在第37届传艺金曲奖入围名单公布的聚光灯下，一张由屏东县政府出品、为纪念恒春建城150周年所推出的音乐专辑《春城小唱》，成为本届颁奖典礼前备受瞩目的焦点之一。这张作品横跨传统与当代界线，一举囊括最佳跨界音乐专辑、最佳专辑制作人、最佳作词、最佳编曲及最佳演唱等 7 项提名。当大众对传统民谣的印象仍停留在博物馆式的采集标本或附庸配角时，《春城小唱》何以能以强大的声响能量与艺术完成度征服当代评审与听众？其背后所展现的，正是一场关于传统符号的重构与台湾音乐主体性的深刻实验。
摄影向来是一种视觉优先的媒介，虽然有「盲拍」，也是明眼人经过一番练习或测试的拍摄行为，那么，这是否意味著盲人或视障者仅能是被凝视的客体，无法成为具有主动性的操作者呢？国家摄影文化中心推出「黯像：看见不见凝视之界」展中，展示了国内外视觉障碍摄影师的创作，包括斯洛维尼亚、墨西哥、日本和台湾的创作者，以及韩国艺术家与日本视障艺术家合作的影像创作，从他们发展出有别于一般摄影型态的作品，让我们重新省视「观看」的方式。
18世纪，东亚政治版图仍以朝贡体系为首，宗主国与藩属国间保持著尊卑有别的秩序。1782年，乾隆70诞辰，藩属国之一的朝鲜王朝派出使节团同祝，文学家与实学家朴趾源也随团赴中。不料抵京后，乾隆已北上至热河避暑，使节团也只得连夜赶路。旅程的急转弯也成为朴趾源人生的转捩点。朝鲜王朝还困在「华夷之辨」的天朝观时，大清帝国在科学技术与民生经济上早已高速发展，而蒙人、藏人与乾隆的互动，更破除朴趾源对族群的成见。回国后，他便将这段行旅写成《热河日记》。 两百多年后，即使当年的朝鲜王朝已成今日的大韩民国，《热河日记》中因信天朝观所呈现出的封闭与陈旧，仍让剧作家裴三植（배삼식，Pai Sam-Shik）产生跨时空的共鸣，其中世界观的毁灭与建构更让他找到一处寓言剧的破口。他将《热河日记》改成舞台剧本，名为《热河日记漫步》（열하일기만보，Inching Towards Yeolha）。 人类学出身的剧作家 裴三植与剧场的相遇是在大学。首尔大学人类系在学期间，他曾加入校内戏剧社，但这时剧场给他的感受不深刻，仿佛路过看戏的观众，随时可以离去。一直到退伍后，在后辈的怂恿下进入韩国艺术综合学校，他才正式踏上剧场编剧之路。即使在2011年的讲座中，他把自己说成一个无目的、无意识的人，甚至常常说著「不干了」，但转眼间也快写30年了。 兴许是人类学让他养成一种多方观察的视野，裴三植的编剧风格展现出一种「不偏倚」的特质。他不仅在选材上兼顾改编作品与原创剧本，在内容上也抗拒戏剧传统中非黑即白的二元冲突论。他认为，戏剧张力不会只来自刻意营造的两极，因此他更习于以人类学式的同理平视著笔下的每个人。在他的剧本中，英雄与反派不再分明，取而代之的是小人物在大时代中的拉扯，人人都只是一个身影。在《热河日记漫步》中，这种多焦点、多声道的群像十分鲜明。 从人到兽的大幅度改编 虽然《热河日记漫步》是部改编作品，但裴三植重新铸造一个寓言的框架，并建构一座寸草不生的「热河村」与一群孤陋寡闻的村民。他们的名字诡异豪彘、驺吾、蛮蛮、诸犍等全都取自《山海经》。经裴三植的改编，朴趾源饱览大江、平原与都城所写成的旅行
