2025世界剧场设计展（World Stage Design，WSD 2025）于10月18日至25日在中东文化之都沙迦（Sharjah）拉开帷幕。本届展览不仅是4年一度的全球剧场盛事，更是一场对剧场设计语言、科技趋势与永续责任的深度审视。 趁此机会，本刊特地访问到2025 WSD 世界剧场设计展专案总监贾姬．乔治（Jacqui Georg）。在访问中，她说明了本届WSD部分奖项调整的考量，也分享了在中东气候下推动永续实践的挑战与承诺，以及如何透过与 Goumbook 合作种植红树林，将碳排放抵销纳入全球活动规划中。面对强大的AI数位浪潮，她表示「当前表演设计界的科技变化既是礼物，也是挑战。」而今年WSD的主题「明日的遗产」，「正是对这种张力的回应。」
继今年8月中旬于台北中山堂举办的「2025 Dance Now Asia舞蹈艺术节」（下简称DNA舞蹈节）推出「亚洲青年舞蹈创作演出Showcase」、「国际身体工作坊呈现」及「国际舞蹈论坛」后，DNA舞蹈节更是首度插旗海外，紧接著在韩国大邱举办「2025 Dance Now Asia in Daegu」舞蹈艺术节。期间除演出本年度主办单位「大邱市立舞团」（Daegu City Dance Company）与韩国编舞家的作品外，本艺术节共同发起╱策画团队「MeimageDance」与「日本东京艺术」带去的来自台湾与日本、共计10支舞作，也在大邱文化艺术中心（Daegu Culture and Arts Center）演出，展现出亚洲当代舞蹈丰富且多元的样貌。
2025秋天艺术节 桑布伊专题对谈：创作中的迁徙与记忆 讲者：桑布伊 主持人：马翊航（国立东华大学华文文学系助理教授） 时间：2025年9月3日 在2019年的台湾国际艺术节（TIFA）上，桑布伊带著卡大地步部落（知本部落）的祖灵和音乐，站上两厅院舞台，用他充满传统古调灵魂的嗓音，传达原住民的文化与土地记忆。时隔6年，桑布伊重返两厅院，在2025秋天艺术节的《无界的疆域》演出中，以歌为界、以声为桥，吟唱出卑南族的信仰、迁徙与万物世界观。 演出之前，两厅院邀请同为卑南族的作家马翊航，与桑布伊一同对谈彼此在土地、迁徙、语言与信仰上的感受与观察，他们各自从文学与音乐的创作出发，却又在卑南族的历史里，凝视出对传统与当代的共鸣。 地名从来不只是地名，更是祖先的生活足迹 「我很喜欢《得力量》专辑里〈一天的生活〉这首歌，歌词里写著『去Kanaluvang那边放牛／去Kinkuwangan那边放牛。』有很多卑南族传统领域的地名。」讲座一开始，马翊航就先分享这首来自桑布伊的创作，同时也带出他的提问为什么想要在音乐里表达卑南族的土地与领域？ 桑布伊不假思索答道，虽然〈一天的生活〉听起来轻松、快乐，但他的创作发想，源自于多年前家乡卡大地布部落的光电开发案；一度被划为光电场的区域，是桑布伊从小去放牛、捕鱼、练习狩猎与认识植物的传统领域，也正是他写入歌中的几个地名。 「300年前，荷兰人沿著知本溪上岸，举起枪就对梅花鹿开火，当时的祖先根本没见过这把在大晴天也会发出雷声与亮光的东西；后来卑南语的『枪』旧念作Kuwan，而当时荷兰人开枪的地方，叫做Kinkuwangan，意思就是『枪响之处』。」桑布伊说起部落的一处地名由来，而马翊航则接口说起建和部落同样也有类似例子，部落后山
德国导演玛丽．施列夫（Marie Schleef）的创作以挖掘被忽视的女性叙事出发，逐步发展出融合美学与女性主义观点的整体实践。透过具体戏剧作品案例，深入讨论「空缺」、「留白」、「不可见」、「未知」与「未被命名」等概念，如何成为她美学语言的核心，来回应所处的剧场生态与文化脉络。目前正在京都歌德学院驻村的她，应台北歌德学院之邀于7月18日来台演讲，主题是「空缺的美学」，趁此机会，PAR特别专访施列夫，分享其对剧场的思考与创作方法。
