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2017年布拉瑞扬受邀成为台中国家歌剧院驻馆艺术家,今日已成台湾重要编舞家。图为布拉瑞扬舞团舞作《路呐》剧照。
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注入产业新血,在舞台上一堂实战文化课

表演场馆内的青年培训计划

剧院今天不卖票。 偌大的空台,就要上演许多青年艺术家的人生第一出创作,灯光吊杆控台布景蓄势待发,要让年轻世代青年艺术家写下一堂堂实战笔记,感受那个舞台上独特的空气感,想像观众席上那一波波投射而来充满期待的目光。台湾各大表演艺术场馆相继推出青年艺术家扶植计划,要让场馆成为新生代艺术家的「靠山」。 「开发创作者潜能,是国家两厅院在艺术家培育计划的邀请角度」,国家两厅院艺术总监刘怡汝表示,目前两厅院相关计划包含「新点子实验场」及「驻馆艺术家计划」等等,希望回应产业实际现况,将资源挹注于相对具经验及未来有高度发展潜力的艺术家们。 两厅院开发创作者潜能,建立国际交流连结 刘怡汝说,「我们提供艺术家从既有经验和基础,深化创作论述、熟成节目制作、并丰富实践技能的场域。」除了在演出节目安排,两厅院也以读剧、阶段呈现、创意工作坊等形式,借由艺术家的作品与观众反馈,让作品更臻于成熟。今年比较特别的是两厅院希望可以让青年世代提早与国际接轨,与亚维侬艺术节合作「不可能的传承」艺术家培育计划。 「不可能的传承」艺术家培育计划首届由法国编舞家玛蒂德.莫尼叶(Mathilde Monnier)为计划总导师,带领两梯次各20位来自全球艺术学校、剧院、艺文机构、艺术节等具潜力的创作者,参与每梯次为期一周的培育计划,透过讲座、大师班、演出观摩及一对一讨论等,挑战原本被视为「难以传承」的艺术创作。刘怡汝说,这个计划从2024年到2026年,为期3年,每年都会推荐两位艺术家前往交流。 今年两厅院推荐周宽柔、洪唯尧两位艺术家参与,其中洪唯尧表示,这是一个比亚维侬「IN」还要再「IN」的一周,除了看戏,每天都会跟前一天看戏的主创对谈,密集地与各国各类型艺术家工作、排练,深度活在城中一周像一个月,收获满满。」

文字|赵玛姬
第360期 / 2024年12月号
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太阳花运动与疫情影响下的新世代表演

2014年的太阳花运动,以及2020年爆发、持续两年的新冠疫情,深深影响了新世代的创作面貌。这是废话,从选举、贪污弊案,到科技产业都受它影响的这两件大事,怎么可能不影响艺术呢?不过,仔细想想,这个影响是很奇怪的:虽然几个现在常见的议题白恐、转正、AI、人类世都可以追溯到那场运动和流行病,但是,直接回应这些事件的作品其实很少。 于是乎,太阳花和肺炎对于台湾艺术圈最大的影响,就是艺术家愈来愈熟练地令人察觉不到影响。我们在历史中学习一种对历史的冷漠,而且学得愈来愈好,学会从历史当中计算获利,然后就不必追问「究竟发生了什么事」。 究竟发生了什么事? 艺术家所创造的「民主形式」 一条贯穿两起事件的线索,是公民科技的兴起。以零时政府(g0v)为代表的开源社群,从反服贸、反送中,到疫情期间包括「口罩地图」的各种防疫平台,都可见黑客们将资讯透明化、促进参与、互相帮助的创意。这是最坏的时代,也是最好的时代,而几乎一切的好,都是从虚拟世界里开始成真。 影响所及,占领运动不再需要一个总指挥的大台,抗争群众可以自组小队,在任何一段封锁线上挺进,街头表演可以在任何一个街角发起。不聚在一起的人们,也可以在移动中的任何一段路程开线上会议,在彼此隔离的场所共笔。所以别搞错了,这种表面上的「去中心」、「液态」、偶发和随机,是透过网路技术高度组织、程序化、演算过的。换句话说,无论参与的是嘉年华般的抗争现场,还是瘟疫时期的远距互助,那种参与感,很大程度上是一种技术感受,是在感受技术带来的透明、模组化、可操作。 新世代的艺术家们就没搞错。观察陈武康、孙瑞鸿、柯智豪与一群30世代创作者的《非常感谢你的参与》,以及王宁等人的《运动提案》,许多评论都肯定,这是新世代所创作的「民主形式」。前者是让不同领域的创作者,以及通常不被视为创作者的设计和舞监,像团练一般,构成一支不以编舞家为中心的舞蹈。后者是以6分钟为单位,由不同的创作者发动10个6分钟,在舞蹈表演的框架下,运动出声响的表演、影像的表演、灯光的表演、空间的表演。说来有些不可思议,这些强调「平等」、「参与」、「去中心」的集体创作,现场偶有失误,但绝不混乱。跟抗争现场很像

文字|郭亮廷
第360期 / 2024年12月号
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从赞助到共荣

