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思想不短路从史柯西斯到夏卡尔，途经萧邦与德布西
笔者在讲课或演说中常问台下一个暗藏陷阱的问题：艺术是件理性或感性的事？一般的回答多倾向后者，但犹豫不回答才比较接近正确答案，因为这绝非可以明确切割的事。若以艺术工作的专业角度著眼，从创作到搬上舞台的过程中，实则有很多理智思考和执行的层面，仅凭澎湃的感性并不足以成事。
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新锐艺评 Review极简美学与西乐涵融百戏之母
流传近三百多年的昆剧，为非物质文化遗产，如何在当代永流传，不失核心价值，皆是传统戏曲须面对的议题。而《重逢《牡丹亭》》在「古干新枝」上，追寻昆剧本色，保有剧种精华、原著主题，转向更深层心灵书写，并运用镜像、灯光、现代剧场象征及西乐，与「百戏之母」涵融，升华戏曲写意性，超越生死爱情，让观众窥见更细腻精致的昆剧艺术。 情节解构走入镜像之梦 灯光场域升华戏曲写意 汤显祖原著《牡丹亭》有55出折子，而昆剧改良后主要保留12出剧目。但编剧罗周却直接解构全戏叙事，以倒叙、插叙方式，只保留六折戏，著名的〈游园〉、〈惊梦〉像是枢纽，让柳梦梅与杜丽娘走入彼此梦中，让现实纠缠著「梦中梦」的结构，寻梦梦醒，交叠时空，使得梦境并非残缺，而是循环。 全戏以镜像空间设计贯串「梦」，当杜丽娘吟唱【皂罗袍】时，镜像前的身影伤春自叹，观众视野却能在镜像中看见撇过头的落寞无奈；柳梦梅手持之画像，也以镜面代替，当其亲画、抚画、题诗时，更显幻想情痴。台上镜像转换，宛如时空也随之转移，令人感觉「梦亦真实」；梦中情意变化，宛如在潜意识中埋下「以情反理」，显现出「是人非人心不别，是幻非幻情已接」，那看似纯情却营造一场悬疑。 悬疑来自「纯白」舞台及「灯光」，仿佛走入主角潜意识。白光如仙境，突显杜丽娘之翩翩姿态及柳梦梅之情感游动；转入粉红光，咏叹牡丹亭相遇相恋之爱情；变换淡黄白，回忆相送相留之情遗；转向冷色调之蓝光，渲染梦醒分离与回归现实。最后柳梦梅向舞台前一跪，spotlight画出一光区，将「至情」端上戏剧张力高潮。可见本出戏转向以灯光变换作为写意表现，舞台上除了保留传统一桌二椅及演员身段作表外，也凭借灯光色调升华戏曲原粹。
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艺次元曼波 HEART to HEART 亚维侬艺术节 ╳ 国家两厅院艺术节是「派对」，要让所有人都能自在参与（上）
曾以《最后的提词人》、《不可能的边界》与《樱桃园》等作品与台湾观众见面的提亚戈．罗提吉斯（Tiago Rodrigues），此次以亚维侬艺术节新任总监身分访台，将与国家两厅院开启3年的伙伴合作关系，邀请二至三位年轻艺术家前往亚维侬参与首届「不可能的传承」艺术家培育计划（Transmission Impossible Project），与各地年轻创作者参加大师工作坊，进行跨世代、跨文化的剧场艺术交流。借此机会，本刊邀请提亚戈与国家两厅院艺术总监刘怡汝，分享与交换剧场对当前世界与当代观众的意义，如何持守价值又能开创新局。
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艺次元曼波 HEART to HEART 亚维侬艺术节 ╳ 国家两厅院艺术节是「派对」，要让所有人都能自在参与（下）
