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约有 22,117 项结果
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四界看表演 Stage Viewer崩解，最真切的时代隐喻？
在毁灭冲动与渴望和谐之间摇摆的当下人类处境，被压缩在6具身体不断的推挤、跌落、托举、支撑与重组之间。阿拉伯血统基督徒、身分多重的以色列编舞家阿迪．布特罗斯（Adi Boutrous），第4部在巴黎首演的新作《坠落的本质》（Nature of a Fall）（编按）不追求优雅、不迷恋叙事，而是书写一则重生的寓言。从身分与地缘现实出发，将权力、伦理与共存的问题推向近乎形而上的反思，却又以极度具象、沉重的肉身把观众拉回到彼此伤害又依赖的现实关系当中，让人不断以感知预演坠落，逼问危机时代中的我们自身。
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路边的日本人当春天的色彩从樱花的粉色变成木棉的橘色……
抵达台北当天，我前去拜访我的新老板音乐制作人Rio（李寿全）老师。当我无意间从10楼办公室的窗户往下看时，不禁屏住了呼吸，街道两旁的树木开满了一种在日本从未见过、如火焰般鲜艳的橘色花朵，当我得知它叫「木棉花」的瞬间，原本笼罩在心头如雾霾般的不安似乎一下子就散开了，这片陌生土地上的鲜艳色彩，仿佛在背后轻轻推了推并对我说：「没问题的，从现在开始，你一定能弹奏出崭新的大调和弦的！」
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首尔没有歌唱的音乐剧？ 公演市场的分类争议与灰色地带
由李安电影《少年Pi的奇幻漂流》改编，横扫美国东尼奖与英国奥利维耶奖的同名舞台剧，最近已于韩国登台，并因演员朴正民（Jeong-Min Park）担纲主要角色而备受关注。然而在话题发烧、票房开出佳绩的同时，也引发了类型定义上的高度争议。该剧在世界各地皆以舞台剧之名上演，唯独在韩国售票时被归类于音乐剧范畴，但全剧并没有任何主题歌曲贯串，韩国制作方因而被质疑有刻意包装、不实宣传及欺骗大众之嫌。 面对质疑声浪，根据制作公司 SCo 的公开说明，观众实际感受到的音乐剧特性较强，因而定义为音乐剧；且该剧作融合偶戏表演、影像、灯光与音响效果，算是一种综合型表演，难以用舞台剧或音乐剧等单一框架界定，并为此剧创建了一个新的类型定义：「Live on Stage」。
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音乐 打破观演边界的感官实验《众人协奏曲》 让步伐化为声响的共创仪式
走入剧场，没有制式的观众席，也没有正襟危坐的乐团。取而代之的，是一片由63格声响方块构筑而成的巨大网格。在这里，《众人协奏曲》打破了聆听与演奏的二元对立，观众不再是被动的接收者，而是这场大型互动声响装置与参与式作曲剧场中的触发者与共创者。 这部酝酿逾5年的跨界巨作，由旅美作曲家张玹与装置暨空间设计马圆媛携手打造，并集结编舞家刘奕伶、笙演奏家李俐锦，以及国际顶尖的比利时强音当代古典乐团（Ictus Ensemble）与斯图加特人声团（Neue Vocalsolisten Stuttgart）共同演出。透过科技与艺术的精密交织，他们向大众递出一份邀请函，用你的脚步，共同编织一幅不断变形、流动的声响地图。 空间化作巨大乐器 从「学步车」寻觅自我的原初叩问 任何前卫的艺术形式，往往源自创作者最私密的生命探问。张玹将这部作品的源头，追溯至童年最初的记忆。那是他推著木头学步车，随著步伐敲出「叮、咚、当」的声响。这份将行走与触发声音紧密相连的原初体验，促使他跨越艺术边界，去探寻「我们从何而来、我们是谁」的哲学命题。 张玹一语道破了这部作品的核心命题：「基本概念就是把一个空间变成一个超大的乐器，一般观众走在里面会根据个体跟集体的行为让这个声音产生变化。」 在这个被放大到占据整座剧院的学步车空间里，乐谱被模糊化、没有发号施令的指挥，更没有固定的视角中心。每一位走入其中的观众，其步伐与停顿，都是独一无二的随机音符。
