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舞蹈 罗文瑾的卡夫卡式舞蹈实验《有可能，但现在不行》 在三扇门前演出人间的荒谬
2024 年是卡夫卡逝世100周年，世界各地以出版、展览、演出等形式回望这位现代文学巨匠。对编舞家罗文瑾而言，这个时间点是一个契机。在 1990 年代，从她与台南人剧团合作的肢体设计开始，便持续在文学与舞蹈之间游走。2006 年一次进书店偶然读到《变形记》，让她深受震撼：故事没有头也没有尾，主角变成虫，这种断裂而荒谬的结构成为她心中的疑问，也逐渐发展成创作的底色。她开始思索卡夫卡的性格、存在主义与现代主义的关联，并在 2018 年的作品《虫》中尝试以舞蹈回应，一路上经历补助失利与创作中断，她在 2024 年重新整顿，与戏剧构作合作，终于完成这部三幕式舞作《有可能，但现在不行》，借此重新厘清自己与卡夫卡的关系。
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戏剧微凉清风，扰动了什么？
位在旧空军总司令部内的「空总剧场」，因其空间的历史特殊性，自然会引人心生政治性的联想，阮剧团选择空总剧场作为「大型剧场行动计划《噪音风暴》」的发生地点，以曾被政治威权贬为噪音的「台语」，扰动空间中停滞已久的气流、引发风暴的意图，不难理解。只是，旧称中正堂的空总剧场，除了挑高方正的空间格局之外，其实已经没有什么可以让人感受到旧时代氛围的元素，更甭论召唤出威权统治的幽灵。在这个曾是军事重地的空间里，历史的沉积，都已经被当代城市文化美学清理乾净，连带地也将过往的记忆，从城市人们的集体心灵中抹除。 因此，《噪音风暴》主题与空间选择的批判性，看似不言自明，但如果深究，其实更像是理所当然的惯性思考，能否达到剧团宣称「扰动语言、生活与剧场的关系」的目标，还是要看个别作品的创作者对素材、语言、形式、空间的处理，是否能以共同的剧场经验，挖掘历史的沉积，揭露曾被掩盖的声音，唤起我们对过往的记忆，进而刺激我们对现实的省思。
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首尔跨界鬼才郑具浩耕耘30年 话题舞作《佾舞》集大成
首尔市立舞蹈团（Seoul Metropolitan Dance Theatre ）作品《佾舞》（One Dance）于世宗文化会馆第四度登台，再次掀起话题。为期4天的演出，门票在开演前一个月即售罄，印证了这部作品在国内外累积的口碑。 2023 年，《佾舞》于纽约林肯中心（Lincoln Center for the Performing Arts）首演，当地演出评论人留下高度赞誉：「简洁且精致的完美同步，精密编排的动作仅仅是开启这前所未见、惊艳舞蹈之夜的序幕。」获悉此评价的导演郑具浩（Kuho Jung）不禁含泪道出「这就是耕耘30年的成果，我就是为了这一刻奔驰至今。」
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延长音寻找缝隙中的光
「老师，你刚刚说要弹出像光一样的声音是什么意思？」 「如何弹出有渴望的声音？」 我愣住了。对我来说，艺术的存在声音的本质就是为了表现心中最强烈的感受与理想。但，这个问题敲醒了我！原来，或许，许多人接触音乐的逻辑是完全不同的。 如何弹出像光一般的声音？我开始展开思考地图，抽丝剥茧，驰骋在想像中，我发现这个思考路径对我来说几乎是陌生的。光，天光、圣光，是能量，是希望、寄托，从天际倾泻而下，温柔地滋养肌肤的每一寸毛孔，温暖、纯粹。 若声音要像光一样，它也应该具备这些特质：由方外倾下，给人温暖，燃起希望。 于是我开始想像，这样的声音应该如何被构筑。也许它必须先在内心被「听见」，而后才由身体化为琴键上的动作。琴槌击弦的瞬间，声音应该直接无形地转化至至高，再给予时间让声音慢慢洒落，感受声音的抛物线，好似声音的路程都在给予我们温暖，按摩著我们的毛细孔。 这时，手指不可能是单纯地按下琴键，而是想像如何以高速但不失优雅的重量将只有一公分深度的琴键落到底，使著彼岸的琴槌将声音高速射向方外，再由耳朵引导声音落下的线条，让声音宛如天光般自上而下照亮心灵。 