Q：刚提到英文字幕，暗示著观众组成较过往不同。近年欧洲城市的居民组成似乎也有很大变化，亚维侬艺术节如何回应此种现象？ 提：谢谢你提出这个问题。首先，我们呈现的当然是心目中最高品质的作品，但艺术节同样也有责任要履行我们「如何」呈现作品，也代表著我们所持守的价值。举例来说，我们该怎么让过往少有机会接触剧场的观众，也能走进剧场看戏？让展演共融、可近，都是我们要努力的方向，不能让观众觉得自己被剧场演出排除在外。这些可以是硬体设备的改进，也可以在规划节目时，呈现更多元的族群观点。 过去10年，欧洲城市人口组成有了很大的变化，法国也是如此。我们今年在亚维侬呈现黑人女性编舞家宾杜．登贝雷（Bintou Dembl）作品，一方面当然因为这是非常好的作品，但我们同样不能忽视「法国黑人女性编舞家」背后所代表的深刻含意，让同样身分背景的年轻人（大多来自城市边陲，生存环境充满挑战）不再觉得自己被亚维侬艺术节排除在外，而能借此展现自身存在。同时，我们也为一般观众视野带来挑战，让他们发现另一种表演形式。 现在我们最大的挑战，就是要能呈现法国甚至欧洲城市的多元多样性，并借由节庆派对般的正面氛围来传递。「Festival」字源就是「派对」，充满热情洋溢、自由奔放的感觉。无论艺术节带有何种政治、社会意图，我们都不能忘记其「派对」本质，让所有人都能自在参与。 举例来说，这就像是我们和亲朋好友边吃饭边聊天，会辩论会吵架。事实上，「debate」（辩论）在法文代表著「de-bate」（不要战争），所以我们是用辩论代替战争。方才怡汝总监提到大皇宫演出Julie Deliquet的《福利》（Welfare），这也是75年来第二次由女性创作者为艺术节揭开序幕，相当具有历史意义。在这座充满历史意义的古迹，探讨贫穷与社会福利议题，这对某些观众来说或许相当冲击，的确出现很多争辩声音。我想这就是艺术节的意义，能真正和当下世界产生关系。
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音乐 马斯内的歌剧版台湾首演华美仙境降落台中 台湾歌手为《灰姑娘》献艺
《灰姑娘》是一个家喻户晓的童话故事，在流传至世界各国的版本中，不仅有必备的王子和公主，还有神仙教母及可爱的小动物，最重要的是，美好的结局也显示了善良最终战胜邪恶的道理。这样的一段传说，在世界各地已经以文字、绘画、动画、戏剧、音乐剧等各种形式呈现，音乐学者焦元溥说：「根据100年前的童话故事研究，关于《灰姑娘》的原型就有500多种版本。而到现在，音乐剧名家安德鲁．洛伊．韦伯还有新作《灰姑娘》推出。」可见这个受人喜爱的传奇，至今仍在发酵中。 「在西洋古典音乐中，至今还可以看得到的《灰姑娘》歌剧有两部。」焦元溥说：「一是义大利作曲家罗西尼的，另一就是法国作曲家马斯内。」两个版本的差异在于，前者虽然是很厉害的作曲家，但版本较为写实；而后者则是商请剧作家将原本的故事改写成充满梦幻的版本。
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舞蹈 2023 Camping Asia开幕作《我是红》 「美」该如何被定义？
2023年Camping Asia即将于11月20日至12月1日于台北表演艺术中心展开，除了丰富的课程、工作坊之外，亦带来11档结合舞蹈与各种艺术形式的表演节目。开幕作品为肯亚艺术家万吉鲁．卡穆尤（Wanjiru Kamuyu）的《我是红》（Portraits in red），将于11月21日演出。 生于肯亚内罗毕的万吉鲁．卡穆尤，16岁时随母亲移居美国，拥有费城天普大学MFA（表演、编舞、教育）学位，并在纽约展开艺术职业生涯。2007年起在法国国家舞蹈中心支持下，她长期在法国进行创作。如此特殊的双重文化背景与跨越三大洲（非洲、北美、欧洲）的多元文化生活，让卡穆尤对于当代社会里不同文化之间对美的定义，和对身体的既定印象有著敏锐的观察，亦成为她创作的重要灵感来源。如2015年《相遇的那一刻》（At the moment of encounter，2015）即透过意象化的手法，探讨当代社会中不断变化的身体内部景观与外部能量冲突。
