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莫札特去世灵魂升华后脱去白色外衣，穿著经典的红色外衣于空中翻腾，象征其精神透过音乐仍长存于世，再次呼应「永恒之光」。
四界看表演 Stage Viewer

1791的终点与起点

萨尔兹堡「莫札特周」以《魔笛》庆祝创立70周年

来到莫札特的故乡萨尔兹堡（Salzburg），几乎不可能不被这位作曲家的身影所包围，尤其今年适逢莫札特诞辰270周年，庆祝活动又比以往更为热络。每年1月，萨尔兹堡都在莫札特生日（1月27日）前后，以「莫札特周」（Mozartwoche）为这位「音乐神童」庆生，也让国际乐坛的目光再次聚焦到这座小城。莫札特周创立于1956年，当时正值莫札特诞辰200周年，今年迎来音乐节70周年，为期10天的节庆特别规划了70场节目，希望能从多元面向感受莫札特的音乐世界。 自2019年起，曾红极一时的巨星男高音罗兰多．维拉松（Rolando Villazn）获邀担任艺术总监，为莫札特周带来了新气象。他大刀阔斧地规划多元与创新的节目，以打破边界的思考，希望让莫札特融入现代人的生活之中，消弭古典音乐与现代生活之间的界线。因此，在星光熠熠的音乐会包括维也纳爱乐、马勒室内乐团等顶尖乐团及独奏家的演出之外，莫札特周特别策划的「TRAZOM」系列，更是提供了另一种观看莫札特的角度。这个名称的由来饶富玩味：莫札特在与家人写信时，喜欢玩文字游戏而将自己名字MOZART反过来写签名，既是文字游戏，也象征颠覆与翻转。这系列节目包含了木偶剧场、早期莫札特专题稀有影音珍藏放映、艺术家对谈、酒馆益智问答及家庭音乐会等多样化内容，让莫札特周的节目不只是发生在音乐厅中，而是深入到萨尔兹堡的街头巷弄里，落实「莫札特作为一种生活方式」的策展愿景。

文字|吴孟珊
官网限定报导  2026/03/14
槟城

音乐剧《Rasa娘惹情》入驻侨生博物馆，迈出商演第一步

槟城虽然是马来西亚继首都吉隆玻之后，戏剧表演最蓬勃的城市，不过一直以来缺乏长期商演的条件，导致不少热爱表演的人才外流，直到去年7月，一部主打峇峇娘惹文化的音乐剧《Rasa娘惹情》出现后，局面才有了改变。 峇峇娘惹是15世纪华人从中国南下马来半岛，与当地马来人通婚的后代，至今依然保留丰富的中华习俗。槟城全职歌手兼舞台剧演员王茵诗的祖母也是一位娘惹，所以她去年成立峇惹艺术制作团队（Baya Arts Production），全心投入音乐剧的制作，找来剧场导演王涵伦和编剧曾福明合作，决心以歌唱和表演来推广峇峇娘惹文化。

文字|陈伟光
官网限定报导  2026/03/13
四界看表演 Stage Viewer

绘画与音乐交织共振 再现艺术革命年代

巴黎「康丁斯基：色彩的音乐」特展

色彩是琴键，眼睛是琴槌，而灵魂则是拥有众多琴弦的钢琴。 康丁斯基 去年（2025）10月，巴黎爱乐音乐博物馆（Le Muse de la musique Philharmonie de Paris）与庞毕度中心（le Centre Pompidou）合作，推出「康丁斯基：色彩的音乐」（Kandinsky - La musique des couleurs）特展，展出20世纪俄罗斯抽象画大师康丁斯基（Vassily Kandinsky，1866-1944）的200件作品。有别于传统的静态展览，这次的展览透过灯光、投影、影像与立体动态舞台，让整体的展示呈现出动态感。此外，也让每位参观者配备智慧型耳机，随著观展动线，耳机会自动拨放出对应的音乐、人声或环境音，带领观者走进一种沉浸式的声响体验，领略康丁斯基的艺术世界。

