2025年9月，由编舞家艾萨．霍克森（Eisa Jocson）引领策划为期11天的「诚挚敬上，菲律宾」（Sincerely Yours, the Philippines）艺术节，在法兰克福莫索顿艺术中心（Knstler*innenhaus Mousonturm）举办。此艺术节以独特的视角展现了菲律宾文化的复杂性、历史与现状，除了呈现7档舞蹈和剧场演出之外，还有卡拉OK欢唱大会、嘉年华和各种主题系列讲座。值得一提的是，许多作品和活动都与探讨声音和歌唱艺术紧密相关。在殖民时期以前的传统文化中，歌唱一直是菲律宾民间传承知识的重要方式，如今，菲律宾民众的唱歌方式也因曾被西班牙和美国殖民而带有外来文化的印痕。
和玛丹娜同天生日的编舞家Ea Torrado在菲律宾创立自己的当代舞团并营运至今，她在《褐肤玛丹娜》（Brown Madonna）中呈现的，是在层层包覆的后殖民脉络下被剥削的生命。她以玛丹娜和圣母这两个由殖民母国强势文化输出的理想女性形象为出发点，并在作品中将其逐步解构。开场时，Ea Torrado身穿由塑胶回收物制成、谐拟天主教圣徒风格的自制华服登场，并在欢乐的嘉年华音乐中带著微笑与观众互动。随后，她褪去嘉年华服装，露出嵌著发光LED的锥形胸罩并随著玛丹娜的歌声起舞。在不同的段落中，她以不同时期的玛丹娜歌曲作为串连，并在歌舞段落间叙述她的故事。Ea Torrado的祖母为虔诚的天主教徒，日夜为人帮佣打扫，并告诉她如果人生遭遇困难，就和圣母祷告。「但圣母不懂殖民为何物。」她说，圣母不能回答为何她母亲在她不到1岁时就离开菲律宾当海外移工，也不能回答为何祖母告诫她必须厌恶自己的褐色皮肤，必须变白以变得「更美丽」，更不能回答她为何她多年辛勤工作，仍然不能赚到足够收入以养活舞团。「我们不是因为懒惰而变得贫穷╱我们超穷是因为这世界超级疯狂 。」结尾时，她以一段自创的电音rap唱出她的愤怒，并赢得全场观众的起立鼓掌。
布里斯托老维克剧院（Bristol Old Vic）是英语世界里运作最久、最古老的剧院，该剧院正在委托年轻人创作两个新剧本，准备把演出带到当地中学校上演，让学生免费观赏演出。这是老维克剧院为维持与拓展剧院年轻观众的行动之一，是此剧院迄今为止规模最大的戏剧教育计划，名为「教育里的剧场」（Theatre In Education）。 老维克剧院已有两个培训计划正在进行中：一是「布里斯托制造」（Made in Bristol，MIB），以培训当地年轻剧场创作者为主；另一个是名为「5年承诺」（Five Year Commitment）的剧作家驻村计划，旨在支持与协助剧作家创作新作品。而上月宣布的「教育里的剧场」会结合上述两个进行中的计划，将培育的艺术家与作品作为剧院与学校教育的桥梁，而这个最新计划也为老维克剧院成立 260 周年画下一个重要标记。
多伦多「白昼之夜」（Nuit Blanche）在10月4日晚上7点到10月5日早上7点举行，以多伦多市（City of Toronto）为范围，3个主要展区分布于市中心（Downtown）、北约克（North York）及怡陶碧谷（Etobicoke）。 今年的主题是「翻译城市」，艺术总监Laura Nanni提到多伦多目前有200种语言流通，她认为「翻译不只是语言之间的转换，而是其中所创造的连结与理解。」这个夜晚，共有125件静动态作品展出，包括3个主要策展计划，及其他的独立计划、主要机构（场馆）计划及实验性活动，企图呈现文化、语言、身分及地方的交织与互动。 「诗性正义」（Poetic Justice）由刘雪铃（Charlene K. Lau）策展，从土地、条约、正义和改革的面向，反思多伦多作为原住民家园及全球人口迁徙与往来之都，该如何运作。作品之一《守护神圣之声》（PROTECT THE SACRED VOICE）在多伦多市政府大楼外挂上「英语是一种外来语！维持美，需要抵抗！爱的革命！」的旗帜，艺术家Demian DinYazhi从自己的社群媒体贴文中找出句子，透过版画技法制作成海报式标语，并与市政府沟通作品的呈现方式，最终能在这个夜晚，以跨性别旗帜配色的灯光打亮这些文字。
