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上昆全本《牡丹亭》舞台呈现流光溢彩的多媒体设计,引发热烈讨论。
上海

上昆以全本《牡丹亭》迎接解封后的春天

近半年受到疫情政策所限,许多演出不得不推迟,作为沪上演出标竿的上海大剧院,先是重磅推出新编昆曲《重逢牡丹亭》,以倒叙双梦的意象解构经典;接著政策全面开禁之际,上海昆剧团全力打造献演了汤显祖全本55出《牡丹亭》,两天3场长达8小时、上中下3本的接力演出,在上海大剧院掀起了观演热潮。上昆此时推动庞大的演出阵容,既显现上座率和售票的限制逐渐松解,更意味明春的演出市场有望回温,相较于其他临时喊卡的剧团而言,全本版的公开彩排与顺利上演,无疑是幸运且极具指标意义。 1999年上昆缩编35出经典版的导演郭小男,此番再度执导,打出了「极致的回归」美学理念,媒体和观众赞赏是传承40年建团气象、溯源经典昆曲之心、呈现精致华丽之相貌。而崭新的旋转舞台,表演区域的四分割设置,不暗场、不使用二道幕,演员替代道具检场人,转场时自然过渡到下一场景无疑考验场景调度与演出节奏的掌控,依循原作原汁原味使用集唐诗,更是首度现身也颇具古韵情调。 至于舞台上多媒体投影和小桥扶栏,甚至对于著名曲牌,不同程度的浓缩精减,尤其〈惊梦〉一出中,流光溢彩的多媒体设计和满台生辉的大花神崭新造型,整个舞台的极致唯美和花团锦簇,引发了首演后种种对东方古典美学和现代视觉表达的热烈讨论,同时因为报纸、电视和网媒的宣发助力,有关上昆和全本《牡丹亭》献演的热议,竟然一夜间便达到数十万人次的阅读讨论流量。相信如能维持热度,借力在日后的演出里,再度展现明代市井风情各个阶层长篇史貌,上昆的非物质形象的艺术传承,想必会走得更丰美圆满。

文字|李翠芝
第351期 / 2023年01月号
开心麻花《偷心晚宴》海报。
北京

沉浸式戏剧在主旋律的另一端召唤疫后人心

虽然预期中共20大之后放宽防疫措施势在必行,但一夜之间的解放,却也使得表演艺术界欣喜得有点手足无措。这3年对民间表演艺术界的打击沉重且彻底,疫情后能够恢复到什么程度尚待观察,但这种关注市场机制的力量相对于国有院团的非市场目的的演出来说非常重要。这几年国有院团的节目占据大幅被压缩的市场,虽然在制作上有足够的资源做到赏心悦目,但主旋律与红色题材的清一色内容,就艺术观赏及娱乐性而言,这种偏狭远远无法满足观众的心理需求。 3年隔绝的心理反弹,就具体展现在沉浸式演出的体验。沉浸式戏剧在疫情前就已经是最受关注的演出形式,创作者与制作方顺应大势的心理可以体会。「开心麻花」在2021年年初就推出了新空间系列喜剧,希望用不同于传统剧场的空间,翻转观众观赏的体验。首部作品《偷心晚宴》除了沉浸式体验之外,也根据剧情设置了互动情景,让观演者代入角色,成为演出的一部分。这种方式见仁见智,端看文本与互动的机制是否为大多数观众认可。可惜的是疫情反复无常,演出无法持续,迄今还没见到真正有效的观众反馈和票房效益。但可以预见的是,处于主旋律与红色主题演出光谱另一端的沉浸式演出,肯定将会承接疫情后观众对表演艺术的期待。 疫情后乐观的估计,中国演艺产业的产值在2025年将达到680亿元人民币的历史高点。疫情期间对表演艺术的出路有各种的思考与试验,但囿于临场体验的本质,只能注满对疫情结束的渴望,表演艺术会不会迎来报复性的消费,2023年上半年就可见分晓了。

文字|王泊
第351期 / 2023年01月号
「Battery」计划举办的公开论坛现场。
东京

资深制作人联手以导师制培育新世代艺术行政

「Battery」是由在日本国内艺术节、剧场、团队等累积丰富经验的30至40世代制作人所企画的人才培育计划。本计划以自由接案的艺术行政作为主要对象,希望提供直接咨询与支持的网络,育成下个世代表演艺术所需的人才。由于市面上充斥著各式讲座形式的培育课程,「Battery」希望参与者将自己在职场所面对的问题与观察,与业界的前辈共同讨论并获取建议。在日本,以导师制所进行的计划相当少见,「Battery」则是受到台湾所举办的「PAMM 表演艺术国际人才实现计划」影响而发起,从日本全国挑选出5位导生,试办了第一年的导师班。 本计划每位导生都配有主、副两位导师,以两周到1个月1次的频率进行讨论,内容从日常业务到职涯发展。采用两位导师,是为了防止一对一的情况下容易产生的骚扰(harassment)结构,实际上也能借由复数导师提供不同面向的意见。12月12日在东京举办的公开论坛中,参与者皆表示,导师班所提供的长期而正式的咨询,让平常只专注于解决专案问题的自由工作者,获得更妥善的支持与沟通管道。同时,导师们也表示透过这样的方式,反而能从导生中理解到年轻世代艺术行政人才所面对的问题。 「Battery」一词,除了充电之外,在日文中也代表著棒球场上投手与捕手的组合。未来,为了让这个计划持续,除了需解决财务支援的问题外,维持导师人选的多样性也非常重要。而在本计划中,导师们必须具备相应的信赖关系,甚至是具备共同的基础价值观,才能够在与来自不同背景的学员与其他导师之间,跨越世代地相互丢接球。

