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音乐 朱宗庆打击乐团2025第二季音乐会「打击乐与他的好朋友们」 5种合作展现无限可能
当熟悉的朋友再度聚首，音乐就成了最自然的语言。今年5月与6月，朱宗庆打击乐团（下简称朱团）将推出第二季音乐会「打击乐与他的好朋友们」，由团员擅长的打击乐为主轴，邀请5组风格各异的音乐人携手演出。从皮亚佐拉探戈、爵士即兴，到当代创作与电子效果，在一次次合作中激荡出不同面向的声响。这一季的「好朋友们」，包括大提琴、笙、小号、电吉他与电子人声乐团，5种首次合作的音乐形式，看似迥异，却彼此呼应。
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抵达终点左转后来美美变成马达了
《苏州河》最近4K修复重映。短短79分钟的电影，真是百看不腻。第一次看的时候还小，看完茫茫的，一股忧愁暧昧的调调留在记忆里。最近这几次看，则是抱著有点想把娄烨的脑袋扒开来的企图。这年头，能愈来愈欣赏以前就喜欢的导演，不容易。 《苏州河》的旁白是典范，因为那是台词。现在我们常见的旁白，都是「主角的内心独白」。譬如很多偶像剧、韩剧会用这样的开场：我叫陈淑君，今年42岁，是一个失婚3次的女作家画面就会出现女作家在新书发表会的现场，讲述她最新的小说《结婚万岁》在我开始尝试写影视剧本的时候，也很容易会倾向用这种方式带出人物，因为方便又有效率：可以快速建立角色的声音、交代背景设定、得知角色现实的阻碍与内在的冲突。好用到看似在展示（to show），而非单纯告知讲述（to tell）但老实说，这还是用讲的。后来我意识到，这手法其实有点偷懒，也没什么美学可言，有些导演甚至用这种方式拿来挽救松散破碎的叙事。 娄烨是爱惜创作的导演。他不偷懒，不取巧，不迎合。因此《苏州河》的旁白就是拿著摄影机的人的台词。这下镜头晃不是因为单纯导演喜欢手持感，而是这位摄影师从他的视角在说故事。尽管从头到尾都没看到他的脸（除了一个剪影，以及从警察口中吐出来的名字）。用文学的语言，这就是第一人称视角。还胡言乱语。娄烨聪明的地方是建立一个「不可靠的第一人称」然后透过镜头语言在第一第三之间滑来滑去，神不知鬼不觉。 我们现在都很熟悉第一人称，每天都在社群媒体上我来我去的。但其实第一人称是很近代的东西，想想各种经典小说：《傲慢与偏见》、《安娜卡列尼娜》、契科夫或是中国的《红楼梦》都是第三人称视角。不过第三人称视角里还有很多层次，我个人觉得两种写法都不简单，写作就是难。有阵子网路上很喜欢写一种贴文：我梦见然后开始揭露一件不太好的事，可能涉及到他者的隐私，或是某些敏感的话题。但大家都会知道那是一真实发生的事。这就是最初阶的不可靠第一人称，大家其实都很擅长。 文学上这方面的翘楚，就是芥川龙之介，近代我喜欢石黑一雄的《群山淡影》、《长日将尽》及朱利安．巴恩斯的《回忆的余烬》。这几年我非常著迷开发各种媒介上不可靠第一人称的可行性。日常生活中我不是一
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聚光灯下 In the Spotlight 编剧蔡逸璇 与歌仔戏在彼此的世界实现自我
第一次认识「蔡逸璇」这个名字，是疫情期间少数顺利登场的《赵氏孤女》读剧演出。 向来以演员为主、剧本为辅的歌仔戏，竟然会有「读剧」，本身就是件神奇的事。文本将传统故事《赵氏孤儿》改了设定，主角由男转女又女扮男装，一方面挑战了古典叙事建构于父系伦理的个人身分与社会价值，另一方面也对应歌仔戏多由女性出演男性角色的表演体系，戏里戏外都让人眼睛为之一亮，既松动歌仔戏行之有年的「规矩」，却又好似向其致敬。 要说是蔡逸璇是有意识地选择「革新」歌仔戏，不如说是歌仔戏自己找上蔡逸璇。