梦想，难道会因为岁月的流逝而超过保存期限吗？曾横扫影音平台排行榜、被观众封为「年度最催泪神作」的韩国知名IP《如蝶翩翩》（Navillera），将以音乐剧的崭新面貌首度登台！这部改编自人气网路漫画的经典，讲述70岁退休老者与23岁迷惘天才芭蕾少年的忘年之交，细腻描绘了现实与期盼的拉扯。在准备迎接这场梦幻且深刻的逐梦旅程前，「PAR你不知道」单元特别为你整理了结合社会现象与幕后秘辛的8个必看亮点，带你抢先了解这部充满魅力的动人佳作。 1. 《如蝶翩翩》到底有多红？为何被誉为「人生必看」？ 这部作品的改编版影集曾连续3周挤进Netflix台湾排行榜前10名，被观众形容为「年度最催泪」、「人生必看」之作。此外，其原著是在韩国知名网漫平台Kakao Page累积观看近90万次、长期维持近10颗星满分评价的超高人气连载，更曾荣获美国威尔．艾斯纳漫画产业奖（Will Eisner Comic Industry Awards）提名并入选「最佳网漫奖」，是具备全球认可的强大IP。
桃园市有一座土地公文化馆，开馆9年，第一次透过当代艺术与民俗文化进行对话，让民俗信仰不只是传统，而是能持续在当代生活发生的想像创造。在这场名为「仙人．跳土地公的艺术家朋友们」展览当中，邀集25位台湾艺术家以版画、绘画、雕塑、行动艺术乃至提升运势早安图、AI生成的签诗和互动游戏等多样形式，透过当代艺术再诠释民俗文化，可发现它其实深刻在我们的生活，只是随著时代变迁而以不同的形式面貌显现。
陪伴全球无数人长大的经典作品《魔女宅急便》全球首演第一站就要飞向台湾了！ 今年（2026）夏季，由日本原装70人团队带来的「2026交响乐全新制作版」音乐剧，将在国家戏剧院与台中国家歌剧院展开全球首演。日前，曾荣获「国际安徒生大奖」、高龄91岁的日本国宝级原著作家角野荣子，亲自率领主创团队与演员现身东京富士电视台的国际记者会，正式宣布这项重磅消息。但这出经典改编的舞台作品背后，究竟藏著哪些你没注意到的巧思与趣事？这次就让「PAR你不知道」带你一探究竟，揭开琪琪这趟飞行背后的8个幕后魔法！ 1. 这不是单纯扩编，而是为台湾「量身重编」的听觉魔法！ 你以为交响乐版只是多加几把小提琴和铜管吗？大错特错！音乐总监小岛良太透露，这次绝对不只是增加乐器编制，而是特别针对国家戏剧院与台中国家歌剧院的剧场空间，进行全剧管弦乐的重新编曲。更难得的是，这次的音乐是由东京与台北顶尖音乐家与录音团队「共同录制」，就是为了让台湾观众在剧院里，能体验到层次分明、震撼力十足，真正「听得见的魔法」！ 2. 一句话等了15年！角野荣子与年轻创作者的浪漫约定 这出音乐剧的诞生，其实源自于一个跨越10多年的承诺。大约15年前，当导演岸本功喜和音乐总监小岛良太还是两位不到30岁的热血青年时，就大胆向角野荣子提出了改编音乐剧的构想。当时感受到他们热情的角野答应了，但也告诫他们：「不能只是因为憧憬而创作，而是要真正认真地、持之以恒地完成作品。」 如今他们真的带著升级版的作品走向世界舞台，让角野在记者会
提到安德鲁．洛伊．韦伯（Andrew Lloyd Webber）与提姆．莱斯（Tim Rice）的旷世巨作《万世巨星》（Jesus Christ Superstar），你脑海中浮现的或许是撕裂灵魂的高亢嗓音，或是颠覆传统的强烈摇滚节奏。 但你不知道的是，这部发想之初被讥为「史上最荒唐点子」的作品，竟是靠著狂销逾700万张的概念专辑才成功「逆袭」舞台；你可能也不知道，它大胆从「叛徒」犹大视角将耶稣还原为血肉之躯，虽曾饱受宗教团体抨击为「离经叛道的异端」，却私下深获教宗保禄六世的盛赞，认为它能带领世人走向基督教。 这场打破高雅艺术与大众流行乐藩篱、永久改写百老汇规则的剧场革命，即将挟带荣获奥利维耶佛奖肯定的全新重制版之姿，于2026年夏天首度重磅登陆台北国家戏剧院。在走进剧院感受那穿透力极强的电吉他和弦之前，就让我们翻开历史的扉页，为您解码《万世巨星》背后那些冲撞传统、颠覆体制的精采秘辛！ 1. 