共融路上你和我：艺术实践的一千道风景主持人：魏琬容分享人：张可扬、许映琪、王珩时间：2025年7月29日地点：台北国家戏剧院4楼交谊厅 近年来，「共融」成为表演艺术领域中被频繁讨论的关键字。从无障碍设施、口述影像、情境字幕，到针对特定感官设计的舞台形式，这些做法的共同目标，是让更多不同身体状态与背景的人得以进入剧场。然而，「进来」并不等于「参与」，也不代表「被理解」，在创作现场，共融意味著更多的事它是与观众建立信任的过程，是在作品内部为不同感官开启入口的设计，更是让创作者反思自己与社会、与差异的关系。 在这场由魏琬容主持的「共融路上你和我：艺术实践的一千道风景」分享会中，3位长期投入共融实践的创作者张可扬、许映琪与王珩分享了他们的经验、方法与挑战。从视障观众的口述影像，到应用剧场的感官引导，再到聋人舞蹈与社群建构，他们带来的不单是技术上的排练过程分享，更成为一种对艺术与公共性的重新想像。
2025年3月，钟乔应亚洲民众戏剧节协会（Asian Council for Peoples Culture）创办人莫昭如以「民众戏剧」的号召，率差事剧团、釜山空间剧场、ART GROUP C，以及日本魔幻大提琴师坂本弘道的《告别到南方去》制作团队，前往尼泊尔加德满都（Kathmandu），参与亚洲民众戏剧节协会主办的「国际民众戏剧节」（International People Theatre Festival，IPTF）（注1）。此行不仅重返1990年代曾与「南方」剧场伙伴并肩奋战的历史现场，更在现今的后冷战时代，于互为主体的状态中，持续探寻左翼文化相互参照与串连的可能。回首这段历程，自「亚洲民众戏剧：训练者之训练工作坊」（Asian People Theatre: Trainers Training Workshop，下称「训练工作坊」）在南韩首尔举办以来，至今恰逢35周年。
断连：新加坡民众戏剧的缺席 尽管亚洲民众戏剧的连带网络自1990年代逐步扩展，新加坡的身影却始终缺席，这一直是郭庆亮心中的一道困惑。对此，钟乔坦言，当年曾与菲律宾亚洲民众文化协会（Asian Council for Peoples Culture，下称ACPC）的导演Al Santos期待邀请由郭宝昆率领的实践话剧团参与。然而，考量新加坡政治环境的敏感性，尤其郭宝昆曾于1976年在人民行动党的左翼清洗行动中，因《内部安全法》与一大批华语剧场工作者一同遭拘禁，这使钟乔与ACPC选择审慎以对，最终错失了促成这场交流的契机。 回溯新加坡华语剧场的发展脉络，不难看出其与政治压迫历史之间的纠葛。自中国五四运动以来，左翼进步思想长期影响本地剧场风气，尤其华语戏剧作品最为鲜明。尽管新加坡作为冷战反共阵营的一支，戏剧却仍积极介入底层的社会运动，不仅回应时代处境、批判时局，也深化了剧场作为公共论述平台与政治动员的社会功能。然而，随著新加坡政府对华语文化与马克思主义思潮的打压日趋强硬，剧场的公共性逐渐被噤声，曾经强而有力的政治表述空间亦被大幅限缩。甚至在1994年，论坛剧场方法曾被视为危害公共秩序的艺术形式而不予补助；直到2003年，经由郭庆亮与戏剧盒的协商，才最终促使其正式「解禁」。 长期以来，新加坡的文化治理模式与其全面推动的资本主义国家发展战略紧密相扣。英语主导的语言政策、以商业效益为核心的艺术价值体系，使得英语及市场导向的戏剧作品逐渐成为舞台主流，更体现于艺术审查制度以及对艺术社会功能的界定与收编之中。这包含新加坡为向高度发达城市看齐，于2000年颁布 文字|简韦樵
官网限定报导 2025/09/19
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