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特别企画 Feature 聚焦．凝视．聂光炎在剧场里生活，学习
我只是一个在剧场里作设计的，可以说是终日躲在大世界的小角落里，闷声不响讨生活的人。工作是在「幕后」，是在「光影的暗处」，所以凡是有人让我站出来，「现身」说几句话，我就会窘，很不自在，说不出个什么多大的道理来；何况，我一向认为，设计本身就是一种语言，作为一个设计者，该说的，能说的，会说的，应该是在自己的设计里头，在别的地方说话，总是差了一截。 是的，偶而我也到外面「教教书」，上上课，可是那纯粹是业余的「活儿」。实比不上学者专家们，他们能够滔滔不绝，高声唱出成本大套的理论。我不行，不会。我所能提供的，无非是一些工作上的经验，学习过程中的一点小心得，说不上「学问」。如果说，对朋友们还有点意义的，也只是我坦白道出，自己所犯过的毛病，所弄砸过的事情。真要说什么深奥的技法，绝招儿，我是没有的。自来我就喜欢简单，朴素，爱那些根本的，搞最最基本的东西。
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特别企画 Feature 聚焦．凝视．聂光炎聂光炎和他的剧场时代大事纪
1933年 出生于上海。 1949年 随部队来台。 1953年 进入政工干校（现国防大学），开始学习舞台美术。 1956年 与孙盛兰女士结婚。 1957年 国立台湾艺术馆成立（现南海剧场）。 1960年 李曼瑰成立「三一戏剧艺术研究社」，倡议小剧场运动。 1960-1971年 服务于军中剧队，从事舞台灯光、服装设计、演员及领队等工作。 1961年 「中国话剧欣赏演出委员会」成立，由党政军及文艺界人士组成，官方开始扶助话剧演出相关活动。 1967年 为抗衡对岸文化大革命，「中华文化复兴运动委员会」成立（现文化总会）。同年世界剧展与青年剧展首届办理。 1963-1964年 获选美国东西文化中心技术交换计划，赴夏威夷州立大学戏剧系进修剧场设计及技术，并担任夏威夷交响乐团与夏威夷大学戏剧系多出歌剧和戏剧演出设计。 1965年 至中国文化学院（现文化大学）戏剧系任教。 1966年 获颁教育部最佳舞台设计金鼎奖、考试院影剧人员特种考试及格。 1967年 为淡江文理学院（现淡江大学）、中国文化学院戏剧系与舞蹈音乐专修科、中国话剧欣赏演出委员会、黄忠良舞团担任多项设计。 1968年 加入美国剧场技术学会（USITT）。于世界新闻专科学校（现世新大学）兼课讲授舞台设计。 1969年 喜获麟儿聂先闻。获中国文艺协会戏剧舞台艺术奖章。 1970年 基督教艺术团契成立。 1970年 担任基督教艺术团契《第五墙》、蔡瑞月舞蹈社《罗密欧与
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特别企画 Feature 聂光炎舞台灯光设计线上展 01一场从无到有的创意旅程《阎罗梦》
2022年，在前国立艺术学院戏剧系教授汪其楣长达3年的劝说下，聂光炎将自己保存多年的舞台╱灯光设计手稿、照片与文稿，捐赠给台湾大学图书馆，我则有幸参与协助整理这批宝贵的技术剧场史料。这批资料涵盖了聂老师从1957年到2006年、长达半个世纪的设计生涯，总计165部作品，同时也见证了台湾技术剧场从萌芽到蓬勃发展的过程。 舞台与灯光设计是一门讲究艺术与创意的学问，在整理聂老师手稿时发现：「Design by Drawing」透过绘图来思考设计，是他独树一帜的剧场设计工作方式。以下透过聂光炎担任舞台灯光设计的作品国光剧团《阎罗梦》（2002）的首演工作资料与照片，为大家说明他如何以视觉转化为实体工作。
