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Review
评论

《艺评的维度》台北演出现场。
回想与回响 Echo

当评论(人)成为主角

《艺评的维度—演读香港演艺评论30年》台湾巡演观察

大约反送中运动(2019)前后,标举不审核、不设限及自由精神的台北艺穗节,愈来愈频繁能见到港人创作的作品。然而,香港并不是没有艺穗节(注1),第1届(1983)创办时,甚至比台北早了25年。 开端:香港艺评选辑计划 今年(2025)香港艺穗节有档节目相当耐人寻味。IATC国际演艺评论家协会(香港分会)以《艺评的维度演读香港演艺评论30年》(以下简称《艺评的维度》)为名,拣选、汇整与编辑香港过去30年上万笔艺评文章,创作出一部以艺评人为主角的演读作品,接续于香港艺穗会、香港演艺学院及澳门纽曼枢机艺文馆上演(注2),而后搭上「IATC国际剧评人协会(台湾分会)」(注3)年度论坛,于2025年10月又巡演至台湾当代文化实验场(C-LAB)。 IATC国际演艺评论家协会(香港分会)除了长期致力于艺评人、艺术工作者与公众间的交流,拓展艺评空间、搜整艺评史料、开发演艺资料库及文献活化应用等工作,也是其营运重点。在此使命下,协会近年持续执行「香港演艺评论(1980-2010)选辑计划」,广泛搜罗数十年来散落于报章杂志、网站、公共图书馆微缩资料及多媒体资料库里的评论文章,以不同授权情况区分「全文公开」、「内部阅览」及「只含条目」的3类形式,集结创建香港第一个囊括舞蹈、戏剧、戏曲、音乐及文化政策/现象等多样范畴的线上资料库(注4)。为呈现计划成果、反映艺评中的时代现象与思潮,甚或进一步与当代对话,协会邀请导演及剧场构作钟肇熙,合作剪裁与拼组多篇艺评文章,创作出《艺评的维度》演读文本,并与艺评人们一同制作与演出。(注5)

文字|杨智翔
官网限定报导  2025/12/24
新锐艺评 Review

创伤再现,2025年的自由与限制

评同党剧团《父亲母亲》

《父亲母亲》是同党剧团以历史叙事为切角,讨论殖民及威权统治下,酷儿、性别认同与性倾向的作品。本剧以主角「格格blue」的阿文的寻父之路作为整出戏的行动,并发展其子阿凯是同性恋的故事支线。本剧前三分之二阿文拿著照片寻找自己的生父,一名叫「猫仔」的布袋戏偶师。故事透过阿文一站站拜访布袋戏团,从南到北勾勒出台湾布袋戏班在日治与国民政府统治时期的发展与限制。随著阿文逐渐靠近「猫仔」,眼见就要揭开亲生父亲的真相,却发现生父另有其人;是位名叫米粉的跨性别女性,与猫仔一同入狱,并相互喜欢。阿文又循线找到生父米粉经营的酒吧并前往寻人。故事最后阿文、米粉与阿凯在米粉开的酒吧中相见,解开多年心结,一切近乎圆满的落幕。 舞台为四面台,四边皆有倒放在地的书柜、档案柜,围出正方形的舞台空间。舞台空间未作明确切分,仅以灯光变化制造时空转变。导演以流畅的画面调度,物件与小道具的使用,辅助6位演员分饰36个角色。看似简明的安排,在叙事复杂、多线交错的作品中是明智的选择。演员表现令人惊艳,在性别、年龄与说话口音的转换与调度拿捏得宜,让观众能轻易地随角色进入故事。剧本选材大胆前卫,白色恐怖背景下的酷儿议题;以威权与自由建构剧本的基底,透过角色追寻各自的自由,进一步讨论酷儿身分如何在白色恐怖与殖民余绪的压力下被迫形塑。但2025年的台湾观众已生活在同婚合法、性别倡议相对成熟的社会,而剧中角色的痛苦与压迫多停留在情绪与创伤的再现;对威权如何渗入日常、如何与性别压迫交缠,剧中呈现相对扁平,未能在威权与自由间开展更多的辩证与论述。

文字|陈嘉祯
官网限定报导  2025/12/20
舞蹈

他们甚至失去了欧洲

评《崩世光景》

由香奈儿(CHANEL)主办的Camping Asia开幕酒会,将台北表演艺术中心的2楼大厅布置成一个光鲜亮丽的名流沙龙。平日在那里休息的、谈恋爱的、看风景的、约好或没约好在演出前相遇的民众,通通将空间让给了高官、老板、总监、明星、策展人和艺术家。不过是失去了一个晚上的空间,也没什么。问题是,香奈儿安排的这晚「品牌艺术专场」,观赏的是法国团队的演出。并且,浏览演出节目,不但没有任何台湾艺术家在内,连一个亚洲节目都找不到。这个晚上,民众失去的是亚洲。 这就是令我最不解的部分:Camping Asia的亚洲究竟在哪里?作为前帝国的法国,把作为前殖民城市的台北,当成前进亚洲的艺术基地,但是以一场时尚派对为它隆重开幕的仍然是法国节目。这里头有一种精心打扮过的傲慢,它投注大量的财力和人力为全球城市的文化艺术制造大场面,最后出场的仍是它的文化和它自己。都到亚洲来了,如果品牌艺术专场的节目都还不能是亚洲的,那亚洲除了是这场奢华夏令营的营地还能是什么? 如果作品够好,当然,被殖民者会很乐意继续扮演我们一直最擅长的角色,在殖民者面前当个虚心有礼的好学生。可是《崩世光景》(Room With A View)不是。

文字|郭亮廷
官网限定报导  2025/12/18
戏剧

一场重新编织的梦,让你看到窗外了吗?

