PAR 表演艺术杂志

焦点专题 Focus

艺术家的农历年：牵著红色的圆满，定义自己的团圆

艺术家的农历年：牵著红色的圆满，定义自己的团圆

对某些人来说，农历年可能是一套预设好的剧本：固定的开场、重复的问候，无法逃避的家族秩序，难能想到如何翻转，简直像是每年固定上演的一场戏码然而，对于剧场人来说，台上的剧本可以排练，台下的生活往往真正在流动中才显现真实。本次专题，我们邀请了3位不同背景的艺术家，在各自的生命场景里，谈谈他们如何从传统的框架中，长出属于自己的年节姿态。 明华园天字团的当家小生陈昭香在锣鼓声中撑起家族荣光，穷剧场艺术总监高俊耀从南洋的甜汤里回味故乡，剧作家李屏瑶则一再从台北的违章建筑中寻找光。他们手中的红气球，轻盈漂浮，拉著他们与传统对话，建立生活秩序，用自己想像的方式，决定他们想过的年。 （本文出自OPENTIX两厅院文化生活）

焦点专题 Focus

2025 秋天艺术节专题／活动侧记

舞台之外，生活之中

如果说剧场是艺术家精心搭建的异度空间，那么那些散落在排练场、餐桌上、甚至是营火边的思考与日常对话，便是支撑创造的真实血肉。 国家两厅院每年秋天举行的「秋天艺术节」，以丰富、含金量高的周边活动著称，深入艺术家的创作脉络与关怀，带领观众用不同的角度来认识或接近作品，从而开启对话的可能。本专题透过2025秋天艺术节「在裂缝中重组我们」的4场活动侧记，尝试穿越不同感官的维度：在首篇与第2篇文章中，我们从视觉与记忆出发，看区秀诒、瓦旦．督喜与桑布伊如何从迁徙的生命史中提炼艺术，并进一步在「降灵会」般的剧场考古中，跟随区秀诒与陈侑汝深入探索光影、历史与观看的权力结构。 接著，我们将感官转向味觉与身体。第3篇钟适芳、樊夏与陈启明的餐桌旅行，揭示了奶茶、甜味与豌豆粉背后的政治疆界与身分认同；而最后一篇的「烤火会」，则深入TAI身体剧场的花莲「工寮」与台北河畔桥下现场，靠近瓦旦．督喜的身体劳动感知，以此重新缝合人与土地的断裂。 从吉隆坡的老戏院到缅甸街的茶馆，从19世纪的幻灯秀到花莲工寮的火堆旁，跟随艺术家的洞见，让我们钻进世界的裂缝，重组感官，与作品对话。

特别企画 Feature

翻开剧本，翻转「读剧」（五）

读剧及其可能创造的

2024年Netflix台剧《影后》播出，关于影视圈女明星的生存现实让人看得入迷，然而剧中引发热烈讨论的台词，却出自钟欣凌饰演的经纪人，对著为了成名、头也不回离她而去的年轻演员说：「我在剧场看到你的时候，我就知道有一天你一定是大明星，你要记得，是我先看到的、我先看到的！」 「在你还没成名时，我就先看到了！」似乎也代表著读剧作为「未完成品／阶段呈现」的某种魅力，让观众得以一同参与作品的成长。 于是轰动全台音乐剧《劝世三姊妹》，观众彼此之间也可区分是加演看的、是首演看的，以及最高级的是读剧就看过的。毕竟少有其他艺术类型，能在发展阶段就邀请观众参与。即便是已经出版、演出的定版剧作，以读剧形式演出，也暗示著日后剧场发展的可能性。随著读剧公开呈现，改变了作品的定义，使其时间轴向前后延伸。 在现今物价高涨、戏票通膨、时间昂贵的年代，有人更为谨慎，不确定会看到什么，就不轻易进场，但也有人持续期待在剧场尝鲜冒险，享受未知惊喜。对创作者或观众来说，读剧不啻为较实惠的选择，若能看到精采作品更是难得（多少类似于市场捡便宜的心态）。然而一旦进入售票模式，难免也会担忧出现期待落差，怕读剧呈现太过阳春，值不回票价，而加入其他舞台元素试图丰富表演，反倒混淆剧作原貌。如何在「原典」与「诠释」之间找到平衡，是大多数读剧演出始终得面对的难题。 至于音乐剧发展过程常见的「读剧音乐会」，定位似乎较为明确。音乐诉诸听觉而非视觉，因而不需加入过多灯光、服装、走位等舞台效果强化观戏体验，便足以呈现另一种声音版本的「完整」。换言之，观众在此获得类似演唱会的感受，还能近距离贴近演员（读剧音乐会大都在较小场地演出）。有时看著演员在角色间跳进跳出，营造独特的后设诠释，甚至能为作品带来另一层次解读。 不管是哪种性质、为著什么目的的读剧，珍贵之处都在于它所开展的对话空间，共同存在于剧本、剧作家、导演、制作方、投资者与观众之间，而这或许也是缺乏经济效益的剧场，面对当今世代各种或娱乐、或深刻的艺术体验，所剩无几的优势之一。读剧的轻便形式，让作品得以较不受文化隔阂、制作思维或市场喜好所限制，将众人聚集于此时此地；而那些卸除服装、布景、道具的舞台留白，乘载著文字朝向未知前进的潜力。 读剧也许意味著「阶段

特别企画 Feature

翻开剧本，翻转「读剧」（四）

演员现身说法

宫能安：读剧，让作品发展更健康

Q1：您认为「读剧」是一种演出吗？为什么？ 是的，我认为「读剧」是一种演出。虽然不同的带领者（如导演、编剧）对「读剧」的呈现完整度有不同的期待，但对演员而言，不论完整度高低，读剧始终是一种需要被观赏或聆听的行为。 演员在读剧中依然贡献了自己的一部分，无论是声音、情感，或是对角色的诠释，这些都是被观看、被感受的。因此从本质上来说，它是一种演出。 更何况有些带领者期望演员在读剧阶段就展现出真实的情感，帮助观众理解剧本与角色脉络。即便只是「读」剧，演员仍然需要开启与角色的连结，这让读剧不仅仅是文字的传递，更是演出的雏型。 Q2：读剧与正式演出的「表演」本身，您认为有什么差异吗？或是您会做出任何区隔吗？ 我觉得这当中的差异，并不是有意为之的区隔，而是随著时间与熟悉度自然拉开的距离。 从读剧到正式演出，演员对角色的理解一定会有不同阶段的深化。刚开始接触角色时，很多行动与语言可能只是六、七成的初步理解。演员能够透过文字大致明白角色的需求，但当进入排练场域，与身体实际行动和对手碰撞后，对角色的理解会从「理解他的需求」，转变为「拥有他的渴望」。 这过程像是一层层描绘的素描稿：先用炭笔勾勒出轮廓，找到可行的方向后，随著排练与演出的推进，逐渐填满角色的细节，让角色的欲望和情绪更清晰，整体呈现也更立体。 很多演员在旧戏重演时，常会有「原来还可以这样！」的惊喜，那种发现角色新面貌的感觉，就像发现了一个老友隐藏的小秘密，既意外又兴奋。 Q3：身为演员，您认为「读剧」的功能是什么？ 我觉得「读剧」的功能就像「产检」。母亲在怀孕后会做产检，确保孩子健康；同样地，作品在