文字|新田幸生
第351期 / 2023年01月号
「燕子茶房」举办「名为音乐演出的一种『哀悼』型态」系列活动之店内宣传标示。
首尔

业界呼吁以表演活动哀悼梨泰院踩踏事件

万圣节前夕,首尔梨泰院一带发生震惊国内外的大规模踩踏事故,造成严重伤亡。这是继 2014 年4月「世越号」船难后,韩国再度经历重大公共安全事件,也再一次葬送了许多无辜生命。 梨泰院踩踏事件发生后,总统尹锡悦于翌日宣布全国进入为期7天的哀悼期。由于遇难者多为10至20多岁的年轻人,年轻人热中参与的各种活动主办方,多数选择自主性取消活动或延期。然而严重灾害后的集体创伤,自然不是7天的哀悼就能够痊愈,全国哀悼期过后,公演界仍呈现低气压,许多表演艺术工作者接连被告知演出取消或无限延期,生计大受影响。担忧以停止活动表现哀悼将过度流于形式化,多名学者及业界相关人士纷纷提出建言,并发起表演形式的哀悼活动。 木浦大学国文系教授李京烨(이경엽)向媒体表示,在韩国固有的传统习俗中,有许多以歌曲和舞蹈为社会共同体带来安慰的仪式活动,例如珍岛的传统葬礼「Dasiraegi」(다시래기)是在丧家院子里上演的话剧,透过充满欢笑与神祇力量的剧情,互相安慰,一起走出悲伤。 复合文化空间「燕子茶房」(제비다방)自11月第2周至12月第4周,每周三举办「名为音乐演出的一种『哀悼』型态」系列活动,由多名音乐人接力演出,不收入场费及任何经费赞助。「燕子茶房」于活动说明中写道「哀悼的方式因人而异,我们抵制压迫音乐演出的行为。现场音乐并非音乐家的单向填充,而是演出者与观众透过相互沟通,成为彼此的力量。我们想告诉世人,音乐演出可以是一种哀悼的型态,我们和怀著相同信念,靠舞台维生的人们将继续进行演出。」

文字|许景涵
第351期 / 2023年01月号
妮可.基嫚买下休.杰克曼在剧中戴的草帽,是为了响应戏剧界为爱滋病剧场人所办的募捐。
纽约

影后义买草帽原是为百老汇募款尽力

「妮可.基嫚出价300万买金钢狼签名帽!」的新闻前一阵子爆红。原来是影后来纽约看休.杰克曼主演的音乐剧《The Music Man》,在谢幕时的义卖上喊出10万美元高价买下澳洲同乡在戏里戴的草帽。 埋在新闻里没有说明或说不清楚的,是为什么会有这样一个义卖义买的情况发生,钱又到那里去了?原来这是百老汇的年度例行募款,由公益组织「百老汇关怀╱工会抗爱滋」(Broadway Cares/Equity Fights AIDS)发动,让该组织可以给因爱滋病而苦的剧场演职员提供医疗和生活的协助。 美国剧场界是爱滋病刚开始肆虐时最受打击的一个族群,于是演员工会在1987年成立Equity Fights AIDS的自救单位,隔年制作人协会成立Broadway Cares,两者在1992年合并并独立,从此成为剧场界最重要的慈善机构,至今募款超过3亿,除了直接提供援助外,还拨款全国超过400个团体做在地服务。 「关怀」的募款方式有Broadway Bares义演、9月的跳蚤市场给喜欢收集纪念品的戏迷挑宝,但一般观众最熟悉的应该是春秋两季的戏院募捐,尤其是从万圣节后到12月初,去看百老汇演出的观众大概都经验过,演员在谢幕时请观众乐捐的诉求。 光靠观众投钱到红色的乐捐桶里成效有限,有的戏就会在台上义买像是签名海报、道具等,这当然得看签名者的名气了,休.杰克曼即是此中高手,2009年他和007丹尼尔.克雷格合演《A Steady Rain》,6周募到150万元,占当季总募款三分之一!其中最受欢迎的义卖物,是两人在戏中穿的白汗衫!2004年他独挑大梁《The River》也募到50余万。今年有同乡的义助,看来募款又会破纪录!

文字|谢朝宗
第351期 / 2023年01月号
格哈特-霍普特曼剧院外观。
萨克森自由邦

政府出资25万欧元,协助民间剧院重建

今年11月,德国东部萨克森自由邦(Freistaat Sachsen)的格哈特-霍普特曼剧院(Gerhart-Hauptmann-Theater Grlitz-Zittau)因1场技术失误,造成剧院舞台严重损坏,必须暂停部分演出关闭。为此,萨克森邦政府决议在例行补助款之外,再划出25万欧元特别经费,帮助该剧院重建剧院舞台。萨克森邦总理克雷默奇(Michael Kretschmer)表示:「我们不会置之不理,这里必须继续经营下去,这间剧院对地方的居民和他们的生活品质而言,非常重要。」 根据德国主流媒体《南德日报》与《时代周报》等报导,这间以德国文豪暨诺贝尔文学奖得主格哈特-霍普特曼命名的剧院,拥有3个主要场地,定期演出音乐剧、戏剧、舞蹈与音乐会。其中位于格尔利茨市德米亚尼广场(Demianiplatz)的剧场建筑,完工于1851年,为该地区最重要的历史建物之一。11月8日当天,因不明原因的技术操作失误,触发火灾警报,启动了自动洒水系统,短短几分钟内,舞台区域被数千升的水淹没。 所有技术系统及舞台上的布幕、布景、器材和道具几乎全数毁坏。 造成至少数百万欧元损失。萨克森邦文化部长克莱普施( Barbara Klepsch)指出:「这笔经费应该能帮上忙,至少修复要舞台,让一部分的演出能正常进行。」或者,至少暂时另择场地演出。 格哈特-霍普特曼剧院并非像是政府经营的市立剧院,拥有长期稳定的营运经费,主要是在该地区的众多地方协会与市民成立的基金会支持下,维持著盈亏自负的营运。由此事件也不难察觉,剧院在德国社会作为不可或缺的存在,以及民间与地方政府对其长期支持的力道,不因其是否有大师名作,而是因为地方民众在生活上的需要。