音乐剧史上的奇策：从唱片逆袭回百老汇！ 在 1969 年，当时年仅21岁的安德鲁．洛伊．韦伯和25岁的提姆．莱斯，两人决定做一出基督教摇滚歌剧，但没有制作人愿意投资，还称这个想法是「史上最荒唐的点子」。好在还是有人认可两人的创作理念，愿意资助他们先录歌曲，因此两人先录制了一张概念专辑，最终这张87分钟长的专辑获得了巨大的商业成功，这才迫使剧院老板们隔年回过头来争取将它搬上舞台的权利。 而所谓的商业成功到底有多成功呢？根据统计，这张专辑发行不到3周，英国销售便突破百万张，并且，从1970年发行以来至1983年，全球总计销售超过700万张。 2. 1972年伦敦西区版本连演8年创纪录，2026年首访台湾 挟带著音乐上的成功，这出剧于1971年7月首度登上美国宾州匹兹堡的舞台，同年10月迎来纽约百老汇的正式制作，并于1972开启了伦敦百老汇的制作。这个伦敦西区版本的《万世巨星》自开演以来连续上演8年，总共演出3358场，创下当时英国史上最长寿的音乐剧纪录（这个纪录后来被韦伯的《猫》给打破）。 2020年迎来50周年纪念的《万世巨星》，自初登舞台后，便不
台湾第一代西洋画家当中，陈植棋（1906-1931）是令人印象深刻的一位，尽管在世只有短暂的26年、绘画生涯不到7年，他的刚毅、热情及富含理想的个性鲜明，也让人对他的早逝感到惋惜。由于传世作品数量不多，陈植棋的画作大多零星见于联展，上一回大规模展出是1995年台北市立美术馆举办「古雅的青春陈植棋作品展」，当时展出46幅；今年适逢陈植棋120岁诞辰，国立台湾美术馆策划「植棋的歌短而亮的生命力」共展出48幅陈植棋画作，重现这位艺术或生命皆璀璨的前辈艺术家一生。
艺术家邱承宏用两年时间，反刍花莲0403地震发生之后的影响。当人们几乎快遗忘这次地震造成的冲击，他在近期个展「柔韧之余」中，以一座倾斜悬空的螺旋梯，重新唤起似曾相识的灾难画面，于是，这座在一般画廊罕能展出的硕大雕塑《失衡的螺旋》，成了艺术家对地震灾难及其余后感受的铭刻记忆。
尽管在传统上，视觉艺术家的「成就」常以个人为衡量单位，却不因此成为「组团」、「成团」的阻碍，即使艺术团体运作的时间难长久，可对素来是以「个体户」身分工作的视觉艺术家来说，「团体生活」仍标示著某些意义，特别是就学期间或在摸索未来的踌躇阶段，团体带来的影响，可能潜藏于内或形之于外，或多或少在个人创作中留下痕迹。 台北当代艺术馆「凹陷：我们的团体生活」，透过个别艺术家的作品，指向过去或现在「隐而未现」的团体共创及生活经验，回溯近25年来（曾）出现的视觉艺术团体，或以空间作为一种团体形式的创作实践。
人一旦降生于世，便坠入「家庭」这种关系网络中，而家作为紧箍咒的例子，往往比成为避风港的日子多。不过，正因原生家庭是世上所有人生旅程的起点，自文明以来，艺术家无一不以家门内的爱恨情仇作为创作主题，托尔斯泰一句「不幸的家庭各有各的不幸」就是最好的证明。 今（2026）年4月，法国当代剧场导演乔埃．波默拉（Jol Pommerat）将再度来台。回顾波默拉往年受邀的作品，家庭结构与亲子关系构成命脉，《仙杜拉》、《小木偶》与《小红帽》组成的「童话三部曲」尤然。波默拉同时期的另一部委托创作《孩子》（Cet enfant）便也可见他以相同的减法美学呈现屋簷下的付出与回报、期待与失落。 减法的美学 集编导于一身的波默拉，如今以简洁的剧本语言、凝练的导演美学闻名，而其背后的哲学，与他所创立的「路易雾霭剧团」（Compagnie Louis Brouillard）密不可分。 