文字|廖慧贞
官网限定报导  2026/03/10
上海

演艺新空间崛起，扶得起「百老汇」的梦想吗？

2020年，上海亚洲大厦「星空间1号」迎来《阿波罗尼亚》首演，标志著中国演艺新空间正式启航。5年过去，这一模式已蔓延全国：北京累计认定的演艺新空间达79家，广州2025年一季度的小剧场演出达1712场，占全市55.2%。据中国演出行业协会最新发布的数据，目前全国剧场类演出（含演艺新空间）已达29.64万场，票房119.29亿元。 然而光鲜数据背后，行业深陷「成长的烦恼」。上海亚洲大厦已从1个小剧场扩张至20余个，各地纷纷在商场、写字楼「垂直生长」出大量演艺新空间。但这种「百老汇式」的群集效应，真的撑得起「中国百老汇」的梦想吗？ 三大病灶，让「新空间」成了「新困局」 演艺新空间的爆量增长，其实也带来了困局。其一是「同质化泛滥」。走进任何一座城市的演艺新空间，你大概会看到悬疑惊悚、热门IP改编、打「同性情谊」擦边球的作品。上海「环人广」有50余个剧场，演出题材却高度雷同；北京、广州、成都的演艺新空间，也难逃「复制贴上」的宿命。这种创作上的惰性，正在快速消耗观众的新鲜感。 其二是「地下偶像化」陷阱：演艺新空间最突出的问题，是「粉丝经济」的过度膨胀。制作方体系性地以「人」而非「艺」作为卖点，官方卡司表上标示的「百场」、「生日场」等行销手段，公开鼓动粉丝为特定演员购票。一种「大粉姐」现象1年看270余场演出、花费10几万元、与演员形成奇特的权力关系正在各地重演。这种「地下偶像」式的运营模式，导致演员技艺退居次要，戏剧的艺术本质被严重稀释。 其三是「专业主义缺失」：更严重的是，部分制作方的主要目的并非票房，而是拉赞助、做数据，将戏剧异化为金融游戏。这种「以出租场地替代经营、过度依赖补贴」的模式，正在伤害行业的根基。 这些问题的根源，在于演艺新空间从诞生之初就以高度商业化为导向。上海「一台好戏」创造的《阿波罗尼亚》模式因过于成功，以致后续制作公司纷纷效尤，却无视中国缺乏支撑「外百老汇」模式成熟市场基础的事实。而各地争相打造「演艺之都」，又忽视了内容建设的长期性。虽然北京推出了25家演艺空间培育专案，广州推出了《关于推动广东演艺市场高质量发展的若干政策措施》，但这些政策更多关注的是硬体建设和场

文字|李翠芝
官网限定报导  2026/03/06
四界看表演 Stage Viewer

欲望、种族、暴力、凝视

加拿大舞台《奴隶游戏》

《奴隶游戏》（Slave Play）是美国非裔青年编剧杰瑞米．欧．哈里斯（Jeremy O. Harris）就读耶鲁大学戏剧学院时创作的3幕剧，从2018年于纽约外百老汇首演、隔年登上百老汇舞台，到2024年移师伦敦西区以来，这出探索美国族裔冲突、历史创伤与现代性下的亲密关系、当代心理学治疗之间交杂问题的剧作，在大西洋两岸点燃两极反应，不乏怒火、抵制、笑声，以及赞誉（注1），该剧的长尾效应甚至在2024年催生了纪录片《奴隶游戏。不是电影。作戏罢了。》（Slave Play. Not a Movie. A Play.），2025年秋季，在美国川普政府正大肆追杀DEI多元共融价值，而加拿大在官方政策及教育上仍拥立DEI的情境之下，本作迎来出自多伦多加拿大舞台（Canadian Stage）的加拿大首演（注2）虽然本剧或许并不那么简单工整地回应DEI价值。 《奴隶游戏》剧名便隐含多重意义，既向外揭示美国蓄奴历史背景，也向内强调剧中人参与的奴隶角色扮演疗法，在自我指涉上，于叙事层次内突显情欲关系的扮演游戏本质，在叙事框架外，则自我诘问这是否终究是出有关奴隶的奇观化演出。

文字|洪姿宇
官网限定报导  2026/03/03
香港

「场地伙伴计划」有改动 受欢迎剧团遭到排除

香港的表演艺术工作者经常诟病本地的演艺场地数量不足，近年随著西九文化区和大馆等场馆启用，好像缓解了一些问题，但这些场地不属政府管理，即使有空档，但租金对团队来说不是容易负担的事，要多做几场和提高票价才有机会收支平衡。然而能有长演可能性的作品，和能够承担长演节目的本地团队，真的屈指可数。 长期依靠政府资助运作的经营策略是发展的困局。长演制作过去10多年有较多讨论和实践，目前仍然是以有明星参演、且有商业制作公司愿意投资的作品较有成功的可能。不过曾是葵青剧院演艺厅17年场地伙伴的风车草剧团，在2025年底公布最新一轮的场地伙伴名单时就不再入选，这场地会由本来与风车草共享场地的中英剧团独家获得。 「场地伙伴计划」从2009年起开始推行，对政府场地来说，可说是一次与演艺团队同行的突破，除了发展场地形象和伙伴团队特色，在观众拓展的长期策略方面，亦能让场地和团队双方受惠。风车草剧团是当年第一轮获入选的演艺团队之一，当时与W创作社一同申请成为场地伙伴，两团在当时都是新进专业剧团，在艺术方向上以本地原创和贴近年轻人心态和关注的题材出发，累积了一群同代的观众群，并成功建立几位创团成员梁祖尧、汤骏业、邵美君的独特的舞台魅力，在演艺厅这个900席位的场地深耕出他们和观众对这地方的归属感，让这个位于新界的场地的活力不逊色于市区内的场地。 近年，风车草剧团每年平均制作3至4个作品，在演艺厅上演两星期的票房都爆满，有些受欢迎剧目甚至另觅场地接连演出，可说是场地伙伴计划推出以来的一张亮丽名牌。不过近年很多香港场地常常出现很多不可抗力的原因，让作品未能顺利上演，其中由政府管理的场地自然会有更多人关注。另一方面，政府既期望在「促进表演艺术的多元化、专业化、产业化及盛事化发展」，在场地上如能把握更多可控元素，似乎应该更容易管理，但场馆的不确定因素增多，也让团队发展受到影响。 风车草剧团作品能引起大量观众共鸣和支持，一定程度上是因为能说出观众的心声，但这些心声是否人人有感，则难以估计。去年公布表演场地租用政策和措施的改革方案时，已减少了伙伴计划的场地数量（绝大部分场地不再会同时有两个团队进驻），及减少获选艺团使用场地的日数，部分评选委员说是希望资源能让更多团体使用，然而这样的调整是否已偏离计划的初