文字|陈成婷
第351期 / 2023年01月号
在《森林》中,舞者透过姿态,揣摩画中人物的动作、姿态及神情。
巴黎

姬尔美可《森林》首度尝试以经典绘画为灵感之作

随著舞者流动,漫步于罗浮宫,透过绘画与体态开启经典与当代的对话比利时编舞家姬尔美可(Anne Teresa De Keersmaeker)与新锐艺术家Nmo Flouret应巴黎秋天艺术节邀请,创造出独一无二的现地表演《森林》(Fort)。 今年初冬,舞蹈为入夜闭馆后的罗浮宫注入了一股前所未有的活力.当游客人潮散去,500名观众依照不同路线,分批走进占地5,000平方公尺的德农馆(Denon).在11位舞者的带领之下,游历30幅旷世巨作,共享一场跨越绘画与肉身、静态与动态、永恒与刹那的体验。 《蒙娜丽莎》、《自由领导人民》、《梅杜莎之筏》这座《森林》不只林立著闻名遐迩的古典绘画,风华正茂的舞者也穿梭其中.他们透过姿态,揣摩画中人物的动作、姿态及神情,并运用动作扩延画作的空间、线条与细节,打开观众的视野与感官。 姬尔美可并非首次在美术馆空间呈现舞蹈作品,但《森林》却是她第一个以绘画为灵感的创作.面对德农馆H型的建筑结构,她特别邀请近年致力挑战非典型空间演出的Nmo Flouret设计观众与舞者的动线,制造出构图、景深、视角等多层次的变化.对他们来说,舞蹈与绘画的连结不仅使画作中的凝结场景与情境变得更生动,更同时提供宏观与微观的视角,激发各种赏析作品的方式. 除了姬尔美可,许多法国艺术家近期都纷纷走出黑盒子,在各式各样的非典型场地实验编舞创作的全新可能,无论是剧院的回廊、后台、展场的地下室、大楼的停车场等.他们试图运用空间变化及沉浸体验,消弭舞台与观众的隔阂,营造出更直接纯粹、更针锋相对的观演关系。

文字|王世伟
第351期 / 2023年01月号
汉姆斯迭特剧院因政府补助遭砍,只得改变制作走向。图为剧院观众席。
伦敦

政府大刀砍补助,重击伦敦多家剧院

去年11月初,英格兰艺术委员会(Arts Council England)公布 2023-26 全国剧场机构补助申请结果,在业内掀起一阵波澜。英国政府决定将补助分配至伦敦外的剧院与组织,喊出全国「升级」(level up)的口号,在此政策下,伦敦内不少剧院都大受打击。 最让人吃惊的是艺术委员会将英国国家歌剧院 (English National Opera )每年1,200万英镑的补助全砍,并要求全体歌剧院得从伦敦搬至曼彻斯特,才会再考虑将其纳入「国家投资组合组织」(National Portfolio Organisation )内予以补助。另位於伦敦的3间剧院:丹玛仓库剧院(Donmar Warehouse)、汉姆斯迭特剧院(Hampstead Theatre)和盖特剧院 (The Gate Theatre),也都面临补助全砍并移出国家投资组合组织的困境,其中盖特剧院的收入有 45% 来自政府补助,这个决策对该剧院来说是极大打击。 汉姆斯迭特剧院位於伦敦西北边的瑞士屋(Swiss Cottage),60几年来都以只制作新剧本(new writing)为主轴,有镜框式主舞台与地下室黑盒子两个演出空间。特别是黑盒子剧场培养出许多目前活跃舞台与影视界的剧作家,导演米契尔(Katie Michell)去年就在此与剧作家华特森(Rebecca Watson)共同创作1出以听觉为主的戏,广受好评。但在政府补助遭全砍后的1个月,汉姆斯迭特决定改变其剧院走向,未来将主打重制演出(revival),而其艺术总监席尔伯特(Roxana Silbert)也决定在剧院调整方向之际辞职。 与不少业界专业人士相同,笔者对艺术委员会的做法持怀疑态度。政府的做法是将伦敦戏剧发展的主干上砍下几根树枝,用以刺激其他地方森林的生长,但这过于简化与粗暴的政策,彻底忽略在英国全国戏剧的复杂生态中,一切都紧密相连的现况。这截长补短的简单思考,可能对英国剧场造成更大的长期伤害。

文字|林大貂
第351期 / 2023年01月号
大人和小孩挥舞著彼得.舒曼创作的木刻版画所印制的旗帜并拥簇著洗衣妇形象的大傀儡。
四界看表演 Stage Viewer

创作,在自我实践与辩证之间

记面包傀儡剧团演出《天启反抗马戏团》

面包傀儡剧团(Bread and Puppet Theater,以下简称为BP),1963年由纽约曼哈顿的迪兰西街发迹,最后落脚于佛蒙特州葛拉佛镇。明年,2023年将走入第60个年头。(注1) 进入21世纪,BP愈来愈展现独特且重要的意义,不只在于环境剧场或是地景剧场进程与体现的里程碑;而是跨越半个世纪,始终以独立经营的方式,保持创作的自主性与自明性。在农村小镇的农场里,抵抗资本主义下的商业主流分工异化下的单向度剧团。在所有的创作上并安装著反战、环保及支持人权的感知器,并且将这样的精神与意识分株分火到欧洲、拉丁美洲、亚洲或是中东。 人间百态的欢宴 2022年8月底,BP完成《天启反抗马戏团》(The Apocalypse Defiance Circus),展开全美的巡回演出。即便疫情汹汹,也没有打断年度性演出,所有操作与演出者日日都做试纸检测及戴著口罩,并在公共用餐与观赏区域都以粉红色小旗标示位置。 开演前1小时,马戏圈旁有旁秀(side show)演出;此次由即将迈入80岁的艾咪.川普特(Amy Trompetter)(注2)偕山姆.威尔森(Sam Wilson)以潘趣和茱蒂偶戏(Punch Judy)及翻图说演(Cantastoria)(注3)形式演出布莱希特诗作〈老子流亡途中著《道德经》的传说〉(Legend of the Origin of the Book Tao-Te-Ching of Lao-Tzu's Road into Exile)。 伴随著愈益响声的铜管乐声,闹热乐音暖场,大人和小孩挥舞著彼得.舒曼(Peter Schumman)创作的木刻版画所印制的旗帜并拥簇著洗衣妇形象的大傀儡。戴著星条旗高帽和服装地主持人高声宣告「先生女士们,欢迎来到天启反抗马戏团」(Ladies