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四界看表演 Stage Viewer深入虚实边界，发现童话本质
从重探经典到徘徊在现实与虚拟之间的当代童话，法国剧场大师乔埃．波默拉（Jol Pommerat）持续探索既矛盾又复杂的成长旅程。其最新力作《现代小女孩（暂定标题）》（Les petites filles modernes [titre provisoire]）透过匠心独具的叙事手法，以及奇幻迷离的舞台效果，成功带领观众进入一场虚实交错的梦境。这部作品不仅证明这位「作者╱导演」（Auteur-metteur en scne）说故事出神入化的功力，更展现出他登峰造极的艺术成就。
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东京下北泽国际偶戏节 为日本偶戏打开「人人可创作」的可能
甫于2月17日至23日举办的第2届下北泽国际偶戏节（下北沢国际人形剧祭，Shimokitazawa International Puppet Festival），以「技术与魔法，全新的偶戏」为口号，邀请8组付费演出、2组免费演出共襄盛举，同时来自台湾的飞人集社剧团也参与其中的子节目「第四届国际偶戏Slam」（International Puppet Slam），与其他13组艺术家同台亮相。 下北泽偶戏节的构想，来自对日本偶戏历史与现况之间落差的深刻观察。艺术总监山口遥子在欧洲研究偶戏时得知，日本其实拥有世界上最古老的偶戏理论，在近松左卫门的《难波土产》中一个章节，将偶定义「介于真实与虚假间的存在」，这样的思想在世界偶戏史中占有重要地位。而文乐作为日本代表性的传统艺术形式，也长期被视为高度成熟的偶戏表演形式。此外，长野的「饭田偶戏节」每年更聚集超过400个团体，从规模来看，日本的偶戏文化可说相当兴盛。
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人间父子笑还是哭？也许两者差异不大
真：这次农历年，我们想说去峇里岛晒晒日光度个假，结果 谦：6天有3天都在下雨。 真：然后看台湾的朋友们发的照片，台湾阳光普照，不知道我们跑来峇里岛干嘛，雨下到没地方去，所以我甚至去百货公司买了一双鞋子。愈想愈好笑，我干嘛大老远跑来峇里岛买鞋子啊？最近好像常常发生这种事情，当下发生的时候很荒谬，可是想著想著就忍不住笑出来。 谦：前阵子也是啊。我有个案子跟公路旅行有关，就问你有没有写过公路电影，聊著聊著不知怎么地、就提到一个早年的连续剧，叫作 真：《西螺七剑》，那是1970年代的戏，主题曲我都还记得，可是更记得的是我们小时候唱那个歌，都会乱改歌词，明明是「唐山过海台湾来／收门徒传武艺」，我们会唱成：「唐山过海台湾来／无穿无衣也无裤」以前小孩子乱唱还会把大人打，可是现在记得一清二楚。 谦：很奇怪，我当时明明就是问了你一个很正经的问题，不知道怎么可以聊成这样？ 真：我唱著唱著，歌词就愈来愈离谱。 谦：妈妈在旁边听到笑得流眼泪，笑到我儿子在旁边一直问我们在笑什么，这好难解释喔？ 真：对啊，后来聊起这件事情，她就说：「我们多久没有这样了，笑到流眼泪？」仔细想想的确是，愈大好像愈难得。 谦：我认为，难得的理由之一在于「情境」的不易。像是我们这种做创作的，如果要去看一出喜剧，就好像是有人事先预告你待会儿准备要笑，偏偏一有准备，就很难放松。但是生活的荒谬性很难复制，所以无法预料，笑的开关却相对容易被打开。 当下荒唐，事后笑到目屎流 真：的确是这样啊。常有人说我是最会说故事的欧吉桑，所以看到我动不动就要我说一个故