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焦点专题 Focus杨书涵 学习好好做人，而非做一个好人
青年指挥家杨书涵，2023年初上任美国印第安纳波利斯交响乐团助理指挥。他形容指挥的工作，仿佛「赋予自己另外一种人格」的感觉，语毕，腼腆一笑，解释：「我本来是一个很内向的人，也不太喜欢人多的场合，如果不谈论音乐的话，我可能会失去讲话的能力。可是我现在，常常一口气要跟一百多个人一起工作，在很快的时间内做出决定与指示。」 与其说是音乐改变了他，不如说是他热爱音乐的心，让自己的性格急转弯。因此，问及对于指挥这份工作的想法，他忽然又刷红了脸，说：「我这样讲的话你一定会觉得很奇怪，可是我真心这样觉得。」接著，他笃定而缓慢道：「指挥的工作嘛就是幸福。我觉得能够成为一名指挥，真的很幸福。」说完，好像自责这个形容太老哏了，他害羞地低下头。
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焦点专题 Focus曾维庸 在音乐里，人那么渺小却有那么多幸福
「我一直在想，如果人们感受不到衰老，那么时间的意义，是不是就不存在了呢？」现任湾声乐团驻团指挥家曾维庸说。 对于时间的体会，他先谈的不是节奏与乐谱，而是肉身被时间磨损后的感受。心理学上有一个很美的词汇「心流」，意指人全神贯注于某事，沉浸到忘记时间的心智状态。然而，即便心神感觉不到时间，身体也确实在时间的齿轮中被刻刻消耗著，这一点，曾维庸在2017年香港中乐国际指挥大赛上体会最深。 他回忆，适逢决赛现场，「我在上台前的那一刹那，我整只脚抽筋，然后接下来就感觉整个人都不对了。」这个突发状况，可说是全然改变了他作为指挥家的走向。
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焦点专题 Focus吴曜宇 在一条孤独的路，找到不同的眼睛
10年前，若以「横空出世的奇才」形容吴曜宇，大概也不会有人反对。虽然自小学音乐，然而大学念的是传播学院，且是辗转到了研究所才踏上指挥这条路，没想到仅念了两年，就拿下举世闻名的「贝桑颂指挥大赛」首奖。 那时候的他，年仅24岁。 而后，收到无数国际知名乐团的邀请，几可说是以指挥棒环游世界，同时，他在今年度被委以重任，接下高雄市交响乐团的指挥。如今，请他回望那个大奖，他说：「当然是很开心的，之后参与的任何一个比赛都没有这么高兴过。」然而，却也是这个奖，让他陷入深深的迷惑之中。
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音乐 《安魂曲》及《b小调弥撒》岁末两部旷世巨作 以合唱抚慰人心
2023是一个特别的年份，在终于摆脱疫情后，表演艺术团队精锐尽出，也期待粉丝们能够再度回到观众席中欣赏演出。时值岁末，威尔第的《安魂曲》及巴赫的《b小调弥撒》两部伴随合唱的巨著，将以温暖的歌声安慰惶惶不安的人心，增添人们安定的力量。
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艺次元曼波 HEART to HEART 于魁智X李胜素X王安祈30年时空映照，25年京剧奇缘（上）