评《你的故事我的梦》

1963年,时年25岁的琼瑶(本名陈喆)以当时仍为社会禁忌的「师生恋」为题,写出一鸣惊人的处女作《窗外》,自此开启了长达数十年的丰富创作生涯,以浪漫爱情为题的长篇小说,和据以改编的影视作品,都广受阅听大众喜爱。琼瑶女士的小说与影视作品,无论各方评价如何,对台湾当代社会的影响,有成篇累牍的研究论文为证,对许多1960、70年代的青年学子来说,阅读琼瑶小说,也是重要的启蒙经验文学的、情感的、自我意识的。即使年岁渐长,美好记忆渐渐褪色,但曾经有过的guilty pleasure却也不容否认。 由宽宏艺术与美亚娱乐共同出品,表演工作坊文创制作的《你的故事我的梦》,首度将琼瑶作品搬上舞台。编创者以「解构与重构」之名,从《窗外》与《一帘幽梦》取用主要角色与部分故事内容,用平行剪接概念串联分段场景,构成相互呼应的双重叙事。《窗外》中的江雁容在暗恋的老师康南被迫离开学校之后,大学落榜,决意自杀却又未遂,之后与父亲爱徒李立维结识成婚,婚后生活不顺,两人矛盾日深,终至离异;离婚后的雁容走寻康南行迹,却只瞥见他的憔悴身影,醒悟青春不再,毅然出国。《一帘幽梦》里的汪紫菱是江雁容高中同学,虽然自小因为姊姊汪绿萍的耀眼光彩而被忽视,但之后与绿萍的青梅竹马楚濂暗自相恋,又在家庭宴会上吸引父亲事业伙伴费云帆的目光,相对的,原本要风光出国留学习舞的绿萍,却在一场严重车祸中失去左脚。绿萍在梦碎的悲痛中接受了心怀愧疚的楚濂求婚,心碎的紫菱则答应了费云帆的求婚,并与他远走欧洲旅居。绿萍与楚濂的婚姻,成为彼此的煎熬折磨,终于在紫菱返国探亲时,于父母面前爆发无可挽回的冲突,离异之后的楚濂对紫菱提出重新开始的试探,却反而让紫菱与费云帆更深刻理解彼此真心,互许「共此一帘幽梦」,绿萍也终于能放下痛苦怨怼,远走海外寻梦。

文字|陈正熙
官网限定报导  2025/12/08
戏剧

在现身与再现之间

评南洋姊妹剧团《渡海.度老》

从「南洋姐妹会」到「南洋姊妹剧团」,夏晓鹃带领的外籍新娘草根社会团体,1995年开始的识字班,2003年成立南洋姐妹会,2009年成立剧团,透过剧场诉说姊妹的生命故事,至今走过22个年头,算是台湾从社会草根组织发展成民众戏剧团体的重要案例,除了实践民众戏剧作为一种文化行动之外,在历年的展演下来,她们也发展出从真实自我生活提炼而来的独特美学。 此次的《渡海.度老》由带领石冈妈妈剧团的李秀珣担任导演与剧本改编。从演后谈分享的工作方法与展演的全貌来看,编创排练过程还是依循民众剧场方法,以导演带领大家共创共制为主轴,从各自的生命体悟出发,最后汇整出了一台素朴但却动人的好演出。 演出虽然以雷蒂娜女士跟女儿李晓婷为主轴,但中间穿插多人多线平行交织的情节,形成一种多音复调,众生百态的展览式结构,而非一个单线起承转合的闭锁式完整结构。演出尚未开始,姊妹们合唱的歌谣便回荡在剧场里,沧桑的声音追问著:「天茫茫,地茫茫,无边无际太平洋,月光光,心慌慌,故乡在远方」歌谣唱出外配离乡背井的辛酸,也对现场的观众们诉说身无可栖的凄凉。然而歌声不仅只要诉说情感,还要追问,带出演出作为一种提升社会意识的诉求。灯亮,演员姿态万千地从舞台的不同方位登场走位有的滑直排轮移动过场,有的枕著枕头用身体毛毛虫一般横斜过去;有的戴著面具,有的穿著水袖;有的仗著辅具单脚行走,有的推著轮椅出场。最后众人汇集到了舞台中央,围绕著轮椅形成一幅静态的塑像群,演员爬上了轮椅,手持钓竿钓著前方的纸钞。这个颇具诗意的开场明显是从民众剧场的「欲望彩虹」、「静止雕像」与「意象剧场」发展而来,演员登场并非只是代言角色,而是在演员自我和创造的角色之间,打开了现身的空间,让观众看到各自纷呈的欲望彩虹,以及在这个彩虹光谱背后无形的社会结构力量。新住民及其二代,在这个现行社会结构下,往往被到台湾捞金的刻板印象所烙印,在夹缝里求生的非战之罪往往是主流社会凝视之眼下的压迫结果,从轮椅起身爬上钓钱,这个静止的意象作为开场的定锣声,抢眼是抢眼,却令在观众席间凝视他们的我们感到深深不安。

文字|许仁豪
官网限定报导  2025/12/06
新锐艺评 Review

被遗忘的女性到被召唤的身体

评《林投姐:妳叫什么名字》?