每年台新艺术奖揭奖前后，皆会安排当届国际决选评审在台办理公众讲座。第23届台新艺术奖礼聘法国重要编舞家玛蒂德．莫尼叶（Mathilde Monnier）、韩国艺术家与影像导演朴赞景（Park Chan-kyong），以及熟悉台湾艺术生态的新加坡策展人邓富权（Tang Fu Kuen）担任决审委员，首场讲座由玛蒂德．莫尼叶打头阵，以「挺立在话语的边缘我和我的舞蹈」为题，同台3位曾获得台新艺术奖的重要女性编舞家：何晓玫、叶名桦与李贞葳，以对谈形式，聊聊舞蹈作为创作媒介，每一位创作人如何透过作品与社会对话。 莫尼叶对台湾并不陌生，早在2012年关渡艺术节就曾带来与视觉艺术家 Dominique Figarella合作的《肥皂歌剧》（Soapéra），也在跨国串连计划的亚洲舞蹈营里，与台湾策展人、艺术家群体多有接触，去（2024）年更曾带讨论性别暴力作品《黑暗之光》参与台北艺术节盛会。本次对谈邀请与莫尼叶相识多年、曾翻译莫尼叶与尚-路克．南希（Jean-Luc Nancy）合著书籍《叠韵：让边界消失，一场哲学家与舞蹈家的思辨之旅》（ALLITRATIONS : CONVERSATIONS SUR LA DANSE）的剧评人郭亮廷主持，由于问答环节时间较紧凑，大多数的亮点落在4位与谈人的创作概述中。
2025年6月4日晚间，国家交响乐团（NSO）于东京歌剧城音乐厅举行日本巡演「来自台湾」的最终场，为横跨熊本、大阪与东京的5日行程划下完美句点。音乐总监准．马寇尔（Jun Mrkl）担纲指挥，曲目涵盖台湾原创作品与欧洲经典，充分展现台湾音乐实力与文化厚度。 台湾原创与欧洲经典并陈 展现音乐实力与文化厚度 音乐会上半场回到日巡前两场由台湾作曲家萧泰然的《来自福尔摩沙的天使》作为开场，向观众呈现源自台湾这片土地的浓厚音乐情感。随后布鲁赫的E小调双重协奏曲原订由小提琴家黄俊文及中提琴家今井信子担任，但后者在日巡前因健康因素临时取消上场，NSO随即在极短时间内随即安排邀请德国中提琴家维特．赫谭斯坦（Veit Hertenstein）接替登台。赫谭斯坦是一位活跃于国际音乐界的德国中提琴家，1985年出生于德国奥格斯堡（Augsburg）。他以精湛的技巧、深沉的音色和细腻的音乐诠释著称，活跃于独奏、室内乐和教学领域，现在所使用的义大利名琴是制造师阿玛蒂在1616年制造的中提琴。2015年起接续今井信子担任德国德特莫尔德音乐学院（Musikhochschule Detmold）的中提琴教授，并自2016年起5年间起担任英国曼彻斯特皇家北方音乐学院（Royal Northern College of Music）的客座教授。两年前加入国际上知名的德国「舒曼四重奏」（Schumann Quartet）的美国经纪公司，恰巧在2年前也签进了黄俊文在美国多年的经纪公司AMG。 虽然临危授命，却已与黄俊文是多年旧识。黄俊文回忆：「跟他认识，是两人同时在2011
2025年6月2日晚间，国家交响乐团（NSO）首度登上日本最具指标性、享誉国际的东京三得利音乐厅（Suntory Hall），以一场充满「台湾味」的音乐会向日本观众展现台湾文化的深度与多元。这场曲目横跨古典与当代、贯穿多元文化记忆的音乐会，不但呈现出台湾在地记忆与国际语汇交织的声响风貌，更是一次以音乐为桥梁，深情传递台湾故事与价值的文化之旅。 本场音乐会隐含著许多的「第一次」：NSO首次登上三得利音乐厅、作曲家陈可嘉合唱新作《家的呼唤》首演，以及金希文第五号交响曲向李登辉总统致敬第三、四乐章首次于日本公开演出。从贝多芬《D大调小提琴协奏曲》到当代台湾原创作品，加上安可曲演出前辈作曲家萧泰然《来自福尔摩沙的天使》，3个世代作曲家的作品并列舞台，象征著台湾音乐文化的延续与传承。 名人齐聚 见证台湾音乐力量 音乐会吸引众多日本政界、艺术界、文化界人士，且包括超过10位的日本国会议员及多国驻日大使馆代表云集，充分体现NSO的国际影响力与音乐的跨界魅力。特别的是前首相安倍晋三夫人安倍昭惠及前总统李登辉的女儿李安妮也双双出席。 节目由贝多芬《D大调小提琴协奏曲》揭开序幕。担任独奏的是旅美小提琴家黄俊文，他的演奏展现极高的音乐素养与细腻诠释，以清澈圆润的音色，精准掌握旋律线条的流动与层次转折，让这首经典作品在温暖与张力之间取得绝妙平衡。黄俊文透露，这首曲子看似庞大，实则蕴含室内乐般的对话与精致感，而追求最贴近作曲家意图的诠释后，精湛演出深获现场乐迷与专业观众一致赞赏。 他分享，这首贝多芬《D大调小提琴