最初，波默拉以演员的身分参与剧场，但他所接触到的剧本，台词每每溢出纸页，华丽、夸张、虚假，与他对剧场的想像大相迳庭。对他而言，剧本应保有日常语言中的重复与破碎，即使略显粗糙也没关系。更重要的是，台上的语言只是表面，人生中那些如雾茫茫，无法名状的晦暗与沉默，才是他想要书写的对象。波默拉最终决定自己写剧本、创立路易雾霭剧团，与一众固定班底共同寻觅创作方法。 如今，波默拉的艺术哲学早已确立。他认为戏剧文本与场面调度须共同发展，无先后之分，因此他以编剧与导演的身分带领排练，双管齐下的创作方法之后也被学者称为「排练场写作」（criture au plateau）。编剧上，他将语言缩减到最低限度，大量活用断句与留白，试著靠近人在极端情境下的样貌。导演上，极简主义为主，台上没有景片与道具，只有精准切割的光区，以划出明与晦的交界。 无名的角色 《孩子》开始前，剧本中是一张角色列表，上面没有任何名字，只有「父亲」、「母亲」、「儿子」、「女儿」等家庭称谓。这种去识别化的设定，不只替角色脱下传统叙事中厚重的生命经验与背景故事，更将视野从特定个体扩大至身分原型的层次。无名的
在繁华喧嚣的台北大稻埕，沿著迪化街深处的历史建筑寻觅，推开一扇低调的门扉，迎接你的不是震耳欲聋的流行节拍，而是流淌于空气中、优雅的弦乐与醇厚酒香。2025年11月底，全台第一家深度结合古典乐与威士忌的音乐酒吧「奏ZOU Listening Bar」在此开幕。店主周郁然，将珍爱的音乐与专业高阶音响安排于店内。这里不仅提供专业的聆听环境与丰富的选酒，更著重不设限的自在氛围，让顾客能在乐曲中细品威士忌，接受音乐与品酒的薰陶，成为城市里让疲惫灵魂得以栖息的专属庇护所。 感恩的晨间仪式，与数字「132」的宿命羁绊 这方微醺之所，每日皆上演著一场神圣而浪漫的「开店仪式」。源起于周郁然对贝多芬弦乐四重奏Op.132第3乐章的深深喜爱。这首乐曲是乐圣经历大病后，为感谢上帝治愈其疾病，特意采用古老教会调式「利底亚」（Lydian mode）谱写的感恩之歌。对店主而言，这首曲子曾在生命中诸多关键时刻给予陪伴，如今蜕变为每日带著满怀谢意启动营业的专属洗礼。 不可思议的是，「132」这组密码与此地有著冥冥中的巧合。初次寻觅至迪化街时，他发现店址竟恰好座落于「一段322号」。周郁然笑言，当下也为这暗号般的巧合心震了一番；回首来时路，仿佛这家店注定要在此落地生根。于是，在迎来首位顾客前，他总会独自播放这首乐曲，让乐声成为开门的仪式，也让感恩与祝福在空间中缓缓展开。
剧院的灯光缓缓暗下，令人屏息的管风琴前奏如狂潮般袭来，在剧情发展紧张的时刻，悬挂在穹顶的华丽水晶吊灯在观众的惊呼声中急遽坠落这是无数剧场迷心中无法抹灭的震撼印记。2023年4月，当纽约百老汇的《歌剧魅影》（The Phantom of the Opera）在经历了35年、近14,000场的辉煌演出后，因疫情后的市场变化与营运成本压力而黯然落幕时，全球剧迷无不为之惋惜。然而，正如知名制作人卡麦隆．麦金塔（Cameron Mackintosh）当时所许下的豪语：「它当然会回归，所有伟大的音乐剧都会。」 果不其然，这句承诺在2026年化为璀璨的现实。由安德鲁．洛伊．韦伯（Andrew Lloyd Webber）谱写的旷世巨作，在问世40周年之际，不仅没有走入历史，更挟带全面升级的声光视觉与舞台科技，以「40周年纪念演出版」的磅礡之姿重返舞台。这部在全球47个国家、缔造破1.6亿观赏人次与60亿美元票房的不朽传奇，究竟凭什么能在岁月洗礼下持续闪耀？本文将带您拨开迷雾，从剧场美学、音乐语汇及深层的心理神话原型，深度解码这张半白面具背后，历久弥新的艺术底蕴。 