文字|陈国慧
官网限定报导  2026/02/25
澳门

剧团成立50年 「晓角月」揭2026澳门剧场序幕

2026年的澳门剧场，几乎可以叫「晓角月」。 在澳门政府文化发展基金的资助名单中，现代剧场团体超过30个，真正成立超过20年（2005年前成立）而又每年维持一定演出量的不足10个。其中以成立于1975年的晓角话剧研进社年资最长，演出量最高。去年是「晓角」成立50周年，该团于今年1月3日至2月2日期间，在「中国现存最古老的西式剧院」岗顶剧院中举办了长达1个月的纪念活动。 晓角话剧研进社以「半世纪舞台．世遗的回响」为主题，连翻推出四大剧目共15场演出，当中涵盖当代翻译剧《纸牌游戏》（The Gin Game)、剧团旧作复排的有《剖》与《等灵》，以及全新原创剧作《日日是好日》，展现了「晓角」多年来在不同题材和剧场美学上的探索与突破。同时，亦在岗顶剧院「镜厅」（观众进场前的大厅）立起了几块展板，举办「五十年戏剧创作回顾展」，以剧社不同发展成就来分类，展出演出剧照、手稿、戏服与影像，让观众重温晓角的成长历程。其中一个周末又在剧院前的户外庭园举办「戏剧嘉年华」，透过亲民的户外短剧、即兴演出、角色扮演、戏服体验及文创市集等方式营造了一片欣欣向荣的热闹气氛。

文字|莫兆忠
官网限定报导  2026/02/19
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新加坡

首度以群众募资形式筹办 第22届新加坡艺穗节以「再现」为主题

2026年，「新加坡艺穗节」（Singapore Fringe Festival）正式迈入第22年头。这是艺穗节的里程碑过去21年来，由剧团「必要剧场」主办的艺穗节都由电信业者第一通（M1）赞助。像电讯公司M1这么一家为艺术做出如此长期资助的机构，在新加坡委实少见。M1在2025年以后取消赞助，艺穗节为了能够持续下去，积极发起筹款活动，于是第22届的艺穗节是首次以群众募资形式筹办的活动。 必要剧场将今年的艺穗节主题定为「再现」（represent），除了旨在舞台上「再现」（represent）边缘化群体的课题，也意指这次的艺穗节以民间筹办的形式「再次呈现」（re-present）于观众面前，有不一般的意义。

文字|梁海彬
官网限定报导  2026/02/09
巴黎

以「话语」创造生命能量 法国戏剧先锋诺瓦里纳辞世

法国现代戏剧先锋诺瓦里纳（Valre Novarina）于2026年1月16日辞世，享年83岁。这位独树一格的导演暨剧作家透过实验性的手法，颠覆以情节、角色为主的文本创作，将书写的文字幻化为五颜六色的笔触，甚至是抑扬顿挫的音乐，被誉为文字魔术师、语言的革命家。他的离去虽然是法国剧场界的损失，但他留下的丰饶遗产，将持续在当代剧场抵抗语言贫乏的浪潮中，发出强而有力的回响。 话语流动的盛宴 创作能量丰沛的诺瓦里纳共累计了50多部剧作及理论，可说是法国现代舞台上最激进的创作者之一。对他来说，文字并非传递讯息的媒介，而是驱动生命的燃料。不同于荒谬剧场常见的语言匮乏与失效，诺瓦里纳企图用书写创造出一种充满流动性及饱满能量的「话语剧场」（thtre de paroles）。他将作曲的概念融入剧本创作中，在字里行间探索迸发旋律、营造几何运动的可能。他的剧作没有复杂的舞台指示，更摒弃了传统的因果逻辑，反而运用精简的空间，让文字脱离符号，化身为主要的角色，它们可以行走、跌倒、跳舞与呼喊，宛如一场欢腾又热闹的原始庆典。在这种融合理性与感性的实验场之中，观众必须用全新的感知面对熟悉的语言，彻底翻转聆听和观看的方式。