当观众脱鞋、存放随身物件、穿上黑袜,并在纸片上签名、握住一把米、饮下通宁水时,整个入口仪式(ritual)就已经运转起来,观众由「外界」切换至「仪式场域」内,其身体从观看者转为参与者。身体放下日常的厚重标识鞋袜、包袋、身分象征以极简行动(签名、握米、饮液)作为进场契机,从而提醒:今天你将被邀请进入叙事、身体与记忆的复合体。 米在台湾文化中积累了丰富的意义:农耕、喂养、饥饿、生产与生存。当观众握著米时,不仅是物质接触,也是时间与身体记忆的触动,作品以米为物质载体,在场域中铺陈出大量米堆,并让舞者从米堆中「浮现」。这提醒我们:记忆、生死、爱、失落、身体或灵魂之间的缠绕是物质感的,是握在手心中的细颗,是舞动中飞散的瞬间。

文字|侯瀚
官网限定报导  2025/12/04
新锐艺评 Review

透过神话的眼睛观看末日与创生

评TAI身体剧场《最后的隧道》

《最后的隧道》是TAI身体剧场于2025年秋天艺术节上演出的作品,发展自团长暨导演瓦旦.督喜于《PAR表演艺术》杂志上发表的同名极短篇小说。尽管脱胎自既有文本,舞作本身仍能独立观之,而在演后座谈中,与谈人更言:在这里,身体不再是传达欲传达的意象或文本的「媒介」,而是所有发生的「场域」。整出舞作扣合太鲁阁族的创生神话,以人从石缝中迸出的场景为始;然而,塑胶袋构成的舞台与服装,却营造了非常冲突的「末日感」,让原本的创生意义持续衍生,予以观众在灾难中幸存、向死而生的联想可能。 舞作一开始,五位舞者挤在塑胶袋布幔内的狭小空间,用轻微的晃动搭配灯光设计出的火光摇曳之氛围,构建隧道场景,呈现创生前一切都仍混沌未知的状态。而后,舞者逐一从隧道中惊蹦出来,他们从蠕动滑行到直立,再到奔跑冲撞,既像婴孩降生于世,也像一段生物快速演化的进程。5具身体或分离、或贴合行进,让观者恍然感觉他们的意识状态亦在个体与集体间徘徊不定,时而分裂、时而相融。

文字|许芝瑜
官网限定报导  2025/11/23
新锐艺评 Review

马/戏/曲:放下「本质」的追寻,看见「现在」的身体

评合作社《前方有三岔路口》

合作社于2025戏曲梦工场《前方有三岔路口》邀集了音乐剧、马戏、戏曲及现代戏剧演员,「从表演的『技术』出发」(注1),探索不同剧种间流动的共性与差异。导演吴子敬表示,合作社近来想探索的是:「马戏除了『招』还有什么?」(注2)作为一个戏曲背景的观众,我看到的更是:戏曲除了「曲」还有什么?自王国维定义「戏曲」以来,「合歌舞以演一事」(注3)似乎成了戏曲的基本定义之一,然而当我们关注在「唱曲」(亦即写定的或口传的文学文本)时,是否遗漏了其他部分?因此,本剧以「武丑」作代表人物、京剧《三岔口》为改编文本,便企图探讨戏曲中较被忽视之要素。

文字|程昕
官网限定报导  2025/11/07
戏剧

戏剧映照出的社会现实,是你我造成的?

评故事工厂《一个公务员的意外死亡》

在台湾的地方政治生态中,官商、黑白、府会之间盘根错节的利益纠葛,似乎已是理所当然的现实,对一般民众而言,即使其中充满贪腐掠夺分赃的各种可能,只要事不关己,也就任其自生,一旦弊案爆发,一句「代志就是按呢」,看似了然世道,其实只是犬儒心态。但对地方政府公务人员来说,这样的既存现实,却可能是难以承受的重,一旦被卷入其中,如何自保、能否自保,便成严苛考验。 故事工厂《一个公务员的意外死亡》,从与民生关系密切,却也最容易引发争议的废弃物处理议题切入,以调查报导的形式再现地方政治生态,选材具社会性意义,也有清楚的视角和叙事策略。 主人翁陈嘉伟中年转业,投考公职,几经挫折终于通过,分派故乡环保机关任职,稳定收入让家庭生活趋于平稳,罕病幼女的医疗费用也有了著落。只是,面对在地环保厂商污染环境的不法行径,他基于职责与爱乡情感,欲施以重罚,却遭到上级、同僚与厂商联手阻挡,想要做「吹哨者」,揭发官商勾结黑幕以求自保,竟连妻儿也遭受威胁,被逼到绝境的他,即使无力改变现实,但决心采取行动拯救家人陈嘉伟的「意外」死亡,引来杂志记者林佩璇的高度兴趣,决心深入地方调查事件真相,只是,当她逐渐逼近事实核心,来自杂志高层的压力,真相揭露的后果,都让她不得不重新考虑:「或许真相不一定要大白?」

文字|陈正熙
官网限定报导  2025/11/04
新锐艺评 Review

声音与形体之间的再造风景

评朱宗庆打击乐团击乐剧场《泥巴》

虽未曾亲眼观赏过《泥巴》的第一版,但从之前数版《木兰》、去年的《六部曲》,直至此次新版《泥巴》,朱宗庆打击乐团的「击乐剧场」系列可说逐步走出一条清晰的创作脉络;从《六部曲》至此次重返剧场,最大的惊喜在于舞台构思与整体调度的进化,也展现了团队在形式与叙事上的持续实验。 舞台设计甚具巧思。悬挂式乐器的配置不仅让换场流畅、节奏紧凑,也形塑了舞台的立体感,使观众的视觉经验从平面延展为层次分明的景深构图。垂吊的乐器在光线下成为空间装置的一部分,既是声音的来源,也是视觉的雕塑。这种「乐器即舞台」的思考,呼应了当代音乐剧场中对声音物件化与身体化的探索。 值得注意的是,导演与技术团队将《六部曲》的投影更升级,运用了即时摄影与投影的方式,将舞台上的局部动作扩大于萤幕,营造出强烈的现场感。这一设计在谢幕段落尤为动人:演出者的姓名与影像并置,使观众能即刻连结舞台上熟悉却瞬逝的面孔,突破剧场常有的距离感,让互动更为亲密。此举也巧妙延伸了作品「记忆」与「痕迹」的主题,让观看成为一场回望的行为。 从表演层面观之,团员的肢体表现进步显著。相较过往作品中偶见的拘谨与尴尬,此次舞台行走与动作节奏自然流畅,演奏者在角色与乐手之间的转换更为自如。这样的跨界训练显示团队已逐渐掌握「演员乐手表演者」的多重身分,体现击乐剧场的本质。然而,部分段落出现偏高的音质,使气氛略带亲子剧场的轻巧感,削弱了作品的深层力度。