睽违多年，中国国家京剧院于今（2023）年9月再次来台，好戏连台，座无虚席，除精湛的唱腔余音绕梁外，掌声不绝，也从观众席穿透到整个国家戏剧院。 这一连6场的演出，不仅是COVID-19疫情后首位专案申请通过来台的中国剧团，同时也是中国国家京剧院访台的30周年。1993年中国国家京剧院首次来台，是两岸交流后最盛大的一次，从台北国父纪念馆演到台中、台南再回到台北社教馆，近百人巡回16场。当时随团来台的文武老生于魁智以《打金砖》及《文昭关》的精湛演出打响名号。而李胜素原在山西京剧院，1998年在已故剧作家贡敏的慧眼推荐下，首度与于魁智合作演出《野猪林》的林娘子、《四郎探母》的铁镜公主，引起台湾戏迷的关注，与于魁智被誉为最佳黄金组合。 30年后，我们在国家戏剧院的观众席，在密集演出的缝隙里，邀请于魁智、李胜素，与王安祈教授聊聊这次来台的感受时空对照，薪火相传。
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艺次元曼波 HEART to HEART 于魁智X李胜素X王安祈30年时空映照，25年京剧奇缘（下）
王：两位合作至今25年，不仅没分开过，更得到无数观众喜爱，是京剧史上重要纪录，合作默契怎么这么好，有最喜欢合作的戏码吗？ 于、李：喜欢的太多了 于：早在正式合作之前，我们曾在中央电视台、浙江电视台的戏曲晚会同台，当时她还在山西京剧院，我在中国京剧院，彼此不熟，只知道她是位好演员。 我们两人能合作，首先要感谢剧作家贡敏老师，是他力荐胜素，再加上那时我们同在中国京剧优秀青年演员研究生班学习，在这两大契机下，促成合作。我们配合得十分默契，最重要原因是对艺术的理解以及对艺术追求方向很接近，观众看我们在台上表现的音色、调门、台风等等各方面很搭，我们彼此也觉得合作时能发挥顺畅，找到表演上的共鸣。 王：两位个性都很好，有没有在塑造人物上发生过冲突？ 于：我有时比较主观，想法比较跳跃，胜素性格跟梅派艺术风格特别像，非常沉稳淡定，无论遇到什么样大问题，她都不慌不惊。 排练时候，我会直接说出「我觉得应该这样，不应该那样」，她可能不认同，但不会当下反驳我，会给我留面子，让我先发表，排完后再告诉我，她是怎样理解人物的情绪、性格、场景，我可能哪里理解得不对，有时我的理解会跑偏而不自知。 再来，我有时在台上会比较冲动。所谓冲动是指我在后台听见锣鼓声响就兴奋，手脚会发热出汗。我常在想，如果有一天听到锣鼓，我的手脚不出汗，那就是我的艺术生命要结束了。虽然我已经尽量控制自己保持稳定，但偶而受现场气氛影响难免波动，她会平和提醒我「别卯上，别猛」，把我的热气火气降下来。不管台下有多大领导，多少观众，多么热烈的回应，她总是心静如水。这么多年下来，我受她影响也慢慢学会调节情绪，特别是舞台上的感觉。 李：我举个例子。2004年我们在北京演出大型史诗交响京剧《梅兰芳》，他饰演梅兰芳。我说：「师爷爷发展和创造了许多优美的手势，生活中肯定会磨戏，扮演师爷爷生活面时，可以加一点手势的表现力。」遭他抗拒，说：「我唱老生的，这手法指了这么多年，要我兰花指，实
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焦点专题 Focus2023「ACPC亚洲连结：制作人工作坊」精选讲座侧记
第3届的「亚洲连结：制作人工作坊」（ACPC，Asia Connection: Producers Camp）在经过两年疫情期间的远距授课，今年终于得以邀请导师与学员们齐聚台北的国家两厅院，为这场由新加坡、韩国、日本与台湾4地场馆共同支持的3年计划暂画下美好休止符。在9月12日至16日为期5天的工作坊中，密集安排了艺术行政课程讲座、一对一面谈、提案诊断及台北文化实体探查。本刊特地从中挑选了3场课程：「作品沟通里的留白艺术」、「表演艺术中的市场机制」及「与艺术家并肩同行」进行侧记，以飨读者。