2025年6月1日，国家交响乐团（NSO）的日本巡演第二站来到大阪，于著名的大阪交响音乐厅（The Symphony Hall）献上精采演出。延续首场曲目，由音乐总监准．马寇尔（Jun Mrkl）指挥，携手小提琴家黄俊文与日本知名女高音森麻季，以丰富深刻的曲目与精湛演出，让大阪观众深受感动。
2025年5月31日下午，熊本县立剧场音乐厅迎来了一场极具历史意义的盛会国家交响乐团（NSO）日本巡演首站音乐会「来自台湾」。在台积电于熊本落脚、掀起台日经济合作新篇章的当下，这场音乐会不仅是文化的展演，更象征著台湾软实力与产业实力双双进驻九州重镇。 作为九州历史文化与现代科技交汇地带的熊本县，随著台积电（TSMC）熊本厂的设立与运转，已成为台日关系的焦点城市之一。台积电的进驻不仅带动当地经济与就业，更促进人文交流与台湾社群在地扎根，台积电文教基金会执行长许峻郎举例：「如赞助当地篮球队及地震后毁损的古迹修复等等。」NSO选择熊本作为本次日本巡演首站，在这样的时空背景下，具有象征性与桥梁性意义，传递出台湾不仅输出技术也输出文化，将「来自福尔摩沙」的音乐带进当地人民的生活。 在正式演出之前（5月29日），由台积电文教基金会支持的黄俊文小提琴大师班率先登场，台南市市长黄伟哲也特别莅临现场，为同样出身台南的小提琴家黄俊文加油打气。大师班的几位学生在黄俊文因材施教的指导下获得相当的收获，更有接受指导的学生当场表示愿意来台受教于黄俊文。
第23届台新艺术奖于2025年5月24日举行颁奖典礼，年度大奖由张立人作品《战斗之城．终》获得，表演艺术奖和视觉艺术奖得主则分别为末路小花 X许芃《睡在风景画旁勤俭打呼的鼠婆太，但实际上没有风景画！（白萝卜、钉牙、她的鸡、（以及她的后人））》，与倪祥《大家都来看你了倪祥个展》。决选委员会主席高千惠以「温柔的坚持，理性的聆听」形容本届如战斗般激烈、却同时保持开放自由的评选过程，表示入围的15件作品无论规模大小、著眼美学高度或是文化探讨，都让决审团对巨大的艺术创作能量深深有感。
国家两厅院实践永续与共融理念近10年时间，自2022与文化部共同举办「永续场馆．共融年会」以来，今年已来到第4年，俨然成为艺文界与国际对接的重要平台。今年也是国家两厅院参与的国际组织欧洲STAGES永续剧场联盟（Sustainable Theatre Alliance for a Green Environmental Shift）计划最终年，身为亚洲唯一会员，肩负STAGES压轴论坛任务，国家两厅院倾力落实细节在会场的各处：餐食的选择、讲者的多元背景、线上线下包含手语与即时听打的多语服务，各种设身处地的体贴，成为国家两厅院总监刘怡汝致词里「永续就是一种选择」的最好背书。总监也表示，一路走来并不轻松，但有了伙伴并肩，才能走得更远。年会呈现了4年来各地多姿多彩的执行成果与收获，同时也在丰厚的实战经验交流里，看见下一阶段的永续目标与可能。 内容扎实紧凑的论坛分三部分进行：「文化场馆的发想与执行」、「创作团队与永续的互利共生」及「社会扩散与共感」，由内而外的讲题安排也扣合全球艺文产业在永续目标上面的共识，希望透过艺术与创意的途径，打开大众共好意识。论坛中最精华的部分在于问答Q＆A段落，线上与现场发问极为踊跃，显示永续议题经过官方与民间4年积累发酵，已然不再小众。