百老汇差一点就要像美国政府一样关门！不过这当然不是因为两党对决，而是代表演员和音乐家的工会，在最新一轮的合约谈判期间，都祭出罢工牌。还好劳资方在最后关头达成协议，没有像2007年那样，真的走上街头。 如果观众觉得这场罢工威胁的戏好像每隔几年就要演一次，确实没错。因为百老汇的合约通常以3年为期，所以时间一到，资方代表百老汇联盟就要跟劳方的演员、音乐家、幕后工作人员等（各有各的）工会上谈判桌你来我往一番，不管是基本薪资、工时保障、保险分派比例，都有得争。就工会成员来说，纽约居大不易，房租通勤物价都比其他地方贵，而且这档戏演完不见得有下档，当然希望有工作时能多点钱入帐。 在工会相对弱势的美国，百老汇的工会算是比较有牌可打的，因为百老汇表演者不只先天要有祖师爷赏饭吃，还要自己后天勤修苦练，替代性不高；资方也不是单一的雇主，而是由41个百老汇剧场业主和数以百计的制作人组成，各有算计（业主不管戏怎么卖照收房租，可说是稳赚不赔）。加上百老汇是纽约重要象征，一旦罢工，万方瞩目，外在压力随之而来，所以谁也不想走到那一步。 但这也不表示工会可以予取予求，这是因为在商言商，百老汇其实是个很不划算的生意，流行的说法是每4出戏里只有一出能回本，再优秀的制作人也不敢担保每出戏都能赚钱，谈合约时自然要锱铢必较。 百老汇生意有多难做？据《纽约时报》报导，自2021年9月疫情后重开以来的46出新音乐剧中，只有3出回本（舞台剧成绩比较好，不过主要是拜好莱坞明星客串所赐）。根据纽时算的帐，这46出戏总制作费高达8亿，平均每出戏光要上演就先花了1,700万，大型的音乐剧，每周固定开销还再以几十万起跳，纽约居大不易的，岂止是人！ 然而百老汇联盟不是每年都宣扬总收入创新高吗？超级大戏如《汉弥顿》、《魔法坏女巫》现在每周票房动辄达2百万。如果这个生意真的这么难做，为什么下海者前仆后继？ 这笔帐别说外人看不懂，连圈内人也质疑。拿下7座英国奥利维耶奖风光转战百老汇的《酒店》（Cabaret）在连演18个月后还是赔钱下档，就有一位投资人不甘心告上法庭，因为他不明白：9千万的票房为何还不能回本？很多人都好奇，这场官司如果真打下去，能不能就此一探百老汇神秘帐本的究竟？
钢琴家任奫灿（Yunchan Lim）在韩国国内的媒体曝光与讨论热度持续升温。除了今年4月以独奏专辑《萧邦练习曲》（Chopin tudes）一举拿下英国 BBC 音乐杂志大奖（BBC Music Magazine Awards）年度新人、最佳专辑及最佳器乐演奏奖项，7月又与恩师孙旻秀（Minsoo Sohn）回国举办双钢琴演奏会，获得高度瞩目。令人意外的是，任奫灿在8月接受义大利《共和报》（La Repubblica）访问时的发言，两个月后被转译回韩国，引发震撼。 任奫灿在访谈中坦言，自己并不怀念韩国的生活，如今仅在有演出安排时短暂停留。他进一步表示：「在韩国度过的最后求学时光，痛苦到难以承受。那感觉就像身处地狱，甚至曾想过结束生命。」他也直言不讳地剖析韩国社会的结构性问题，指出韩国地狭人稠，人际竞争异常激烈，「每个人都想出人头地，有时甚至不惜伤害他人。」并回忆17岁在钢琴界崭露头角时，曾遭遇政商界的不当干预，「那些经历使我深感悲伤。」 任奫灿的音乐成就堪称耀眼。7岁学琴，以第一名毕业于艺术名校「艺苑中学」（Yewon School），随后进入韩国艺术综合学校附设英才教育院，师从孙旻秀，迎来音乐生涯的转捩点。2022 年，年仅18岁的他夺得范．克莱本国际钢琴大赛（Van Cliburn International Piano Competition）冠军，成为史上最年轻得主。隔年孙旻秀转任美国新英格兰音乐学院（New England Conservatory）教授，任奫灿亦随之赴美深造。他形容孙旻秀是「我的引路者与救赎者」，足见师生情谊深厚。