文字|朱纯莹
官网限定报导  2025/11/02
新锐艺评 Review

风味记:复杂的味道和情感,平淡的敍事和展现

评李铭宸 X 张碁 X 奈丝.萝柯 X 温又柔《旅行的舌头》

《旅行的舌头》是一个驻节研究计划的延伸。创作团队来自不同地域与文化背景:包括台湾导演、韩裔日本导演、菲律宾艺术家以及台裔旅日作家。他们共享两段相似的经历:一是因工作或学习而迁徙于不同地区,二是故乡皆曾历经殖民统治。这些交集,使得他们在研究中发现了许多相互呼应的味觉经验与记忆,进而以「食物」为核心展开跨文化对话。 「食物」遂成为主轴串连起整个展演:主创团队如同「厨师」,透过挖掘各自土地的历史与文化作为「食材」,融入个人记忆、生命经验与文化碰撞等元素(「调味料」),演出本身就像一个「烹调过程」,最后端出一道道研究成果(「餐点」)与观众这些「食客」分享。整个舞台也被形塑成一座「厨房」,满溢著混杂而新奇的味道,牵引出隐而未见的情感连结。 这些「味道」除了来自食物本身,更源于主创们在研究中揭示的深层脉络,使人频频产生恍然大悟之感原来菲律宾的腌渍类食品Buro、日本的发酵鲋寿司与台湾原住民的腌肉Silaw,在制作方法上竟有惊人相似!原来湄公河三角洲的稻田地区利用发酵米腌制鱼肉的技术,被视为现代寿司的起源之一!原来菲律宾的甜米糕Biko与台湾的「米糕」在读音与形态上竟遥相呼应!这些发现,不仅展现食物的流动与变迁,更折射出跨地域的文化传播与交流。

文字|欧阳佩珊
官网限定报导  2025/10/29
新锐艺评 Review

是作品,也是人生:《FAMILY TRIANGLE:二生三,三生万物》打开「家」的可能

评《FAMILY TRIANGLE:二生三,三生万物》

继2022年的《三生万物》后,洪千涵、洪唯尧、曾睿琁3人持续以人生在推进这部作品,催生出《FAMILY TRIANGLE:二生三,三生万物》于今年度的台北艺术节上演出,探讨了后同婚时代下,同性伴侣的生殖议题。3位艺术家摊开了关系与生命:女同志伴侣千涵与睿琁想有一个有彼此基因的孩子,因此决定向千涵的弟弟唯尧借精求子,并由千涵怀孕生产。正如3人在排练场上不断询问彼此的那句:「你说的是作品,还是人生?」,血亲、姻亲、工作伙伴多重关系是困难的。在他们持续不断地对话、协商里,观众见证了作品,亦见证了他们的人生,以及千千万万怀抱求子梦想的同性伴侣,正以个人生命拓宽著伦理、律法框架之过程。 在「定义亲子」这一题上,如何松动,抑或重新诠释华人文化对香火和血脉坚固的想像,是这个议题中相当庞大的部分。当红胶布将舞台一分为二,千涵与唯尧各据一侧,从小在洪家所拥有过的物件、记忆或关系被以语言标定出来,散布于舞台上,沿著记忆形成自有逻辑的阵列。这些词卡偶尔推过去一些,有时又挪回来一点,如集体主义下,华人社会中亲人关系的界线多半不是黑白分明的。而在那模糊的分野中,存在著共有的可能性。 词卡具象化了共享的样态,当千涵用不同词卡组合出「第一次洪妈妈大肚科学实验」时,语言可以被重组,产制新的意义之特性,使人很自然地思考到,这与DNA的结构是相似的基因序列正是以A、T、C、G之排列组合构成了这个地球上众多独一无二的生命体。因此,无论血缘、基因,又或是共同的记忆和语汇,都是构成洪家的素材,既能在千涵与唯尧间流通,便能借由唯尧,流通于千涵与未来的孩子间。

文字|许芝瑜
官网限定报导  2025/10/06
新锐艺评 Review

赤裸的爱:反思《FAMILY TRIANGLE:二生三,三生万物》中的伦理和亲情

评《FAMILY TRIANGLE:二生三,三生万物》

生孩子,这件看似理所当然的事,在这出戏中被层层剖析,展现出其内在的复杂与真实。笔者于台北艺术中心蓝盒子观赏了2025台北艺术节作品《FAMILY TRIANGLE:二生三,三生万物》。该剧由洪千涵、洪唯尧、曾睿琁共同创作,讲述了一位同性婚姻中的女性,为了拥有自己的孩子,借助弟弟的精子孕育生命的故事。这个大胆且突破常规的决定,不仅揭露了亲情、爱情与社会期待间的矛盾,也挑战了传统价值与家庭意义的定义。 整场演出细腻铺陈情节,并以象征性的舞台语言带领观众一同反思自身价值观。在第一场景中,3位角色共同穿上巨大的卵子服装,手握红色胶带延伸至观众席。而律师角色从观众席走向舞台,模糊了演区与观众的界限。这种打破第四面墙的设计,使现场仿佛成为一场公共辩论。律师的提问直接触及伦理选择的难题,将观众从旁观者变为参与者。 戏中不乏幽默对话,为剧情增添了生活化趣味。例如,姐姐与伴侣因孩子姓氏问题争执,甚至用打乒乓球的方式决定名字。然而,随著矛盾加深,姐弟与姐姐伴侣之间的激烈争论揭开了每个角色内心的恐惧与不安。他们脱去身上的衣物,直白袒露内心挣扎,将亲情、爱情与责任的矛盾展现得淋漓尽致,也让观众不得不审视家庭的定义是否应改变。 多媒体影像的运用尤为出色。剧情以姐弟的成长背景为基础,展现两人深厚的亲情羁绊。从小被教导互相分享的他们,长大后却因姐姐提出的生育提议而打破了亲情的边界,激化了伦理与情感的冲突。舞台后方投影出「乱伦」等字词,配合灯光变化与演员肢体语言,将弟弟内心的挣扎与矛盾具象化,让伦理压力直击观众心灵。这种多媒体的运用不仅增强了视觉冲击,也将角色的心理状态清晰地传递给观众。