在体验两厅院真挚的易读服务与手语导览后，下半场会议邀请长期陪伴国家两厅院共融永续计划的艺术顾问施馨媛担任主持，由甫结束两年驻馆的无独有偶工作室剧团总监郑嘉音开场。 为未来剧场指路 一向对商业感到手足无措的郑嘉音，终于在永续里找到与企业对话的桥梁。两年驻馆期间的永续制作尝试，加上深入田调众多台湾剧团现况，无独有偶剧团将经验汇整成为给所有剧场从业者的《绿色工坊指南》，已于2025年1月问世。手册透过简单的提问与选项，引导读者重新思考艺术生产流程，翻转既有观念。郑嘉音简报里充满细节的各种实务分享，像是一帧帧照片记录著剧团执行永续过程里的成就与快乐。像是在制作后回收材料的收纳上，先将二手物件放在最容易取得的外层，从工作使用习惯著眼；或是因碳排比不上大型企业，因此由人权方面相手，提高团员福利、会议以多语进行等，又或者在剧场周进出时思考如何以节约空间的方式打包大小道具，减少货车趟数等，团队也参考联合国全球盟约组织「SDG Compass」，写出温柔珍惜偶生的「戏偶价值链」，期待每一个偶都能从摇篮到摇篮（cradle to cradle），避免一次性摇篮到坟墓（cradle to grave）的结局。
许多年以前，我们一群戏剧、教育界的师生，在波瓦工作坊的休息时间围著他提问。那是个没有AI、就连维基百科都还不风行的年代。我问波瓦，「为什么你的任何一本书都没有提到你的生日？我翻遍了好多的文献资料才找到」。大家七嘴八舌的讨论著，是啊，的确都没提到，到底是哪一天？他边喝著咖啡边笑著对我说，那你现在知道了吗？我很骄傲而大声地回他：3月 16日！ 1931年3月 16日是提出「被压迫者剧场」理论体系的剧作家兼导演波瓦（Augusto Boal，1931-2009）的生日，2017年12月 21日，巴西政府正式签署法令，明定3月16日为国定「被压迫者剧场日」（Dia Nacional do Teatro do Oprimido），以纪念这位在戏剧界奉献超过半个世纪的巴西剧场巨擘。曾与波瓦共同创办「里约被压迫者剧场中心」（CTO-Rio）的杜尔勒（Licko Turle），近几年为了在学院推广被压迫者剧场，成立「被压迫者剧场学会」（GESTO），今年正逢《被压迫者剧场》一书以葡文在巴西出版 50周年，于是学会成员于3、4月间，在全巴西各地自动发起庆祝波瓦生日暨「被压迫者剧场纪念日」系列活动。
2002年于荷兰成立、多年致力投入舞蹈电影（dance film）的映演、开发与交流的组织Cinedans，其每年定期举办的Cinedans舞蹈电影节（Cinedans FEST），今（2025）年也迈进第21届，在阿姆斯特丹的Eye荷兰电影博物馆（Eye Filmmuseum）举办为期4天（3/20-3/23）的活动，内容包括有影片放映、装置与VR作品展示、学生创作提案、专业人士讲座，以及邀请艺术工作者、思想家、创意技术专家、资助方代表和一般观众一同交流的专题研讨会「Navigating the In-Between」；另外，影展亦透过「Cinedans WEB」平台进行10天（3/21-3/30）线上放映，提供未能亲身与会的观众观赏多数内容。
2025年1月，跃演VMTheatre Company带著台湾原创音乐剧《劝世三姊妹》登上纽约外百老汇剧院Theatre Row连演4场，《PAR表演艺术》总编辑黎家齐认为，这不单单只是把演出原封不动地挪到美国演出，而是为了外百老汇的舞台进行一定程度的再制。而这趟试演的起心动念、事前准备、落地执行等细节，究竟是怎么发生的？《PAR表演艺术》编辑部特别邀请《劝世三姊妹》导演曾慧诚与制作人林易衡，一同来聊聊纽约之行尝试将《劝世三姊妹》带入百老汇音乐剧产制流程的过程与经验。
而《劝世三姊妹》在纽约的试演无疑是成功的，这加深了团队将作品推到美国市场的信心，「我们花900万到美国的阶段任务已经完成，确定要往下发展，其实有3个面向的问题要处理。」林易衡解释，第1个面向是「版权」，因为要将《劝世三姊妹》这个IP进行改编，无论是编剧詹杰或音乐创作康和祥的版权，要如何授权给美方？是需要讨论的。