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特别企画 Feature 聂光炎舞台灯光设计线上展 02一生二、二生三、三到无限的《八月雪》
2022年，在前国立艺术学院戏剧系教授汪其楣长达3年的劝说下，聂光炎将自己保存多年的舞台╱灯光设计手稿、照片与文稿，捐赠给台湾大学图书馆，我则有幸参与协助整理这批宝贵的技术剧场史料。这批资料涵盖了聂老师从1957年到2006年、长达半个世纪的设计生涯，总计165部作品，同时也见证了台湾技术剧场从萌芽到蓬勃发展的过程。 舞台与灯光设计是一门讲究艺术与创意的学问，在整理聂老师手稿时发现：「Design by Drawing」透过绘图来思考设计，是他独树一帜的剧场设计工作方式。以下透过聂光炎担任舞台灯光设计的作品《八月雪》（2002）的首演工作资料与照片，为大家说明他如何以视觉转化为实体工作。
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书信体那天回老「家」
YC， 前阵子陪妈妈回她的老家，广东普宁市，这次阵容浩浩荡荡，我们4兄弟姐妹一起作伴，再加上侄儿侄女外甥外甥女等，一行人三代10来位从不同地点搭机过去，在揭阳机场集合，再到酒店稍息。妈妈生于二战刚结束，年过八旬，这几年常忆起往事，怎么搭船过来、历经多少辛苦，翻来覆去地重述，每逢细节处，有时补遗、有时删漏。记得妈妈有次说，离开老家后就从来没有回来过，我暗自疑惑，妹妹从旁补述，2006年来过一趟，那时是她陪妈妈，还有阿姨们，一起回来看大姐。我们找出了影像来确认，几个姐妹从路的两段向彼此走来，一抱，二话不说就哭了起来，依稀辨识出喃喃话语：「我认得我认得我认得」轻轻的一句话，喟叹了近半世纪的万语千言。 妈妈说她排行老二，10来岁就跟爸爸离开，带著几个妹妹和弟弟搭船到南洋。我问妈妈为什么大姐没有跟，妈说，家里穷，大姐很早去当别人家的童养媳，不能走。我想，妈妈的故事，也是她那一代人的故事。战后资源极度匮乏，又适逢国共内战，没能力的将子女过继给稍有能力的家庭，能离开的想办法离开。那时候东南亚成了大部分人投奔的远方。或许，眼下过于艰难而无法眺望，寄语未知的他方能赎回运命。2006年是他们50年后的重逢，今年又隔了近20年，大姐走了，现在是大姐的儿子来接待我们，年纪比我们稍大一些，潮州话听著听著，只能懂一半猜一半，然后夹带华语和潮州话聊天。 旅途中，妈妈提到从小就得牧牛犁田，后来长辈见到，要她去读书。当年读小学时，必须走一个小时才到学校，放学了再走路回家，如此来回两个小时。我暗自比拟，走路一个小时，放到今时，就是走步道的休闲。然后妈妈话锋一转，说学校每逢有什么才艺表演，她都自告奋勇，表现出色，妈下了个结论，大哥遗传到爸爸，所以做生意，我遗传到她，所以走向了艺术。就这样，向来飘移在家族圈外的我，被话语中安抚到家族史里，让生命的去路有了解释。 隔天一早我们在表兄带路下来到了胡厝乡泗竹埔村，妈妈的老家地方。地处偏远，建筑多钢筋混泥土结构楼房。妈妈因年事高脚力不继，侄儿准备了轻便轮椅让她坐著，我们轮流推。因为老家荒废时久，经过时蔓草丛生，门联写著「兰朋」、「竹友」，表兄打开门，几近空无的室内一目了然，表兄说他们也很久没有回来，房
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戏剧 从印度电影到台湾舞台音乐剧《三个傻瓜》 亚洲风与台味打造在地共感