企业与艺术跨界合作的永续之道

在台湾的文化生态中,企业赞助扮演著愈来愈重要的角色,为表演艺术团队注入了重要的资金和资源。从科技巨擘到传统产业,各种规模的企业都开始关注并投入艺术领域,不仅为艺术团体提供了经济支持,也为企业自身带来了品牌价值和社会影响力。如台积电文教基金会、力晶文化基金会和万海慈善基金会等都投注大笔经费赞助各类型艺文计划或展演。这种跨界合作不仅丰富了台湾的文化景观,也反映了企业对社会责任的重视和对艺术价值的认同。 在各个县市也有许多在地企业愿意投入资源支持艺文计划。本文即邀请到高雄旧振南饼店董事长李雄庆和嘉义升亿水电行董事长黄彦富接受访问。前者长期支持国家交响乐团和其他地方性艺文团体或学校;后者深耕嘉义,多年来支持长义阁掌中剧团、阮剧团和其他小型艺文计划。透过两位董事长的分享,来探讨台湾企业赞助表演艺术团队的现况,深入了解企业为何选择赞助艺文展演,以及这些合作如何为双方创造价值,进而探讨企业赞助对台湾表演艺术生态的深远影响。

文字|王颢烨
第360期 / 2024年12月号
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重拟需求与定位目标

募/集资平台开启表演艺术的产业未来性

募╱集资平台,是专门用于连接「资金提供者」(有资金的人)和「资金需求者」(有资金需求的人)的第三方平台。平台的建置,提供相对完善的浏览空间与机制,让有资金需求的个人或企业展示与推广计划、想法或产品,让投资者或赞助者方便挑选和支持认同的理念与商品,能用相对低的成本、风险,打造形象、也建立行销手法,或是测试市场反应。 在台湾,除跨国平台,广为人知的台湾募╱集资平台有啧啧、flyingV、挖贝WaBay(由贝壳放大群众集资顾问公司创立)等,知名案例有台湾制手工床垫「眠豆腐」、100%回收宝特瓶制作「FNG宝特袋」、《齐柏林空间》共建计划等,类型多元,且关怀不同面向。根据啧啧创办人徐震、贝壳放大创办人林大涵的说法,在成立平台初期,表演艺术相关募资案就被纳入,经历10年不等的发展时间,亦随文化主流、市场趋势,以及平台本身的陪伴与辅导机制,开发出「不只是演出」的各种案例,似乎看见表演艺术产业化的思维与未来走向。

文字|吴岳霖
第360期 / 2024年12月号
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跨界是趋势,还是表演艺术的本质?

王希文、詹杰、郭文泰从跨界经验谈创作思维与走向

以《PAR表演艺术》杂志为对象,搜寻「跨界」这个关键词,会跳出94篇相关文章,最早一篇是在1998年底刊出的内容,谈论歌舞伎与巴赫音乐的跨文化、跨场域创作。随著时间推移,举凡装置艺术与表演艺术间的交错、传统戏曲与当代表演的共创,再到科技展演与表演创作的多元融合,10多年过去,「跨界」一词的定义不断发展、演变,究竟什么是跨界?跨界又能带来什么可能与提醒?在作曲家王希文、编剧詹杰与导演郭文泰眼中,各有相似与相异之处。

文字|田育志
第360期 / 2024年12月号
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剧场,是可以理解彼此的场域

捌号会所、坏鞋子舞蹈剧场与穷剧场谈另一种观众想像

过去10年,随著台中国家歌剧院、卫武营国家艺术文化中心、台湾戏曲中心、台北艺术中心陆续完工,加入原本孤单的国家两厅院行列,台湾剧场圈因而进入圈内人戏称的「大剧场时代」。再加上地方文化中心整装改建、也有不少空间挪作表演空间使用,整体座位席╱待卖票数翻了好几倍。业界讨论逐渐从「场馆不够用」,转移到「观众在哪里」的困惑。(注1) 「观众在哪里」不只意味创作生态的市场考量、产业结构与成本回收。表演艺术既然作为现场艺术,唯有观众的存在,才能实现作品的存在。撇开利益取向的商业操作不谈(虽说谈「钱」也很重要),创作者面对什么样的市场、去哪里寻找潜在观众,事实上也都本于「如何用创作和观众建立关系」。本文因此自音乐、舞蹈与戏剧领域,访问捌号会所、坏鞋子舞蹈剧场(后简称坏鞋子)与穷剧场,一探创作者以团队为出发点、和观众连结的策略与思考。

文字|白斐岚
第360期 / 2024年12月号
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借用特质,打开不同领域的既定界线

从国家人权博物馆、台北市立美术馆谈不同文化场域的表演艺术策画

表演艺术涵盖舞蹈、戏剧、音乐等多样形式,深植社会,易于感染人心,举凡表演者或欣赏者,都能培养出强大的共感力。除在表演艺术场馆中可以见到演出之外,近年亦有博物馆、美术馆、文化园区等「非表演艺术」领域的文化场域引进表演艺术,如国家人权博物馆(后简称人权馆)、国立台湾美术馆、台北市立美术馆(后简称北美馆)、台湾新文化运动纪念馆等,在借镜彼此的艺术功能与素材的同时,也赋予表演艺术新的角色与使命。本文将从人权馆与北美馆两个案例,来思考这样的做法究竟是艺术内涵的赋活、还是本质的削弱,也重新审视彼此的诉求与需求。

文字|万小川
第360期 / 2024年12月号
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多方进击与多重角色──地方政府的推广策略与辅助功能