由东京都、东京艺术大学与足立区等单位共同主办的城市艺术计划「Art Access Adachi：音乐城市千住的缘」（音まち千住の縁），为纪念千住宿开宿（注）400周年，特别于10月12日「千住双关语音乐祭」（千住だじゃれ音楽祭）举办大规模演出「来啦！千住的1010人」（キタ！千住の1010人）。这场城市参与型演出集结了1010名演奏者，以作曲家野村诚发起的创作计划「双关语音乐（だじゃれ音楽）」为核心，展现出幽默与自由并存的音乐风貌。 「双关语音乐」是野村诚长年推动的社会性艺术实践计划，以语音相似但意义不同的词语为起点，将日常生活谈话中的双关语转化为音乐创作。而「千住双关语音乐祭」是长年由居民与艺术家共同参与构成，从日常的文字游戏中寻找声音的灵感，进而开发出全新的作曲方法，探索语言、音乐与社群之间的连结。 2025年适逢该计划设立15周年与千住宿400周年，这场跨越世代与国界的音乐节邀请了国际与本地艺术家共同演出，包括泰国音乐学者Anant Narkkong、马来西亚声音艺术家黄楚原（Ng Chor Guan）与印尼作曲家Memet Chairul Slamet。他们与日本专业乐手、在地学校乐团与市民一同登台。从跳绳、贝壳、手机、饭锅到萨克斯风，几乎任何能发出声音的物品都成了乐器，创造出属于「千住」这个区域的独特交响。 野村诚表示：「我尊敬的作曲家们这次为1010人的演出创作的新乐曲，真的是一首非常开放、表现自由的作品，能够直接打动观众的身心。这次的核心主题是『共存』。正因为我们身处在一个充满冲突与对立的时代，所以才要举行一场没有任何人会被排除，『什么都可以』的合奏演出。这并不代表我们需要对齐每个人的步伐，而是希望让大家能感受到，当这么多不同的人们聚在一起时会发生多么美好的声响。」 更多资讯请见官方网站。 注：「千住宿」是旧日光街道与奥州街道上、从日本桥出发后的第一个宿场町，也是江户时代「江户四宿」之一。如今的位置大致对应东京都足立区与荒川区南千住一带。
9月27日，北京国家大剧院首演了由中国第1位诺贝尔文学奖得主莫言和著名作曲家郭文景合作的原创民族歌剧《红高粱》。2025年是中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年，这是在政策鼓励下众多特定目的性的艺术作品之一。《红高粱》是北京国家大剧院成立以来的第23部原创歌剧制作，事前引发极大关注，首演后亦有不少争议。 歌剧《红高粱》由莫言的小说《红高粱家族》改编，这部小说曾改编过电影和电视剧，故事内容可谓家喻户晓，莫言对歌剧版本异常重视，亲自参与编剧，且在七易其稿中领悟到歌剧剧本的精髓：「要写意，写诗化、诗意的东西。」因此，歌剧中的高粱隐喻著人物命运，随著气候和剧情呈现不同的形态，剧词也从小说家的叙事逻辑，转向了诗人般的抒情和意境的营造，且借红高粱「抗旱抗涝、生气勃勃、充满野性」的意象，书写了中国人坚韧的生命力和奋勇抗争的精神。郭文景则运用了故事发生地山东高密的茂腔、柳腔、山东梆子、山东快书、胶州秧歌、高密民歌等元素，与西方管弦乐队的音响融合，极力打造歌剧音乐所能展现的地域性与民族性。两位创作者都认为歌剧是表达人类情感最有力量的表演艺术形式，在其中植入中国风格和中国气派更是为中国歌剧的发展添加了动力。 然而，撇开排山倒海但大同小异的新闻报导，《红高粱》到底能不能算是近年来中国创作的歌剧精品？答案是令人失望的。 从两种观众的反馈，可以对这部歌剧的演出得到具体的印象。一是对歌剧一知半解的观众，不是对音乐不那么悦耳多有微词，就是对咏叹调毫无记忆感而如坐针毡；歌剧迷观众的评价则是南辕北辙，但都注意到歌剧演出的各个层面（音乐、剧词、歌唱、音响、导演的舞台调度、舞台布景等）。