在台湾成长的你我，相信对以分数论英雄的教育体制都有所感触，而多数人对这部2010年台湾上映的印度电影《三个傻瓜》应该也不陌生。在果陀剧场历时多年的努力下，成为这部改变人生的宝莱坞喜剧神作的首个海外IP授权团队。果陀的搬演跨越时空、加入亚洲多元文化风格，以我们熟悉的本土语言，打造成活泼轻快的音乐剧，将由导演梁志民带领实力坚强的演员与制作团队，从5月起至6月于北、中、南巡演。这是一部必须重温的感动故事，唯有选择心之所向，才能成为自己喜欢的样子。 改编的精髓，是融会贯通后的诠释 对梁志民来说，不管是从文本选择的角度、或是喜剧编写成音乐剧，原著必定要具备某些必备要素。首要条件，人物角色须存在著音乐性，也就关系到改编后「这些角色怎么唱、用什么唱、为什么唱。」等重点，进而赋予角色本身存在某种节奏及韵律感。再者，剧本的戏剧性、转折设定等都是考虑的重点，而取用素材、各种场面及音乐调度，透过导演在脑海里的反复推敲、反复修整，过程点点滴滴的淬炼，塑造出融会贯通后的诠释，也成就出独具匠心的果陀风格。 这次，时空背景不特意设定城市地点、也不复制电影场景。「但一看都会知道这发生在亚洲的某一个地方，所以戏里的语言出现普通话、闽南语、英文，有一点点像新加坡、或是槟城这样的一个城市，华人很多然后以说华语、英语为主的地方，但文化背景很多元」梁志民补充。考量本土性及在地情感连结的共鸣，原本贯穿电影的原本台词「All is well」，在梁志民反复思索后决定改以「Be water, my friend」（放轻松一点，像水一样）取代：「事实上，这句话来自于李小龙，也就是说，水可以有各种不同的形式，它可以非常柔软，也可以穿透坚石。我希望将这种东方式的哲学，融合印度的乐观思考，使这些特质能够充分发挥于我们所塑造的舞台。」
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新加坡「前进」儿童艺术节 为每个成长的孩子提供艺术滋养
今年，滨海艺术中心向来在3月份举办年度儿童艺术节「前进」（March On），已迈入第5届了。新加坡每年3月都有一周的学校假期，放假的孩童便有机会和父母共同观赏演出，而今年的「前进」为期3周，比往年更长，一共有5场付费演出，以及一系列的免费艺术活动如工作坊、装置艺术等。 「前进」艺术节专为12岁以下的孩子打造艺术体验，而孩子们都是与父母一起前来参与艺术节，所以「前进」也相当注重适合亲子共赏的活动与演出。如今年邀请的英国Punchdrunk Entertainment《消失的图书馆》（The Lost Lending Library），和澳洲Polyglot Theatre的《BB车一族》，都是适合亲子共同参与的参与式剧场。
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戏曲 《镖客》之后，睽违两年推出武侠续集台湾豫剧团《锦衣》 再写「复仇」新篇章
台湾豫剧团于2023年推出70周年团庆大戏《镖客》，借用镖局广纳与聚集各方人才的形象，既暗喻又明示了台湾豫剧团这70年来的景况，以及剧团、豫剧本身的豪爽气质；同时，也在庆祝创团70周年的欢快里，开启了编剧刘建帼建构的「武侠世界」。在《镖客》剧末，采取了戏曲、乃至于现代剧场少见的「预告片」形式，提示了剧中人物骆成有即将开展的新情节，于是《镖客》的故事结束，但这个武侠世界并未落幕。 只是，距离预告将近两年后的2025年，台湾豫剧团才终于推出了《锦衣》，作为这个系列的续集。
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艺@展览如黑潮海纳艺术的存在与流变