表演艺术作为文化政策的一环,若「中央政府」的责任是拟定文化的核心理念与发展方向,那么「地方政府」就更直接面对演艺团队与一般民众,更得成为多方的桥梁,甚至是接受与转化任何政策、事件等因素带来的冲击。本文将从「表演艺术推广与辅导╱助」的面向切入,探究地方政府扮演的角色,也揭示其中困境;但不同县市涉及地理环境、交通建设、人口组成、政治角力等因素,必然在发展的脉络与取向、面临的问题与挑战等会有所差异,故本文仅能以几个县市为主要案例,尝试勾勒整体的可能轮廓。

文字|吴岳霖
第360期 / 2024年12月号
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从池塘到湖泊──文策院的表演艺术突围策略

文化内容策进院(简称文策院)是推动台湾内容产业商业化和国际化的重要机构,透过投资运用与跨界合作强化作品效益与市场规模,协助创作者在现今变化迅速的新娱乐时代中突围。本次和院长卢俊伟的专访中,「投资」、「市场」、「产业」是不断出现的三大关键词,明确指出文策院与国艺会、国表艺中心等中介单位不同的核心任务。以此定位国内各文化内容产业的发展,现状显示三者成正比,即市场大、投资多,产业也相对健全。 文策院负责影视、流行音乐、出版、漫画、动画、游戏、表演艺术、视觉艺术、时尚设计与文化科技等10个产业别,自2019年6月成立到2024年9月止通过投审会的产业比例中,影视类共123案,为总案件数76.88%,占比最高;表演艺术为12案,占总案件数7.5%,占整体投资4.97%,资金规模约2.5亿新台币。其中,包含以股权或有限合伙的方式投资公司,或专案投资,前者如大清华传媒、华文音乐剧,后者如《西门町一番地》、《一村喜事》等。悬殊的投资比例反映产业自身的市场规模,卢俊伟表示,文策院以「投资」为主力,案件的选择仰赖其「市场潜力」,并不预设方向或进行资源的平均分配。影视产业在台湾的市场规模,在这10个产业中相对较大,使得其投资案更具市场潜力和报酬率。 从演艺团体转向公司化经营 根据台湾文化政策长年发展模式,表演艺术团队熟悉补助机制,对于「投资」形式相对陌生,卢俊伟指出,「补助」侧重作品制作面,评估其品质与完整性,补助成本面,但「投资」不仅考虑这些因素,还重视商业市场性,「投资一定讲求回报,我们的目标是协助表演艺术界走向商业化。」 卢俊伟比喻,表演艺术现在是一座池塘,如今要让它变大成一座湖泊,需要注入源源不绝的活水,因此除了政府投资额,还须引入民间其他产业的资金。跨产业投资看重作品潜力,也考量团队能否长期稳定经营,然而,国内表演艺术团队目前多为演艺团体,投资方更倾向投资公司,因此「从演艺团体走向公司化经营」是实现商业化的第一步。为此,文策院规画「文化创业加速器」,若团队有意朝公司化经营,拟定组织架构与商业计划后可申请加入。入选者除获得培训资源,文策院亦将媒合天使投资人,「初期金额一定不会高,因为资本规模不大,但我们至少让新公司进入种子轮、天使轮的成长轨道,前提是团队本身要有事业长期经营的概

文字|赖柔蒨
第360期 / 2024年12月号
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7项教学策略,迎向未来的舞蹈与认识世界新途径

「Ralph Buck 未来的舞蹈教育」教师研习营侧记

日前国家两厅院与辅仁大学心理系合作的大师教师研习营,邀请到全球首位联合国教科文组织(UNESCO)舞蹈与社会共融联合主席、世界艺术教育联盟的创始成员、现任奥克兰大学舞蹈研究系主任长达17年的Ralph Buck教授,分享他对未来舞蹈教育的新想像。 Ralph Buck提醒舞蹈教育的初衷与使命:舞蹈是一种力量,试图打破种族、文化与身分的界限,为更多人创造肢体表达的机会,促进学生的身心发展,也在广度上为社会创造改变。 Ralph Buck于舞蹈教育所关注的重点是: 参与者如何透过舞蹈教育的途径,在身心上获得改善。教育成败并不是在于比赛的成绩表现上,而是师生之间的交流互动过程、舞蹈于教育中所扮演的角色,以及如何成为连结社会的工具,达成培养21世纪核心技能,练习团队协作、创造力和解决问题的能力。 舞蹈教育的理念:In╱About╱Through 三层次核心 舞蹈教育者的动机不能停留在理念层面,而是应透过实际的教学设计落地。Ralph Buck邀请参与者们透过舞蹈教学体验课,于爱尔兰的传统民谣中,借由简易的肢体动作,引领教学方法搭配轻快的音乐节奏,循序渐进地与身旁的参与者一起设计双人舞,让参与者们融入舞蹈所经营的群体氛围,培养舞蹈所带来的创造力。 「不要轻易忽视传统。」是Ralph Buck教授所传递的重点。教育核心在于连结过去与现在,舞蹈使动作与音乐形成沟通的桥梁,社交舞蹈是娱乐项目,更是一种社会连结的实践形式,让参与者们能在互动中,体验彼此的文化与情感交流,感知身体的可能性和音乐的文化意义。 老师在教育中扮演重要的引导角色,以身体语言带领学生理解舞蹈背后的故事与情感,借由自身探索「什么样的感觉是有意义的」,而非仅仅完成动作本身,既能提醒学生们敏锐地感知当下,更能透过身体互动增近人与人的关系。 Ralph Buck指出,舞蹈教育的三层次核心包括: IN「何谓舞蹈」:强调身体的开发与心理素质的培养,帮助学生面对挑战与学习过程。 ABOUT「关于舞蹈」:课程结合舞蹈文化与历史,连结当代社会的背景意义。 THROUGH