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焦点专题 Focus在差异中往彼此靠近——跨文化工作备忘录
2023「ACPC亚洲连结：制作人工作坊」的首场导师讲座「作品沟通里的留白艺术」交由曼谷国际表演艺术会议（BIPAM）的艺术总监莎莎宾．希芮旺吉（Sasapin Siriwanij）主讲，在面对本届透过闭门推举制度、实战经验不少的制作人学员们，莎莎宾选择以开放讨论形式，拆解作品所具备的多元脉络（Context），一一分析跨文化工作可能遭遇的挑战与危机，透过集思广益与彼此经验分享，逐个击破。 拆解「脉络」与「文化差异」 莎莎宾从脉络一词的英文「Context」（注1）定义出发，她用一张示意图，视觉化作品与脉络之间的关系：一颗代表「作品」的粉色球置于图面中央，旁边环绕许多褐色小球，每个褐色小球都带有一只箭，回指粉色中心。这些迫切影响著粉色球的褐色球是什么？来自不同文化背景的学员们省视各自提案，提出繁多可能：大环境面向的政治、气候与经济条件；私人层面的艺术家情感走向、人生重大变故、家乡议题、教育养成、语言逻辑，以及制作现实层面的预算、场馆状况、合作对象限制、策展人喜好、金主条件等，变因既广泛且细琐。 同为导师的前澳洲伯斯艺术节艺术总监温蒂．马丁（Wendy Martin）补充，她认为在深入探讨前，需先将脉络分为对外与向内两部分，后者为艺术家陪伴的创作脉络（Context of Making），前者则是面对市场与观众沟通时，换位思考的行销脉络（Context of Selling）。莎莎宾分析，作品本身背负著创作者生长过程里被形塑的特质，也揉杂了上述许多直接或间接对作品产生影响的因子，制作人需要具备多样视角，必要时得跳出创作者感性思考，回到理性的推广与沟通策略，对接下来预期合作的对象深入评估，找寻作品中最适当的切入点，为文化底蕴不同的双方打开可行的共鸣桥梁，催化合作机缘。但也要千万避免对陌异文化产生先入为主的偏见，除非亲身经历，否则面对首次合作对象，请务必保持开放态度。 阿喀郎．汗舞团行政总监法鲁克．乔迪里（Farooq Chaudhry）作为参与讨论的导师之一，也提醒学员在陪伴创作时，除了艺术家关注的焦点范围之外，也需留意那些被刻意避开的题材，有时候隐藏在黑暗里的素材，存有解决创作瓶颈的解答。像是阿喀郎
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焦点专题 Focus制作人如何现实又勇敢地想像市场
「在一切开始之前，我们必须认清3个事实：一、『在艺术当中的人都活在一个梦幻世界，且带著不现实的期待』；二、『面对市场，没有人有解决方案，因为爬过一座山，只会有更多山头等著我们』；三、『我们总说资源不足，但资源不足却也逼使我们产生创意』。」英国阿喀郎．汗舞团共同创办人暨制作总监法鲁克．乔迪里（Farooq Chaudhry OBE）在工作坊伊始直接破题说道。这斩钉截铁的分享起手式，恰如法鲁克在之后90分钟的分享中，为现场来自亚洲地区的制作人们带来的市场思维风暴一样来得猛烈又直率。 在9月中于国家两厅院举办的「亚洲连结：制作人工作坊」里，拥有丰富国际巡演及制作经验的法鲁克，在现场以导师身分向与会制作人分享个人对表演艺术市场的理解，及身为制作人多年与艺术家、观众、艺术节、机构等不同对象的工作经验。 法鲁克眼中的艺术市场和商业机制 笔者自问工作中并不惯用「艺术市场」这个名词，所以一开始对工作坊的主题「表演艺术中的市场机制」心有戚戚。