文字|王世伟
官网限定报导  2026/02/06
伦敦

硬体修缮需求与演出成本影响 英国国家剧院未来财务面临严峻挑战

英国国家剧院（National Theatre）的最新帐目显示，剧院的演出收入从 2023╱2024 年度的 5,460 万英镑下降了 17%，至 2024╱2025 年度的 4,500 万英镑。这些数据涵盖了剧院在泰晤士河南岸 South Bank 的3个剧场的演出、西区（West End）商业演出、以及国内和国际的巡回演出。国家剧院在此财政年度（2024╱2025）共搬演了 19 部戏剧和音乐剧，而前一年共有 31 部戏；其位于南岸的3个剧院，在这个财政年度的座位上座率为 81%，相较于前一年的 87% 少了 6%。 国家剧院发言人表示，剧院2024╱2025年度在票房、募款和数位演出（NT Live）有不错的进展，但同时也有两项因素会影响国家剧院未来财务的永续性。 首先是财政部长瑞薇丝（Rachel Reeves）在 2024 年秋季预算案中提出增加的雇主国民保险缴款，该措施于 2025 年稍早生效，国家剧院估计，这项支出的增长将使剧院每年损失约 110 万英镑。另外一项因素是关于演出成本的增长。由于技能短缺、演出技术性日益增强、以及加强确保员工与创作团队的工作福利和工作与生活平衡，制作演出的成本增加是不可逆的。报告指出，剧院预计这些变更将使剧院每年的基础成本增加约 100 万至 200 万英镑。 这些因素都将阻碍国家剧院摆脱持续亏损的目标。COVID-19疫情后，国家剧院制定了一项5年策略，目标是在 2026╱2027 财政年实现收支平衡。但由于上述挑战，剧院现在将收支平衡的目标调整为 2027╱2028。帐目报告里指出，南岸的剧院在未来10年需要进行大规模投资以已更换老化的基础设施，并确保这些更新的设施适合世界级的艺术家在南岸剧院里创作最好的作品，而这更为收支平衡的目标添增财务挑战，雪上加霜。 同时，国家剧院在COVID-19疫情时获得的 2,060 万英镑文化复苏基金（Culture Recovery Fund），这笔贷款需分 20 年偿还，每年 150 万英镑（含利息），从去年 （2025）3月开始。上月初，英国国会上议院议员霍琪（Margaret Hodge）发表了关于英格兰艺术委员会（Arts Council England）的补助报告，她在评论中指出许多获得文化复苏基金贷款的文

文字|林大貂
官网限定报导  2026/02/02
首尔

韩版梅迪奇效应 演艺名人跨界推动艺文团体永续发展

14 世纪的义大利，得益于佛罗伦斯的梅迪奇家族（Medici）长期以来稳定且积极地为艺术家提供赞助，使义大利成为文艺复兴的起源地，进而为人类文明写下重要的历史篇章。放眼当代韩国，在国产流行音乐、电视剧、电影等娱乐作品热潮席卷全球之际，也有一群演艺界名人回流支持纯粹艺术，并且逐渐形成「韩版梅迪奇效应」。 近年最具象征意义和话题性的赞助者之一，是创办知名娱乐公司「HYBE」的音乐制作人房时爀（Bang Si-hyuk）。身处全球流行音乐产业核心的同时，房时爀以后援会成员身分赞助韩国国立芭蕾舞团，至今已持续3年。业界普遍认为此举并非单纯捐助，而是大众文化金字塔顶端的创作者回溯源头汲取养分的具体行动。对房时爀来说，纯粹艺术或许正是校准感受力和激荡创造力的灵感来源。

文字|许景涵
官网限定报导  2026/02/01
多伦多

艺文界联合倡议 盼加拿大建立以劳动为基础的税额抵免制度

加拿大创意产业联盟（The Creative Industries Coalition）2025年底在多伦多针对2025╱2026年度联邦政府预算规划发表声明，呼吁加速建立「现场表演艺术税额抵免」（Live Performing Arts Tax Credit）的必要性。 创意产业联盟并非常态运作的组织，而是疫情期间为针对现场表演领域进行政策及预算倡议而组成的联盟。成员包括表演艺术各领域最大的工会（如：国际戏剧舞台从业人员联盟、加拿大演员工会、加拿大音乐家联盟、加拿大联合设计师协会等）、场馆与演出组织（如：加拿大专业剧院协会、加拿大现场音乐协会等），以及具高度影响力的文化机构（如：Mirvish Productions、萧伯纳戏剧节等）约40个涵盖劳资双方立场的单位参与。联盟上一次大规模发声是2022年，针对联邦政府提出「因防疫政策造成艺文组织收入损失的补偿预算」进行评论。

文字|陈明纬
官网限定报导  2026/01/28
北京

「北京．天桥音乐剧年度盛典」年末上场 荣景背后却见隐忧

2025年12月，北京天桥艺术中心举行了「2025北京．天桥音乐剧年度盛典」，除了颁发当年中国原创音乐剧的各类奖项之外，中国演出行业协会也发布了《2025中国音乐剧市场年度报告》：全年音乐剧演出场次1.97万场，较2024年同期相比增长了15.04%；票房收入18.07亿元人民币，同期相比增长7.55%；观众人数818.59万人次，同期相比增长10.41%。相对于纽约百老汇目前正面临著的制作成本大涨，招牌依旧闪亮，后台却精算著每一分钱。中国音乐剧市场则在2025年初显不可抑制的爆发之势。 音乐剧一直是中国演出市场中增长最快的领域之一，2025年原版引进剧码和中国原创剧目的票房已相当接近（前者近10亿元，后者则达8.79亿元），显示这几年正处于中国原创音乐剧发展的关键时刻。2025年中国音乐剧市场确实热闹无比，引进的原版音乐剧都是经典之作，《莫里哀》（法语）、《剧院魅影》（英语，台译《歌剧魅影》）以及《巴黎圣母院》（法语，台译《钟楼怪人》）位列场次前三；《剧院魅影》、《悲惨世界》（英语）40周年纪念版音乐会，以及《摇滚红与黑》（法语）位列票房前三。中文原创音乐剧的市场则随著演艺新空间（即非剧场演出空间）在各地兴起，沉浸式体验需求提升，促使驻场沉浸式音乐剧新剧不断，《辛吉路的画材店》、《桑塔露琪亚》和《怪物》列演出场次前三，《受到召唤．敦煌》、《锦衣卫之刀与花》和《她对此感到厌烦》则列票房收入前三。如同其他类型演出，北京和上海两地的音乐剧市场仍占全国票房的60%以及近一半的演出场次，吸引了全国超过六成的观众。 这次盛典同时举行了高峰对话，对谈者为伦敦尼可尔娱乐公司联合创始人Nick Brook与原韩国音乐剧协会会长刘禧声，内容非常精准地针对中国音乐剧市场亟需构建的生态。伦敦西区的戏剧产业高度成熟，而且西区不仅仅有戏剧与剧场，更是文化与经济的「生态系统」；刘禧声则提出「音乐剧必须本土化，才能让亚洲的音乐剧作品在世界舞台上占有一席之地」的呼吁，他以荣获6项东尼奖的《也许是美好结局》（Maybe Happy Ending）为例，剖析「韩式音乐剧」是一个由版权引进、本土化、粉丝经济驱动、国际联合制作构成的多元化产业体系。了解纽约百老汇的商业模式、伦敦西区的生态系统与「韩式音乐剧」的产业体系，对中国音乐剧产业未来的发展无疑地有著非常深刻的警示