跨越雅俗的音乐语汇与视觉奇观 《歌剧魅影》的诞生，始于韦伯1984年在纽约二手书摊偶然发现法国作家卡斯顿．勒胡（Gaston Leroux）于1910年出版的同名惊悚小说。韦伯在一个下午内读完此书，并产生了强烈的改编「顿悟」。他在创作时，打破了传统音乐剧的框架，将古典歌剧的磅礡华丽与1980年代的电子音效完美镕铸一炉。正如美国作曲家威廉．博尔科姆（William Bolcom）所评价：「这种剧场真正试图拉近流行与歌剧世界的距离。」 除了极具感染力的旋律如〈The Music of the Night〉与〈All I Ask of You〉外，《歌剧魅影》在舞台设计上更是立下了难以超越的标竿。剧中最具标志性的「坠落水晶吊灯」，不仅是舞台机关技术的重大突破，更成为全球戏剧文化中无法磨灭的符号；百老汇博物馆（Museum of Broadway）（注1）中甚至珍藏了一盏缀有超过13,000颗水晶的魅影吊灯，每一颗水晶皆象征著一场百老汇的演出。在40周年纪念版中，制作
在2026年到来的前夕，两档摄影展在北师美术馆登场，分别是台湾「浮生《人间》中的报导摄影，1985-1989」，和日本「in Vitro？in Vivo! 在试管中？在活体内！摄影家立木义浩X东京大学」，两者呈现摄影截然不同的表现取向，有意思的是，「人间」展场位于美术馆的2、3楼，立木义浩展设于地下楼，这样的空间安排适巧呼应了拍摄主题的差异：前者关注「地上人间」百态；后者聚焦采集、出土的文物与标本，因为摄影留驻的瞬时片刻，让它们得以穿越时空，持续和当代社会进行对话。
人类崇尚「美」，同时也为「怪异」深刻吸引，达文西能画出充满谜意之美的《蒙娜丽莎的微笑》，也留下了《怪诞头像》的素描，显示对美和怪异同感兴趣。又如16世纪尼德兰画家波希《人间乐园》三联画充斥半人半兽、突变异类、放大的器官等高度原创性的图像与符号，其意涵至今难解却依然引人入胜，如此种种皆显示「怪异」与「美」同存于世，艺术家也借以表达世界的荒谬抑或批判。 2026年初始，双方艺廊策画「怪异考：怪物世众生相」，引用唐娜．哈洛威（Donna Haraway）提出的「怪物世」（Chthulucene）概念，从9位台湾艺术家的绘画、雕塑与装置艺术呈现世界混生的样态。
史特林堡（August Strindberg）于晚年所写的《梦幻剧》（A Dream Play），以印度神祇因陀罗（Indra）之女阿格尼斯（Agnes）下凡一遭的游历，探讨苦难的本质与生命的意义。其中奇幻的角色、破碎的场景虽打破了20世纪初工整严谨的剧场惯例，却也创造纯粹如诗、流动如梦的质地，在剧作上另辟一条更奔放无拘的道路。新加坡剧作家亚非言（Alfian Saat）看见抵抗建制的潜能，便以史特林堡的结构概念为基础，写出《梦幻剧：亚洲男孩三部曲之一》（Dreamplay: Asian Boys Vol. 1），照见新加坡不可言说的男同志历史。 审查制度的眼中钉 最早，亚非言其实是位诗人。1998年，他出版诗集《激烈时刻》（One Fierce Hour），其中一首〈新加坡你不是我的国家〉（Singapore You Are Not My Country）表达了一位青年对国家爱深责切的情感。这首诗宛如平地一声雷，宣告著一位文坛新星的诞生，却也因其强烈的措辞让亚非言从此陷入爱国与否的争议。 之后，亚非言的身分渐渐过渡成编剧，社会关怀不减反增。他熟稔地操持英文与马文，瞄准多族裔的剧场观众，更藉著双语乘载的不同观点增添剧作的辩证层次。