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焦点专题 Focus放下炫技，实践生命——日本当代马戏探勘
这是一场从都市喧嚣走向土地静谧，从外在追寻到内在索求的马戏探勘。 欧洲马戏与户外艺术联盟（Circostrada）所策画的「全球跨越」（Global Crossing）交流行程，去年（2025）12月带著一群马戏策展人抵达日本，旅程始于港口文化交会、充满实验色彩的横滨，进入高度饱和、人声鼎沸的繁华东京；随后穿越传统脉动鲜明的京都与大阪，最终抵达海风与职人工艺共生的濑户内。随著地理上的迁移，策展人们也经验一段将「炫技奇观」转化为「生命实践」的身体溯源之旅。 有别于主流马戏美学，在日本，艺术家正经历一场「去技术化」的自我验证：目黑阳介在老去身体中寻求杂耍的生命实践；山村佑理与渡边尚则分别透过「地景杂耍」与「非人类美学」，重新定义人与物件、重力的关系。女性艺术家如安本亚佐美与野濑山瑞希，更以高空与大环进行「阴性书写」，将社会框架转化为抗衡重力的意志。 这股浪潮背后的灵魂人物「濑户内马戏工厂」创办人田中未知子，致力于将马戏推向「风土」。她让艺术家与石材、木工职人共创，证明马戏不只是西方的回声，而是扎根于土地的文化探寻。 从极致个人的「原子化」到与地景融合的「地域性」，日本当代马戏正以低限而诗意的姿态，重塑我们对马戏与身体边界的想像。
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焦点专题 Focus原子化、去技术、扎根风土
日本当代马戏正走出一条与西方主流马戏截然不同的路线。在这里，看不到追求奇观效果的声光舞台，也没有惊心动魄的炫技展演。相反地，日本当代马戏的创作者呈现出一种极端「原子化」的状态，他们舍弃了规模宏大的叙事以及高超技巧的钻研，转而以个人为核心，在专注且微小的实验中，进行一场关于身体、物件与存在的深度对话。 这样的发展并非源于技术的匮乏。事实上，日本拥有全世界最深厚的杂耍与街头表演根基。以著名的「静冈大道艺」为首，遍布全国的街头艺人节庆早已培养出一批在技术上足以挑战世界顶尖水平的技艺者。这些艺术家在竞技场上追求的是极致的稳定度、抛接数量的极限以及大众娱乐的瞬间爆发力。然而，当这群创作者试图回归艺术本体，脱离那套为了取悦观众而设定的「竞技框架」时，日本马戏展现出一种向内探求的发展现状。 去年（2025）12月，在欧洲马戏与户外艺术联盟（Circostrada）所策画的「全球跨越」（Global Crossing）交流行程中，一群来自全球的马戏策展人从横滨、京都、大阪，一路到濑户内，看到的不是追求高难度、高抛接数量的技巧竞赛，而是一种向内探求的身体哲学。日本艺术家们仿佛在进行一场「去技术化」的革新，他们刻意压抑了马戏技巧中常见的炫技成分，将其转化为一种高度美学化的内在语言。这种转变让马戏不再只是感官的刺激，而更接近一种「身体的私小说」，缓慢、精准且带著诗意的疏离感，甚至带有一种自我解构的批判性。 目黑阳介：当杂耍成为一场生命实践 被视为日本当代杂耍与马戏界领军人物的目黑阳介（Yosuke Meguro），向来以低限的静谧感著称。他在 2022 年发表的作品《Life Work》，便从一个极为核心的问题出发：「如果身体正在老去，杂耍还能怎么做？」他坦言，年龄的转换，迫使他正面思考恐惧：体力衰退、身体极限，以及杂耍是否仍只能建立在「高强度输出」之上？他开始构思一件即使年纪增长也能持续演出的作品动作更少、抛接更少、不再依赖爆发性的体能，而是让杂耍成为一种生命实践。 有别与首演与钢琴家同台，此次呈现，目黑采用美国作曲家莫顿．费尔德曼（Morton Feldman）未发表的作品《独白》（Monolog）。这段音乐结构松散、缺乏起伏转折，迫使目