总体而言，这部单分八场不分幕的歌剧在音乐上比剧词要成功，尤其是合唱的部分，而剧词的诗意落在词语的过度重复，如「我去」、「我嫁」等，反成了笑点和出戏点；义大利美声唱法在中国民族歌剧中的适应性仍然是最大的问题，这是临场听觉上最不容易妥协的，歌唱者咬字清不清晰已是最基本的问题；其他如歌唱者的肢体表演、导演的舞台调度和舞美设计的刻板意象等，专业的观众都关注到了。可惜的是，至今仍然没有一篇持客观立场的专业评论出现，这是中国表演艺术生态里最大的缺憾。 看待歌剧的成功与否从来就有两种视角，一是从观众，如何得到情绪的感动和情感的转化；二是从艺术作品，如何让词
当「环境剧场」已成为被遗忘的名称，「非常规空间演出」、「非典型空间演出」、「沉浸式」、「漫游者剧场」、「城市漫游剧场」、「新空间演艺」等演出分类纷呈，加上近年日常生活的急速数位化，剧场亦开始经常与数位技术连结，生产出新类型的观演空间与关系。从去年至今，澳门就有超过50部不在常规剧院中举行的演出，就刚过去的8、9月而言，就有近15部。这几十部演出大部分属于「澳门城市艺穗节」的节目，也有部分为民间剧团独立主办的制作。就空间分布而言，当中一半发生在古迹、咖啡店、餐厅中，甚或是在黑盒剧场中但空间运用上以非典型的方式进行，观众大部分时间上还是一个观看者、旁观者的角色，只是演出中偶有需要观众参与、互动元素，不参与也无妨。例如四维空间的《锐舞︰摇摆的世代》便在文化中心黑盒剧场中举行，但观众进场后始发现平常的剧场空间已变装成「Rave Party」的场所，没有观众席、没有清晰的观演关系，舞者有时会邀请观众一起跳舞，但大部分时间你也可以靠在场边观看整个演出。
自 2010 年起，巴西社会服务机构 Sesc（Servio Social do Comrcio）在圣保罗发起 「CIRCOS Sesc国际马戏艺术节」（CIRCOS Sesc Festival Internacional de Circo），便逐步成为拉丁美洲重要的当代马戏平台。艺术节强调去中心与普及化，节目除分布于市中心的多个场馆，甚至走入低收入户、游民集结的下城区，让不同社群都能接触到国际与本土的马戏创作。 在巴西多元种族、贫富差距及文化冲突的复杂背景下， Sesc被视为巴西民间版的「文化部」，其任务涵盖教育、体育、艺术与社会服务，网络遍布全国，光是在圣保罗，Sesc就有40余个综合型场馆。对Sesc 而言，马戏艺术节不单只是表演艺术的集结，更是介入日常、关注群体、承载多元文化的社会实践。 CIRCOS策展团队组成非常多元，从表演艺术领域，到建筑、设计、文化传播到法律与社会科学背景，本文采访两位核心策展人玛丽娜．赞（Marina Zan）和娜塔莉．卡明斯基（Natalie Ferraz Kaminski），一探她们如何透过艺术节这个平台，贯彻Sesc的组织使命，彰显马戏作为文化治理工具的潜力，回应社会的挑战的同时，也成为和所有观众共在、思考与感受的艺术类型。
马戏从来不该只是属于身强体壮、阳刚男性的舞台。逐渐老去的身体能够宣示存在，把时间刻下的痕迹转化为活生生的表现，颠覆「技艺高超」的定义；拒绝服从性别规训的酷儿身体，同样地，也能透过异质的身体，召唤且翻转大众的凝视。 比利时状况马戏团（Circumstances）的《非凡身体》（Glorious Bodies）让6位已经从马戏舞台上退役的专业表演者，重返舞台。他们以苍白的头发、略显僵硬却依旧敏捷的身体，透过单人或群体动作、跳跃与支撑，探索重力、平衡与耐力。西班牙循环剧团（Ca Cclicus）《垂老之美》（Vetus Venustas ）找来 67 岁至 80 岁的长者与青年表演者同台，将个人档案与记忆带进作品，产生跨世代的对话和连结。两部作品都在单纯展示技巧之外，发起省思：当社会是一个常常抛弃「不再生产」的老年人的仓库，我们如何让「衰老」成为另一种创造的力量。 与高龄马戏形成对照，澳洲三角裤工厂（Briefs Factory）的《脏脏秀》（Dirty Laundry）则用更激进的方式，直接把酷儿身体推到舞台正中央。《脏脏秀》延续他们一贯的「酷儿歌舞马戏」风格，将高空特技、杂耍、火焰呼拉圈、变装秀与脱衣舞融为一炉，既挑逗又张扬，逗得现场观众捧腹大笑。主创者费兹．法纳那（Fez Faanana）说：这场秀是要把那些被社会视为荒唐或羞耻的事，堂而皇之地放到舞台中央，「我们庆祝差异、相似、创造力，以及做自己的自由即便看起来再荒谬。」