但法鲁克的分享更像是，个人以「艺术市场」的概念，创造属于他对艺术行业，这个被其称为梦幻世界的代入理解，还有对应著这个世界，属于他独特的「商业」手法心得。 正如文章开头提到的资源永远不足，法鲁克对这个现实很早就有所认清，所以既选择担当制作人，就只好想方设法从市场搜集、创造可能价值。对法鲁克而言，市场就是一群人，这跟一般市场论一样，但有趣的是，他提出艺术市场之间的流通货币却是「信任」。 不论是艺术家、制作人、单位、观众、艺术节、场馆，活在艺术市场中的我们所有人，都希望以最好的条件去交换、分配和交易「创意」（Creations）的所有权和传递方式。而作为制作人，在市场的商业手法就是，在当中找出大家对价值判断的运作方式，精明善用和创造各方之间的信任，协助大家找到创意与自身之间的相通共感和精神收益，进而让创意产生「售价」。因为只有当市场认为自身跟你所提供的创意关系愈是紧密，愈是相信你提出的创意是对他们的文化、感受与观值观是必要且重要的，才会可能愿意持续为这份创意去投资、承担风险和付出。 因此，法鲁克提出：「如果我们能以市场概念来理解艺术产制的运作，不论我们身处何方，面对的资源和环境有多困难
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焦点专题 Focus以制作人之名：专业、美学与革新并存的文化思辩者
过去3年多，不论是全球化、国际COVID-19疫情，乃至世界各地的经济困境和世代人才更替，表演艺术的生态环境及产制市场出现不少结构变动，面对整体环境从内到外的变迁，制作人如何持续发挥个人十八般武艺，与艺术家并肩开拓属于未来的工作关系呢？ 这次的「亚洲连结：制作人工作坊」也邀请到独立表演艺术制作人与构作余岱融、聚思制造端总监高翊恺、台北市立美术馆策展人萧淑文，就个人与艺术家工作经验进行个案分享。 责任与能力：跳出制作人职能功能的单一思考 一开始，余岱融回顾ACPC第一届曾对制作人角色和功能所下的定义：从文化领袖、策展人、构作等普遍的职能角色形容，到导师、守护者、「最后离开的人」等软性侧面描述都可以是制作人的形容词。 他主要以个人过去与台湾马戏团队「FOCA福尔摩沙马戏团」的工作经验，提出制作人一角跳出职位功能的单一思考，「有这么多职位、角色可以来形容制作人，似乎也背负很多责任。但我认为相对于『责任』，制作人的关键能力是一种『Response-ability』（回应的能力）。」一个制作人在进入工作时，会先需要花时间去认识自身、合作艺术家或团队，乃至整个生态环境的动态，进而协助分析、辨认当中潜在优势、限制等，再透过与艺术家或团队日复一日的对话、相处，策略开拓出可能方向，最后透过制作人的统筹能力和创意整合资源、引导艺术家与团队转化出新的行动，发展出新的内容及创意路径，甚至提出之于整个艺术生态突破性的观点与挑战，创造新的趋势。 这3个步骤往往是以「年」为单位计算的工作与对话过程。当制作人加入到团队的时间有足够长度，才有望能不断从过程反问、破立和定位团队的美学、能力、处境和观念，甚或把制作人个人与团队不全然相同的背景、价值、行业及国际视野搅碎混合到团队的艺术行动当中，共同挑战对内的创意能力、连结对外的社会角色公共讨论，以艺术参与社会，也让社会有途径进入艺术。 流动性与平等：反转制作与创作的主从关系 呼应余岱融的独立制作人经验，聚思制造端总监高翊恺也分享个人作为组织创意领袖及独立制作人，如何以艺文团队的民间组织定位，带领一群艺术工作者（Art Practitioners）或创意制作人（Creati
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戏剧 是时候来点经典文本了！从演员出发 起动当代台湾的《欲望街车》