文字|刘仲伦
官网限定报导  2022/12/24
COEX园区一景。
槟城

全新艺文园区COEX发挥共用共融精神

集工作室、图书馆、放映与表演场地于一身的Community Experiment(简写为COEX)是槟城最新的艺文园区,创办人梅志雄本著共用与共融的精神,重新改造1个废置多年的铁厂旧址,除了作为其建筑事务所之用,还腾出其他空间来让艺文爱好者交流。自今年9月9日启动以来,不断有活动登场,从「活声声音乐节」、「岛读杂志展」、「共思社流动图书馆」、「疗愈艺术节」、本地私房菜到茶艺分享会等等轮番登场。期间还放映了金马奖最佳纪录片《迷航》,并邀请来自香港的导演李哲昕与观众映后交流。 这里除了有如货仓般宽敞的室内建筑,还附设放映与阅读空间,所有座席、长桌和书橱都由松木打造,和室外的草坪形成大自然的人文景观。目前入驻的咖啡厅、汉堡专卖店已经开始营业,槟城唯一的社区报《城视报》亦在此设立工作室,以姐弟共骑壁画成名的立陶宛画家Ernest Zacharevic也把自己的画室搬来这里,让艺文氛围更加浓厚。未来两个月将有《城视报》策划的书展和系列讲座、佛教青年音乐会、本地音乐人「大费周张」的演唱会等,充分开发这个园区的各种潜能。 难得的是,COEX和槟城著名的艺文据点Hin Bus Depot为邻,彼此互通,在策划节目上互相照应,为槟城乔治市提供一个完善的活动场地。创办人梅志雄本身是马来西亚十大建筑师,由他规划的这个艺文园区走的是各种CO(合作)和EX(实验)的路线,只要是和艺文有关,各种提案都可以考虑,开放式的管理方针,将会让COEX的未来充满各种可能性。

文字|陈伟光
第349期 / 2022年11月号
游行队伍中的乩童在脸上穿过尖锐物品,以展现神明附体神威。
普吉岛

普吉岛「九皇斋节」疫后盛大举办

一年一度的「九皇斋节」固定在每年的农历初一到初九登场,今年落在西历的9月26日到10月4日,这场为期9天的庆典最早是从中国闽南地区流传到东南亚,后来慢慢成为东南亚华人圈的盛事。 而泰国规模最盛大、也最出名的九皇斋节庆祝活动,则非普吉岛莫属,九皇斋节在普吉岛的历史已经近200年,今年是自2019年底爆发COVID-19疫情后,普吉岛九皇斋节举办规模最盛大的一次,闷了2年的普吉岛人盛情参与,每天由不同的宫庙轮流举办活动,各宫庙的乩童会穿上仙人的服装游行或是替信众举办改运祈福仪式,仿佛一场大型的嘉年华,延续著百年来闽南华人的传统宗教文化。 普吉岛九皇斋节最出名的仪式是游行队伍中的乩童会在脸上穿过尖锐物品,因为他们相信这是神明附体展现神威的一种方式,这样的画面吸引不少观光客和媒体拍照,成为普吉岛九皇斋节最出名的场景。此外,信徒们会自发性地穿上白衣白裤,在这9天内到宫庙参拜或绕街游行,是普吉岛在此节庆期间独特有趣的风景。

文字|吕小珊
第349期 / 2022年11月号
《如梦之梦》在2021年话剧平均单场票房前10榜单、年度票房、场次综合前10榜单中均名列榜首。
上海

演出市场年度报告指出女性为消费大户

近日中国演出行业协会发布了《2021全国演出市场年度报告》,对疫情影响下的表演艺术市场发展和业绩表现做了数据统计和分析,以演艺行业主要票务系统和剧场上报数据,对包括话剧、音乐剧、儿童剧、戏曲、舞蹈、音乐会、相声、脱口秀等艺术门类市场进行分类盘点,并对2022年及其后趋势提出新的预测和研判。 报告显示,上海仍是中国最大演出票仓,全国市场排序前10名依次为沪、京、苏、川、渝、浙、津、粤、陕、豫,这10区占据了全国65%的演出市场。全国1年的票房为140亿人民币,仅相当于美国百老汇1年的票房18.29亿美元,整个演出市场称不上繁荣。 值得注意的是,2021年的演出市场消费主力是18岁至39岁世代,在购票群体中占76%;而其中女性数量明显高于男性,占比为66%。据近3年数据监测显示,95后、00后消费者和女性消费者占比也呈现逐年上升趋势。从演出门类来看,话剧最受欢迎,票房和场次分别占剧场类演出的30%和14%。其中赖声川的《如梦之梦》在2021年话剧平均单场票房前10榜单、年度票房、场次综合前10榜单中均名列榜首。此外,音乐剧在上海、北京、江苏等地市场占比和票房收入中也接连超越其他传统剧种,成为最有潜力发展的舞台艺术。特别是音乐剧女性爱好者呈现出的反复「打卡看戏」的社交观演模式,在同出戏观众重复观演率中,亦高居各类演出之首。这显示了随著经济独立和文化修养的显著提高,具高学历和欣赏力的知识女性圈层已逐步形成扩大,正日益成为演出市场消费大户。 报告亦预期年末的剧场演出将迎来一批高质量的原创舞台作品,热度居高不下的「沉浸式文旅+戏剧演艺」将受到更多投资者关注。

文字|李翠芝
第349期 / 2022年11月号
由第9届「当代戏曲小剧场艺术节」将于11月2日至12月31日在繁星戏剧村演出。
北京

「当代戏曲小剧场艺术节」实验初衷不再?

疫情反复,各地又陆续传出取消演出的通知,表演艺术的困境看似仍未完全解除。这种困难,民间团体要比国有院团的感受更刻骨,时势如此,修行只能看个人。孟京辉的蜂巢剧场10月和11月仍推出黄湘丽的独角戏《狐狸天使》和《你好,忧愁》,从2013年的《一个陌生女子的来信》开始到现在,黄湘丽等于独角戏,是北京戏剧圈唯一的独特存在,而独角戏在目前情势下也算低调。蓬蒿剧场仍只能低调,但未停下脚步,以张晓风剧本《和氏璧》在10月中旬进行精致的读剧演出,从排练到演出花了40天,并不比正式演出轻松,或许读剧是蓬蒿适应困境的一种方式。 相对高调的是繁星戏剧村第9届「当代戏曲小剧场艺术节」,宣告将在年末前的两个月里演出,戏曲与小剧场的结合在北京天时、地利、人和,得到政府部门的大力赞助,能够持续存在是好事。只是今年宣传重点令人忧心初衷不再,11种剧种参演,演出单位清一色是各地公有剧团,千篇一律的经典剧目题材,唯一不同的只是「小剧场版」,让人明显看到公部门的主导力量。传统戏曲一直受到各地方政府的保护与资助,但以保存传统为意识形态,并不符「当代戏曲小剧场艺术节」宗旨。戏曲与小剧场结合的重点应该是传统戏曲融入小剧场实验本质的程度,优势互融,劣势互补,不怕实验更无惧颠覆,只求因中西方戏剧理念与制作方式的碰撞而产生不同的表达方式;也或许,传统戏曲只作为一种灵感来源,一种文化元素,来丰富现代剧剧的内涵与形式。这两种方式都是对传统戏曲在当下最有效的推广,如果公部门只看到多剧种了无新意地挤在小剧场里拼演的业绩,那这个艺术节的应存应废就很清楚了。