文字|王泊
官网限定报导  2026/01/23
新锐艺评广告图片
东京

「港区立港艺术中心m～m」两年后开馆 举办前导活动邀民众抢先体验

预计于2027年11月1日正式开馆的「港区立港艺术中心m～m（むーむ）」，于2025年11月30日在东京都港区的日生会馆举办「开馆倒数两年前导活动」。这是m~m首次举办的大型公开活动，吸引约1200名民众参与，让市民提前认识这座即将诞生的艺术新据点。 本次活动以论坛与跨领域表演为主轴，内容包括钢琴演奏与即兴绘画的跨界演出，以及多项可亲身参与的艺术体验。现场也规划了VR展示、戏剧工作坊、乐高积木创作、城市散步企画与交流空间，让不同年龄层的参与者都可以从多元角度接触艺术。 在论坛中，港区区长清家爱表示，艺术文化在快速变动的社会当中，具有连结人与人、促进相互理解的重要力量，期盼m～m能够成为共享感动与创造喜悦的空间。创意总监箭内道彦则指出「m～m」这个暱称本身，就鼓励大家都可以用自己的感受去理解，也正是艺术体验最珍贵的价值。 担任本次前导活动主持、同时也是立港艺术中心开馆准备室节目总监的相马千秋，分享了她对剧场与共生概念的想法。她表示，透过过去的讨论与实践，逐渐认为理想的共生状态应该像「沙滩」一样，让所有人都可以按照自己的生活节奏自由地进出。她也指出，剧场是一个能让人把自己的想像力带往不同地方、连结不同他人的空间，同时也能成为某些人的「容身之处」。 港区立港艺术中心m～m位于山手线浜松町站直结位置，未来将整合约600席座位的剧场、具有移动式观众席的多功能空间，以及工作室、排练场与交流空间，作为港区文化艺术新的核心据点，推动市民参与、创作与交流。而剧场的暱称「m～m」则是由公开征选产生，象征「港」（minato）与「我」（me）的连结，也代表从「无」中孕育出无限可能的创造力。而符号「m」与「～」分别代表手与海浪，描绘出港区人们与海边共生的意象。

文字|新田幸生
官网限定报导  2026/01/19
旧金山

黄仁勋赞助旧金山歌剧院 打开矽谷新贵与艺术界之间的善门？

辉达创办人黄仁勋最近有一则与公司市值、晶片要不要卖给中国、亚洲总部在哪里、或者他又去吃了哪家小吃都无关的新闻，却是与加州表演艺术息息相关，那就是他和太太捐了一大笔钱给旧金山歌剧院（San Francisco Opera）。 或者不该说是只有一笔，新闻是说黄仁勋夫妇从今年开始，在未来「数年」内，每年捐赠500万美元，钱除了用在歌剧制作上，也可以用来培育年轻艺术家、社区外展、开发数位资源等，很有弹性。这笔捐款的第1个受益者，是秋季大戏《猴王悟空》（The Monkey King）。这是一部由来过台湾很多次的作曲家黄若和剧作家黄哲伦合作的新歌剧，讲孙悟空诞生、修法、大闹天宫、到被佛陀压在五指山下的故事，11月演出时，票房口碑皆长红，《纽约时报》盛赞是「歌剧可以在大规模上成功的明证。」 旧金山是华人在美国落地生根的起点，旧金山歌剧院这几年来努力拓展与当地华人的关系，2022年首演过盛宗亮创作、赖声川导演的《红楼梦》，《猴王悟空》再接再厉，成绩更上一层楼，黄仁勋夫妇也是专为这出戏设立的委员会的共同主席。