我们多少都看过赖纯纯的公共艺术，她的作品遍及台湾各处，包括机场、台北和高雄捷运站、国道服务区、医院、银行、学校等，流动性的造形和鲜丽的色彩为其标志，无论基材是压克力玻璃或是金属，色彩就像舞动的精灵，在她的注视下一一落了地，化为千姿百态的形体。早在1970年代学习期间，受到指导老师廖继春启发，赖纯纯便已领略到以色彩作为表现主体的可能，以此建构出想像空间。 现于台北市立美术馆举办的「黑潮：赖纯纯回顾展」，由张晴文担纲策展，梳理这位台湾当代艺术先锋近半世纪来的阶段性代表作，从大学毕业制作的油画《阳明黄昏》（1975），到1980年代以抽象为表现形式，从画布延伸至雕塑，再扩及空间装置的创作，1990年代悠游于东西方媒材、自然物与工业材料之间的变化与创造，赋予物件存在的意义。尽管每个阶段性风格有所差异，惟色彩和空间的探索始终是她艺术思考的核心。
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说戏戏曲「排场」——汪精卫为什么是武生
国光剧团新戏《精卫》，演《山海经》神话精卫鸟想像的汪精卫，我不想利用专栏做宣传，只想藉这戏解释何谓戏曲的「排场」，这个学术名词莫测高深，我想藉戏说明，由「汪精卫为何是武生」的提问开始。 汪精卫本是文人，为什么由武生李家德饰演？ 先要说这戏的源起。去（2024）年国光公演隔天，董阳孜老师兴奋来电：「李家德这么好的京剧武功，怎能只藏在京剧圈，一定要走出去。」当下催促吴素君老师，让家德和现代舞著名编舞家赖翃中见面。我一向对跨界没太大兴趣，我迷恋京昆，私心觉得跨界是爱情不专一，但今年「台湾戏曲艺术节」的主题却直指跨界，我正在发愁，董老师的电话，像是天赐良方。 董吴两位效率超高，才两天就让家德、翃中见了面，随即回过头来问我编什么题材。 我还没回过神来，随口抛出经典《霸王别姬》。 但当晚回家，竟一阵阵脸红，我怎把跨界看得如此「便宜」？怎把现成的经典端出去跨界？我该选一个行为动机纠结难解的人物，才需要在京剧圆满自足的表演体系之外，另加一套表演语汇。 就在此时，看到杨治宜新书《汪精卫与中国的黑暗时代：诗歌．历史．记忆》，当下决定：就演他。 李家德就这样变成了汪精卫。 平常编剧，除了构想情节之外，一定会同步思考表演设计，以唱为主还是做表为主？而这次是跨界，现代舞我大外行，一阵阵心虚笔怯。汪精卫复杂的内心，如果是老生或小生，一定用大段唱，「一轮明月」、「叹五更」、「听谯楼」都是京剧常用的，陈宫、伍子胥、王佐都是这样唱出思虑转折，而我们的汪精卫是武生，怎么设计呢？ 突然想到传统戏《昭君出塞》，当下豁然开朗，原来传统早有先例。 一般若想把「昭君出塞」编成戏，首先会想到什么场面？大部分都会说眼前出现怀抱琵琶一路哭泣唱到北番的昭君形象，剧本也会写大段抒情唱词。而京昆舞台上的《昭君出塞》却大异其趣，昭君头戴翎子、手持马鞭、身披斗篷，与马童、御弟王龙，3人搭配，一边唱曲牌一边舞之蹈之，马童和王龙要做出铁门槛、矮子步、倒立走等高难度动作，昭君也要鹞子翻身、卧鱼，真个唱死昭君，累死王龙，翻死马童。马童由武丑或武生饰演，王龙是丑角，昭君不仅是正工青衣的戏，刀马旦武旦也常跨足，因为舞姿武技难度太高了。我一直想问，汉元帝为何如此「折磨」昭君，给
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焦点人物 演员、歌手杨大正 再一次，献出真心地唱著
一个艺术家的底气是不是从奖项挣来的？接连拿过金曲奖、金钟奖，杨大正的歌手╱演员双栖生活，在近年来逐步被更多人认识。不过，早在更之前他就站稳了自己的步伐。「奖项的重要，因为那真的是对认真做艺术的人很大的鼓励，无论音乐或者戏剧上的都是。」杨大正说，即便如此，他更明白即便没有奖项的肯定，一个人投注的时间，「也会让你在那个领域当中，磨练出创作者的底气。」
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舞蹈 虚拟实境新品种！《自由游戏》双轨叙事 台上台下各自精采