我赫然惊觉，原来，艺术的转化是如此复杂的过程，但又好似如此地自然。 这个思索，让我想起不久前参访的圣家堂（Sagrada Famlia）。走进其中，仿佛进入一座会呼吸的森林：高耸的树柱直冲云霄，天顶枝芽向著阳光致敬；教堂屋顶的光影宛如阳光洒落叶间；彩色玻璃映照著四季流转，春天的清新、夏日的炙热、秋天的斑斓、冬日的静谧，都在其中。外墙三面分别叙述耶稣的诞生、受难与荣耀，诞生立面生意盎然，诉说著耶稣诞生的感动；受难立面则转为极端的张力，钢筋结构如同肌肉般拉扯，中央的「横隔膜」造型让整个建筑充满呼吸与痛苦的张力，仿佛整个墙体正在经历基督的舍身之苦。 高第（Antoni Gaud，1852-1926）知道自己无法在有生之年完成这座教堂，但他仍把全部的生命奉献其中。这不为体制、不为市场、不为声望，只是单纯地想将内心的信仰转化为奉献。那一刻我明白了，圣家堂不是一栋建筑，而是信仰的实践，是生命的艺术转化，是艺术家与宇宙对话的回声。高第甚至决定圣家
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东京日本实演艺术福祉财团成立 盼改善表演艺术工作者劳动环境
为了改善长期以来表演艺术工作者不稳定的劳动环境，包含「日本艺能实演家团体协议会」（简称艺团协）、「日本演剧兴行协会」等单位共同发起，成立「日本实演艺术福祉财团」，并于 7 月 22 日正式注册，23 日在东京举行记者会。「实演」泛指在舞台上从事表演艺术工作的人员，包含剧场演员、音乐家、舞者、编导、舞台技术人员等等。希望透过财团的设立，提升表演艺术工作者与幕后工作人员的社会福利，并建立能支撑整个产业的安全网络。 根据财团于记者会公开的资料，日本的表演艺术界正面临许多挑战，例如日圆的贬值与物价高涨，导致大企业调高薪资，吸走人才，造成表演艺术领域人力缺乏；整体社会对职场规范与骚扰议题的关注提升，让业界意识到改善工作方式与环境的重要性；同时，少子化及高龄化的趋势，也让愿意承继艺术工作的人力减少，形成日本多样的表演艺术文化传承危机。 日本实演艺术福祉财团的成立契机，是在 2021 年，文化艺术推进论坛针对受文化厅补助的机构进行调查后，建议建立由表演艺术业界支撑的互助合作制度。在这之后，艺团协也多次举办研究会，针对欧洲、韩国、美国等国家的艺术家社会福利及保障制度进行研究，并于 2024 年发表「艺术家互助制度」中期建议。而在今年 4 月，由艺团协与日本演剧兴行协会等团体成立筹备委员会，终于在今年 7 月落实成立财团。 财团成立后的首要任务，是先著力于推动「劳工职业灾害保险加保业务」。由于表演艺术工作者大多属于个人接案工作，普遍缺乏劳工与雇用保险的保障，一旦在排练或演出中受伤，往往必须自行负担医疗费。财团指出，国家制度的劳灾保险相比民间保险的费用合理、补助制度完整，更可以借此建立与一般劳工相同的安全网络。为了减轻个人负担，财团也将分摊加入团体的营运费用，并推动简化手续、强化宣传，以提高团体及个人的加保意愿。在政府与地方层面，近年已经有多项配套措施，包括文化厅设立的「文化艺术契约指引」、法律咨询窗口，以及地方自治体如东京「ARTNOTO」、京都「KACCO」、滋贺「AMADO」等设立的专门咨询平台。同时，《特定受托事业者取引适正化法》（简称「自由业法」）也已制定，逐渐扩大劳工职业灾害保险加入的适用范围。 除了保险业务，财团也陆续进行政策研究与提议，例如计划与今年 9 月成立的「剧场等演出空间运用基准协议会」合作，
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那些女子那些戏女子5——网红小艾的放弃哲学
我生命里有多少个网红小艾呢？ 多少时候明明应该去健身，却因为想要打扮漂亮，最后嫌麻烦就不去了？明明是应该好好理财，却因为看什么都觉得需要，就不管根本入不敷出，先刷卡再说？多少时候明明是在电脑上工作著，却因为想要消除一直跳出的各种通讯软体的通知，回了一大堆无关紧要的简讯，而让进度严重耽误？ 不想毁掉你的主戏，就放弃这些内心小剧场吧。
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聚光灯下 In the Spotlight 编剧、导演叶志伟 无家者的探索与存在