马戏是一种以运动揭示乌托邦的艺术，小丑将自身的痛苦转化为笑声，自日常的逻辑逃逸，忘却集体的苦难；特技演员以超乎人类的意志，解放恐惧与惊愕，让冒险成为一种幻象。虽然马戏拥有暂时中断现实的力量，它并不与社会脱节，更不会对其残酷无动于衷，因为浪漫的巡演梦想总伴随著严苛的处境。 由巴西社会服务机构 Sesc 主办，今（2025）年8月份在圣保罗（So Paulo）登场的第8届 CIRCOS Sesc 国际马戏艺术节（CIRCOS Sesc Festival Internacional de Circo），正回应这样的矛盾张力。它的策展主轴聚焦「聆听、记忆与抵抗」，既尊重马戏作为传统艺术的历史，也鼓励艺术家以自身的文化背景、性别、种族与土地为养分进行创作，展示当代马戏的复数性与生命力文化多样性被视为创造的力量，非主流的声音与美学在此找到空间，瓦解传统叙事。 为期17天的活动，汇聚来自巴西及阿根廷、法国、南非等国共 24 个团队与艺术家，带来40个作品，邀请观众见证，马戏如何消弭，跨越社会的、文化的、身体的，以及最根本的人与人之间的边界。
当下中国演出市场最赚钱的摇钱树，非沉浸式戏剧和脱口秀莫属。脱口秀因为体量较小，暂且可以不论，而沉浸式戏剧演艺则正处于风口，加上政府文旅政策的扶持，资本热钱的追捧，说是遍地开花、如火如荼，不为过也。 对于将到来的10月演出市场旺季，谁也没有料到，一则停演通知仿佛当头一闷棍，令人目瞪口呆：投资8亿元人民币、由知名导演王潮歌打造的沉浸式文旅戏剧《只有峨眉山》正式停演。这部2019年才开幕的作品，仅仅营运了6年，就以巨额亏损告终。2024年亏损1.23亿元，2023年亏损2.3亿元，2025年上半年营收仅540万元，巨大的投入与惨澹的产出形成鲜明对比这些数字背后，是一个曾经被寄予厚望的重量级文旅戏剧演出黯然退场的现实。 8亿元投资、「只有」系列开山之作、名导王潮歌操刀当这些耀眼标签与「仅营运6年便停演」的结局碰撞，《只有峨眉山》的落幕不仅是一个专案的失败，更像一面棱镜，折射出当下沉浸式演艺行业的深层困境。平心而论，《只有峨眉山》的艺术品质和品位，本不该是争议的焦点。作为王潮歌「印象」、「又见」、「只有」三大系列迭代中的关键作品，它延续了导演一贯的创作野心不做流水线式的晚会拼盘，而是用「戏剧幻城」的形态重构文旅演艺的边界。不同于《印象刘三姐》的实景写意，也区别于《又见平遥》的行进式沉浸，这部作品直接造了一座「戏在城中、城即是戏」的空间，从挑夫的扁担到僧侣的袈裟，从山间的流云到游客的心事，一个个具象的人物故事，将峨眉山的「灵」与「魂」编织成情感密网。它摒弃了传统文旅戏剧大红大绿的视觉轰炸，用克制的灯光、细腻的表演，试图让观众从「看热闹」转向「品意境」，这种对艺术品质的坚守，本应是文旅市场的清流。但问题在于艺术门槛与对象需求形成了致命错位。峨眉山一年近600万游客中，进香客与中老年团占比超过七成，他们期待的戏剧演艺是隔壁《圣象峨眉》式的「川剧变脸＋峨眉武术」的速食式华丽歌舞和特技表演。于是，尴尬的一幕出现了：当王潮歌要求观众在「云剧场」（线上剧场）里与寡妇的孤独共情时，多数人只会困惑地低头刷著手机这场景恰似在菜市场演奏萧邦的钢琴曲，再精妙的艺术也敌不过场景的荒诞。