没有创作者不想挑战教科书里的经典角色。对于自在穿梭中西方各种剧场形式的台湾重要剧场演员蔡佾玲来说，在流转于大小剧场的路途上，似乎也来到了回头挑战经典写实文本的时刻。但近10年的台湾剧场，或出于市场考量，或是创作者自己的题材选择，表演者很少能有与经典角色细细打磨工作的机会。在某次与策展人耿一伟聊天时，耿一伟抛出与她以往舞台形象距离甚大的《欲望街车》女主角白兰琪，希望能作为她职涯下一步的挑战，而刚好2023年台南艺术节邀请耿一伟担任策展人，整个制作就这么从演员出发，一步步水到渠成般地成形。 练基本功，走自己的路 美国剧作家田纳西．威廉斯（Tennessee Williams，1911-1983）的重要作品《欲望街车》，生动谱写1940年代美国南部小镇生活里，人们琐碎日常中埋藏的欲望与情感，刻画超时空的人际关系与人性困境。剧本在1951年由马龙．白兰度（Marlon Brando）与费雯．丽（Vivien Leigh）两位风格强烈的演员于电影中诠释后，成为全球影迷心目中的人物模板，也让剧本角色拥有跨语言共享的既定形象。 为了不落入与电影比较的宿命里，剧组核心3人：蔡佾玲、导演陈侑汝与制作郑涵文在讨论选角时，从好几位一直想合作的演员中，逐一与剧本现有角色配对，看看能产生什么样的神奇火花。像是被邀请担纲男主角史丹利的萧东意，在尚未开排前都以为自己是饰演第二男主角米契，直到导演打破这个幻象，邀请他更突破自我定位去探索、开展属于现代男性与演员个人特色的当代史丹利新面貌，既是定调为以演员为主体发展的制作，表导演就得更努力享受与感受这样的练功过程。
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焦点专题 Focus 莱比锡布商大厦管弦乐团音乐总监安德里斯．尼尔森斯 跨越两大洲的声音魔法师
生于拉脱维亚音乐家庭的安德里斯．尼尔森斯（Andris Nelsons），是现今最活跃于国际乐坛的中生代指挥家之一。他目前同时带领著欧洲与美国最负盛名的两大交响乐团，也充分运用了这个契机让他们彼此交流、产生出新的音乐火花。11月中旬尼尔森斯将带领莱比锡布商大厦管弦乐团来台，这也是他2018年就任后第一次和布商大厦乐团在台湾演出，并将带来与乐团有深厚连结的作曲家舒曼、孟德尔颂、华格纳、布鲁克纳的作品。为了让台湾乐迷更了解尼尔森斯以及他与乐团之间的更多面向，我们特别透过越洋专访，让他为台湾观众娓娓道来关于他及布商大厦管弦乐团的二三事。 Q：请问您对音乐与指挥的热情是怎么样开始的？在您职业生涯中，哪些关键时刻对您产生了特别的影响？ A：我生长在一个音乐家庭，因此，我对音乐的喜爱与热情是从我有意识开始就一直存在。我曾经学习钢琴、小号，同时也唱歌。5岁时与父母一起在里加（编按：Riga，拉脱维亚首都）观赏第1场歌剧演出《唐怀瑟》，对我来说那是一个非常重要的时刻。我的音乐生涯最初是以小号演奏家开始，这使我有很多机会分析许多不同指挥家的带领方式。在乐团工作同时，我一边学习指挥，这是我从小到大的梦想。我的指挥生涯是从拉脱维亚国家歌剧院音乐总监开始的，之后又担任了位于德国黑尔福德（Herford）的西北德爱乐乐团（Nordwestdeutsche Philharmonie）和伯明罕市立交响乐团（City of Birmingham Symphony Orchestra）音乐总监。我感到非常幸运能有这些经历，这些时期对我来说非常重要，并对于我不断追求成长和发展有著非常多的养分。 Q：您认为哪些指挥家对您有很大的影响？他们是以什么方式影响您？ A：作为一位年轻的指挥家，我聆听过许多指挥家的演出，并留给我深刻的印象，如伯恩斯坦、卡拉扬、克莱伯等等。杨颂斯（Mariss Jansons）对我个人的指挥生涯初期有很大的影响，他鼓励我、支持我，我从他身上学到了
