯特麦耶（Thomas Ostermeier）、卡士铁路奇（Romeo Castellucci）的助理。对她而言，剧场的功用不应只是映照现实，而是要产生介入社会的行动力量。疫情停演期间，她投入田野调查，在关闭的剧院中访问各行各业的人士，试图了解社会机制的漏洞。《失明人生》（La Vie invisible）透过盲人的回忆，探讨视觉感知的建构；《祭典》（Un sacre）探讨当代社会被遗忘的哀悼仪式；《利维坦》（Lviathan）则突显出法国司法「即时开庭」（Comparution immdiate）制度贪图效率而便宜行事的危机。萨加赞共花了4年投入司法调查，接触到各式各样的社会案件。新作《犬》即源自2020年秋天一桩涉及强奸、媒介卖淫与人口贩运的起诉。
第54届香港艺术节节目，香港城市当代舞蹈团（CCDC）由艺术总监桑吉加编创的《空间间析》，日前在东九文化中心首演。 桑吉加擅长将城市观察转化为舞蹈。2016年首次为CCDC编作的《烟花．冷》，即关注「城市里的人」，在舞蹈语言中穿插戏剧，以舞台上的3座水泥墙营造人「被城市包围」的孤独感（注1）。10年后的《空间间析》，桑吉加从「空间与身体之间的关系」、「它们相互作用所产生的力量」等提问出发，与设计者、舞者共同创作，再度扣问他们所生存的空间。 演出场地东九文化中心才刚开幕（2025），是香港继西九文化区后，近10年来唯一由香港政府投资建设的剧场，也是第一个致力推动艺术与科技融合的表演旗舰场馆。剧场所在地，是老旧的政府出租公共房屋拆迁而来，位置夹在港铁九龙湾站、淘大花园综合商场、传统熟市场和稠密住宅区间的三角地带。剧场建筑设计之初，特别以「一个高渗透度、无缝地接连周边人流汇点的架空艺术回廊」为概念，通过上下层的天桥连接道、开放型的展厅，让剧场保有原本场域的流动特性。 仅管《空间间析》在一开始并非为东九量身打造，但东九先进的剧场设备为作品提供了有利的施展条件，作品也呼应著东九对人与空间的关照。《空间间析》透过抽象的肢体语汇及提炼后的剧场元素，以超脱创作者、观众的个人经验，折射出城市的集体潜意识。
3月29日周日下午一点前，四季表演艺术中心（Four Seasons Centre for the Performing Arts，简称FSC）及其营运单位加拿大歌剧团（Canadian Opera Company，简称COC）陆续收到以电子邮件发出的炸弹威胁。信中声称，若不取消当天神韵艺术团的演出，将引爆已放置于剧院和加拿大国会山庄周边的多个爆炸装置。FSC随即报警，并以安全考量为由，宣布取消当天下午两点的场次。 该演出为神韵艺术团2026年世界巡演的其中一站，适逢其成立20周年，以「共产主义以前的中国」（China Before Communism）为主题，规划在全球170个城市演出。自2017年首度以FSC作为多伦多巡演站的场馆后，除了疫情期间暂停外，神韵每年春季都会在此演出4到6场、平均约有1万名观众，并邀请国会议员及知名人士观赏、发表心得。 今年原订在3月28日至4月5日演出8场次，但第3场演出于3月29日开演前被紧急取消，当时已有不少观众抵达现场。即便FSC在周一上午重新对外开放，并表示将对后续演出采取更严格的安全措施，但因为陆续收到更多的威胁信件，剧院于周二晚间通知神韵艺术团取消后续的5场演出。
澳门至今仍未有正式年度戏剧奖项，然而评论网站「评地」与社交媒体「Art骚共同体」近年持续举办的票选活动，逐渐成为某种「替代性机制」。两者虽然定位不同，但共构出澳门剧场文化的年度记录。在「评地」的票选中，石头公社的《你启照》获得最高票（见附表一），成为最受评论人群体关注的作品，而在「Art骚共同体」的票选中，《外挂玩家》则成为最大赢家（见附表二）。 「评地」作者群的票选并非要选出「最好」的作品，而是选出「最值得讨论」的作品与现象。《你启照》两位演员的真实成长故事编作而成，李启照与尘雅正两人本为旧同学，毕业后各自走上不同的人生道路，却在多年后于剧场重逢。启照因脑瘫而成长于特殊的生命经验，如今已是父亲；尘雅正则持续从事剧场工作，仍然未婚。两人对性别、婚姻甚至日常生活细节都有截然不同的看法。导演莫倩婷邀请两人共同创作，将这份差异化以纯粹的笔法呈现于舞台上。成为2025年澳门众多自传式剧场中最受具代表性的一出。 