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焦点专题 Focus多元发展的马戏创作团队
在个人艺术家为大宗的生态中，日本当代马戏圈仍存在少数具组织的创作团队。例如，在实验性创作顶端，由目黑阳介于 2008 年创立的「Nagamekurashitsu」（ながめくらしつ）。该团队聚集来自各领域的马戏艺术家，投入当代马戏创作，并成为首个与日本公共剧场「世田谷公共剧场」（Setagaya Public Theatre）长期合作的马戏团体。 与向内探求的实验路径并行的，是深耕地方的「濑户内马戏工厂」。它不只是表演团体，更是一个结合「地域振兴」与「创作驻村」的基地。透过让艺术家与濑户内的石材职人、木工及特殊地景深度连结，成功将土地的呼吸转化为马戏语汇，让马戏走入常民的风景与历史之中。 相较于在地深耕的美学实验，以福冈为基地的 「CIRQUEWORK」 则展现了强大的商业扩张野心。他们以娱乐为导向，强调极致的视听美学与精准的高难度技巧编排，节奏明快且跨越语言障碍。CIRQUEWORK 积极开拓海外市场，频繁出没于爱丁堡艺穗节等国际舞台，致力于将日本当代马戏转化为一种异国情调、可全球流通的精致文化产品。 而在这股当代浪潮之外，带有传统色彩的「樱花马戏团」（さくらサーカス）则守住了马戏最纯粹的「奇观」根基。与追求实验性的团队不同，樱花马戏团保留了经典的家族营运模式与巨型帐篷文化，演出风格通俗且充满生命力，强调惊险的高空特技与热闹的互动气氛。 此外，世田谷公共剧场以及「座．高円寺」（Za-Koenji）是日本当代马戏从「街头技艺」走向「剧场艺术」的关键推手。前者侧重于国际交流与前卫实验，长期引进欧陆顶尖团体赴日，后者则发挥其作为「社区剧院」的特质，除了常规演出，更致力于推动「入世」的马戏教育。它透过工作坊与节庆活动，将高难度的马戏技巧转化为一般市民也能参与的身体语汇，让当代马戏在常民生活中扎根。
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焦点专题 Focus从无到有，日本当代马戏拓荒者
在日本的表演艺术版图上，当代马戏曾是一片荒芜之地。若要追溯这门艺术如何在短短10余年间，从单纯的娱乐杂耍演变成具备深厚哲思的艺术语言，田中未知子（Michiko Tanaka）是一个绝对无法忽略的名字。 她是濑户内马戏工厂（Setouchi Circus Factory）的创办人，也是「亚洲马戏网络」（Circus Asia Network，CAN） 的核心发起者之一。对日本马戏界而言，她不仅是一位制作人，更是一位在「重力」、「风土」与「区域连结」之间寻找文化创造的艺术家。 从欧陆的自由到日本的土地 曾赴法国研习美术史的田中未知子，首次接触当代马戏是在2004年，当时的她已回国在报业工作。在观看了一场来自海外的马戏演出之后，从此人生有了巨大转折，她形容：「仿佛遮住眼前的帷幕被一刀斩落。」 2007年，她辞去工作，决定以马戏为一生志业。只身一人前往欧洲，她亲眼见证了当代马戏如何成为一门跨越剧场、舞蹈、视觉与极限运动的综合艺术形式。在欧洲，马戏不是为了取悦观众的奇观，而是创作者对身体极限、空间关系乃至社会议题的深刻辩证。 回到日本后，她发现大众对马戏的认知仍停留在传统家族马戏团的帐篷表演，或是街头的大道艺。虽然日本不乏技术高超的杂耍者与体操运动员，但他们往往各自分散，缺乏一个将「技术」转化为「艺术语汇」的结构。 2011年，田中未知子做了一个决定：她没有选择在资源丰富的东京建立发展据点，而是回到了香川县创立「濑户内马戏工厂」，致力于发展「扎根风土的马戏」。这一选择决定了日本当代马戏后来的走向它不是商业化的复制，而是与土地共生的艺术实践。