文字|林颖
官网限定报导  2025/02/03
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实践与对话:台日艺评的环境与现况

「艺起聊聊吧:台日艺评人交流对谈」讲座侧记

本次讲座缘起于今年国家两厅院与「京都国际舞台艺术祭」(Kyoto Experiment)的合作交流计划,由台湾艺评人余岱融赴日参访Kyoto Experiment、日本艺评人山﨑健太来到台湾的秋天艺术节,希望透过交流活动开启双方艺评的对话。本次的讲座的主题为「艺起聊聊吧:台日艺评人交流对谈」,并由余岱融、山﨑健太进行对谈,分享他们在两个艺术节中看见艺评及创作实践的不同样貌。 希望改变的现状:山﨑健太的艺术评论之路 首先由日本艺评人山﨑健太介绍目前日本艺术评论的现状,他从10年前开始从事艺术评论,5年前则开始参与剧场的营运。在日本的艺术评论界,会经常针对一些少数族群的议题进行交流,例如性别、年龄,以及移民的身分认同等。这次参访秋天艺术节,能有机会与台湾的剧团进行交流,对他来说也是十分珍贵的经验。 山﨑健太提到,日本在艺术评论方面的媒体资源其实相当匮乏,尤其是针对「戏剧」的评论。目前主要有3本杂志可以发表相关评论,第一个是《悲剧喜剧》(Tragedy and Comedy),它是日本最知名的艺术杂志之一,曾经是每月出版的杂志,现在则改为双月刊。第二个为《La Teatro》,这本杂志至今仍是纯纸质媒体,目前是以月刊的频率发行。最后则是由AITC Japan出版的《Theatre Arts》,出版的频率为一年出版一本。 除了上述传统的纸媒,还有一些艺术评论相关的网站,分别是Theatre Arts、Artscape及由京都国际艺术祭主理的SPIN-OFF。但真正以戏剧评论为主的其实只有Theatre Arts而已,即使如此,在2023年在此网站上关於戏剧类的评论也仅有13篇。虽然今年度的数据尚未出来,但目前大约有超过20篇。即使在数量上比起去年多,但以一整年度而言并不算多。第二个网站ArtScape,山﨑健太虽然也在此写过几篇表演艺术相关的评论,但它刊登的主要是美术相关的评论。由上述戏剧评论的发表数量及频率来看,意味著在戏剧领域的评论,实际上几乎没有可供艺评人发表的地方。 因此,山﨑健太决定成立自己的评论平台,并将之名为「纸背」。《纸背》在实体杂志与网路皆有经营,实体杂志自2017年5月开始出刊,每期会介绍3个作品,每个作品都会有两篇评论,以期提供不同的

文字|陈睿砡
官网限定报导  2025/01/30
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被因缘推著走 透过通灵与逝者共同创作(上)

彭弘智的「未完成之作——当灵媒作为编剧」计划

现世未来得及完成的创作,如何借躯还魂续写下去? 长年游走于多重媒介表现的艺术家彭弘智,一直都在各领域间来回跨越。在他获得国艺会「艺术未来行动专案」奖助的最新计划中,这一跨,竟也从阳世跨到了阴间,隔世追查逝者遗愿。名为「未完成之作当灵媒作为编剧」的新创作,其念想可谓呼之欲出:彭弘智邀请了灵媒,向周逸昌、田启元、陈明才这3位台湾小剧场史上的重要人物招魂,询及他们是否有待完成的未竟之业?又如何跟逝者的灵魂协作编剧、一同创作? 本次专访中,彭弘智将娓娓道来这项新计划最一开始的起心动念,如何逐步发展出整体的构想。此外,也分享了一路以来对周遭事物的思考,如何进一步显影在他最新的创作轨迹之中。

文字|谢镇逸
官网限定报导  2024/12/19
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被因缘推著走 透过通灵与逝者共同创作(下)

彭弘智的「未完成之作——当灵媒作为编剧」计划

彭弘智邀请了牯岭街小剧场馆长姚立群担任表演艺术顾问,前后透过灵媒居中与3位小剧场先贤沟通,最后再找来跟他们关系深浅不一的人物,一同完成这项阴阳两造之间的「跨界」计划。 灵媒:为对话而展开的跨界沟通 这次的「未完成之作」计划中,录像作品主要拍摄场景在台南麻豆代天府,其著名景点即是复古的台式地下鬼屋「十八层地狱」,以及地上那有著壮观巨龙的「天堂十景」。在这半世纪前兴建的阴曹地府中,老旧机械让似人非鬼的一具具偶给活了起来。「整个麻豆代天府的空间量体那么大,天堂与地狱景观又打造得如此华丽,这一方面是为了警世效果、教育意义;不过让我思考更多的是,这背后所卷动出台湾的社会经济发展史。当时一定有一大批专门建庙的工人南北跑透透,建起一间又一间的庙宇,或是早年流行打造那些巨大的神像。现在的庙都不太会再做这种大规划了,但以前曾经活跃过的那些师傅,现在到底在做什么呢?」 彭弘智相信,那些被完成后的机械人偶,待在地狱里那么多年,里面应该多少都藏著一些灵魂。「当时帮我烧船的一位师姐也跟我说,像我们画的人像,灵魂一看到有脸、有眼睛,就会躲到里面去,然后住在里面。当我看著那些地狱里的人偶,就觉得它们很奇怪虽然是不会自己动的物件,但加上电动机械,却又仿佛会动起来。所以它们绝对不会只是一个人物形象耸立在那里,而可能会有一些灵体躲藏在里面。它们的生命,就是这样介于虚实之间。」 不像之前《正义路安魂曲》是由艺术家来安排与张罗安魂仪式、送走前人,本次的「未完成之作」计划反倒委托灵媒作为第三方,并将远逝已久的3位才子给重新唤回。彭弘智很清楚,因为他想直接跟他们说话,「老房子的灵魂主动找上门,但我当时并没有特别想跟他说话。不过我会想跟艺术家沟通;既然我自己没办法跟他们直接对话,所以就找了灵媒帮忙。」 为什么想要跟他们说话?是因为过去没有机会认识他们吗? 「我们都是创作者,而我也想要跟他们一起创作吧。不过有趣的是,事实上他们是不存在的至少在肉身上、物理上,他们不复存在。当我说我要跟他们一起创作,这就会出现很多虚实之间的灰色地带。虽然到头来这始终仍算是属于我主导的计划,但是他们从过去到现在都给了我很多的养分。我跟他们的关系会