香港演艺学院新任校长陈颂瑛是香港资深舞蹈教育工作者和剧场制作人，长袖善舞亦广结本地和海外朋友，圈内人士对她上任寄予期望，但无奈新学年9月首天就迎来大型炸弹，令戏剧学院以致许多师生和校友都议论纷纷。 本地著名编剧庄梅岩的作品屡获奖项，其中部分也被翻译成英语，多年前讲述新闻工作者的作品《野猪》最近甚至译成日文出版和演出。但小部分她的旧作，现在却可能被视为敏感题材。她在9月1日于社群媒体发出《致母校》信件，公开学院早前邀请她参与拍摄40周年校庆系列讲座的事件，「因为这是我作为艺术家追求真善美的天性，也是我身为演艺学院旧生应尽的责任。」但该影片完成后在没有通知庄梅岩的情况下被抽起，原因是影片上载不了「小红书」，庄梅岩感叹：「只是没想到，在香港畅通无阻的社交平台，学校还是选择放弃了我这位校友。」信末甚至说：「让这封信成为我在香港演艺生涯的墓志铭，我亦无憾。」 正当大家还在消化上述事件时，庄梅岩再发文讲述引领年轻人正向思维和鼓励追梦、亦获很多奖项肯定的音乐剧《奋青乐与路》，在刚结束的演出中，她被要求「不要上台谢幕」。这作品自2017年公演以来，多次由不同学校的年轻人重演，作为在表演制作上的训练外亦培养他们的品格，最近的公演正是由香港演艺学院的EXCEL演艺进修学院（举办很多演艺短期和校外课程）主办。据庄梅岩说宣传品上她的名字被删，「而其队友为了不丢下她，于是也没把主创名字放上海报」。后来有观众发现场刊内另外两位主创作曲者高世章和填词者岑伟宗的照片也是留白。最后虽然她还是上台了，但文中所见的其间过程令人实在莫名其妙，所谓的「取消文化」（Cancel Culture）伤害了多少我们珍视的艺术家和作品。 庄梅岩及包括黄秋生在内的一群艺术家、原定在西九文化区戏曲中心演出的制作《我们最快乐》传出被取消，在网上预售数天后停止售票，但在演艺学院事件爆发后，曾一度获开绿灯，不知是否因场馆单位不想带来公关灾难。其后《文汇报》连续刊出文章指作品宣扬「文化乱港」，正当门票要正式开售前的两小时，团队接获场地书面通知，「演出被取消」。作品首演和这次重演在同一场地，场馆单位指因接获「不少投诉」称作品「宣扬对抗」所以取消出租场地；团队目前正为已购票观众安排退票，或选择更换为同等价值的周边产品。红线到底是有或没有，这真的是一个问
2025年秋天，菲律宾编舞家艾萨．霍克森（Eisa Jocson）（编按）在法兰克福莫索顿艺术中心（Knstler*innenhaus Mousonturm）首次以策展人身分带来为期11天、以「诚挚敬上，菲律宾」（Sincerely Yours, the Philippines）为题的艺术节，并以她的作品《菲律宾女超人乐团》（The Filipino Superwoman Band）作为艺术节开幕演出。 《菲律宾女超人乐团》是霍克森2019年的作品，已在马尼拉、中国上海、荷兰乌特勒支、瑞士伯恩、德国布伦瑞克等地巡演，此作是以「海外菲律宾音乐家（Overseas Filipino Musicians，OFM）」现象为出发点，聚焦于在全球酒店、酒吧、餐厅、俱乐部、邮轮、游乐园以翻唱西方歌曲娱乐宾客的菲律宾籍乐手们。 开场时，3位表演者长发飘逸，穿著镂空黑纱上衣、紧身牛仔裤和短靴、戴满叮咚作响的首饰，以「宝贝就是妳（Baby, its you）」为首句开唱，紧接著演唱许多西方热门流行歌的副歌。随后表演者带著甜美微笑、热情问候现场观众，并在缤纷的灯光效果中和观众访问聊天，聊观众的出身、工作、薪水、推荐的法兰克福餐厅和景点等，过程中不时点缀著电视娱乐节目特有的现场乐队音效，并在各访问话题之间穿插相关主题的流行歌演唱。
今年初，新加坡政府发表年度财务预算声明时，宣布将配合新加坡建国60周年推出财政配套，其中包括了「新加坡文化通行证」，旨在鼓励更多人参与艺术与文化活动。 在这项计划下，18岁以上的民众能获得总值新加坡币100元（约台币2,360元）的新加坡文化通行证，用以观看戏剧演出、参加文化导览、艺术展览、工作坊等活动。 新加坡文化通行证在9月份正式发放，使用期限至2028年。3年的时效，除了让公众善用机会参与文艺活动，也能让艺术从业者有足够时间规划、组织艺术活动。