文字|王泊
第349期 / 2022年11月号
音乐剧《大状王》在网路上的取消公告。
香港

疫情数字虽缓和 但开演依然困难

香港感染疫情数字近月转为缓和,防疫措施亦有所放宽,剧场和艺术活动又再活跃起来,很多演出都因受第五波疫情的闭馆影响而延后开演,如由黄子华与潘灿良主演的庄梅岩新作《最后礼物》,当时在1月首演前一天取消演出,而延期至7月的50场最后全部顺利进行。 不过有更多演期长,而且让观众等了又等的演出,就不一定这样幸运了。香港话剧团及西九自由空间联合主办及制作的音乐剧《大状王》,创作历时3年,加上2019年预演吸收观众意见,成为本地原创音乐剧一次宝贵的创作旅程。无奈受疫情影响,正式演出先后两度取消,终于今年9月在戏曲中心开演,但头3场「鉴于有演员被列为密切接触者」又告取消。剧团调动了一些候补演员后,演出终于顺利进行,观众的回响也相当热烈,之后亦迅速加开了3场演出以补偿向隅者,但病毒一来就难以力挽,因为又有演员确诊,这次就难以透过调整让演出顺利进行,终于剧团得全数取消剩下的场次。 这样的打击,让剧团行政和表演者都身心疲累。另一出「中英剧团」原创剧、取材自台湾一宗无差别杀人事件的《辩护人》,首演后第2周也因有演员确诊而被逼取消;长演音乐剧《我的青春日志》、「三角关系」的重演戏码《二人餐》和「香港舞蹈团」的《俪人行》(元朗场次),亦因同样情况难以顺利开演。本地制作资源有限,安排后备演员并非容易,看来疫情下作品要顺利演出,还必须多方祈福。

文字|陈国慧
第349期 / 2022年11月号
新电信水滨剧院演出空间与观众席。
新加坡

中型剧院「新电信水滨剧院」建成启用

新加坡滨海艺术中心的新剧院「新电信水滨剧院」原本预计在2021年建成启用,艺术工作者们引颈翘望,今年终于盼到了剧院的落成。 新剧院于10月13日正式开幕,是新加坡第一个多形式的中型剧院。4层楼的剧院空间可以容纳700名观众,观众席的配置也可灵活改成容纳400至600位观众。新加坡目前虽有两所中型剧场,但演出场地供不应求,因此「水滨剧院」的建成,正好可以改善演出场地不足的情况。 早在1979年,时任副总理的王鼎昌先生(也是后来的新加坡首位民选总统)建议设立文化艺术中心,但直到2002年,滨海艺术中心才建成启用。在1994年,由于工程浩大,资金昂贵,当局宣布滨海艺术中心必须分两个阶段进行,于是先建了大型音乐厅与剧院,以及小型的吟诵工作室与剧院工作室。当时,作为第二阶段工程计划的中型剧院,只好被无限期搁置。如今,水滨剧院在滨海艺术中心20周年庆开幕,这项历时40余年的艺术愿景,终于落实了。 在开放给一般观众之前,水滨剧院于9月7日组织了一场特别演出,邀请特别嘉宾们前来先睹为快他们便是参与修建的建筑工人、保安、清洁人员、技术团队人员等。在10月至12月期间,水滨剧院为大众呈现5部委约作品,包括郭瑞文和「人.舞团」的舞作《无限的接近》、钢琴家陈灵的《龙女不哭》、戏剧人张子健对《摩诃婆罗多》重新构想呈现的《分离的王国》,以及音乐制作人沙富安打造的视听体验作品《RATA: new grounds, new sounds》。

文字|梁海彬
第349期 / 2022年11月号
HAEPAARY 于韩国国立剧场演出实况。
首尔

「HAEPAARY」为韩国传统音乐打开多元新貌

韩国乐坛自 2017 年起吹起一股传统音乐复兴,跟随时代再进化的风潮,过去5年间,引领这股热潮的乐团「Ssing Ssing」自美国国家公共电台(NPR)「Tiny Desk Concert」节目中崭露头角后,「Jambinai」、「ADG7」等融合传统与现代、自发展出独特风格的音乐团体,也陆续在该节目亮相,进而受到全世界瞩目,并登上平昌冬季奥运闭幕式、WOMAD 世界音乐节等国际级舞台。而在近期,传统翻新的风潮持续,同时也走向更深层的挖掘、省思与内化,其中由 HYEWON(声音制作人╱器乐演奏)和 MINHEE(主唱╱执行制作人) 所组成的「HAEPAARY」,可说是当前在韩国传统及当代音乐场景中最活跃的组合。 「HAEPAARY」的两名成员皆为韩国传统音乐科班出身,骨子里却充满打破性别疆界、世俗规约、礼教束缚的挑战精神,并将思维贯彻于音乐创作当中。「HAEPAARY」 以融合传统声乐及当代声响美学的技法诠释朝鲜时代宫廷仪式音乐《宗庙祭礼乐》(종묘제례악)的旋律和唱词,以及韩国传统声乐曲中限定由男性演唱的《男唱歌曲》(남창가곡),在曲式严谨的儒教音乐中融入 Rave 和 Trance 等电子音乐元素,兼具深度、新鲜感和反思空间的创作及舞台呈现,在国内外皆获得乐评人及音乐奖项的正面评价。「HAEPAARY」为乐坛带来的不仅是听觉的刺激,更具有体现当代社会多元价值的时代意义。