但，正是剧场这种公共性与政治性，让新加坡政府找到向他设限的借口。在《梦幻剧》送审时，政府便以剧中探讨同性恋主题为由，祭出R18级的限制，以此箝制曝光与收益。2024年，亚非言更将与审查制度的长期恩怨写成《新加坡剧场之死》（The Death of Singapore Theatre）。 老派女神下凡乱救人 如同史特林堡的原著，亚非言的《梦幻剧》以女神阿格尼斯下凡开篇，不过这次她以分不清是选美佳丽或变装皇后的姿态降生人间。一登台，女神发觉比赛已来到问答环节，便顶著浮夸假发义正词严地说，夺冠之后，她计划把男同志从以芭芭拉．史翠珊（Barbara Streisand）为首的伪女神崇拜中拉出来，变回阳刚的异男，导回快乐的道路。语毕，掌声如雷。女神下凡一席话，竟变成带著保守任务的环球小姐。 一个转身，女神发现身边是4位年龄、族裔各异的跨性别变装皇后。皇后们听闻女神的来历
在「黑水2025台湾美术双年展」开幕典礼上，阿美族艺术家马跃．比吼邀请现场来宾进行一场「承认练习」：承认这场活动的所在地、即国立台湾美术馆周遭曾是原住民守护的土地。这样的即席「练习」看似只是一个活动的过场，仍可望在人们心里投下一颗小石子，省视部落消失的源由，而如这般直视历史「晦暗面」的过程，正是「黑水」的策展企图。
由本刊所出版的《表演艺术年鉴》系列专书，长期以来透过每一年度资料的积累整理，呈现该年度的表演艺术生态样貌，同时，也期望透过年鉴所汇集的资料与数据，作为现况分析的基础，并邀请专人透过资料与事件的爬梳撰写专文，提出对当年度的整体观察与思考。 在今年本刊更是将已出版的历年《表演艺术年鉴》共31本，进行数位转型，以版面资料库的形式供读者阅读。而最新的《2024年表演艺术年鉴》已于近期完成制作并上架，本站特地转载书中年度观察专文，以飨读者。
资本化观察（1）：创业语境下的台湾剧场生态 当文化政策以「创业者精神」或「文化内容产业」作为推动剧场生存的口号时，实际构成的是一种「无资本的资本化想像」：表团被鼓励登记立案、建立品牌、提出营运计划、发展收入来源，仿佛只要具备创业语言就能进入文化市场。但台湾剧场的现实是：缺乏风险资本、观众市场小、制作成本高，几乎所有创业想像都仅存在于补助表格里的模拟现实中。 如哈拉瑞在《人类大命运》中所言，现代社会的主导逻辑早已从政治转向资料与资本。创作者若无法产生可转换的资产（如平台流量、投资回报），就无法在经济秩序中拥有位置。剧场团队被当成创业者，却从未获得创业该有的「风险共担机制」与「中介投资结构」，只能年年提案、补助、结案、归零。 从傅柯的角度来看，这样的「资本化治理」实则是一种规训：剧场团体被制度要求逐渐内化特定的行政语言与产业符号，进而生产出制度预期的文化表现样貌。 换句话说，剧场团队变成了制度内部的文化生物：不是真正的产业主体，也无法成为纯公共性实践者。他们以产业语言包装补助行为，以品牌外型取代文化意图，以营运策略装载创作焦虑。这样的资本化是幻象，但这幻象却逐步塑造了剧场的制度现实。 资本化观察（2）：补助与自筹下的治理日常演变 公共场馆与剧场团体，在今日的文化治理逻辑中，被要求同时扮演补助接受者与自筹责任人的双重角色。一方面依赖补助完成制作、支持营运、支付人事与场地，另一方面又被要求提高自筹比例、发展收入策略、证明非依赖性与市场整合能力。表面上，这似乎是一种渐进式的财务责任转移；但实际上，它构成了文化场域中资源合法性与治理主体模糊的关键矛盾。 补助款究竟是什么？是政府的资产？是人民的税收？是公共预算？还是社会投资？这个问题看似会计性质，实则是国家与人民之间使用权与分配权关系的核心问题。当文化单位接受补助时，往往被告知必须负起更多营运自主责任。但若补助是来自纳税者、来自全民的公共预算，那它便不是国家的私产，而应是一种代行信托的使用权责。这也突显一个制度深层的治理问题：谁拥有文化资源的分配权？又是谁定义「合理使用」的标准？