文字|徐灵芝
官网限定报导  2025/10/06
新锐艺评 Review

《姬情晚宴/女子女子嗑》:谈喜剧、与喜剧背后的虚构书写伦理

评若女子剧团《姬情晚宴╱女子女子嗑》

《姬情晚宴/女子女子嗑》表面是一场朋友聚会,实际开启了一次对「写作如何占有人」的现场实验。我带著对喜剧的戒心入座,却在笑声的断点里被迫观看文本的缝线:两对伴侣的嬉闹、酒局游戏的推波、女主角群「子恩」与「彩婷」在暧昧与出轨之间游移,当「小万」介入、当场景被后设地打断时,剧场让我读到每一句台词背后的潜台词,读到叙事如何被欲望推动。 万圣节派对的设定带来轻盈的节奏,酒精让她们的语速松开,创作团队选择以情境喜剧的节拍包覆「出轨揭露」这个沉重节点,70分钟里舞台语汇并不复杂,却精准服务于人物的张力:靠近与远离是她们的两种行走法,餐桌与客厅之间的位移,把关系的暖区与冷区标示出来,观众在踌躇中被推向下一个局部真相。我尤其在那些「脑内小世界」的片段被逗笑,角色与角色之间忽然掉出想像,话语被放大、词尾被反复咀嚼,把即将说出口的心事先拿到台面试演。这一招使舞台同时显露两种时间:表层是派对当晚的线性时序,深层是被压抑的心理残响。当她们玩起「Fuck, marry, kill」,戏剧把观众引导到伦理的交界,游戏看似随口,却暴露了评分与排序的残酷:笑声在场,判决也在场。更重要的是后设层的切入。当「小万」以创作者的影子身分现身,剧本把我拉进一个棘手的创作伦理问题:角色究竟为谁而活。舞台上的人开始质疑她们被如何书写,质疑谁在拨动她们的选择。此时台词像镜面,将写作者的欲望反射回观众。我在台下也被问到:我为何要看见这段姬情?我为何要求她们把隐密的渴望放到聚光灯下?戏以一种近乎调皮的方式提醒我,虚构能提供谈论真实的安全空间,安全不等于无害,安全只是告诉我们可以承担,仍要负责。这出戏最迷人的地方发生在语气与沉默之间,她们的对白经常半句悬空,剩下的半句让目光去补,创作选择把潜台词拆出来让我直视:关于阶级的尴尬、关于外貌的比较、关于恋爱规则的无声默契、关于「拉子圈」中互相辨识的暗号。拆解的方法借由节拍与停顿堆出张力,当某个人端出和解,一个眼神就会把和解变成新一轮角力。 子恩与彩婷的靠近,并未被处理成道德宣判。文本让她们先经过否认、合理化与自责,再让群体关系承受回弹。这一条线验证了一件事:爱在舞台上从不单独运作,它牵动每个人的自我叙述,当两人跨过界线,旁人的身分叙事也被迫重写,戏让我看到出轨作为「写作事件」的意义:它迫使我们处理文本之外的后果。

文字|侯瀚
官网限定报导  2025/10/05
新锐艺评 Review

《解忧杂货店》舞台空间的穿越实验

评果陀剧场《解忧杂货店》

从东野圭吾的小说,到日本电影、中国电影,再到如今的舞台剧版本,《解忧杂货店》一路跨越媒介。电影多半依靠镜头与剪接推进情节,而舞台剧则以「空间语言」来完成时空的流转。如何让寄信者与回信者的声音不再只是文本上的呼应,而能同时呈现在观众眼前,正是此次舞台剧最具魅力的地方。 剧情整体承袭原著的核心:关于家业与梦想的两难,情感与自我实践的挣扎,以及人如何在回首过往时安放遗憾。舞台版完整保留体育选手的故事线,让「梦想与情感陪伴」的矛盾更贴近当代语境。这一支线并未出现在中日电影版本,却在剧场中突显,或许呼应了现代对「个人成就与他人关系」的敏感议题。 另一个值得注意的片段,则来自一位多年后回复来信的角色他以善意隐去真相,不只是为了安慰他人,更像是对自己过往的和解。这使故事从单纯的选择辩证,延展为关于「善意如何弥合遗憾」的思索。

