PAR 表演艺术杂志

焦点专题 Focus

身体 X VR——从「不可见之感」出发的阴性叙事

身体 X VR——从「不可见之感」出发的阴性叙事

在虚拟与现实的界线逐渐交融的今日，虚拟实境（Virtual Reality，VR）不仅是一种观看的工具，更是一种触动身体、延展感知的场域。本企画「身体 X VR从〈不可见之感〉出发的阴性叙事」，从阴性视角出发，聚焦3组台湾艺术家的实践，探索身体如何在 VR 中消散、重组、生成，并与情感、记忆与未知力量交织。 在疫情促使创作转向的契机下，编舞家何晓玫以《林投姐，妳叫什么名字？》透过女性鬼魂的凝视，将舞蹈、吟唱、米艺与 VR 融合，让漂浮、裂解的身体在虚拟空间中得以延续，开启观看破口，让潜伏于历史阴影中的女性得以发声。 另一方面，编舞家苏文琪则延续10年的科学探索，从欧洲核子研究组织（CERN）走向宇宙深处，历经《黑洞博物馆+身体浏览器》，推出新作《暗宇之感》，深入创作的洞穴，尝试以 VR 再现黑洞、暗物质等「不可见的存在」。在她的实践中，科技不再是硬核的展示、不是创作的目的，而是透过阴性质地的敏感与柔韧，向不可知提问，体现不可言说的能量。 而由双胞胎编舞家谢筱玮、谢筱婷历时7年酝酿的《The Awake》正迈向最后一哩路，以渐冻人的身体经验为切口，转化病友与家属的幽微情绪与时间感，藉 VR 打开非线性、片段化的情感场域。观众不仅「观看」作品，更被牵引著进入其中，在感受先于理解的过程里，将自身生命经验投射其中。 这3件作品有各自的核心关怀，却在 VR 的延展里相互呼应，指向身体作为感知载体的开放性，并透过敏锐凝视，触及那些难以名状、无法被符号化的「不可见之感」。这些创作不仅挑战剧场与观演的边界，更以阴性叙事为方法，让 VR 成为感官、情感与记忆交错的场域。 她们共同展现的是阴性叙事的力量：不在于给出唯一的答案，而在于共感他者的生命经验，打开更多感受与想像的可能。

特别企画 Feature

2025╱2026 乐季最前线：国际篇

2025╱2026 乐季最前线：国际篇

2025╱26年乐季即将展开，世界主要乐团的节目策划无不在兼顾地缘文化、艺术传承与当代关怀之间取平衡。从亚洲日益壮大的策展自信、法国的跨域融合、德奥的重磅经典到英美的策展风格，这一季的国际音乐场景不仅延续了熟悉的传统，更处处展现未来的企图心。 亚洲的表现不容小觑，在稳健迎接国际音乐家之余，也以更清晰的在地立场、文化自觉与年轻策展人声音，回应全球艺术语境的快速演变。法国则以跨界与当代艺术语汇为导向，将音乐会转化为文化事件，模糊舞台与生活的界线，邀请观众进入一场多感官的艺术对话。 德奥地区仍以深耕经典作品为本，并逐步将新声音融入老架构中，在厚重历史与未来视野之间找寻当代聆听的位置。英美乐团则将策展意识推至前沿，从独立主题到大型跨年度专案，演出不只是「演什么」，更是「怎么说」。在这种架构中，曲目与语境并重，乐迷的体验被有意识地导向更深层的叙事。 国际乐季不再只是输出与输入的线性关系，而是一张立体交织的网络。透过这国际乐季脉动的观察，我们得以先行一窥全球古典音乐的节奏、语言与价值，如何在此刻被重新定义。

焦点专题 Focus

我创作，以另一种声音……

我创作，以另一种声音……

语言，在日常里交会，也在日常里消散与误解。我们常以彼此「最大公约数」的方式说话，是否有可能一再回望，那个最初的声音。 本次「我创作，以另一种声音」专题，邀请3位创作者编舞家瓦旦．督喜、音乐艺术家曾伯豪、演员李劭婕。他们以舞蹈、声音与诗句，向自己的母语提问，对话，思考有机会的话，或能以这样的语言做梦？ 瓦旦以身体掏挖太鲁阁语的缝隙，用舞蹈翻动被遗忘的土壤；曾伯豪在多语混种的音乐里，聆听台湾土地的脉动；李劭婕则以客语诗与舞台，书写疼痛，也重写自己。在拍摄时，我们为3人准备了一面镜子。镜中有他们的脸，也有被折射出的世界；有过去的记忆，也有未完成的自己。就像母语，它是我们映照生命的镜子，提醒我们，另一种声音一直存在，且持续等被以不同方式被听见。 （本文出自OPENTIX两厅院文化生活）

焦点专题 Focus

「你是谁？」──《罗恩格林》的艺术全貌

卫武营歌剧里程碑

跨越传统与现代的桥梁 《罗恩格林》首现台湾舞台

在我们习以为常沉浸的歌剧中，华丽的咏叹调、明确的分幕与耳熟能详的旋律，构筑出义大利歌剧的魅力与亲切。然而，当一座剧院历经10年耕耘，累积了观众的欣赏品味与艺术实力之后，是否能勇敢地踏出熟悉的范畴，迎接一位被视为不容易认识透彻，却又极具深度的作曲家？2025年夏天，卫武营国家艺术文化中心（以下简称卫武营）将用行动作出回答透过一部从德国莱茵歌剧院引进、风格大胆、设计深刻的《罗恩格林》（Lohengrin），开启一场穿越古今、横跨现实与神话的美学对话。 10年磨一剑，15部剧作铺路而来 卫武营自2015年成立推动小组促成与德国莱茵歌剧院及美国林肯艺术中心的合作以来，卫武营便将「歌剧共制」纳入长远蓝图。从2018年开馆至今，15出义大利经典与现代诠释的歌剧已陆续登场。涵盖《创世纪》、《惊园》、《杜兰朵》等国际共制，也包括全本的《茶花女》、《诺玛》、《魔弹射手》，《费黛里欧》、《尤金．奥涅金》、《憨第德》等音乐会形式，更有当代歌剧《天中杀》及前卫歌剧《创世纪》等作品，参与团队横跨全球多达 20 个剧院与团队。 一一数来，艺术总监简文彬与团队发现：「大家可能对义大利风格的歌剧作品比较熟悉，经过这些之后我们想，现在好像可以和观众一起挑战一个更具重量的作品。」 回望与前行：《罗恩格林》的时代意义 「事实上，如果搜寻史料，就会发现《罗恩格林》在华格纳所有作品中，是最有义大利风格的一部。」简文彬总监指出，这部1850年首演的歌剧，在音乐风格与戏剧结构上，仍保留著传统义大利歌剧的特质。反过来说，《罗恩格林》对其他作曲家的影响也不可忽视。「威尔第自己也说过，包括《罗恩格林》里的配器，在他自己的作品里也可以找到几乎是平行的对照。」简文彬说，这样的影响在《阿依达》开场的序曲特别明显，甚至可以说那段音乐逻辑与《罗恩格林》的序曲几乎如出一辙。这样的观点也突显出华格纳与威尔第这两位19世纪歌剧巨擘之间潜藏的相互对话。 此外《罗恩格林》更是华格纳风格转变的分水岭。「这是华格纳最后一出以『歌剧』来称呼的作品，之后他就全面转向『乐剧』。」简文彬认为，相较于《指环》这类庞大乐剧，《罗恩格林》既具备可辨识的段落结构