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那些女子那些戏女子8——陌生女子
讲得好像我已经知道陌生女子和刘子骥是什么意思了似的，不，我依然不知道。然而事情就是这样，我们总是想办法要知道这个、知道那个，好预设这个、预设那个，但，你干嘛要知道呢？又何必要预设呢？生命中的剧作家知道就好了呀，我们就坐在那边，儆醒而听，轮到我们的时候，就站起来，走过去，开始我们的表演
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华盛顿特区川普用一则贴文「宣布」甘迺迪表演艺术中心关门整修
筹建美国首府的甘迺迪表演艺术中心（John F. Kennedy Center for the Performing Arts）一共花了13年（1958-1971），历经4任总统（艾森豪、甘迺迪、詹森、尼克森），但要毁灭它，只需要川普总统一个社群贴文的时间。 今年2月1日深夜，当全美东半部都还冻结在近几年最强的寒流下，川普在他自己的Truth社群上宣布震撼消息，甘迺迪中心将在7月4日美国国庆日后关闭两年，以进行整修。甘迺迪中心是美国最具指标性、档期最满的表演艺术场所，每年大小节目不下2000个，建筑本身还是联邦政府的「活的纪念堂」，365天开放。这样的公共场所，要关门通常得经过长期的准备，但川普的宣布就如同他一贯的行事突如其来，连中心的领导阶层都是隔天来上班才「听说」。 照说甘迺迪中心是独立的非营利机构，即使是美国总统也不能把它当成自家客厅，爱做什么就做什么。但川普去年一上任，就立马改组董事会和高阶领导，把原来超党派纯粹是喜爱艺术及专业的人士，都换成能控制的班底，这些国王的人马，二话不说就推举他为主席，让应该是中立的甘迺迪中心，瞬即染上党派色彩。去年（2025）12月，董事会更宣布，连中心的名字都加上川普二字，还在甘迺迪之上。 川普与甘迺迪中心的恩怨，可以追溯到他第一任时。2018年他出乎意料当选，给美国社会带来很大的震撼，各阶层族群依其立场各有不同的反应。表演艺术圈是以负面居多，他频频成为喜剧脱口秀的嘲笑对象，对他的政策也偶有批评，然而最高调的一个表现，就在有表演艺术终身成就奖意义的甘迺迪中心荣誉奖上。这个每年12月由甘迺迪中心颁发的奖，行程包括白宫招待会和总统亲临的晚会表演，在他任内因为受奖者反弹，取消了总统参与的环节。当时各方都刻意淡化，好像不算回事，其实川普已经怀恨在心，因此一回锅就展开复仇大计。 川普的鸭霸，引发更大的反弹，从百老汇大戏《汉弥顿》开始，许多艺术家宣布退演，人数多到维基百科可以开专页的程度。观众也以行动抵制，甘迺迪中心的票房一下子就掉了六成。至于他任命的管理阶层，连最基本的美国表演艺术的运作方式也一无所知。他们说所有节目都要自负盈亏，而且得在演出前就达标，这完全不符现实，华盛顿歌剧团就是因此而离开；他们推出的「传达传统基督教价值」的节目，没有吸引
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PAR你不知道？！ 当华丽水晶灯再次升起——解码《歌剧魅影》40周年的剧场美学与人性叩问