文字|谢镇逸
官网限定报导  2024/12/19
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爱丁堡艺穗节成功的幕后法则

独家专访 执行长夏娜.麦卡锡(Shona McCarthy)

夏娜.麦卡锡(Shona McCarthy)爽朗亲切,思绪清晰,讲起话来句句是重点,在她的领导下,爱丁堡艺穗节稳定成长,超过了3700场演出,卖出了超过200万张票,也曾带领爱丁堡艺穗节挺过最艰难的时刻。而这一切并不容易,毕竟,爱丁堡艺穗节已经75年了,这75年间世界改变非常巨大传真、网路、智慧型手机科技彻头彻尾改变了人类互动的方式,而艺穗节要如何与时俱进? 「艺术家第一」是爱丁堡艺穗节的标志 「让每个人都有一个舞台、让每个人都能欣赏演出」(Every one has a stage, Everyone has a seat),这句话代表著爱丁堡艺穗节的精神,每一个创作者来到爱丁堡艺穗节都受到平等的对待,而观众带著好奇心而来,拥抱所有可能性,如此一点一滴累积,自由与包容(Freedom and inclusion)成为爱丁堡艺穗节的基石。 但作为执行长的她,是如何确保这个精神呢?麦卡锡提及她上任的前6个月并不急著跳下去做事,相反地,她跟伙伴说:「你们就做你们的事,我不会大刀阔斧改变做法,别担心。」她专注地观察、倾听并学习,从中找到自己能贡献之处。当艺穗节被记者追著问数字,包含艺穗节演出场次、观众人数成长曲线等,是她把舵掌稳,她说:「艺术才是核心所在,我们把艺术家放在第一位,而观众像是策展人,一同打造艺穗节的样貌。」如果说自由与包容是艺穗节的基石,那么「艺术家第一」就是爱丁堡艺穗节昂扬的旗帜,在此旗帜下,爱丁堡艺穗节的队伍一路前行,沿途吸引愈来愈多志同道合的伙伴。

文字|魏琬容
官网限定报导  2024/12/17
话题追踪 Follow-ups 「爱国东小聚场」讲座侧记

当剧场遇上魔术,打开故事的可能

用魔术说的故事──探索魔术在剧场中的叙事手法(上)

「爱国东小聚场」系列讲座是由国家两厅院的驻馆艺术家协助规划,希望透过交流活动,探索创作者未来合作的可能。于9月10日举行的这场讲座,主题为「用魔术说的故事探索魔术在剧场中的叙事手法」,透过剧作家吴明伦与魔术师林陆杰的对谈,深入探讨魔术与剧场结合的创作可能。

文字|陈睿砡
官网限定报导  2024/11/08
话题追踪 Follow-ups 「爱国东小聚场」讲座侧记

当魔术遇上剧场,转动说故事魔法

用魔术说的故事──探索魔术在剧场中的叙事手法(下)

林陆杰表示,自己从小就热爱小说,而这也对其创作产生重要影响。他认为小说能够让人切换到不同时空,进行虚构想像,这对剧场和魔术的创作都相当重要。但许多魔术表演往往流于公式化的对话,可能缺乏意义,这对他而言是一件可惜的事。 小说中的魔术:创作灵感的来源 他特别提到,日本作家芥川龙之介在一本小说描述了他去印度遇到一位小伙子为他变魔术的情景,而在一百年后的林陆杰,因为流浪者计划到印度时,也亲眼见到这个魔术。这段经历对他而言极具魅力,促使他开始深入挖掘台湾小说家们对魔术的描写,这也转化为他未来创作的养分。 吴明伦则分享张国立的小说《金陵福:史上第二伟大的魔术师》,书中探讨魔术与历史的关系,揭示义和团对于刀枪不入的误解,实际上是一种魔术的表现。她近期也阅读了东野圭吾的作品,描述了一位退休魔术师如何利用魔术技巧解决谋杀案,用独特视角描写魔术师。借由小说运用不同角度去塑造魔术师,这样的创新思维能够突破我们原先对于魔术的想像,让人重新思考魔术的多样性。 吴明益小说《天桥上的魔术师》中所捕捉有关光华商场魔术师的想像,让林陆杰感到有趣也深受启发,他希望将这份魔幻力量透过真实对白传达给观众,让人体会到魔术的魅力,从而有了与吴明伦再次合作的作品林陆杰《年少时光》 feat.吴明伦《十殿》。