剧院今天不卖票。 偌大的空台，就要上演许多青年艺术家的人生第一出创作，灯光吊杆控台布景蓄势待发，要让年轻世代青年艺术家写下一堂堂实战笔记，感受那个舞台上独特的空气感，想像观众席上那一波波投射而来充满期待的目光。台湾各大表演艺术场馆相继推出青年艺术家扶植计划，要让场馆成为新生代艺术家的「靠山」。 「开发创作者潜能，是国家两厅院在艺术家培育计划的邀请角度」，国家两厅院艺术总监刘怡汝表示，目前两厅院相关计划包含「新点子实验场」及「驻馆艺术家计划」等等，希望回应产业实际现况，将资源挹注于相对具经验及未来有高度发展潜力的艺术家们。 两厅院开发创作者潜能，建立国际交流连结 刘怡汝说，「我们提供艺术家从既有经验和基础，深化创作论述、熟成节目制作、并丰富实践技能的场域。」除了在演出节目安排，两厅院也以读剧、阶段呈现、创意工作坊等形式，借由艺术家的作品与观众反馈，让作品更臻于成熟。今年比较特别的是两厅院希望可以让青年世代提早与国际接轨，与亚维侬艺术节合作「不可能的传承」艺术家培育计划。 「不可能的传承」艺术家培育计划首届由法国编舞家玛蒂德．莫尼叶（Mathilde Monnier）为计划总导师，带领两梯次各20位来自全球艺术学校、剧院、艺文机构、艺术节等具潜力的创作者，参与每梯次为期一周的培育计划，透过讲座、大师班、演出观摩及一对一讨论等，挑战原本被视为「难以传承」的艺术创作。刘怡汝说，这个计划从2024年到2026年，为期3年，每年都会推荐两位艺术家前往交流。 今年两厅院推荐周宽柔、洪唯尧两位艺术家参与，其中洪唯尧表示，这是一个比亚维侬「IN」还要再「IN」的一周，除了看戏，每天都会跟前一天看戏的主创对谈，密集地与各国各类型艺术家工作、排练，深度活在城中一周像一个月，收获满满。」
2014年的太阳花运动，以及2020年爆发、持续两年的新冠疫情，深深影响了新世代的创作面貌。这是废话，从选举、贪污弊案，到科技产业都受它影响的这两件大事，怎么可能不影响艺术呢？不过，仔细想想，这个影响是很奇怪的：虽然几个现在常见的议题白恐、转正、AI、人类世都可以追溯到那场运动和流行病，但是，直接回应这些事件的作品其实很少。 于是乎，太阳花和肺炎对于台湾艺术圈最大的影响，就是艺术家愈来愈熟练地令人察觉不到影响。我们在历史中学习一种对历史的冷漠，而且学得愈来愈好，学会从历史当中计算获利，然后就不必追问「究竟发生了什么事」。 究竟发生了什么事？ 艺术家所创造的「民主形式」 一条贯穿两起事件的线索，是公民科技的兴起。以零时政府（g0v）为代表的开源社群，从反服贸、反送中，到疫情期间包括「口罩地图」的各种防疫平台，都可见黑客们将资讯透明化、促进参与、互相帮助的创意。这是最坏的时代，也是最好的时代，而几乎一切的好，都是从虚拟世界里开始成真。 影响所及，占领运动不再需要一个总指挥的大台，抗争群众可以自组小队，在任何一段封锁线上挺进，街头表演可以在任何一个街角发起。不聚在一起的人们，也可以在移动中的任何一段路程开线上会议，在彼此隔离的场所共笔。所以别搞错了，这种表面上的「去中心」、「液态」、偶发和随机，是透过网路技术高度组织、程序化、演算过的。换句话说，无论参与的是嘉年华般的抗争现场，还是瘟疫时期的远距互助，那种参与感，很大程度上是一种技术感受，是在感受技术带来的透明、模组化、可操作。 新世代的艺术家们就没搞错。观察陈武康、孙瑞鸿、柯智豪与一群30世代创作者的《非常感谢你的参与》，以及王宁等人的《运动提案》，许多评论都肯定，这是新世代所创作的「民主形式」。前者是让不同领域的创作者，以及通常不被视为创作者的设计和舞监，像团练一般，构成一支不以编舞家为中心的舞蹈。后者是以6分钟为单位，由不同的创作者发动10个6分钟，在舞蹈表演的框架下，运动出声响的表演、影像的表演、灯光的表演、空间的表演。说来有些不可思议，这些强调「平等」、「参与」、「去中心」的集体创作，现场偶有失误，但绝不混乱。跟抗争现场很像
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