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焦点专题 Focus团员视角下的莱比锡布商大厦管弦乐团
创立于1743年的莱比锡布商大厦管弦乐团（Gewandhausorchester Leipzig），是世界上第一个由市民阶级发起而组成的乐团，一开始只有16位乐手，随著时间发展，乐团的规模逐渐扩大，并在西洋音乐史上扮演著举足轻重的角色。历史上许多知名的作曲家，都曾与这个乐团有著深厚的连结，由乐团首演他们的作品，包括贝多芬、舒曼、布拉姆斯、华格纳、布鲁克纳等。孟德尔颂更是乐团的第5任首席指挥（Gewandhauskapellmeister），并带来许多深远影响。 在这280年的累积下，让布商大厦管弦乐团以深厚的文化底蕴，以及特有的声音传统在国际乐坛上占有重要的一席之位。其中最独一无二的，就是弦乐的音色，「比较暗、但柔软的音色，这个声音的特质，就是乐团深沉的基底。」乐团中提琴首席Dorothea Hemken解释。为了要维持这个传统，乐团在各方面皆做了努力，包括乐器的选择，如坚持使用德式单簧管及德式长号。此外，2004╱2005乐季，乐团与莱比锡音乐院共同合作成立了孟德尔颂国际乐团学院（International Mendelssohn-Academy Leipzig），让来自各地的年轻学子都有机会在乐团里实习，并在排练和演出中，学习到乐团独有的音色及语汇；其中一些学员甚至在实习结束后，顺利通过甄选成为乐团的一分子。
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艺号人物 People 义大利剧场导演卡士铁路奇 暗黑氛围里 一场道德的考验
继《美国民主》之后，义大利大师级导演罗密欧．卡士铁路奇（Romeo Castellucci）再度访台，邀请观众深入现实社会的矛盾核心。《兄弟们》（Bros）以警察为题，探索法律与道德的极限。透过繁复的意象与冲击的感官效果，突破剧场表演框架，营造出一场凌驾于语言、文化、理智之上的当代祭仪。 从执法力量深入律法矛盾 警察究竟是维护公共秩序的人民保母，还是威权统治的打手？执法者刚正不阿的形象是否让手无寸铁的民众感到渺小？卡士铁路奇以人类学的角度探讨律法的暴力，突显当代民主发展症结。「《兄弟们》的灵感源自我在巴黎的亲身体验。当时黄背心运动爆发，警方在四处巡逻。每每看到身穿制服的刑警，我心中不自觉扬起一股罪恶感，仿佛成为随时会被逮捕的嫌犯。但以警察作为主角并非要评论时事，而是引申人与法律之间的关系，也突显当代社会的黑暗面：从令如流，是否意味著缺乏意识、不用负任何责任？」 尽管卡士铁路奇的作品时常出现警察的形象（注1），但《兄弟们》是他首次以执法者为主体的创作。「我的创作承接希腊悲剧的脉络：希腊悲剧英雄以个人行动，挑战社会律法的正当性。而我想透过警察去揭露法律的黑暗本质：只要依法，任何人都可以使用暴力。这其实是一种相互矛盾的悖论。」卡士铁路奇这么说。 对导演而言，警察是20世纪初随电影艺术发展才登台的角色，戏剧史上几乎不存在类似的人物。但早期的警察形象并非冷峻严肃，反而带有幽默的喜感：「基顿（Buster Keaton）默片中的警察从荒谬的灾难中死里逃生，突显出人们需要秩序，但也有破坏它的欲望。大家都想要逃脱法律的框架，而警察变成众矢之的。我想延伸警察的复杂内涵，所以无法用便宜行事的批判手法。若是执法行为宛若一场游戏，反而会让人更加不安。」