文字|陈睿砡
官网限定报导  2024/11/08
话题追踪 Follow-ups 从Curatoké表演策展人学院,到台湾表演艺术策展的现实与梦(一)

策展及其培育的再想像

近年来无论国内、外,视觉和表演在艺术实践上已多有相互跨足与涉入。然而身为一名在台湾的艺文工作者,时常感到策展知识的建立与传递,视觉艺术圈比起表演艺术圈要活络得多。我并不认为两者在策展思维上有根本差异,但它们的物质基础、经济架构、劳力需求和机构体质,确实有所区别。犹记日前视觉背景友人对「现在人人都可以成为策展人」会心一笑,对比我初闻此说的疑惑不解,大概就是目前不同脉络下策展实践样态和养成的差距,最简要的例证。 台北表演艺术中心(后称北艺中心)和国家文化艺术基金会(后称国艺会)合作办理的Curatok表演策展人学院(后称Curatok),无论有意与否,势必都回应这样的情境。一方面,在策展样态及相关补助显著倾斜的现况下,Curatok可视为国艺会开始投入更多资源到「表演」的策展培育计划(注1)。另一方面,此计划简章开宗明义点出,征选对象包括表演和视觉领域、有志投入表演策展的新锐策展人。8位来自台湾、香港、印尼、澳洲及爱沙尼亚的获选学员,也的确横跨艺术光谱上的不同位置。 这次Curatok为期10天的课程,由台北艺术节及亚当计划策展人林人中邀请6位国际策展人共同规划(注2)。除了闭门课程,行程也包含观赏台北艺术节和台湾表演艺术橱窗的演出,参与亚当计划的讲座、艺术家阶段呈现与驻地研究分享,以及参访在地机构等。 我将从身为本次学员的角度,梳理这样的策展培育计划运用了哪些策略,撑开什么样的空间,以及可能为策展(培育)带来什么样的思考。在进入这些讨论前,我想简要梳理台湾的表演策展图像与现况,因为这也是后续讨论的基础。

文字|余岱融
官网限定报导  2024/11/01
话题追踪 Follow-ups 从Curatoké表演策展人学院,到台湾表演艺术策展的现实与梦(二)

策展能教吗? 抗拒机构化思维的培育策略

Curatok的办理或许是一个契机,让我们重审环境对策展(人才)的需求,面对开展策展行动与机制的疑惑。从超越在地的课程框架,可以看出Curatok对于透过引介实战经验来扰动艺文生态的野心,并同步推进到国际交流的层面。 策展与节目策画的不同,在于策展往往是透过策展意识和提问,同步对创作端和观众做出邀请,打开创造与对话的空间。今天艺术形式与内容分歧,策展不仅回应著多元的实践,不同策展类型的目的也不尽相同(例如社群建构、议题探索、美学突破等)。然而,多元的景致也为专业传承带来挑战。Curatok这个以「学院」为名的培育计划,所面临的第一个问题就是:在今天,策展还能教/学吗? 在我的观察中,Curatok大概用了几个方法来面对这个难题:一、学员们首日就自身「策展和艺术上的实践及研究」进行分享,但不须在课程期间提出策展计划。二、策展人导师根据学员的分享,以自身策展实践为例,选定特定主题授课,例如:机构、与艺术家工作、为下一个时代策展、国际共制与连结等。三、保留最后4天早上没有预先规划的时段。四、结合亚当计划和台北艺术节,让演出与交流自然融入课程安排中。 在一个由机构发动的计划里,这些安排一方面善用并结合其他现有活动,一方面抗拒了机构化思维,像是成果导向、高度明确而僵化的行程。首先,由于学员们背景殊异,大家的实践及研究分享,为当今策展样貌与意图回应的事物,建构出一个框架,成为相互观摩的基础,也为所有师生提供了思考和对话的参照脉络。 再者,虽然要求进行分享,但并未营造出竞争和比较的氛围(包括不须提出策展计划)。这看似简单,但在我经历与观察过的人才交流或培育计划中,并不总能保有这般调性。尤其国际交流计划往往由大型机构推动,容易倾向要明确落定所有安排细节。同时,这样的场合总是汇聚资历相异的专业工作者,怎么甩开代表资源和地位的隐形帽子,并不容易。Curatok的课程安排,和参与成员的高度意识,很大程度上拆解了伴随计划体质而生的各种权力关系。因此,虽然我使用「导师」和「学员」,但我相信其他参与者会同意,在实际相处上更接近与同行共学的氛围。

文字|余岱融
官网限定报导  2024/11/01
话题追踪 Follow-ups 从Curatoké表演策展人学院,到台湾表演艺术策展的现实与梦(三)