剧院的灯光缓缓暗下，令人屏息的管风琴前奏如狂潮般袭来，在剧情发展紧张的时刻，悬挂在穹顶的华丽水晶吊灯在观众的惊呼声中急遽坠落这是无数剧场迷心中无法抹灭的震撼印记。2023年4月，当纽约百老汇的《歌剧魅影》（The Phantom of the Opera）在经历了35年、近14,000场的辉煌演出后，因疫情后的市场变化与营运成本压力而黯然落幕时，全球剧迷无不为之惋惜。然而，正如知名制作人卡麦隆．麦金塔（Cameron Mackintosh）当时所许下的豪语：「它当然会回归，所有伟大的音乐剧都会。」 果不其然，这句承诺在2026年化为璀璨的现实。由安德鲁．洛伊．韦伯（Andrew Lloyd Webber）谱写的旷世巨作，在问世40周年之际，不仅没有走入历史，更挟带全面升级的声光视觉与舞台科技，以「40周年纪念演出版」的磅礡之姿重返舞台。这部在全球47个国家、缔造破1.6亿观赏人次与60亿美元票房的不朽传奇，究竟凭什么能在岁月洗礼下持续闪耀？本文将带您拨开迷雾，从剧场美学、音乐语汇及深层的心理神话原型，深度解码这张半白面具背后，历久弥新的艺术底蕴。 跨越雅俗的音乐语汇与视觉奇观 《歌剧魅影》的诞生，始于韦伯1984年在纽约二手书摊偶然发现法国作家卡斯顿．勒胡（Gaston Leroux）于1910年出版的同名惊悚小说。韦伯在一个下午内读完此书，并产生了强烈的改编「顿悟」。他在创作时，打破了传统音乐剧的框架，将古典歌剧的磅礡华丽与1980年代的电子音效完美镕铸一炉。正如美国作曲家威廉．博尔科姆（William Bolcom）所评价：「这种剧场真正试图拉近流行与歌剧世界的距离。」 除了极具感染力的旋律如〈The Music of the Night〉与〈All I Ask of You〉外，《歌剧魅影》在舞台设计上更是立下了难以超越的标竿。剧中最具标志性的「坠落水晶吊灯」，不仅是舞台机关技术的重大突破，更成为全球戏剧文化中无法磨灭的符号；百老汇博物馆（Museum of Broadway）（注1）中甚至珍藏了一盏缀有超过13,000颗水晶的魅影吊灯，每一颗水晶皆象征著一场百老汇的演出。在40周年纪念版中，制作
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戏剧有爱，到底够不够？
《两韩统一》（La Runification des deux Cores）谈的不是政治，而是爱情。 虽然爱情有时的确像政治一样充满各种悬念、盘算或心机否则张爱玲就不会说「情场如战场」但法国导演波默拉（Jol Pommerat）编导的《两韩统一》，却是尝试在剧场的密闭空间里，以20个各自独立的剧情片段，开放出爱情的多样与复杂。 波默拉已有多出作品来台演出。此次演出的《两韩统一》原创于2013年，在巴黎奥德翁剧院（Thtre de lOdon）附设的贝堤耶实验剧场（Atelier Berthier）演出。台湾曾有过多次演出记录，包括2017年国立台湾大学戏剧学系毕业制作、2022年国立台湾艺术大学戏剧学系、2022年台北艺穗节（台大话剧社）及2023年台北艺穗节（清华大学X阳明交通大学学生合组的「紧急出口制作」）等，显然爱情仍是我们这个时代的共通语言。 《两韩统一》由20个片段组成，标题分别是〈离婚〉、〈我这部分〉、〈家务〉、〈分手〉、〈结婚〉、〈死亡〉、〈春药〉、〈金钱〉、〈钥匙〉、〈爱〉、〈等待〉、〈战争〉、〈孩子〉、〈记忆〉、〈有爱还不够〉、〈友谊〉、〈价值（I）〉、〈价值（II）〉、〈怀孕〉、〈价值（III）〉。每一个片段的演出或长或短，角色各不相同，情节也互不连贯，唯一将他们串在同一出戏里的共同元素只有一个爱情。我们不妨把《两韩统一》想像成曾经听闻或经历的爱情故事，从相爱相杀到生老病死，从结婚进行曲到结婚进行曲到婚后无性生活，每一个段落的情节仿佛似曾相识，串连在一起成为以爱为名的人生。
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北京中央戏剧学院爆贪腐、表演艺术新政策 马年是改变的一年？