今年的传艺金曲奖典礼，颁发「最佳编剧奖」时，从颁奖人口中说出「叶志伟」这个名字。少有时刻穿著西装、白衬衫的他走上台，先是感谢，但接下来的一句话是：「老实说，我从今天一入场，一直觉得自己走错棚。」以布袋戏作品《豆花公剧场版拍断手骨颠倒勇》拿下奖项的他，从事现代剧场工作超过20年，而获奖作品是他第2部台语布袋戏剧本。 「最后我想要说，我是一个北港人，我从小在妈祖庙前、菜市场长大」这是叶志伟致词的最后一段，接下来要说的，则是关于他的成长、关于台语，更关于这个做现代剧场、编导传统戏曲、写影视剧本的叶志伟，此时此刻身在何处。
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特别企画 Feature2025╱2026 乐季最前线：国内篇
2025/2026 国内新乐季的节目已经展开，曲目丰富而多元，从经典巨作到惊喜首演，值得细细规划。今年的节目不仅有众多焦点场次，也隐藏著许多值得发掘的惊喜。每一位乐迷都能依循自己的偏好，打造属于自己的梦幻清单，把时间留给音乐最美的时刻。 本次企画中，我们特别邀请到李元贞、林伯杰、林采韵、连士尧、张皓闵（依姓名笔画顺序排列）这5位音乐相关工作者，与大家分享他们眼中的国内新乐季节目亮点，让读者参考他们的选择，一起探索这段音乐旅程；乐迷们也可以对照自己心中的清单，看看与推荐人所选曲目的异同，或许能从中发现新的惊喜与灵感。 编按：由于各乐团的不同属性及规划宣传等考量，部分节目未能在截稿前提供推荐，部分则尚未完整公布，本刊抢先公开，让读者得知第一手消息。
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特别企画 Feature 作曲家 李元贞用音乐生成图像、牵动记忆、打开世界
李元贞的私房推荐： ★ KSO的无界摇摆★ 冬制鼓师的声音家书★ 魏德曼与NSO《跨乐自由的边界》★ 先锋之声：从20世纪出发★ 卡特、梁仁模与TSO
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特别企画 Feature 资深音乐工作者 林伯杰强敌环伺，更要听见台湾乐团的声音
林伯杰的私房推荐： ★ 华格纳《女武神》★ NTSO 80周年团庆音乐会系列水蓝，陈毓襄与国台交★ 候任首席指挥里柏瑞契、盖哈特与TSO★ 从巴黎到好莱坞亚历山大．戴斯培与TSO★ KSO的无界摇摆
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特别企画 Feature 资深乐评人 林采韵挑战「大礼包」制作极限，聆听台湾破格新声
林采韵的私房推荐： ★ 殷巴尔、白建宇与TSO★ NTSO 水蓝与国台交威尔第《安魂曲》★ 台湾风情画2026 TCO 欧洲巡演行前音乐会★ 华格纳《女武神》★ 冬制鼓师的声音家书
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特别企画 Feature 古典乐网站「MUZIK AIR」副总编辑 连士尧跨界较劲、乐坛交响，听见音乐的多重风景
连士尧的私房推荐： ★ KSO的无界摇摆★ 殷巴尔、秦立巍与TSO★ 候任首席指挥里柏瑞契、盖哈特与TSO★ 水蓝，沃格勒与国台交★ 《几何幻梦双钢琴之夜》尤森兄弟与NSO
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特别企画 Feature 夜莺基金会讲师 张皓闵从马勒到萧斯塔可维奇，黄金组合的必听现场
张皓闵的私房推荐：★ 乐响启示录★ 殷巴尔、白建宇与TSO★ 吕绍嘉、维多利亚．穆洛娃与NSO★ 琴抒★ 殷巴尔、李映衡与TSO
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艺次元曼波 HEART to HEART毫无保留地去完成这件事：我们在金枝演社的日子（上）