Curatoké的国际架构所撑开的策展讨论空间

然而,策展一定要(面向)国际吗?当然不一定。虽然从80、90年代到当今的表演策展中,总能观察到不同规模策画里国际艺术家的身影。有些是单纯的节目经纪买卖,有些是有意识地透过邀演来打开视野或带来刺激。反向而言,表演艺术的国际发展一直都是国内公部门奖补助单位用力极深的地方,国际发展在开拓市场、宣扬主体性之余,能否也成为在地艺文工作者深掘文化实践意涵的契机?策展人作为一种实践者,这次直接暴露在国际情境下的培育环境,势必需要检视自己和终将返抵之艺文生态间的关系。 然而,Curatok的国际架构也是有作为国际交流跳板以外的好处。在我的观察中,若能以平等共思的环境为前提,对于「如何解决策展在某一特定脉络下的困境」或是「如何用策展刺激在地艺文生态」等问题,跨国的成员组成反而有利达到松动和突破框架的讨论。一方面,学员在解释自身处境时,能暂时拉开和这些脉络的距离,其他人则能借此反思,并理解彼此背负之复杂性。另一方面,虽然来自异地的方法通常不能直接解决我们的问题,但透过深入对话,更能超越自身思考限制,产生启发。许多导师们表示,著眼国际场合,Curatok是个在策展同行与前、后辈间,少见能允许充足而细致讨论和深度交流的机会。 我认为就「策展可以怎么教」,Curatok已经有初步且合适的基础架构。或许在闭门课程还是公开讲座,可以有更细致的案例分析,探究特定的策展思维如何推进为具体的策展结果,带来类似前述、但更为深入的启发过程。另外,这次的导师人选目前皆服务于表演艺术机构(部分过去拥有视觉机构经历),若此培育计划也意在开创不同场域和脉络下的表演策展,应可纳入不同背景的导师,也包括来自台湾的人选。

文字|余岱融
官网限定报导  2024/11/01
话题追踪 Follow-ups 忍痛放弃营运补助 暂离创作舞台

舞蹈空间舞团转型 专注浇灌艺文沃土

成立35年的舞蹈空间舞团(下简称舞空),于昨日(2024/10/23)宣布舞团暂离创作舞台,自「TAIWAN TOP演艺团队」的行列中退出,放下卓然有成的创作红海,后续将转型于专注开发「舞蹈欣赏推广」的蓝海,盼以至少5年时间走入校园,深耕艺术教育,拉近舞蹈与观众的距离,为台湾这块土地的未来,埋下舞蹈的种子。 成立35年的累积 始于一条难走的路 舞空是台湾少数有10名全职舞者与专业艺术行政的舞蹈团队,成立以来不仅在编舞家与舞者的培育上不遗余力,也是台湾舞坛与国际舞台连结的重要枢纽。多年来已与国内外58位编舞家、274位设计者,共同打造出92出舞作,并与曾参与其中的109位专职与85位客席舞者,携手丰富了台湾当代舞蹈的面向。舞空作品风格多元,不仅有以东方元素为出发的系列舞作,亦有对社会议题的爬梳,或是以影像、科技与音乐为出发的各类作品,甚至还有为亲子观众为主的《不听话的孩子》、《史派德奇遇记之飞飞飞》、《蓝骑士与白武士》等老少咸宜、脍炙人口的舞作。 创办人暨艺术总监平珩回看35年一路走来的点滴,首先笑说她选择了一个很难走的路:「在欧洲,一个舞团和不同编舞家合作的状况很常见;在台湾,则是由舞蹈空间首开这样的创作模式,为的就是能在舞团的基因中保有多元的特质。」也因她的创作理念,让团队每次推出新的制作都极具挑战,舞者与编舞家的磨合也都是从头再来。当然,如此的确让舞蹈空间舞团活力丰沛,开创出与时俱进、甚至超前一步的肢体语汇。「但在台湾,与制作导向的舞团与单一编舞家的舞团相较,舞空观众群的养成较难。」在面对薪资、物价上涨等现实压力,与疫后舞蹈观众的流失及市场变化下,她才萌生了舞团转型、专注于推广的心念。

文字|黎家齐
官网限定报导  2024/10/24
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倒著走向未来,在机械感官中探索当代议题(上)

邱昭财的机械艺术世界

在艺术愈来愈朝向科技发展的时代,我们似乎正逐渐远离实体操作的感官体验。然而,艺术家邱昭财的作品却是逆流而上,透过他精心设计的互动机械装置,唤醒我们的身体,让观者得以在感官中游戏。 「我觉得数位的创作比较是让大脑知道,但身体不见得能真正感受到。我还是希望观者能触碰到实体,以及,观者参与动态发生的过程,借由操作获得艺术体验。」以及「发条机械,这里面很重要的一个事情,就是能量的交换。」邱昭财认为「它其实就是把观者的力量灌注进去,透过转换,变成另一种形式的回馈。」这是邱昭财的创作理念,也让我们重新看待、思考关于未来科技艺术的既有想像。 除了古典与未来之间,邱昭财的作品还模糊了视觉艺术与表演艺术的界线,他的许多作品都像是个小型剧场,观众不再是被动的观看者,而是作品不可或缺的参与者。无论是需要上发条的《疲软世界》系列,还是需要观者坐下才会「折腰」的竹子装置,以及,现在正发生的「动态采集计划」(编按),都强调身体参与的重要性,也表现出一种公众与私密的表演性。

文字|方姿懿
官网限定报导  2024/10/04
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倒著走向未来,在机械感官中探索当代议题(下)

邱昭财的机械艺术世界

到《光体》系列,不同于先前仅使用物理机制的作品,邱昭财则将注意力转向到更为抽象和概念化的创作。这次,他使用程式控制的三轴机器,在黑暗的空间中用一个光点,随时间勾勒出三维形体。每个时刻,观者看到的都是一个光点,仅能以摄影长时间曝光后,形体才能被记录并呈现。「当时,我想试著做一个完全虚空,或是不存在的东西。这些形体,其实它就是在这个黑色空间曾经发生过的事,有点像表演。」《光体》挑战了观者的视觉感知的界限和记忆能力,体验如何在脑海中拼凑光点,以趋近完整的形体。 经由这些作品,邱昭财不仅展现了机械的运动,更创造出一种跨越身体、心理、社会和文化的多重体验。