成军15年的「豪华朗机工」是台湾视觉艺术界的异数，4位成员：张耿豪、张耿华、陈乂和林昆颖都是艺术家，各自创作风格鲜明，当「合体」为团队时，作品既呈现多样面貌，同时又具有「豪华朗机工」的辨识度。这次以团队「个展」为名举办展览「宇宙写生」，透过14+1件作品梳理创团15年的轨迹之外，也清晰勾勒出他们的创作关怀，这些融合音乐、科技、文本、影像、装置等元素的作品或流露日常抒情，或回应公共议题。 「宇宙写生」开展以来吸引观展人潮络绎不绝，特别是年轻族群。而究竟，主观意识强的艺术家如何达成「4 in 1」的多功与分工？想必是不少观众内心的疑惑。
台北室内合唱团（Taipei Chamber Singers）的第13张专辑《璀璨巴赫》（Bach Cantatas），是台湾合唱界迈向国际古乐（早期音乐）领域的重要里程碑，也是历时3年的「音乐本真行动」计划的完美总结。这张专辑不仅是合唱团首次与国际唱片公司合作发行，更是他们第一张提供线上串流的专辑，以及台湾第一张以古乐版本诠释的巴赫清唱剧专辑。 跨越浪漫，追寻巴赫音乐的「心法」 长久以来，台北室内合唱团在「文艺复兴」与「当代音乐」两个相对的领域皆表现出色、屡获国际奖项。有鉴于在诠释巴洛克音乐时，台湾多数合唱团仍以「交响管弦乐团＋交响合唱团」的模式呈现，较少关注「音乐本真演奏」（注）的观念。合唱团企划经理郑逸伸提到，当团队思考如何与古乐团合作时，欧洲古乐专家强调的重点并非只是音色或情感，而是「从手稿、乐器特性去理解音乐线条与音形的真实样貌」。他引用欧洲专家的说法指出：「他们能掌握心法，那个心法就是音乐的思维。」 为了掌握这样的演奏语汇，合唱团展开了为期3年的研究与训练计划，向欧洲古乐与巴洛克声乐专家取经，将欧洲领先的音乐语法知识转化为实际的演唱技巧。 乐器与人声的共振 《璀璨巴赫》的制作阵容可谓星光熠熠，由屡获「留声机大奖」的古乐大师皮耶．韩岱（Pierre Hanta）担任指挥。韩岱曾任教于巴塞尔音乐院，被誉为大键琴宗师雷昂哈特（Gustav Leonhardt）的精神继承者。 专辑邀集法兰西古乐团（Le Concert Franais）4位欧洲顶尖独唱家合作女高音朵洛．梅尔蒂（Dorothee Mields）、女中音玛格特．奥辛格（Margot Oitzinger）、男高音弗罗．西弗斯（Florian Sievers）、男中音马蒂亚斯．维尔（Matthias Vieweg）。 为达到巴洛克时期的演奏标准，合唱团经历了严格训练。郑逸伸透露，团内特别挑选16位成员参与，加上独唱家共20人。这正是韩岱心目中清唱剧的理想规模。在长时间的训练与排练中，团员们学会与古乐器「共呼吸」与「共聆听」：「我们第
当代媒体所描绘的北韩，往往是个独裁、专制且审查制度铺天盖地的神秘国度。若不是脱北者转述，外界可能难以想像那里是个高官吃香喝辣、百姓食不果腹的人间炼狱。不过，即使希冀逃出北韩的人数愈来愈多，正如历史上所有一夕之间紧急宣布的分裂，住在南韩且迈入老年的长者，会不会至今日仍盼著回到两韩分裂前的北乡？南韩剧作家尹美贤（윤미현，Yun Mi Hyun）便在北纬38度线的历史裂缝中找到戏剧的破口，以此为题，写下剧本《木舟》（목선，The Wooden Boat）。 从诗人到编剧的帅气转身 成为剧作家之前，尹美贤其实一直以诗人与小说家的身分自居。