1993年，由「二哥」王荣裕创立的剧团金枝演社，汲取「胡撇仔戏」的养分，发展出风格化的表演美学、台湾在地的语言能量与文化内容；同时，更是极少数培养专职演员的现代剧团。团内的资深演员李允中自2000年入团、施冬麟隔（2001）年入团，再加上稍晚入团的曾铧萱，至今都仍维持团员身分，甚至是人生迄今只加入过金枝演社。因此，我们将从他们开始接触现代剧场的那个时间点开始，细数李允中、施冬麟与曾铧萱3位资深团员在金枝演社的这些日子。
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艺次元曼波 HEART to HEART毫无保留地去完成这件事：我们在金枝演社的日子（下）
Q：3位的母语都是台语吗？在金枝学习台语、演出台语剧，对你们而言的意义又是什么？ 施：我们家以前会有3种语言，国语、四川话跟台语，但台语比例很低。在金枝发展到后来，我对台语的认同开始出现。 李：金枝一直很注重台湾本土发生的事情，所以我们的核心是都是从那些东西去发展的。因为在这个团，才发现原来台湾有这件事情，因为这出戏要做功课，才开始对台湾这块土地有愈来愈多认识。 现在二哥也开始鼓励我做一些自己的创作，我就会很明确表达自己的创作一定是全台语的没有为什么，这就是我的坚持。 我们这年纪的小孩都一样。家里父母都讲台语，但对我们都会说国语，因为他们认为台语就是没水准，希望小孩不要因为语言被歧视。像我以前真的被我同学伤到过，但他其实是无意的。因为本来会讲台语的人，讲国语的卷舌音就会发不好，然后有次我就有个音没有卷舌，同学就说我头发都自然卷，但讲话却不会卷，其实我是蛮受伤的，但我们是好朋友，那时候就笑一笑。 施：我自己后来到了近10年，开始意识到台语的意义。 以前在演戏的时候，我会把自己放在艺术本位，是为了艺术服务，但后来我发现戏剧不应该是纯艺术，因为戏剧要发声、要讲话，怎么去设定故事内容、背景，怎么去设定角色，其实都是一种「政治」。 后来觉得自己开始想要去认真著墨台语，有两个原因。 一、我觉得台语是个很「戏剧性」的语言，比我们现行的国语，有更多层次变化。 二、从国语里面找不到的那种力量跟活力，我在台语里面找到。后来会觉得，如果我把台语当成是个可以去深入的目标，我好像找到了一个「落点」以前是纯艺术，是悬挂在空中的，可是学习台语、认识台语，透过台语去认识台湾的事情的时候，我就可以稳稳地踩下来。 曾：我阿公、阿婆是客家人，妈妈是台语，可是他们不会跟小朋友讲台语。我现在仔细想想，其实我从小跟阿公、阿婆住一起，所以我小时候听到的客语比较多。可是他们在我国小时都过世了，所
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音乐 维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团相伴杜达美领军洛杉矶爱乐 10月献演斯特拉温斯基与马勒经典
在乐迷翘首期盼下，指挥巨星古斯塔沃．杜达美（Gustavo Dudamel）在今年秋天将率领暌违31年的洛杉矶爱乐（Los Angeles Philharmonic），携手欧美两大殿堂级合唱团维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团来台，重返国家音乐厅。规模超过250人的庞大阵容，将以两套曲目展开旅程，一晚属于斯特拉温斯基的火焰与节奏，一晚则是马勒的生命与永恒。这样的组合，世界仅此一场，而且是「台湾限定」。 斯特拉温斯基与洛杉矶爱乐的不解之缘 1935年，斯特拉温斯基首次与洛杉矶爱乐合作，演出后送给各声部首席一个吻与一朵红玫瑰。这份浪漫而深刻的举动，开启了他与乐团超过30年的情谊，后来更让他选择定居洛杉矶。 《春之祭》在洛杉矶爱乐的历史上占有特殊地位，乐团105年历史中演出已逾150次，既是乐团的传统，更是每任音乐总监的试金石。2003年，这首作品更成为华特．迪士尼音乐厅启用后的首张录音，象征著乐团与作曲家的深厚渊源。 《洛杉矶时报》评论杜达美对《春之祭》的诠释：「既能释放潜藏于我们体内不可抑制的毁灭能量，又能以精湛的音乐掌控力驾驭这股近乎超人的张力。」此次来台，他将以《春之祭》搭配色彩缤纷的《火鸟》组曲，带来火焰般的节奏与诗意。 曾于洛杉矶求学的钢琴家严俊杰直言：「第一场《火鸟》、《春之祭》很节奏型，乐曲等于洛杉矶爱乐的代表，为他们自己的庆典都是演这些曲子。此外第一场的第一首约翰・亚当斯（John Adams）的作品《狂热》短篇交响曲（Frenzy: a short symphony）也是非常重要，因为那是他为了洛杉矶爱乐去年才写的。」