征战全球大小影展，获奖无数的狠剧场，去（2024）年上半年才带著作品《穿越雾中》拿下法国新影像艺术节（Newimages Festival）最大奖，下半年又获日内瓦国际影展（Geneva International Film Festival）邀演《放开你的头脑》。当产业众人正惊叹于产量的丰沛与多样化时，今年5月，周东彦与狠剧场团队、老班底创作成员又即将于台中国家歌剧院发表新作《自由游戏XR身体音乐计划》。 同样是带有群众参与企图的作品，《自由游戏》让部分观众成为台上奇景的一环，在XR多样化的指令给予下，与专业舞者及声音影像团队，共同为台下观看者谱写一出当下性强烈、每一场次皆难以复制的演出，在狠剧场迈入第12个年头的时刻，开启剧场阅读与科技对话的新座标。 周东彦不想定义《自由游戏》，虽创作脉络与《放开你的头脑》一脉相承：由群众观赏VR影片自然而然形成的排舞游戏延伸而来，在新制作上，则更关注群体在空间里的合作关系，以及全知未知带来的资讯落差趣味。但就观演关系、体验设计与媒材规划上，《自由游戏》的复杂与精致度都足以被视为单一独立作品看待。 硬要归类为XR反而稍显局促，或许更近似于虚拟实境与剧场的混血产物，带著VR领域幻境与真实模糊边界的特色，又具备剧场手工质感以及观看／被观看的展演性格，而领衔创作的周东彦与狠剧场团队则像是是新科技媒体领域的好奇博士生，研究著媒材的极限与多样性，不断向前推进，一层层地探讨在这样高门槛演出底下，自由所能开展的社会镜像能够走到何方。
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特别企画 Feature凝视聂光炎──穿越，集体狂飙的剧场岁月
2024年底，一场特别的手稿资料展在台湾大学图书馆举行。这些绵延于半世纪间完成的手稿，来自一名年逾90岁的台湾剧场设计家聂光炎。在曾经的合作伙伴、也是挚友汪其楣长达3年的游说后，聂光炎终于同意将他累计共19个纸箱、73大袋文件，1大箱图卷、4篮模型及画框等数量庞大的设计资料捐赠典藏于台大图书馆，供后来者回顾、汲取、研究。 台大图书馆的资料展告一段落，另一场规模盛大的「凝视舞台聂光炎和我们的剧场时代」特展接力登场。由国立台北艺术大学戏剧学院和台湾技术剧场协会共同举办、将在2025年4月8日于关渡美术馆开展的「凝视舞台」，以这批手稿资料为基础，展开台湾当代剧场的历史轴线，沿著聂光炎的足迹与手痕，呈现这位剧场先驱者的影响与创作，如何从身旁的合作者、设计学生，涟漪般扩散、形塑了台湾表演艺术与剧场设计的当代样貌。 因应这个深具历史意义的剧场特展，PAR编辑部推出了特别企画「凝视聂光炎穿越，集体狂飙的剧场岁月」，除了线上呈现聂光炎其人其作、剖析其美学风格与创作的时代意义外，也邀集曾与聂光炎一同走过剧场黄金岁月的人们，聚首重述「聂光炎和我们的剧场时代」，偕同读者寻溯台湾当代技术剧场的契机与流变。 （专题企划 PAR编辑部＆邹欣宁）
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特别企画 Feature 他们眼中的聂光炎聚首，回望，穿越──专访王世信、王孟超、刘培能与他们的剧场时代
2024年深秋，几位中年男子齐聚一方斗室，为了将在隔年举行的一场展览共叙前尘往事。展览的主角是众人师长，今年92岁的剧场设计大师聂光炎。40年前，刚成为剧场菜鸟的他们与正值创作高峰期的聂光炎相遇，师从他学习舞台设计，又在剧场中和他共事，不只亲历聂光炎迈入熟成期、驭繁为简的剧场技艺，更一同度过解严前后、集体狂飙的台湾艺文盛世。近半个世纪过去，他们终于说服淡出剧场工作逾20年的老师，为他举行一场深具意义的展览不只为了回顾聂光炎漫长的创作生涯，也是一次当代台湾剧场设计的历史溯游。这场穿越的旅程，就从人人各表「我眼中的聂光炎」开始