文字|陈韵如
官网限定报导  2025/10/02
回想与回响 Echo 读者投书

从以巴到台湾:文化交流如何孕育理解与希望

阅读了贵刊于 8 月 21 日刊登的〈反对以色列政府对加萨作为等同「反犹」? 《剧场今日》刊他国作家公开信表态批判〉一文,深觉其中观点值得进一步讨论,因此希望借此机会提供另一层面的思考。以色列深切尊重艺术与文化在社会中的角色。它们不仅展现美感与创造力,也同时映照出人类最痛苦的经历。我们知道,艺术家、作家与文化界的声音常常在语言无法承载之处挺身而出。他们有勇气将悲伤、愤怒与渴望带入公共领域,并把个人的情感转化为共同的理解。 以色列深切尊重艺术与文化在社会中的角色。它们不仅展现美感与创造力,也同时映照出人类最痛苦的经历。我们知道,艺术家、作家与文化界的声音常常在语言无法承载之处挺身而出。他们有勇气将悲伤、愤怒与渴望带入公共领域,并把个人的情感转化为共同的理解。 正是基于这样的精神,我们仍须以清晰而沉痛的态度,郑重反驳针对以色列的指控。以色列所对抗的并非巴勒斯坦人民,而是哈玛斯,这个恐怖组织于 2023 年 10 月对平民发动大屠杀,屠戮以色列的家庭、绑架孩童与老人,甚至以张扬的态度公开散布其罪行影像。哈玛斯至今仍将自身隐藏于平民社区、医院与学校之中,将巴勒斯坦人民用作人肉盾牌。这种策略让以色列人与巴勒斯坦人同样承受苦难,而这场悲剧是我们不能忽视的。 和台湾一样,以色列是一个开放、自由、民主的社会。在我们的国家,多元的声音不会被压抑:无论在剧场、报章或公共论坛,都能听见尖锐的批评、充满同情的呼吁,以及多元的观点。民主的力量正体现在我们允许不同意见与表达,即便在战争时期亦然。我们相信台湾对此深有体会,因为台湾社会同样建立在多元、韧性与自由之上。 也正因如此,艺术与文化承担著重要的使命。它们不该被用来制造更深的分裂,或将整个群体简化成单一的刻板印象。相反的,它们能成为桥梁让痛苦得以呈现、让同理心跨越边界、让想像力为不同的未来开创空间。艺术始终使人类能够以「人」的身分彼此相遇,而超越一切其他差异。 在纪录片《Prophets of Change》中,我

文字|游玛雅Maya Yaron
官网限定报导  2025/09/28
回想与回响 Echo

说著爵士语言的,不一样的美好

听罗妍婷六重奏「海拔之上」

想来是不让唱作俱佳的Ccile McLorin Salvant专美,今 (2025) 年两厅院夏日爵士由罗妍婷六重奏打头阵,端出了全场原创作品,「海拔之上」音乐会中有质朴亲人的〈高地〉及〈On Your Side〉、画景叙事的〈圈谷〉及〈火山〉、情感张力爆棚的〈潮间〉及〈沙丘〉、自由奔放的〈群岛〉及〈山脊〉,尽管身兼词曲创作、编曲、演奏、演唱的罗妍婷将这些作品定调为「将行走于不同土地的观察与记忆写成歌」,意在藉音乐带领听众穿越时空的限制来趟「听觉旅程」,但这旅途上最为秀丽明媚的不只是耳里听到的多姿声响,还有她作为音乐创作者的内在风景。 笔者试图回想当晚小而丰美的聆听体验,首先跳出的是罗妍婷那难以归类的歌唱方式,虽说在既有的专辑作品中极少收录爵士经典曲目,仍可听见直到早前几年的演唱风格、圆润偏厚的音色(虽说能否以音色作为辨认标准仍是未定之说)、对拟声吟唱的掌握力,都让罗妍婷的定位较接近一般认知的爵士歌手,但她当晚清亮且不时带有些许鼻腔共鸣的唱法,有几个瞬间听来像是泰武古调那般绵长缭绕,另几个瞬间又像是凯特.布希(Kate Bush)与碧玉(Bjrk)的综合体,既甜美又怪诞,然而当她以如此「非典型爵士歌手」的声线唱起拟声即兴时,又让人感觉游刃有余,显然光用歌声,罗妍婷便已大大挑战了热中音乐分类学(注1)的听众,真是个好预兆!

文字|赖晓俐
官网限定报导  2025/09/23
戏剧

微凉清风,扰动了什么?

评阮剧团《小雪》

位在旧空军总司令部内的「空总剧场」,因其空间的历史特殊性,自然会引人心生政治性的联想,阮剧团选择空总剧场作为「大型剧场行动计划《噪音风暴》」的发生地点,以曾被政治威权贬为噪音的「台语」,扰动空间中停滞已久的气流、引发风暴的意图,不难理解。只是,旧称中正堂的空总剧场,除了挑高方正的空间格局之外,其实已经没有什么可以让人感受到旧时代氛围的元素,更甭论召唤出威权统治的幽灵。在这个曾是军事重地的空间里,历史的沉积,都已经被当代城市文化美学清理乾净,连带地也将过往的记忆,从城市人们的集体心灵中抹除。 因此,《噪音风暴》主题与空间选择的批判性,看似不言自明,但如果深究,其实更像是理所当然的惯性思考,能否达到剧团宣称「扰动语言、生活与剧场的关系」的目标,还是要看个别作品的创作者对素材、语言、形式、空间的处理,是否能以共同的剧场经验,挖掘历史的沉积,揭露曾被掩盖的声音,唤起我们对过往的记忆,进而刺激我们对现实的省思。

文字|陈正熙
官网限定报导  2025/09/17
新锐艺评 Review

《日落大道》中的声音裂缝:莎拉.布莱曼的「解构式声响实验」

评音乐剧《日落大道》

音乐剧作曲家安德鲁.洛伊.韦伯(Andrew Lloyd Webber)曾表示,《日落大道》(Sunset Boulevard)中的多首曲目,是以其前妻莎拉.布莱曼(Sarah Brightman)的声音为灵感创作。距此剧1993年首演至今已逾30年,如今年过六旬的莎拉终于亲自演出再制版中的女主角诺玛.戴斯蒙(Norma Desmond),她会如何化身这位执迷过往,且深陷妄想的过气影星? 事实上,莎拉早在1995与2005年的个人专辑中便曾演唱该剧选曲,包括以歌剧式唱腔诠释的〈Guardami〉(义大利文版的〈With One Look〉)、甜美轻柔风的〈The Perfect Year〉,以及与约翰.巴洛曼(John Barrowman)合唱,采典型音乐剧唱法的〈Too Much Love to Care〉。但2025年我于台北国家戏剧院观赏她现场演出时,发现她并未试图重现过往的声音荣光(或许出于生理条件的限制),而是选择一种近乎挑衅的姿态,以不寻常、破碎、古怪、夸张且时而过度雕琢的演唱方式,使她过去的辉煌只能如同残影一般呈现。 女主角登场的第一首代表曲〈With One Look〉,莎拉即定调将使用歌剧式声腔为基底;然而,和1995年的版本之张力非常不同,她的声音孱弱且沙哑,咬字时而不清,有些部分虚到几乎快要听不见,舞台上的男主角和观众们似乎不可能听了这样的「陈述」,会在理性上认为诺玛有可能东山再起,但她又如此滔滔不绝,自信满满。第二幕的名曲〈As If We Never Said Goodbye〉,也承袭如此演唱风格,不过,应著剧情的发展,此刻的诺玛来到派拉蒙(Paramount)片场,并且天真地以为将主演自编的电影《莎乐美》(Salom),声音相较更柔顺与饱满,展现些许「希望」感,但依旧无法摆脱沧桑。可以说,莎拉是用音色演绎已「失去光泽」,却自我陶醉的诺玛。