文字|许景涵
第349期 / 2022年11月号
图为研究会参考案例:横须贺无人岛艺术节「Sense Island」参展作品——HAKUTEN CREATIVE的《Observation Clock -时の観测台》。
东京

日本经济产业省指出「艺术是产业竞争力的源泉」

因应近年艺术领域受到注目,2022年6月起,日本经济产业省为推动创意产业的投资及扩大需求,设立了「艺术与经济社会关联的研究会创意产业的新发展」,并于近期公开前两次研究内容的大纲,强调艺术是未来建构新的高端品牌概念的重要元素,更对影响企业价值的品牌形象提升有著显著意义。 研究会预计进行4次,主题分别为「艺术与企业、产业」、「艺术与地区、公共」、「艺术与流通、消费」与「艺术与科技」。经济产业省认为,伴随著经济社会的成熟化、全球化、数位化与价值观多样化的影响,各国已经正式进入一个难以仅凭成本和功能就做出差异化的时代。而无法被机械或人工智慧所取代的艺术与设计等文化内容,将日渐成为各个国家与地区在固有文化上创造价值的主轴。 2021年,日本的艺术市场规模约为2,363亿日圆,约占全球4%。日本在艺术市场的规模,或每人平均文化GDP都是已开发国家中的最低标,也反映出长久以来现实经济社会与文化艺术疏离的问题。此外,依照野村综合研究所指出,日本国内统计的601种职业中,在10至20年后会有将近49%被机器人或AI取代,因此如何让创造性成分高的劳动人口增加,成为目前的重要课题。在首次研究会中,经济产业省直指「艺术是产业竞争力的源泉」,增加新的附加价值与差别化,是决定未来日本产业竞争力的关键。尤其在疫情后,相较于先进国家对于艺术的投资,文化预算仅占整体预算0.11%的日本,更需加速连结产业与艺术,塑造文化专业人才得以被善用的职场环境,以达到经济与艺术永续的循环。

文字|新田幸生
第349期 / 2022年11月号
莉亚.米雪儿出演《妙女郎》的海报。
纽约

新版《妙女郎》让主演女星重登事业高峰

音乐剧《妙女郎》(Funny Girl)为美国20世纪初表演者Fanny Brice塑造了一个一炮而红的诞生神话,这出戏、尤其是之后拍的电影,也让女主角芭芭拉.史翠珊一举成名。半世纪后,新版的《妙女郎》继续这个捧红明星的传统,只是这回不是A star is born,而是A star is reborn,让主演的莉亚.米雪儿(Lea Michele)重新站上演艺事业高峰。 《妙女郎》从1964年首演,至今才有百老汇新制作,原因无他,史翠珊的形象及声音太过鲜明,她不断在演唱会重唱戏中歌曲〈People〉和〈Dont rain on my parade〉,谁来演都要与她相比,明摆是吃力不讨好。 或许如此,这次新制挑上的「妙女郎」是外型和声音都完全不同的Beanie Feldstein。以演喜剧电影出名的她,舞台经验和歌艺都普通,选她或许是想要创造一个另类妙女郎,但呈现上没看出新的诠释角度,她的歌唱技巧无法将这些名曲唱出不同的味道,只是突显其先天不足,所以评论都不佳,在粉丝退场后票房节节下落,面对现实压力,团队开始寻找接演的人。 米雪儿一心想演这个角色在演艺圈是众所皆知,但她在以电视剧《Glee》成名后却出现耍大牌传闻,其后结婚生子,在影艺圈消失了一段时间,谣传是被「封杀」。这次换人消息一出,Feldstein马上宣布她在合约期满前两个月退场,粉丝跳出来为她抱不平,而米雪儿则遭旧闻重炒,频上娱乐八卦版,还被迫发表声明为过往行为道歉。 但她自9月6日上台以来,几乎每场都获得多次起立鼓掌,甚至因为喝采声太大让演出暂停,评论也是极尽赞赏:超级出色!震破屋顶!完美10分!连不喜用溢美词的《纽约时报》也说「百老汇终于找到了它的妙女郎」。她以实力粉碎一切负面新闻,看来将在影艺圈重启炉灶!

文字|谢朝宗
第349期 / 2022年11月号
由市立剧院改建的碧娜.鲍许中心将于2027年完工启用。
乌帕塔

碧娜.鲍许中心将开展「永续」新计划

已故德国编舞家碧娜.鲍许(Pina Bausch)留给世界的遗产,除了她一生的创作事迹、语录,她的舞团、舞作之外,还即将增加一项以她为名的永续艺术计划。 预计于2027年完工启用的碧娜.鲍许中心(Pina Bausch Zentrum)位于其故乡乌帕塔(Wuppertal),前身为市立剧院。该中心期许能延续鲍许生前累积的艺术事业基础,成为一个跨领域的文化机构。中心的经营策略,不仅在于结合并延续鲍许时期的经营与美学传统,更重要的是在她之后,铺展新的开始与可能性;追求艺术性的超越,同时也必须是民主的、建立国际吸引力和城市社会的参与。该中心将同时由4个机构╱团体乌帕塔舞蹈剧场(Tanztheater Wuppertal Pina Bausch)、碧娜.鲍许基金会(Pina Bausch Foundation)、国际制作中心和乌帕博根论坛(Forum Wupperbogen)相互支持该营运,但各自独立自主。 在今年9月的德国联邦文化基金会决议上,该中心获得了140,000 欧元补助款,来支持未来以「永续性」为前提的发展策略。通过以「零气候中性艺术和文化项目」( Zero Klimaneutrale Kunst- und Kulturprojekte)为名的艺术文化专案,德国联邦文化基金会希望支持该中心持续发展,在跨越戏剧、舞蹈、音乐、文学、文化历史和视觉领域上,实验出可以与环境共存与平衡的永续剧场,以及可能的艺术创作与经营模式。 筹备主任米尔兹(Bettina Milz)提到:「透过这项同时具备艺术性、技术性和学术性的开创研究,永续经营的工作方式将可以铭刻在新文化场域的基因之中,这不仅基于理论而制定的目标,而且需要透过具体的研究、测试和组织架构的工作流程来完成。」 碧娜.鲍许中心将利用这笔资金「以整体机构的全面视角,来思考永续性主题,并在中心完工开幕时,能具体落实在机构的所有的方方面面之上」。