文字|谢朝宗
官网限定报导  2026/01/11
香港

东九文化中心正式开幕 新馆落成结合艺术科技

香港的表演场地不少是由政府管理，最晚落成的已经是在2014年开幕、较集中搬演戏曲作品的高山剧场新翼；近年随著如西九文化区和大馆等具个性和节目定位的场地落成，官方的场地方面，在面对设施和观众拓展方面的老化与滞缓、疫情后特别针对科技与艺术结合的方向下，终于迎来了政府酝酿多年，亦暖场多时，最近终于正式揭幕的「东九文化中心」。 座落在港铁站附近，邻近多个大型商场和住宅社区的东九文化中心，周边的经济活动相当活跃，其观众拓展的对象也是面向大众的。中心大楼由香港知名建筑师严迅奇及其团队设计，其中包括「一个高渗透度、无缝地接连周边人流汇点的架空艺术回廊」，整体采光良好的设计吸引很多人流聚集。目前场馆内不少展览是免费入场，如在「乐队表演、扩音音乐会及录音理想场地」的乐馆进行的跨媒体艺术家王志勇《时间的潮汐》是一个沉浸的互动展览装置，周末要等待约1小时才有机会入场．但仍然有不少观众静候参观。亦有其他专属的教育空间引入科技互动元素以吸引儿少族群，让这个座落民居之间的场地更贴近大众，让文化艺术得以融入生活。 除了乐馆，中心还有剧院、剧场、创馆和形馆4个场地．其中「可供全墙投影，配备折合式座椅和弹跳板」的形馆，「人．舞团」的舞蹈作品《熟悉的陌生》就在这里上演。作品由新加坡郭瑞文编舞，参与者包括新、马和港澳艺术家。作为以推动科技与艺术为焦点的场地，作品当然利用了配置的全息投影和让舞者坛之卓以虚拟方式进入叙事，在演后座谈时创作人也有进行介绍，让观众更清楚技术的运用。

文字|陈国慧
官网限定报导  2026/01/04
澳门

开创艺术的下一步？ 澳门国际表演艺术中心规划意见收集中

澳门政府在11月中推出了「澳门国际综合旅游文化区」的公众意见收集，根据政府新闻稿的介绍：「文化区的建设旨在进一步深化澳门『世界旅游休闲中心』的内涵，推进『以中华文化为主流、多元文化共存的交流合作基地』的建设，落实『文化澳门』的发展愿景。项目计划于合适选址，规划建设3项文化设施及配套功能空间，包括澳门国博文化馆、澳门国际表演艺术中心及国际当代美术馆（暂名）。」 1999年「澳门回归」以后一直没有建设新的官方表演艺术场地，其实早在规划澳门文化中心之初，除了两个开幕时就存在的镜框舞台外，另有一个黑盒剧场在整体构思当中，但没有付诸实行；一直到了2023年6月底「临时活化」的旧法院黑盒剧场关闭后，文化中心黑盒剧场才正式建成启用。自此澳门的表演场地便完全集中在同一栋建筑、同一个管理部门。 其实，近10年来关于澳门官方表演场地与城市规划之间的讨论也时有出现。2015年澳门特区政府进行「澳门新城区总体规划」第3阶段公众咨询，当时咨询文本中已清楚标示新城中的「城市级文化设施」及「社区级文化设施」，然而在5年后的《澳门特别行政区城市总体规划（2020至2040）》草案（下称「草案」）中，文化设施被归入「公用设施」，文化设施的概念、分类与比例均变得含糊不清。文本中只强调「新城A区南端建设城市级地标性文化设施」及「外港区2的文化中心附近以及路环区的荔枝碗船厂片区规划城市级文化设施」，而社区级文化设施则并未提及。该草案于2020年10月提出后，不少艺文工作者反映了意见，主要指出「草案」缺乏对文化设施承诺未明确提出各区公共设施的覆盖率，尤其缺少表演场地、展览空间等文化设施的指标，导致文化愿景流于口号。而社区文化被边缘化，偏重地标建设，草案中虽提及卫生、教育、图书馆等设施，但文化设施未被列入重点，反而强调「文化地标」。这可能增加居民接触文化的成本，并造成地区「贵族化」现象。亦有本地文化团体及剧场工作者指出，文化应植根社区而非仅依附旅游或地标。若缺乏政策支持，居民的文化权利难以落实，文化发展恐受限。

文字|莫兆忠
官网限定报导  2026/01/02
巴黎

两部约恩．福瑟作品搬演 以不同面向聆听存在的无声呐喊

2023年诺贝尔文学奖得主约恩．福瑟（Jon Fosse）的作品席卷今年秋天的巴黎舞台。这位挪威当代剧作家以极简的笔触、如音乐般的重复话语、欲言又止的沉默，为难以言喻之物赋予了一种声音。由法兰西剧院（Comdie Franaise）及热纳维利尔剧院（Thtre de Gennevilliers）推出的2部作品分别以不同角度，勾勒出他笔下的「无声之声」。在政治与社会议题喧嚣的当代剧场，这2部作品重新叩问身在人世的疑惑，将我们带往介于等待、失落、哀悼与时间的裂缝。

文字|王世伟
官网限定报导  2025/12/29
新加坡

邀香港导演邓树荣执导毕制 跨文化戏剧学院25周年探问未来

2025年11月，跨文化戏剧学院（Intercultural Theatre Institute，ITI）邀请了香港剧场导演邓树荣为其毕业生执导毕业制作《奥赛罗》（Othello）。 这一版本的《奥赛罗》延续了邓树荣一贯的「从身体出发的简约美学」，每场戏都像画，舞台设计仅有几张椅子、或几个平台，通过不同的摆放和移位，时而表示不同场景、时而彰显人物之间的关系、时而突显人物的内心挣扎。每场戏都像视觉艺术作品，舞台设计也成了「说故事」的「角色」。 演员们一人分饰几角，仅仅通过服装和形体表达呈现他们扮演的角色，同时也让演员们反串表演。于是观众始有体会，人人皆有可能是奥赛罗、或伊阿古、或凯西奥、或黛丝德莫娜成功带出莎士比亚剧本的普世性。