文字|刘韦志
官网限定报导  2025/08/28
戏剧

第四面墙内外的爱情

评台南人剧团《爱情生活》攻受版

台南人剧团的《爱情生活》从首演至今,已经巡演多次,其以男色经济打造出来的立基市场(niche market)长销剧路线,除了突围艺文观众同温层,让大量男同志族群走进剧场之外,也让喜爱BL的腐女族群走进剧场。近来剧场圈的定目长销剧风潮,大致上多半处理都会爱情或是婚姻主题,情情爱爱加上当代人孤单寂寞、真情难觅的议题,演员外型吸睛,舞台炫目好看,加上够说服力的演技,大致上都能吸引一定数量的观众,比如横向移植的音乐剧《LPC》,或是改编自流行IP小说的《婚内失恋》都创造出亮眼的票房,以及一再演出的风潮。 台南人剧团这几年深耕男同志市场,也算是开创出了某种男同志都会观剧风潮,而《爱情生活》则是其中的代表作。 乍看之下,《爱情生活》卖的是在男同志族群无往不利的男色经济。舞台以酒吧夜店风打造,橘黄霓虹灯大大闪烁著「WORK OUT」两个大字,呼应著男同志群体对于上健身房打造肌肉身材的日常现象,白磁砖搭成的方框底下闪烁著幽幽蓝光,是夜店常见的灯光设计,框里铺满著沙,中间是一个白色双人浴缸;边框上满摆满了象征都会男同生活的时尚品味,纯白色的瓶瓶罐罐可以是Muji的沐浴用品,也可以是Le Labo昂贵的东京限定城市香水款;拖鞋与内裤的品牌一方面标记著男朋友的品味与身分,一方面也是三角关系的战场;更重要的是散落各处的哑铃与拳击手套,那是男子气概的必备物件,也是整个舞台,男性气质擂台赛的象征所指,WORK OUT除了健身运动之外,作为英文片语也有解决、把关系处理好的动词作用,在整个演出过程,两个字除了指涉健身,也大声地呐喊著,男同志爱情关系到底能不能成功,迈向婚姻修成正果的提问。

文字|许仁豪
官网限定报导  2025/08/14
戏剧

娜拉出走之前呢?

评二律悖返协作体《乘上未知漂流去》

《乘上未知漂流去》由成员背景丰富的团队「二律悖反协作体」打造,主要讲述本剧演员妍青的外婆刘华英,在20世纪初的华人离散故事,叙事在华英的生命历程切片和妍青作为演员本人的自剖独白间来回接驳。本作有极强的技术、设计及叙事野心,唯在技术形式的尝试及文本编写方面,或有待发展。 耳机剧场与身声分离:从属于叙事的再现 技术形式上,本剧最引人注意的是表演全程除开场约10分钟前导外皆让观众戴上头戴式无线耳机,以现场即时音效播送到观众耳中,包含对演员声音表演及物件造音进行即时创作的形式,尝试打造沉浸式的剧场体验。 团队具备成熟的声响即时创作能力,精准掌握声音场域,例如对演员即时造音的音频循环、改声效果、不同音层间的平衡,皆处理得恰到好处。《乘上未知漂流去》的技术调度对台湾观众来说召唤了两种当代剧场表演形式:耳机剧场和身声分离。 前者早前有2017年德国里米尼剧团的《遥感城市》、2019年台南艺术节《咖哩骨游记2019.旅行装》、2022年人权艺术生活节《不易遗忘的声音们》等(注1);团队方面,再拒剧团从2016年起便有「漫游者剧场」系列创作至今。诚然,这类作品多以游走形式,强调耳机声景与环境空间的互动,且多非现场而采音频预录演出,与《乘上未知漂流去》在剧场黑盒子演出,重即时反馈有形式上的差异,这使得本作同时带有「身声分离」的效果观众看演员在台上唇齿掀动、手上操作各种物件,但造音物与观众的身体距离,并未反映在声音对观众显现的效果上,耳机取消了身体的物理距离,看不见的讯号共振使得声声响响犹在耳边,触手可及。

文字|洪姿宇
官网限定报导  2025/08/02
戏剧

后人类时代的人类展演

评2025焦点读剧节《大动物园》

后人类主义(posthumanism)在人文学术圈早已不是什么新鲜的名词,作为对人类中心思想的批判资源,「后人类主义」的风吹进表演艺术,除了引发学者开始研究动物的表演,比如早期马戏团中的人与动物共演,也引发了多种非人类受众的展演行为,比如植物音乐会,比如狗狗剧场。但这些研究或是展演多半停留在实验或是概念层次,要真的蔚为风潮或是对表演艺术产生根本性影响,说真的,还有待观察。 表演艺术中的动物登场,多半还是以「拟人化」(anthropomorphic)的方式出现;亦即,以拟人的方式赋予动物主体,让牠们感知、表情达意、甚至思考与行动。借此,动物从「牠」们变成「他」们的过程,便不再只是属于人的「物品」,而成了自己的「主人」。但动物真的因此就获得赋权,不再从属于人了吗?说实话,不论如何展演再现,动物的本体,只要是在人的认知框架下,便无能成为其自身。我们顶多能做的是在伦理学的层次上,打开人类与动物的主客界线,位移人类本位思维,在「拟人」手法打开的戏剧假定性时空里,重新检视人性,展演动物,最后关乎的还是批判性地认识人性本身。 如果从这个观点切入魏于嘉的剧本《大动物园》,我们便能「听」出剧作家,透过「展演性」(performativity)打开「人性」与「兽性」之间的辩证空间,最后取径「表演动物」重新思索如何「变成人类」的伦理学命题。