文字|陈成婷
第349期 / 2022年11月号
托马.乔利于2018年应邀访台演出《理查三世》记者会中留影。
巴黎

2024巴黎奥运盛典由剧场人揭幕

9月21日,巴黎奥运暨帕奥筹备委员会(Cojop)宣布由托马.乔利(Thomas Jolly)担任开闭幕式总导演。继2004年希腊编舞家帕派约安努(Dimitris Papaioannou)之后,张罗4年一度普世庆典的责任终于再度由剧场人主导。这位迈入不惑之年的后起之秀,2年后能否创办一连串融合体育精神、城市特色、文化风采、时代趋势的艺术飨宴,撼动全球观众的目光? 乔利以马拉松式的莎剧改编惊艳法国剧坛。他不仅热爱经典文本,数次挑战许多人认为不可能搬演的「案头剧」,也善用丰富的视觉与声光效果,获得不少年轻观众的青睐。近4年来,他以青年导演之姿企图征服亚维侬教皇宫,又入主昂热河岸戏剧中心(Quai Angers),成为法国戏剧界最受人瞩目的耀眼新星。 从2021年春天开始,巴黎奥运筹委会就开始遴选负责开闭幕式的导演,乔利从70多位表演艺术、电影界、时尚圈等专业人士中脱颖而出。筹委会赞许乔利捍卫法国剧场的传统价值,又贴近主流文化,完全符合2024巴黎奥运突显脉络相承、兼容并蓄的目标,主席Tony Estanguet强调:「乔利导演上的非凡成就证明他熟知如何打破形式分野,将艺术提升到最高层次。」 历经恐怖攻击、圣母院大火等种种磨难,巴黎奥运筹委会希望借由2年后的体育盛事让全体国民感到骄傲与团结。总预算目前高达约42亿新台币的巴黎奥运开闭幕式将以塞纳河作为策画主题与叙事轴线。一连串节目将从体育场出走,沿著贯穿城市的12公里河岸铺展开来,一步步回溯法国文明的发展历程。对乔利而言,怎么发展流动性的叙事景观、如何化名胜古迹为舞台场景、要创造出何种动人又充满诗意的视觉效果等,都是他跃跃欲试的挑战。

文字|王世伟
第349期 / 2022年11月号
《渺小一生》
四界看表演 Stage Viewer

创作能量尚待恢复 走出疫情挑战再起(上)

2022爱丁堡艺术节与艺穗节观察

因疫情而停办的爱丁堡艺术节/艺穗节,在去年牛刀小试之后,今年正式回归往年盛况,虽说跟2016、2018年笔者参访时的巅峰盛况相较起来,还略有差距,但整座城市仍旧生气蓬勃,仿佛疫情从未存在过。BBC报导指出,今年票房普遍不景气,某些场馆的票房收入比2019年平均少了四分之一(疫情前,主要八大场馆在2019年卖出了将近200万张票券,今年不到150万张),并将这个现象怪罪于令观光客与艺术家无法负担的高房租,更别提通膨之后,物价普遍皆涨的经济困境。 今年整体作品跟往年比较起来(根据我看的51出戏),有感大部分的创作者仍处于一个创作能量的恢复转接期:作品内容、主题与风格与过往比较,整体显得相对安全,较专注于个人内在情感,或与家庭、社会连结的探索居多;许多当地观众都表示今年没有看到任何「令人眼睛为之一亮」的作品。

文字|蔡柏璋
官网限定报导  2022/10/27
《米蒂亚》
四界看表演 Stage Viewer

创作能量尚待恢复 走出疫情挑战再起(下)

2022爱丁堡艺术节与艺穗节观察

独角戏竞争激烈 在音效设计开发卓越表现 由于演出与住宿成本惊人,独角戏一直是艺穗节常见的形式(演工作人员愈少愈好),除了本来就很受英国人欢迎的Stand-up comedy外,独角戏演出非常仰赖好剧本和好演员来吸引观众进场。官方统计2022年共有来自63个国家、3334个节目在爱丁堡上演,竞争之激烈,可见一班。 今年我最推荐的独角戏《害怕不祥之事降临》(Feeling Afraid as if something terrible is about to happen),是由剧作家桑多斯(Marcelo Dos Santos)所作,也是夏日剧场(Summerhall)全数售罄的演出之一。剧本由英国知名喜剧演员巴涅特(Samuel Barnett)出演。虽然只是讲述单纯的约会经验,但本剧的设定就已经立见高下:试问,当一个喜剧演员终于遇上真命天子,但这个人偏偏有一个致命的缺陷:他无法大笑,因为只要一笑,他就有可能会死掉;渴望爱情却也热中于喜剧事业的演员,该怎么办呢?这个剧本不仅挑战了喜剧演员生命中最大的成就与脆弱,更轻盈地玩弄美国人与英国人之间的文化差异,整场演出笑声不断,毫无冷场,巴涅特高超的演技和节奏感完全撑起了这个精采的文本。 综观今年欣赏的几部独角戏,虽然大部分文本不见得有突出之处,但都有一个共通点:音效设计上的卓越与精准。这是过往比较少见的,如喜剧演员麦可法森(Patrick McPherson)的新作《庞大》(Colossal)探讨当代的爱情观:从第一次约会到最后分手的简讯,从不顾一切的投入到最后的粉身碎骨,在他揣摩不同场景和角色时,灯光、音效与不同方向的音场整合切换,可以说是秒秒到位,完全弥补了台上只有一个演员的空虚感,更让观众身历其境。值得一提的是,即使这是出非常「直男观点」的戏,创作者在描绘自己情史时,仍不忘加了一位生理男性在其中。感觉未来探讨当代情感的戏剧,「性别与情欲的流动」会是一个新的趋势与走向。 由跨性别艺术家玛里布兰卡(Daniel Mariblanca)所创作的《71个身体,1支舞》(71 BODIES, 1DANCE);灵感取自71位分别来自挪威、瑞典、丹麦与西班牙跨性别者的生命经验及故事,希望能透过艺术来唤醒大众对跨性别社群的关注,以