文字|方姿懿
官网限定报导  2024/10/04
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邀请青少年共创 打造博物馆未来(上)

关于柏林「洪堡论坛」5年计划「洪堡进行中」

「洪堡进行中」(Humboldting!)是柏林当红博物馆「洪堡论坛」(Humboldt Forum)(注1)于2021年开始进行的5年计划,配合柏林当地中学的学校行程,每半年邀请一组艺术家或团队来和同一群30位中学生合作进行创造性艺术活动,在每年2月与6月底前后公开呈现。此计划由洪堡论坛节目与活动部门发起,该部门策展人尼克尔(Julia Nickel)邀请曾来台展演的「哺乳动物潜水反射反应」剧团(Mammalian Diving Reflex)艺术暨研究总监多奈尔(Darren ODonnell)与长期合作伙伴澳洲独立制作人佛莱明(Alice Fleming)策划,期盼使这群家庭成员尚未成为定期博物馆参观者、来自多元背景的青少年,能因参与这个计划让他们与家人可以长期地与博物馆产生对话与连结。 这个计划概念受到亚历山大.冯.洪堡(Alexander von Humboldt)对美洲进行5年考察的启发,相当程度地实践洪堡论坛的精神:作为论坛开启对话,深化连结,以开放动态的方式,形成新的知识系统,期盼为柏林注入新能量。如台湾策展人耿一伟在《报导者》文章(注2)中所述,位于博物馆岛的洪堡论坛在面对移民大量涌入的这个大都会,如何让青年世代也能在这里看到属于他们祖先的文化,回应作为当代国际城市的多族群现况,是该博物馆今日的重要使命。「洪堡进行中」不仅希望让这群「青年研究员」进入博物馆作为「艺术家」参与创作发展,也借由表演艺术的高互动性,邀请其亲友进入博物馆,发挥「涟漪效应」,扩散计划影响力。

文字|王颢烨
官网限定报导  2024/09/17
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邀请青少年共创 打造博物馆未来(下)

关于柏林「洪堡论坛」5年计划「洪堡进行中」

实际探访「洪堡进行中」时,学生们私下聊天表示,比起其他课程,他们很开心在这堂课上自己的意见较受到重视,不论是老师或其他艺术家都相对愿意倾听他们的想法。从活动参与过程也可以看出部分学生积极提出自己的想法,大部分也相当热中于动手DIY的活动。但有部分学生则可能是因为青春期的害羞,或是对媒介的不熟悉等,比如挑选派对音乐,并不是他们日常生活中体验过的活动,艺术家需要学生参与时,就相对需要更多的鼓励和引导。 仅管团队野心勃勃,然而新建立的大型场馆和正值叛逆期的青少年,同样具挑战性。拥有丰沛资源人力的同时,洪堡论坛也是一个组织结构繁复的大型机器,如同其他德国文化体制,过度庞大而难以保有弹性。例如技术部门因为需要提早安排资源和人力,常在艺术家团队还在和学生发展的过程中就必须确认技术需求,导致有些决定必须在学生参与前决定,有时也会引发学生的小小反弹。如2023年7月进行展演的「撼动计划」,在场馆的4个空间展出不同「氛围」(vibes)的装置展演,探索青少年眼中洪堡论坛所缺乏的氛围。其中在2楼工作坊教室展出、已确认成为永久馆藏的胶带艺术,在创作初期由于是空间设计决定使用的材料,其中一名学生反应「虽然很有趣,但还是希望可以先获得我们的同意。」不论是场馆体制或青少年的意志,都考验著受邀艺术家团队的能力和经验值。

文字|王颢烨
官网限定报导  2024/09/17
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神灵、能剧、当代声响(上)

许家维的历史影像叙事之所可能

创作始于绘画的许家维,自2008年发表《和平岛的故事》这部约13分钟的录像作品之后,彷如落入历史的漩涡,在迄今发表的数十件创作中,他以和台湾相关的历史为叙事主干,再透过传统表演艺术、当代声响、饶舌歌曲等元素的交织与激荡,开启历史想像的不同视角,而这样的影像特性,也为他赢得2024年荷兰「Eye艺术与电影奖」(Eye Art Film Prize),是第一位获此殊荣的台湾艺术家。 近来,许家维除了忙著筹拍2025年将发表的新作「水下考古虚拟实境展演」(名称暂定)(编按),还同时准备今年10月在台北画廊的个展事宜,至于已完成的作品,如:《在圣堂里的一场演出》甫于「2024台湾国际纪录片影展」播映;2012年于滇缅边境拍摄的「回莫村计划」三部曲以及2023年泰国双年展参展作品《一位来自金三角的演员》远赴德国汉堡美术馆参展;此外,他和艺术家张硕尹、郑先喻合作的《等晶播种》(2021)、《浪涛之下亦有皇都》(2023,与日本山口媒体艺术中心共创)也于凤甲美术馆呈现这些作品,将不被外界熟知或忽视的历史碎片,经由挖掘、拾回,放进当代艺术创作之中,因而能跨越时空、地域,不断地被看见。

文字|吴垠慧
官网限定报导  2024/09/13