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话题追踪 Follow-ups 小粒访RAY—关于百老汇的五四三（4）在观众眼底滚动式调整 全员戒备「试演」一个月
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
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话题追踪 Follow-ups 小粒访RAY—关于百老汇的五四三（3）商业票房决定作品存续 好莱坞明星也齐聚百老汇
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
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北京港制音乐剧《大状王》受肯定 映照出中国音乐剧发展困境
由香港西九文化区委托，香港话剧团创作、制作及演出的原创粤语音乐剧《大状王》7月11日至20日在北京天桥艺术中心演出11场，座无虚席，赞美之声漫天而来，甚至众口同声地认为这是华语音乐剧的天花板之作。《大状王》藉清朝判官的原型，讲述著现代人对人生的梦想与挑战，以及对于善恶的价值观。自2015年开始构思，2019年试演，经过多方修改，2022年正式公演之后又做了不少调整，2023年的版本演出之后，大获成功，短短数年间不但拿了超过20个舞台剧的奖项，也获得绝大多数观众的喜爱，甚至被誉为香港有史以来最好的音乐剧。 然而，一部由话剧演员演唱的音乐剧竟然会被认为是中国音乐剧发展了数十年之后的极致之作？这对目前繁荣的中国音乐剧市场与当红的音乐剧明星来说，情何以堪？ 在对《大状王》的一片赞扬声中，剧评人北小京倒是看到了一部分的真相：「香港话剧团所做的铁杵磨针般的努力，不过是严谨的专业精神，也是艺术工作者本应该具有的品质，被这样拿出来大加赞赏，只能更加说明我们的戏剧行业里有多少急功近利、被粗糙炮制的作品在占据舞台。」「急功近利」、「粗糙炮制」确实是目前中国音乐剧发展困境的症结所在。 如果问DeepSeek目前中国音乐剧发展的困境，它会从剧本、音乐、人才、产业生态与市场机制等方面系统性地展示中国目前的情况，然而，如果DeepSeek所根据的是目前中国音乐剧发展至今所有论述与批评文献的大数据，这种结论只能说明中国内地音乐剧圈的自省与自觉完全不著边际，因为我们看到的只是一个繁荣却并不健康的音乐剧市场的现象描述，问题的源头还是得回溯到根本的思维。 音乐剧是唯一一种能够完全由市场机制生存下来的表演艺术品类，所凭借的是它特殊的产出机制与商业模式，这在伦敦西区和百老汇被证明是有效的。然而在中国，中国特色的「国情不同」这个借口的背后扎实地站著做生意─投资，只关注短期收益的思维，当剧本缺乏戏剧逻辑、音乐与表演不匹配、导演调度不合理、演员忘词这些情况一再发生，日复一日，只能以明星效应和商业手段（如同时扮演著被操弄与反噬角色的粉丝经济）凌驾于专业，最终让人怀疑几度浪淘沙之后到底能留下多少值得再看的作品，当观众由期待转向失望甚至绝望后，市场的泡沫化也就可以预期了。 人才、资源（资金与设备完善的剧院）与市场规模都是中国发展音乐
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音乐 迎向团队40周年庆击乐剧场《泥巴》大幅改版上演 朱团为自己说声生日快乐！
为迎接明年朱宗庆打击乐团40周年的到来，乐团将于9月起推出击乐剧场《泥巴》全新版本。本作原为2019年、2021年推出的第2号击乐剧场，描述「瓷林」创办人林光清从苗栗芦竹湳乡间走向国际品牌的故事，在乐团40周年前夕的2025年，朱团再度重演《泥巴》，并以乐团4个世代的人脉，重新打造一个「彻底归零、再出发」的版本。 艺术总监朱宗庆表示：「2022年底的仓库火灾，把前一版所有布景、道具和部分乐器都烧光了，让我们这次一定得重新制作。再次检视的同时，发现《泥巴》其实不只是林光清先生的故事，也很像是乐团即将迈入40周年『再燃斗志』的心境。」