文字|梁海彬
官网限定报导  2025/12/26
世界舞台 尽在你手广告图片
德勒斯登

聚合舞《当水落下》首演 从舞者身体出发探问文化与地缘政治的复杂议题

「在整出作品之中，我不会说任何一句话，因为复杂到无法言喻。」周书毅在舞作开场之际，用麦克笔在空白图画本上写给观众看。这是聚合舞（Polymer DMT）最新作品《当水落下》（The Seas Between Us）的开场，开宗明义地表明此作处理的议题具有极高的复杂性。此作由旅德台湾编舞家罗芳芸引领编创、并由台湾舞者周书毅与新加坡舞者李文伟 （Lee Mun Wai）共同演出。在前期研究两年多后，于今年10月底在德勒斯登赫勒劳欧洲艺术中心（HELLERAU - European Centre for the Art ）首演，紧接著前往莱比锡euro-scene Leipzig艺术节进行巡演。 让周书毅感到复杂得无法言喻的议题，可以从铭刻在台湾舞者身上的中国舞印痕说起。他以录音和字幕讲述了童年时期的学舞经验，是从中国民间舞、民族舞、武功身段还有「京芭体」的身体训练学起的。与此同时，周书毅在把杆上示范当年的练习动作，展现了中国民族舞蹈在系统化过程中受到的芭蕾巨幅影响。周书毅在舞蹈教室的学舞过程中，毫无障碍地扮演不同的民族，跳不同民族的舞蹈。长大后的他，逐渐察觉这些舞蹈与他成长于台湾土地的身体经验之间存在极大的距离。这个自我叩问追溯回他的学舞经历：为什么一个台湾小孩去舞蹈教室学舞，学出来的是一套由中西混合舞蹈建构出来的中国式想像？而这个虚构的想像究竟是属于谁的？于是，长大后的他，选择不再跳这些不属于他身体的舞蹈。

文字|彭靖文
官网限定报导  2025/12/22
槟城

3位编导一出独角戏 张晓晶迎向50岁挑战《一枝独秀》

槟城资深剧场人张晓晶今年迈入知天命的50岁，却毅然决定挑战从未演过的独角戏，把活了半个世纪的女人心得带到舞台上分享。为了做好第一次，她除了身兼演员和制作人，还特地找了3位在不同阶段合作过的编导一起拆解女人的一生，再交由她拼贴成完整的演出。 张晓晶在中学时期便代表学校参与戏剧比赛，毕业后第一份正式工作就远赴新加坡「实践剧场」当全职演员，参演过创办人郭宝昆老师的代表作《郑和的后代》；接著再到香港演艺学院进修表演系，学成后加入当地以儿童剧为主的「明日剧团」，以及喜剧泰斗詹瑞文的「剧场组合」。在香港旅居7年后才回归槟城接手家族生意，在商场打拼之余仍然参与戏剧表演，两次夺得马来西亚「戏炬奖」最佳女主角，担任Noise剧团的执行顾问，乔治市艺术节的策划人，不断尝试不同的剧场身分，这一次终于迎来人生第一部独角戏《一枝独秀》。

文字|陈伟光
官网限定报导  2025/12/19
乌镇

第12届乌镇戏剧节闭幕 狂欢之后却见困境？

挂满大街的剧码海报，街巷、河岸边的精彩表演，人流如织的古镇嘉年华刚闭幕的第12届「乌镇戏剧节」再次将这座江南水乡变成了巨大的文化引力场。来自10个国家的25部特邀剧码，117个古镇嘉年华表演，超过1357位演职人员参与了这场秋日的艺术盛宴。 然而，在这繁华景象之下，一种莫名的失落感却在热爱戏剧的人们心中蔓延。当玩偶小黄人IP形象在古镇嘉年华中穿梭，当9小时的马拉松式剧码将普通观众拒之门外，当戏剧节的夜生活被盛大的音乐派对接管，人们开始疑惑：乌镇戏剧节，究竟是在艺术坚守中野蛮生长，还是在商业浪潮中乱花迷眼？ 乌镇模式：极致精致的美学悖论 乌镇是中国文旅产业中最成功的商业化案例，它用现代资本和技术能力，把一个濒临衰落的传统水乡，打造成了无与伦比的精致产品。乌镇的统一营运模式达到了登峰造极的水准：收购所有房产，迁出原住民，以「修旧如旧」的标准修复重建。 「一店一品」政策杜绝了基层的重复业态，服务员、船工统一培训之后上工，连影响空间流畅性的电线杆也被全部拆除。这种极致的管理美学，使游客能够获得标准化的完美体验，但也彻底牺牲了一个活态社区的草根性、有机性和真实性。 在乌镇，所有惊喜都是被设计好的，所有探索都是在既定规划路径上进行的，但生活的真实感却消失殆尽。这种物理真实与生活真实之间的悖论，正是乌镇模式的根本困境。