几位「评地」剧评人指出，这个作品打破了剧场处理「共融」议题的惯性，观众能平视地感受，而不是刻意去看残疾人士是否需要掌声，平常而淡淡哀伤的处理，简朴、节制，真实地呈现「理解」的渴求与不可能。评论人认为，这部作品展现了石头公社多年来在共融剧场中的探索与异积。 「Art骚共同体」的「2025我最推荐本地戏剧网上票选」结果，跟「评地」形成鲜明对比。作为一个由观众参与的网路投票，其票选结果更接近大众的喜好。2025年的票选结果中大老鼠儿童戏剧团的《外挂玩家》成为最大赢家，囊括我最推荐剧目第一名、最佳导演、最佳编剧、最佳灯光设计、最佳服装设计、最佳平面设计等多项奖项。 《外挂玩家》由20位参与「大老鼠」ACT PLUS计划的儿童及青少年学员共同演出。编剧陈巧蓉创作的故事结合动漫、游戏与日韩流行文学的元素，捕捉少年人的日常与想像。《外挂玩家》的演员均为儿童及少年，但制作规模却接近专业舞台演出，并非人人皆可上台，而是经过角色甄选，这也让作品更具专业水准。 两个平台的票选结果完全没有重叠。这种「两极」现象显示评论人与一般观众之间的关注点存在显著差距。「评地」的评论人更倾向于探讨剧场的实验性、社会性，以及作品所导引出的文化现象。而「Ar
《南洋过番歌》缘起于2024年槟城偶戏节一次跨国合作的折子戏，来自槟城本土的「破浪布袋戏」（Ombak Potehi）与受邀前来的台湾微笑念歌团自此结缘，在半年内发展出完整的剧码，先后在台中和台北演出，但基于经费问题，一直无法返回本土亮相。经过多次申请拨款后，今年终于获得资助，如愿在4月24至26日登上槟城Komtar的5楼A视听室，一连3天呈献马来西亚全国首演，两地的操偶师和乐师再次聚首舞台，以布袋戏、念歌和现场音乐演奏的形式，重现华人先贤南下过番的情感与记忆。 19世纪清朝末期以来，中国南部沿海一带的人民因为生活艰辛，开始出海南下寻求生机，形成一股「下南洋」的热潮，既是当地人口中的「过番」。虽知前路险象环生，但迫于生活压力不得不放手一搏，抵达异乡后面对重重挑战，诸多事迹因此流传成为「过番歌」。
阳春三月，作为千年古都、文化旅游胜地的西安发布了一张漂亮的成绩单：19座剧场织网成阵，全年超1500场演出，67万人次观众，票房跻身全国前十这些数据精细地勾勒出一幅演出繁荣的动人图景；这也让西安文化主管部门有底气高调宣示将千年古都打造成为「演艺之都」的雄心。应该说，从「剧场」到「聚场」的华丽转身，确实令人振奋。兴奋的是这座古城终于不再只靠兵马俑、肉夹馍吸引游客，开始用艺术点亮夜晚；但同时这一片叫好声又让人疑虑：这座古都的演艺繁荣，究竟是可持续的生态建构，还是表面业绩堆砌的「流量泡沫」？ 本土原创的苍白 客观而言，西安演艺市场的观众增长是真实的，但西安演艺市场的繁荣，很大程度上建立在「引进」之上。上海彩虹合唱团、央华版《日出》、中芭《红色娘子军》、安德拉斯．席夫钢琴独奏这些引发「一票难求」现象的专案，无一例外是外来精品。反观本土创作，除了依托秦腔传统剧码的易俗大剧院，西安在话剧、音乐剧、现代舞等领域的原创力令人担忧。 倘若西安只满足于做「精品演出的落地城市」，而非「原创内容的输出高地」，那么「演艺之都」的根基终将虚浮。 票房背后的隐忧 67万人次观众、1500场演出，数据的确亮眼。但细究之下，西安常驻人口超1300万，这意味著全年仅有约5%的市民走进剧场。而上海2024年演艺市场渗透率已超18%，伦敦西区更达30%以上。西安距离「融入大众日常」的愿景，仍有漫长距离。 更值得警醒的是，西安观众结构呈现「两头热、中间冷」的畸形状态：音乐剧、Live house吸引大量年轻人，秦腔维系著老年群体，而面向中青年家庭、职场人群的中型戏剧、实验话剧市场始终温吞。这种结构一旦遭遇经济波动或年轻人兴趣转移，票房恐现断崖式下滑。
今（2026）年2月2日，新加坡剧团「彭魔剧团」（Pangdemonium）宣布剧团将在2026年以后结束运作。 剧团的联合创办人（也是艺术总监）彭耀顺和妻子崔希在2010年成立剧团，15年来为观众呈现了超过40部舞台剧，主要为观众呈现伦敦西区戏剧和百老汇音乐剧，并会为剧目注入几许新加坡特色。 彭魔剧团多年来常获《海峡时报》「生活！戏剧奖」提名，也频频获奖，被公认为其中几个极具商业价值与艺术成就的剧团之一。剧团既有个人捐助者提供稳定的捐助，并拥有星展银行与AlfaTech两家企业的支持，于是彭魔剧团宣布「谢幕」的决定，让同行与艺术爱好者们都觉得惊讶。