文字|蔡柏璋
官网限定报导  2022/10/27
「数位艺术概念美术馆『WITHIN台湾VR作品选集』巡展」现场。
曼谷

艺术结合数位科技打造观者感官新体验

现代科技的发达让艺术的展演形式更加多样化,艺术不再只是单纯的静态展览或是动态演出,而可以和科技结合呈现出超过过往感官的观赏经验。 泰国当代编舞师皮歇.克朗淳(Pichet Klunchun)成立的皮歇.克朗淳舞蹈公司(Pichet Klunchun Dance Company)今年就做了一个创新的尝试,将过去的4支舞码与新科技结合成为一个新的表演,称之为《进化》(Evolution),4月到8月在曼谷展出。除了利用雕塑和皮偶呈现创新过后的泰国传统文化和舞蹈,也利用扩增实境(AR)和虚拟实境(VR)的技术,让观众和舞者互动。例如让舞者以立体虚拟的方式跳跃在观众眼前,或者观众戴上穿戴装置后,眼前的世界就是一个小小的祭坛,可以献上虚拟的花或贡品。皮歇.克朗淳希望透过新科技赋予泰国传统文化新的生命。 泰国艺文界近几年对AR或VR结合艺文作品充满浓厚兴趣,无独有偶,朱拉隆功大学(Chulalongkom University)数位艺术中心和文化部在今年6月和7月共同合作策画「数位艺术概念美术馆『WITHIN台湾VR作品选集』巡展」 。展览透过虚拟实境呈现台湾数位艺术创作者的跨领域作品,作品包含导演陈芯宜与编舞家周书毅共同创作的《留给未来的残影》、声音艺术家王福瑞的《 悸动响》以及编舞家何晓玫的《肉身到虚拟极相林》 。观众戴上穿戴装置后,透过声音和影像搭配,让观影者直接置身于作品的虚拟实境中,观众不再是隔著一段距离欣赏艺术作品或展演,表演更为多元立体,且刺激观众的感官有崭新的体验。朱拉隆功大学的策展团队希望透过数位科技这个表现工具,让艺术混合不同的元素,能给予曼谷艺术界的新生代更多灵感。

文字|吕小珊
第348期 / 2022年09月号
「昙花堂」之槟榔屿人文雅集邀集各领域多位艺术家参与。
槟城

「昙花堂」与创意比赛让剧场再度热闹

9月的槟城剧场再度热闹起来,除了有马来西亚舞蹈家李瑞强与各界艺术家合作的「昙花堂」之槟榔屿人文雅集,还有因疫情暌违两年再度举办的「全国青少年戏剧DIY观摩赛」。 「昙花堂」是李瑞强发起的平台,让来自不同领域的艺术家和文人聚首,共同探索如何通过正念进行表演与艺术创作。相关计划并非从打造1个最终成品的概念出发,而是透过参与者不断讨论与交流,在李瑞强的指引下逐步形成,并且一直处于发展中的状态。整个过程以正念为核心,通过感受、静思、聆听来觉察当下,作为创作的技巧使用。 经过两次和吉隆坡剧场人的合作后,李瑞强决定北上槟城拓展理念,召集了8位来自不同领域的艺术家,于8月19日至21日酝酿了3场别开生面,打破观众与表演界限的「昙花堂」之槟榔屿人文雅集,由寿板舞踏联合文化绿洲牵线,邀请茶艺和陶艺家黄纬良、建筑师梅志雄、制香人黄剑明、颂钵音疗师陈汉豪、摄影师古鵔睿、文字工作者陈伟光、剧场导演朱锡添、剧场演员曾福明等人进行跨界合作,在乔治市内一座百年英殖民建筑改造的Mano Plus人文空间里,共聚一堂与观众分享生命中的奥妙。 而「全国青少年戏剧DIY观摩赛」将在9月10日正式回归,共有12个单位报名参与,以每组10人的组队方式,利用5样指定的物件和20分钟呈现比赛主题,相关使用道具在比赛前10天才会正式揭晓,借此考验参赛单位的创意和默契。这个独树一帜的观摩赛早于2007年由ASLI戏剧联盟发起,2012年移师槟城,今年再度由Noise Performance House和剃刀实验剧场联办,主题分别为探讨疫情管制令的「MCO」和年轻人现象的「我红了」。

文字|陈伟光
第348期 / 2022年09月号
必要剧场《戏子.疯子》宣传视觉。
新加坡

多元戏剧内容刺激观众独立思考

2022年下半年,新加坡剧场保持活跃,以英语剧居多,题材与种类纷呈,为观众呈现多样的戏剧演出。 7月至9月间,TOY肥料厂与新加坡专业剧场分别呈现了独角戏《柯玉芝》和《光耀建国路》。前者讲述新加坡建国总理夫人柯玉芝的人生故事,后者则是于2015年首演,聚焦在李光耀政治生涯初期的历史故事,如今是二次上演。事有凑巧,两部戏刚好在同一年上演,观众也有机会从不同角度回顾新加坡历史。 也是凑巧,十指帮与戏剧盒分别呈现了与青少年议题相关的演出《少年Jun与八爪鱼》*与《集会》*。十指帮的《少》剧改编自同名绘本,以偶戏呈现,邀请学生们思考儿童性侵害的艰难课题。戏剧盒的《集会》是原创剧,以沉浸式剧场的形式,邀请学生们在剧场内自由跟随剧中人物反思霸凌与自杀课题。8月,必要剧场呈现《戏子.疯子》*,探讨剧场演员的心理健康;年轻艺术组织「所谓工作室」则透过8部原创短剧,探索与心理健康相关的故事。 8月至9月期间,野米剧场呈现《动物农庄》与原创剧《蒲罗中》*。世界各地战乱纷争升温,剧团再度把《动物农庄》搬上舞台,透过乔治.欧威尔的经典作品,探讨革命、霸权和政治的本质。《蒲罗中》追溯还未被殖民者开发的蒲罗中(蒲罗中即新加坡最古老的名字),借由与植物学家、动物学家、历史学家、活动分子等相关人士进行的访问,探索全球暖化的议题,刺激观众思考地球的未来。 世界动荡,新加坡剧场继续为观众开启独立思考的珍贵空间。 注:*作品为英语剧,剧名由笔者自行翻译成中文。

文字|梁海彬
第348期 / 2022年09月号