蛇年尾的热闹并未在天桥音乐剧年度盛典的华丽总结里落幕，盛典一结束，2025年12月19日，前中央戏剧学院（简称中戏）院长、表演系前主任郝戎向中纪委自首，为自己在中戏30年的藉权牟利恶行认罪。在中国，这种打贪腐、某个领导落马的新闻多有所闻，一般人见怪不怪，但北京戏剧圈肯定为之震惊，毕竟中戏是中国最重要最专业的戏剧艺术高等学校，目前很多当红的电视电影明星都是从这里毕业的。这事掀起的舆论波澜不算大，但就在进入马年的前几天，2月12日，前任中戏表演系主任陈刚也自首了，还没完，隔了不到24小时，现任表演系主任王鑫也进去了。应接不暇的瓜让人吃得合不拢嘴，这事成了新年假期里最被热议的话题，估计也是北京戏剧圈很多年后都会被复诵的事件。 罪恶是从招生开始的，中戏表演系每年新生不到百分之一的录取率，让系主任及负责招生的单位有操作的空间，虽然录取的学生并非全部透过操作，但是开学之后，导师制又会发展出师门、师阀，以及毕业后与业界的各种利益纠葛，不夸张地说，这是一条利益庞大的产业链，产品就是学生，或未来的明星。在抖音、小红书、微信这些媒体平台上多不胜数的新闻和八卦中，有少数文章点明了这个产业链是如何建构与运作的，如果其言可信，那么这个产业链从2011年就成形了，这种不良生态至今15年，早就被所有学生与家长默认为常态。虽然中戏这些年来仍然培养了不少优秀的演员及从业人员，但失去公平性和摒弃道德的生态毕竟不是永续之道，有无可能翻转就看此事后续的发展了。
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说戏为什么是「天上人间」李后主？
国光剧团今年再演《天上人间．李后主》，剧名为什么以「天上人间」为标题？为什么不是「一江春水」或「春花秋月」或「一梦浮生」？不都是李后主名句吗？ 读文学的人，都对叶嘉莹老师的李后主解析滚瓜烂熟。青天长星，偶尔坠落尘凡，偏又误入帝王家，薄命做君王。纵情任真（不是认真）毫无节制的性格，很难见容于人间，天上与人间的巨大断裂，最终是靠一只彩笔弥缝融贯，创作不仅是抒怀遣兴、宽慰心灵，更是补天地之残缺。 剧名「天上人间」，即是直指断裂与弥缝。 剧中用了几个物件，营造意象、形成隐喻，都指向同一命题，例如「天水碧」。大周后将丝帛置于夜色之下，经年累月任天上露水浸润，终于染成碧色，制成衣衫。这不只是大周后的生活美学，更是她对李煜的体贴。她担心李煜性格过于天真，自己却更天真、更痴傻地想一力承担，她以为衣袂联翩，扬起一片空蒙碧绿，即能将天上人间的裂痕涵融于一色。我们不忍说她一厢情愿，只心疼她对李煜的疼惜。小国深宫的两个痴人，面对危殆局势，束手无策，只能各自以最纤细敏锐的心思熨贴对方，看似痴人说梦，而其中文学的心灵，正是创作的根基。 李煜把书房就设在大周后寝宫外厢，屏风相隔、薰香为伴，大周后每日掀开床帷即走向书桌，既想立刻奔向李煜，又希望驻足流连于屏风那端飘来的袅袅薰香之中，在她眼中，「篆香如字」，那是李煜的笔墨烟云，天地灵秀尽在其间，「他悲欢付歌吟，我温柔解词心，解词心惟我是知音」，大周后有点得意地唱著，但她就在这里受尽挫伤，她的夫君在她生病时孤独无依、惶惑无主，进宫献药的小周后重燃他生命希望与创作的热情，写下「手提金缕鞋」。大周后悲愤拨断琴弦，背向床帷，至死不肯回头。 而那天真无邪、伤透姐姐的小周后，亡国之后与李煜一同被俘北上，紧紧相随，在幽囚之所仍轻启朱唇，唱著李煜每一首新词，流传至后世的文学史名作，都由小周后第一个吟咏第一个歌唱，她还怯生生地问李煜：「有一阕词，不知我唱得唱不得？」李煜当下猜到是【一斛珠】「烂嚼红茸，笑向檀郎唾」。这是李煜为大周后写的，写尽卿卿我我娇憨情态，春秾意暖的深宫，是人间欢爱之极致，小周后想用吟唱召回欢乐，宽慰李煜，却又怕抢了姊姊词中主角位置。而她终究是唱了，文学创作一旦完成，便不再只属于某一人，李煜词写的只是一己之悲欢离合，却因体会深入，乃能将人世情缘尽皆涵盖，「如今这般境