当前十分火红的奥地利前卫编舞家弗伦亭娜．霍金格（Florentina Holzinger）今年的最新作品《无夏之年》（A Year without Summer）5月底才刚在柏林人民剧院盛大首演，也是汉堡坎波纳格（Kampnagel）8月国际夏日艺术节的压轴重头戏。与她以往勇猛强悍的创作风格截然不同，此作探讨了衰老、疾病、易逝、人类对于长生不老的追寻，以及以医疗和科技打造出的永恒神话等议题，展现了编舞家难得一见的柔软面向。 开场时，一位衣著整齐的表演者描述了历史上实际出现过的无夏之年。在1816年，印尼的坦博拉火山（Mount Tambora）爆发，大量火山灰覆盖了大气层，遮住阳光，造成欧洲和美洲气候异常，夏天冰冷如冬，各地农作物欠收，引发了严重饥荒和瘟疫。
每年8月，法国中南部城市奥里亚克（Aurillac）聚集上百个街头剧团，以自由而狂野的表演形式，为观众带来意想不到的惊喜。其实，早在「沉浸式剧场」兴起之前，街头剧场就已经走出剧场黑盒子，重新拥抱广场、旷野、星空等公共空间，直面挑战观演关系的极限。今年迈入第38届的奥里亚克艺术节虽以「共融」为理想，但开幕却爆发警民冲突，更突显当前社会愈演愈烈的危机现实。
槟城剧场界有一个定位很特别的环保剧团Plasticity Theatre Troupe，演的是环保主题的影戏，使用的物件都是回收物品，例如用过的塑胶袋，保丽龙饭盒、宝特瓶、纸皮等等，这些别人眼中的垃圾经过他们升级再造后，都成了创意十足的演出道具。 10年前，一群来自剧场的朋友发现用塑胶垃圾和手电筒投影的效果很好玩，就在资深剧场人朱锡添的引导与建议下，办了一场名为《塑胶城市》（Plastic City）的影戏演出，不料观众回响超乎预期，无心插柳促成了剧团的成立，剧名也启发了团名，陈丽香、吴专选、刘志凯、庄喻雯因此成了第一代创办人。这部影戏过后巡回马来西亚、台湾、新加坡、澳门、泰国各地演出多达39场，反应之热烈始料未及，剧团的环保形象也进一步建立。
不同于人们对艺术总监的刻板印象，罗曼．穆勒（Roman Mller）穿著印花衬衫、盘著一头长发，不修边幅的样子，更像是一位自在不羁的艺术家。他总是一派轻松地穿梭在艺术节现场，与观众、艺术家聊天互动，时不时传来爽朗笑声。无论哪一场演出，都能看见他坐在观众席间，毫不保留地鼓掌喝采，为每一位表演者真心叫好。 他说：「与其说我是一个策展人，不如说，我是从艺术家的角度出发，去发现城市的可能性。」 在接掌阿劳马戏艺术节（Cirqu Aarau Festival）的总监之前，穆勒本身就是一位当代马戏领域创作者。过去20年，他与他所创立、以扯铃艺术闻名的团队 Trespace 在世界各地巡演超过20年；当时，瑞士德语区几乎没有当代马戏的舞台。直到 2012 年，他回到这个家乡旁的小城演出，才开启了日后艺术节的机缘。 出于艺术家天马行空的想像，穆勒让这座安静得仿佛与「节庆」无关的小镇，被马戏的氛围与能量包围。从一座旧马术训练场改建的表演空间开始，他邀请观众走进教堂、图书馆、公园广场和街道，也走进那些还不知道会发生什么，但很马戏的时刻。
阿劳（Aarau），位于苏黎世与巴塞尔之间，阿勒河畔（Bren an der Aare）的一个中世纪小城，人口仅两万，却拥有一个节目品味不俗、策展视野鲜明的马戏艺术节（Cirqu Aarau Festival）。这个创立于2013年、每两年举办一次的艺术节，以旧马术训练场（Alte Reithalle）为基地，演出遍布整个小镇，从老城广场、教堂、美术馆，乃至河岸湖面，都成为马戏演出现场。今年为期10天的活动，总计70场演出与26项制作，吸引了超过11,500名观众，创下近30%的观众人数成长新纪录，几乎所有场次皆告售罄，证明了艺术节过往所缔造出的口碑效应。 