对她而言，文学是由诗歌与小说共创的景致，而剧本并不在视野里，一直到研究所时期她才有了与这个文体的初相遇。可惜，没有剧本让她动心，于是她决定提笔写出自己喜欢的作品，独幕剧本《我们可以见个面吗？》（우리 면회 좀 할까요?）如此诞生。 尹美贤本想浅尝即止，回头徜徉在诗歌与小说的世界，没想到《我们可以见个面吗？》夺得2012年韩国剧作家协会（한국극작가협회，Korean Playwrights Association）剧本奖。自此，新欢变正缘，她便在南韩剧场以剧作家的身分打滚至今，10几年间也陆续发表了横跨话剧、歌剧、音乐剧的作品，包含《菜园杀手》（텃밭킬러）、《德州姑姑》（텍사스고모）以及《木舟》。 死前，能不能回去北方？ 《木舟》的故事源于90几岁的老蔡。老蔡在两韩分裂前将妻小留在北韩，只身一人跨过停战线，不料一别就是一生。纵使物是人非，他在死前的遗愿还是与家人相聚。但，不论老蔡申请官方的南北离散家族重聚计划，或找上已有30多年偷渡经验的仲介，最终屡屡败露。某天，新闻报导日本大和堆海域停了几艘北韩漂来的渔船，闻此，老蔡决定剑走偏锋他要想办法搭上这些幽灵船。船怎么来，他就怎么去。 老蔡的思乡之情蒙蔽了他的双眼，看不清邻居老马正在暗处动著歪脑筋。老马是80几岁的诈骗惯犯，出狱后虽开了一家房屋公司，但一锁定目标就想敲一笔。老马嗅到老蔡身上的商机后便开始找队友，第一个对象是无名的「运动服青年」，善于读书考试，却因太内向而无法上班，只能以出租证照度日；第2个
难民是当前重要的国际议题，可台湾离这个议题似乎遥远，实情真是如此？台湾导演刘吉雄现于「虚拟生肉」展览呈现他以1970年代末澎湖越南难民营为主题制作的纪录片与VR作品，同时并呈相关文献和影像，借以唤起台湾社会对这段发生于冷战时期的历史记忆，与此同时也串接起台湾于东亚近代史中亦曾位居参与的角色。 今年是越战结束50年，从对历史的回望，能否带给我们面对当代难民议题的些许启示，和思考台湾国际处境的可能角度？
台湾当代艺术家援引宗教内容为题材者并不少见，诸如民俗祭仪、形制或其演进史等都曾为人所用，已然形成一脉创作类型，彭弘智近期发表的《未完成之作》便将进入灵界的记录编创成脚本，加入口白和舞者的即兴表演，一探亡者的未竟之事。在这部90分钟长的电影式影像当中，彭弘智以自身的直接涉入他是进入灵界寻找亡者的主体，也在过程中意外被触碰到鲜为人知的成长伤痕，这和他过往主要透过宗教元素探讨人与宗教关系的智性辩证，有著不同的路径转向。
2024年12月，台越新二代的蔡定邦以摄影书《本是同根生》获得「巴黎摄影节光圈摄影书奖」（Paris Photo－Aperture Foundation Photobook Awards）当中的「第一本摄影书奖」（First PhotoBook Award），这是台湾创作者第一次获得这个奖项（注1）。今年7月，哈苏基金会（Hasselblad Foundation）宣布2025年国际摄影书出版赞助金名单（注2），蔡定邦再以《水当当的金云阿姨》和波兰摄影师Paweł Starzec《Makeshift》分别获得10万瑞典克朗奖金（新台币约30万）。短短半年，这位年仅26、国小学历，影像靠自学的年轻摄影师，因接连获得国际奖项受到瞩目。 获奖之于蔡定邦，不只是得到加速摄影书出版的经济资助，实现「被看见」的想望，透过他的镜头，也呈现了越南女性移民及其后代错综复杂的生命历程。
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