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特别企画 Feature 他们眼中的聂光炎林怀民：我从没看过一个人讲剧场，像他那样让人兴奋
采访 古碧玲、刘培能、杨淑雯 「聂光炎老师是，台湾现代剧场的奠基者。自夏威夷大学学成回来后，他带回整套的现代剧场用作品、用讲学、用身教，让台湾有了现代剧场的观念和规矩⋯⋯这些规矩逐步、慢慢地建立，并且是在一个非常困难的时代。」 开门见山，林怀民对聂光炎之于台湾现代剧场的重要性做出如是评价。 把大稻埕街景搬进剧场的《廖添丁》 1979年，云门舞集迎回了一度暂别舞团和台湾、前往美国进修的艺术总监林怀民，也迎来了一支编舞家构思4年的舞作：以台湾义贼为现代舞剧主角的《廖添丁》。「我们一个年轻的团队，就做了一个很大的戏。」林怀民笑道。岂不大呢？作曲家马水龙编制一首由5个乐章构成的交响诗，曲风有悲壮、有反抗；早前多次合作的舞台设计家聂光炎为这支5幕舞剧设计了3个空间：日本人住宅、庙前广场及淡水河畔；除了实体布景，也有画布绘制而成的场景。当时一篇报导提到：「为了设计这些景，聂光炎在国父纪念馆模型上，工作了几个月。」（注） 「我觉得最伟大的事情是，我们请聂老师画了大稻埕霞海城隍庙对面的街景，那是廖添丁曾经活动过的地方。看到台湾的一个景色、台北市的一个景色那样庞大地出现在国父纪念馆里面，我自己有种感动。后来这个演出带到中南部，在体育馆演出，观众看完就热烈地来拥抱我，我一辈子记得这事情。」 不只林怀民对舞台上昂然的台湾景致和观众反应感动，另一个坐在台下的年轻创作者也被舞蹈这么高蹈的艺术形式，竟能如此贴近观众经验而震动。那是日后以「通俗是一种功力」著称的吴念真，云门的《廖添丁》让他拆掉了「艺术」与「常民」之间的藩篱。 这个标记了云门舞集与聂光炎合作里程碑的作品，历经多次巡演后，布景道具存放在一个地下室仓库中，某年一场台风大水淹没仓库，从此，《廖添丁》只能成为历史档案中的一笔。
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特别企画 Feature 他们眼中的聂光炎赖声川：在进退之间自由互动，一如爵士灵魂的相遇
采访 古碧玲、刘培能 访谈开始，赖声川导演一下子仿佛陷入时光隧道的回忆中许久，然后突然苏醒。他娓娓说著：「刚开始做剧场的时刻十分珍贵，因为一开始的选择会影响后续所有的发展。」 当时台湾剧场界缺乏编剧、导演、专业演员，但他记得70年代大学时期曾看过剧场开拓者张晓风与基督教艺术团契的《严子与妻》。当时虽然完全没接触过剧场，却能深刻地感受到舞台设计的专业性，及灯光的巧妙运用。他心想：「台湾居然有如此专业的舞台设计和灯光设计，实在太了不起了！」当然，他对男主角金士杰也印象深刻。
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特别企画 Feature 他们眼中的聂光炎金士杰：「原来当年是聂老师给的光啊！」
采访 白斐岚、邹欣宁、刘培能 「不是和你们客套，这个话题我能参与的空间不大」，甫坐定的金士杰首先说了这句话，担心自己和聂光炎没太多交集可以分享。 相较其他剧场设计与技术背景的受访者，跟著聂光炎一个个制作跑，金士杰唯一以主创者身分和聂光炎共事的制作，是兰陵剧坊陷入寂静前最后一个作品《萤火》；其他时候，金士杰大都以演员身分站在聂光炎设计的舞台上，以一身技艺回应角色所处的空间。即便如此，当年刚踏进剧场圈，在张晓风、黄以功创办的「基督教艺术团契」从龙套演到配角、再到主角的金士杰，依然记得与聂光炎初相遇的往事。