虽然没有特定的策展主题，但艺术节大多数的节目聚焦于物质与感知的探索，从朱利安．佛格尔（Julian Vogel）的陶瓷所象征的脆弱与失控，到约格．穆勒（Jrg Mller）与布料共舞所展现的呼吸与共鸣；从Sackripa团队在水中寻求平衡的诗意幽默，到罗纳多马戏团（Circus Ronaldo）父子在日常物件中传承的温暖与哀愁；最后以法国当代杂技团Cie XY与哈希德．乌兰登（Rachid Ouramdane）透过身体构建的集体信任与协作压轴，漫游在物及其所创造的多重宇宙。每一件作品都超越了单纯马戏的技巧展现，令人得以窥见当代马戏的发展趋势。
每年8月，北德表演艺术重镇之一、位于汉堡的坎波纳格（Kampnagel）皆会举办为期3周的「国际夏日艺术节」（Internationales Sommerfestival）。此艺术节向来以两个策展面向闻名：前卫艺术和大众文化。此两个表面上看似不太互补的主轴，在策展人Andrs Siebold及团队的规划下，转变成重新定义美学和社会边界的方式。在今年55个类型各异的受邀节目中，有9个舞蹈与前卫表演、6个戏剧、31场音乐相关和其他9场类型混合的演出活动，散布在坎波纳格和城市中的各文化场馆举办，吸引了超过45万名观众前来观赏。
人类对未知的恐惧与想像，始终蕴藏著无限的可能。近年来，全世界共同面对流行病毒的肆虐与国际局势的动荡，人们对生存环境的不安更加深切，也因此激发出更广阔的想像力。作为对社会动向最敏锐的一群，艺术家如何透过创作回应这个世界的脉动，并与观众分享心中的感受，已成为重要的课题，他们经过时光淬练、打磨而出的作品，正是人类表演艺术最真实且珍贵的宝藏。2025年8月初，日本东京新国立剧场（New National Theatre，Tokyo）全新制作、世界首演的歌剧 《娜塔莎》（ナターシャ）就是这样一部杰作。
《娜塔莎》歌剧在形式上最令人瞩目的做法就是多语言的使用。主角娜塔莎来自乌克兰，但生活在德国，因此她说著以上两种语言，而阿拉托则以日语对应。多语言的做法是来自于剧本作者多和田叶子、指挥大野和士及导演克里斯蒂安．雷特（Christian Rth）等人的构思，不仅是形式上的实验，而是关乎于歌剧主题核心与哲学观点。
东京舞台艺术祭执行委员会宣布，将于2025年10月1日至11月3日，以池袋东京艺术剧场为中心，举办「秋之陨石2025东京」（Performing Arts Festival: Autumn Meteorite 2025 Tokyo）艺术节，首届艺术总监由剧作家、导演兼小说家冈田利规担任。 于首波公开节目名单中，包含：由冈田利规担任编导、为被「所有」逻辑牵制的人们创作的舞蹈与戏剧作品《舞蹈评审的舞蹈》；东京艺术剧场与罗马尼亚拉杜．斯坦卡国家剧院共同制作，由横跨剧场与影视领域的演员佐佐木藏之介独挑大梁的《Jonah》；剧场巨匠罗伯．威尔森与法国知名演员伊莎贝．雨蓓合作的独角戏《Mary Said What She Said》，描绘悲剧女王玛丽．斯图亚特在处刑前夜的独白；鬼才编舞家戴米恩．雅勒与雕塑家名和晃平合作的《Planet [wanderer]》；以及来自台湾莎士比亚的妹妹们的剧团与日本庭剧团PENINO共同创作的《诚实浴池》，呈现在海边废弃澡堂中无法见光的欲望预计将带来日本国内外共15组作品。 冈田利规表示：「『陨石』指的是那些『尚未出现在此地的事物』，那些与日常迥异的存在。这些事物来到这里，与我们相遇，提供全新的形式与思考框架，刺激感性与思维。」因此，首届的策展概念，选择以艺术与「现实」之间的关系为核心，因为人们所面对的「现实」会让人不自觉地视为唯一、具有主导性的「现实」，然而这些「现实」其实都可以透过艺术被质疑或动摇，并从新的角度重新观看，「秋之陨石2025东京」希望可以强调艺术所具备的这项作用。
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