文字|许仁豪
官网限定报导  2025/08/01
舞蹈

重回NaLuWan

评巴鲁.玛迪霖《排弯动物园》

表面上看,《排弯动物园》无疑是个漂亮又浪漫的作品,却是巴鲁.玛迪霖(Baru Madiljin)企图以白色的纯洁与时尚橱窗的美学为糖衣,妆扮他面对传统的态度、对当代处境的揶揄;用梦境和戏谑玩笑的筹码,换得诠释文化的空间。 标题:X.动物园.乌托邦 《排弯动物园》从名称就高调宣示著巴鲁的创作意图:少了三点水的「弯」,是排湾吗?供人观赏的「动物园」,则以人为展示、非自然景观,回应了原民文化的观光化,最早可以溯自百年前日本殖民时期在伦敦万国博览会「人类动物园」里的台湾原住民村。而英文名称似乎说得更直接,"Xaiwan Utopia"里的「X」,可以是排湾(Paiwan),是台湾(Taiwan),也可以是任何某一族群的名称,包括你我,呼应节目单所言「关于去标签的观看方式」;而不存在于现实世界的「Utopia」乌托邦,又恰恰暗示著「现实」往往处在月亮隐藏的另一面。

文字|陈品秀
官网限定报导  2025/07/29
戏曲

神话卷轴推展开的双重偶戏叙事

评真云林阁掌中剧团《一个皇帝在南洋》

对于真云林阁掌中剧团来说,以金光剑侠戏为基底,并尝试不同演出形式的跨界演出,是熟悉不过的事情从《汪洋中的一条船》、《千年幻恋》到《剑邪启示录》,不难看见整体创作内容与现代剧场、不同国家的创作者互相交流下的多种试验,也将金光戏可海纳百川的演出特点不断向前推展、拓宽。 在此种创作的累积,以及台湾传统偶戏在经过许多剧团的各种艺术形式实验后,《一个皇帝在南洋》不仅只是将台湾布袋戏与印尼爪哇传统偶戏的演出形式混合,也同时将两造的族群与文化认同进行结合,使跨国制作不只是形式实验,而是找到文化与故事当中可互相共鸣之处。

文字|苏恒毅
官网限定报导  2025/07/28
新锐艺评 Review 直击艺现场

如果她不是慈禧──隐藏在名字后的她们

评《女王的名字》

这应该是今年TIFA最热门的戏了吧? 今年台北的几个艺术节整合起来,让TIFA的节目型态丰富了起来,演出场地也从国家两厅院延伸到其他场馆。《女王的名字》是我在看TIFA节目表时第一个放入清单的演出。我对京剧的认识非常有限,但我很确定,魏海敏演出的绝对不会是我看不懂的那种京剧,更不会只是京剧。当然,对于慈禧这样一个被各种戏剧小说翻遍了人物还能有多少呈现价值的好奇心,更驱使我一探究竟。 剧名《女王的名字》将创作意图明白揭露,我们将看到的不是那个坐在帘后,必须依附儿子名声翻弄天下的太后,而是一个拥有实权且明揭于人前的女王。其实我们并不确定慈禧的名字是什么,她的姓氏是叶赫那拉,人们对她的称号从慈禧太后到长达数十字的尊封,不可尽数。她掌天下权,背负了毁败王朝百年基业的罪名,但终究是依附在皇权背后的后妃。女王(Queen)的权杖她从未拥有,女王的称号她不敢奢望。 演出前半段从慈禧的观点,顺著西逃的路线缀起她人生中重要的回忆:紫禁城里的后宫、圆明园的戏台、避难的清真寺、最终安身的西安。我们顺著路线的延伸梳理出她的回忆:母凭子贵的机运、戏里戏外的爱情欢愉、逃离群力中心的难堪、母子离心的伤感。后半魏海敏饰演慈禧以外的其他角色,呈现同一事件中其他人物的感受:渴望新事物的珍妃、极力摆脱母亲控制却又有所顾忌的皇帝、看似无声实则权重的慈安。女王抑或后妃的称号已不重要,我们看到为生存而前进的女性如何顺势而生,应运而活,谨慎小心地维护著那从不属于她的天下。这个女性或许是慈禧,又或者是那个革命不成终成牺牲品的珍妃,也可能是永远坐在帘后的慈安,或是无声端坐的隆裕。 从演出的形式来看,「转换」是贯穿整部作品的主题。随著演员扮演角色的转换,观众的焦点从第一幕中的慈禧转移到第二幕中的其他角色。通常这样的转换凭借的是舞台机制和设计上的转景,而在这部作品中凭借的是演员主体转换而引导的焦点转移,从硬体式的视角转换改为演员引导式的软性转移。这样的转移不仅限于视角呈现,在音乐元素的使用上更加彰显。 第一幕的音乐元素大多出现在回忆中的戏曲桥段,呈现传统京剧的唱念做打。第二幕在传统京剧元素外加入白话唱词,虽是京剧锣鼓演奏,歌词却是类音乐剧般的白话,唱腔贴近流行音乐的男女对唱。口白搭配探戈的节奏,内容虽是京剧唱白,却营造出RB

文字|Diosa Chin
官网限定报导  2025/07/22