文字|李翠芝
官网限定报导  2025/12/15
布里斯托

布里斯托老维克剧院推出「教育里的剧场」 送戏进校园为艺术未来扎根

布里斯托老维克剧院（Bristol Old Vic）是英语世界里运作最久、最古老的剧院，该剧院正在委托年轻人创作两个新剧本，准备把演出带到当地中学校上演，让学生免费观赏演出。这是老维克剧院为维持与拓展剧院年轻观众的行动之一，是此剧院迄今为止规模最大的戏剧教育计划，名为「教育里的剧场」（Theatre In Education）。 老维克剧院已有两个培训计划正在进行中：一是「布里斯托制造」（Made in Bristol，MIB），以培训当地年轻剧场创作者为主；另一个是名为「5年承诺」（Five Year Commitment）的剧作家驻村计划，旨在支持与协助剧作家创作新作品。而上月宣布的「教育里的剧场」会结合上述两个进行中的计划，将培育的艺术家与作品作为剧院与学校教育的桥梁，而这个最新计划也为老维克剧院成立 260 周年画下一个重要标记。

文字|林大貂
官网限定报导  2025/11/24
多伦多

翻译中的城市　「白昼之夜」播映语言与文化的多声道

多伦多「白昼之夜」（Nuit Blanche）在10月4日晚上7点到10月5日早上7点举行，以多伦多市（City of Toronto）为范围，3个主要展区分布于市中心（Downtown）、北约克（North York）及怡陶碧谷（Etobicoke）。 今年的主题是「翻译城市」，艺术总监Laura Nanni提到多伦多目前有200种语言流通，她认为「翻译不只是语言之间的转换，而是其中所创造的连结与理解。」这个夜晚，共有125件静动态作品展出，包括3个主要策展计划，及其他的独立计划、主要机构（场馆）计划及实验性活动，企图呈现文化、语言、身分及地方的交织与互动。 「诗性正义」（Poetic Justice）由刘雪铃（Charlene K. Lau）策展，从土地、条约、正义和改革的面向，反思多伦多作为原住民家园及全球人口迁徙与往来之都，该如何运作。作品之一《守护神圣之声》（PROTECT THE SACRED VOICE）在多伦多市政府大楼外挂上「英语是一种外来语！维持美，需要抵抗！爱的革命！」的旗帜，艺术家Demian DinYazhi从自己的社群媒体贴文中找出句子，透过版画技法制作成海报式标语，并与市政府沟通作品的呈现方式，最终能在这个夜晚，以跨性别旗帜配色的灯光打亮这些文字。

文字|陈明纬
官网限定报导  2025/11/21
纽约

工会谈判时节面临关门危机 百老汇到底赚不赚得到钱？

百老汇差一点就要像美国政府一样关门！不过这当然不是因为两党对决，而是代表演员和音乐家的工会，在最新一轮的合约谈判期间，都祭出罢工牌。还好劳资方在最后关头达成协议，没有像2007年那样，真的走上街头。 如果观众觉得这场罢工威胁的戏好像每隔几年就要演一次，确实没错。因为百老汇的合约通常以3年为期，所以时间一到，资方代表百老汇联盟就要跟劳方的演员、音乐家、幕后工作人员等（各有各的）工会上谈判桌你来我往一番，不管是基本薪资、工时保障、保险分派比例，都有得争。就工会成员来说，纽约居大不易，房租通勤物价都比其他地方贵，而且这档戏演完不见得有下档，当然希望有工作时能多点钱入帐。 在工会相对弱势的美国，百老汇的工会算是比较有牌可打的，因为百老汇表演者不只先天要有祖师爷赏饭吃，还要自己后天勤修苦练，替代性不高；资方也不是单一的雇主，而是由41个百老汇剧场业主和数以百计的制作人组成，各有算计（业主不管戏怎么卖照收房租，可说是稳赚不赔）。加上百老汇是纽约重要象征，一旦罢工，万方瞩目，外在压力随之而来，所以谁也不想走到那一步。 但这也不表示工会可以予取予求，这是因为在商言商，百老汇其实是个很不划算的生意，流行的说法是每4出戏里只有一出能回本，再优秀的制作人也不敢担保每出戏都能赚钱，谈合约时自然要锱铢必较。 百老汇生意有多难做？据《纽约时报》报导，自2021年9月疫情后重开以来的46出新音乐剧中，只有3出回本（舞台剧成绩比较好，不过主要是拜好莱坞明星客串所赐）。根据纽时算的帐，这46出戏总制作费高达8亿，平均每出戏光要上演就先花了1,700万，大型的音乐剧，每周固定开销还再以几十万起跳，纽约居大不易的，岂止是人！ 然而百老汇联盟不是每年都宣扬总收入创新高吗？超级大戏如《汉弥顿》、《魔法坏女巫》现在每周票房动辄达2百万。如果这个生意真的这么难做，为什么下海者前仆后继？ 这笔帐别说外人看不懂，连圈内人也质疑。拿下7座英国奥利维耶奖风光转战百老汇的《酒店》（Cabaret）在连演18个月后还是赔钱下档，就有一位投资人不甘心告上法庭，因为他不明白：9千万的票房为何还不能回本？很多人都好奇，这场官司如果真打下去，能不能就此一探百老汇神秘帐本的究竟？

文字|谢朝宗
官网限定报导  2025/11/17