台湾民众熟悉的电视剧《冰与火之歌：权力游戏》（A Song of Ice and Fire: Game of Thrones），将由编剧麦克米伦（Duncan Macmillan）与导演库克（Dominic Cooke）改编成剧场版本，预计今年（2026）夏天在莎翁故居史特拉福的皇家莎士比亚剧院（Royal Shakespeare Company，RSC）主舞台演出。 麦克米伦根据《权力游戏》系列奇幻小说作者乔治．马丁（George R.R. Martin）的故事改编，此剧场作品将是热门影集的前传，名为《权力游戏：疯王》（Game of Thrones: The Mad King）。马丁不仅仅是畅销书作家，其小说《权力游戏》被改编成极其流行的电视剧，对于这个改编成剧场的版本，他表示皇家莎士比亚剧院是搬演此剧的不二之选，因为莎士比亚一直是他写作的灵感来源，他说：「不仅仅是如此，莎士比亚同时也面临著如何将战争场面放到舞台上的挑战，因此，他是我写作时志同道合的伙伴。」 这部剧作的诞生可谓历经波折。早在 2021 年，麦克米伦和库克就宣布将合作创作一台改编《权力游戏》的剧场作品，但当时并未透露演出地点。2月中，两人发表声明表示：「马丁的叙事手法在规模和主题上都堪比莎士比亚：王朝斗争、野心、叛乱、疯狂、预言、爱情悲剧等，从一开始，莎士比亚的历史剧和悲剧就是我们这部剧作创作的主要参考，因此皇家莎士比亚剧院对我们来说简直就像是天作之合。」皇家莎士比亚剧院的艺术总监哈薇（Tamara Harvey）和艾文斯（Daniel Evens）表示，这部新剧作史诗般的家族纷争与循环和莎士比亚的历史剧一脉相承，他们更补充：「此剧将透过年轻人从传承身分的视角，探讨权威的真正本质。」 同时担任制作人的马丁已经参观了史特拉福的剧院总部，他似乎对军械库一游非常满意。马丁说他从未想像过他 1996 年出版的小说会以书以外的形式呈现，结果这个系列小说于 2011 年被 HBO 改编成电视剧，全世界的观众透过电视媒介进入马丁想像的世界，如今马丁的小说又将被改编成舞台剧，这更出乎他的意料，但也令他格外兴奋。关于这个改编的剧场作品，库克和麦克米伦表示，他们剧中的事件发生在《权力游戏》故事起点的10多年前，但剧中将包含原著和电视剧中读者与观众熟悉的家族，例如兰
在毁灭冲动与渴望和谐之间摇摆的当下人类处境，被压缩在6具身体不断的推挤、跌落、托举、支撑与重组之间。阿拉伯血统基督徒、身分多重的以色列编舞家阿迪．布特罗斯（Adi Boutrous），第4部在巴黎首演的新作《坠落的本质》（Nature of a Fall）（编按）不追求优雅、不迷恋叙事，而是书写一则重生的寓言。从身分与地缘现实出发，将权力、伦理与共存的问题推向近乎形而上的反思，却又以极度具象、沉重的肉身把观众拉回到彼此伤害又依赖的现实关系当中，让人不断以感知预演坠落，逼问危机时代中的我们自身。
由李安电影《少年Pi的奇幻漂流》改编，横扫美国东尼奖与英国奥利维耶奖的同名舞台剧，最近已于韩国登台，并因演员朴正民（Jeong-Min Park）担纲主要角色而备受关注。然而在话题发烧、票房开出佳绩的同时，也引发了类型定义上的高度争议。该剧在世界各地皆以舞台剧之名上演，唯独在韩国售票时被归类于音乐剧范畴，但全剧并没有任何主题歌曲贯串，韩国制作方因而被质疑有刻意包装、不实宣传及欺骗大众之嫌。 面对质疑声浪，根据制作公司 SCo 的公开说明，观众实际感受到的音乐剧特性较强，因而定义为音乐剧；且该剧作融合偶戏表演、影像、灯光与音响效果，算是一种综合型表演，难以用舞台剧或音乐剧等单一框架界定，并为此剧创建了一个新的类型定义：「Live on Stage」。
从重探经典到徘徊在现实与虚拟之间的当代童话，法国剧场大师乔埃．波默拉（Jol Pommerat）持续探索既矛盾又复杂的成长旅程。其最新力作《现代小女孩（暂定标题）》（Les petites filles modernes [titre provisoire]）透过匠心独具的叙事手法，以及奇幻迷离的舞台效果，成功带领观众进入一场虚实交错的梦境。这部作品不仅证明这位「作者╱导演」（Auteur-metteur en scne）说故事出神入化的功力，更展现出他登峰造极的艺术成就。
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