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四界看表演 Stage Viewer1791的终点与起点
来到莫札特的故乡萨尔兹堡（Salzburg），几乎不可能不被这位作曲家的身影所包围，尤其今年适逢莫札特诞辰270周年，庆祝活动又比以往更为热络。每年1月，萨尔兹堡都在莫札特生日（1月27日）前后，以「莫札特周」（Mozartwoche）为这位「音乐神童」庆生，也让国际乐坛的目光再次聚焦到这座小城。莫札特周创立于1956年，当时正值莫札特诞辰200周年，今年迎来音乐节70周年，为期10天的节庆特别规划了70场节目，希望能从多元面向感受莫札特的音乐世界。 自2019年起，曾红极一时的巨星男高音罗兰多．维拉松（Rolando Villazn）获邀担任艺术总监，为莫札特周带来了新气象。他大刀阔斧地规划多元与创新的节目，以打破边界的思考，希望让莫札特融入现代人的生活之中，消弭古典音乐与现代生活之间的界线。因此，在星光熠熠的音乐会包括维也纳爱乐、马勒室内乐团等顶尖乐团及独奏家的演出之外，莫札特周特别策划的「TRAZOM」系列，更是提供了另一种观看莫札特的角度。这个名称的由来饶富玩味：莫札特在与家人写信时，喜欢玩文字游戏而将自己名字MOZART反过来写签名，既是文字游戏，也象征颠覆与翻转。这系列节目包含了木偶剧场、早期莫札特专题稀有影音珍藏放映、艺术家对谈、酒馆益智问答及家庭音乐会等多样化内容，让莫札特周的节目不只是发生在音乐厅中，而是深入到萨尔兹堡的街头巷弄里，落实「莫札特作为一种生活方式」的策展愿景。
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槟城音乐剧《Rasa娘惹情》入驻侨生博物馆，迈出商演第一步
槟城虽然是马来西亚继首都吉隆玻之后，戏剧表演最蓬勃的城市，不过一直以来缺乏长期商演的条件，导致不少热爱表演的人才外流，直到去年7月，一部主打峇峇娘惹文化的音乐剧《Rasa娘惹情》出现后，局面才有了改变。 峇峇娘惹是15世纪华人从中国南下马来半岛，与当地马来人通婚的后代，至今依然保留丰富的中华习俗。槟城全职歌手兼舞台剧演员王茵诗的祖母也是一位娘惹，所以她去年成立峇惹艺术制作团队（Baya Arts Production），全心投入音乐剧的制作，找来剧场导演王涵伦和编剧曾福明合作，决心以歌唱和表演来推广峇峇娘惹文化。
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新锐艺评 Review必巡的孔嘴敢袂当抺平？
第四人称表演域自2023年起，启动了「kng台语puann世界－世界经典x本土语文」（讲台语搬演世界）计划；先以法国作品为起点，继2023年的《大疫Un-i̍k》（灵感为卡谬的《鼠疫》），2024年的《暗岛m-t》（灵感为莫迪亚诺的《暗店街》），2025年为计划三部曲的最终回；顺著「世界国家家庭」的脉络下来，编导谢孟璁选择了费洛里安．齐勒（Florian Zeller）的「家庭三部曲」（包含《母亲》、《父亲》、《儿子》3个独立的剧本）作为《咱兜ln tau》的灵感来源。 上述作品皆标榜以经典为「灵感」来二度创作，故而《暗岛m-t》可以直接加入美丽岛事件成为双线故事的另一主轴；而《咱兜ln tau》更直接将原著3个剧本合而为一，几乎构成了一个新的创作。严格来说，本剧仅以《儿子》中因父母离异、主角出现忧郁症的剧情为主轴，《母亲》只提取了无法面对中年人生的惶乱与酗酒行为，《父亲》只提取了失智的症状。由于观看本剧及原著时，不论在人物形象或对话氛围上，产生的连结可说微乎其微；笔者以为，「世界经典x本土语文」计划中引介经典的目标效果并不显著。