台湾的古典乐迷即将迎来一场音乐盛事世界级指挥家梵志登（Jaap van Zweden）将于11月22日和25日分别在高雄卫武营音乐厅及台北国家音乐厅，为长荣交响乐团指挥2场世纪首演音乐会。这场名为「梵志登与长荣交响乐团世纪首演戴奥尼索斯的沉思」的音乐会，不仅标志著梵志登大师首次与台湾乐团合作，也为长荣交响乐团在国际乐坛上带来了新的突破。 梵志登的到来无疑是一个振奋人心的消息。生于荷兰阿姆斯特丹的梵志登，拥有超过40年的指挥经历，曾担任维也纳爱乐乐团、柏林爱乐乐团、巴黎管弦乐团、旧金山交响乐团、洛杉矶爱乐乐团及伦敦交响乐团等知名乐团的指挥，且以其精湛的指挥技艺和深厚的音乐造诣著称。甫接任首尔爱乐（Seoul Philharmonic Orchestra）音乐总监，2026年起也将任职法国广播爱乐（Orchestre philharmonique de Radio France）音乐总监。此次他将首次在台湾亮相，带著其独特的音乐视野和指挥风格，为乐迷带来全新的音乐体验。
由小提琴家胡乃元所主导的Taiwan Connection（以下简称TC）音乐节，今年已届20年，为欢庆这特别的一届，音乐节以「再启伟大」为题，规划了数场经典的音乐会，包括两场室内乐团巡回、室内乐系列I与II各3场巡回、一场轻松自在场演出，以及由胡乃元、知名莫札特诠释权威钢琴家罗伯特．列文（Robert Levin）主讲的活动。让乐迷在享受演奏家精湛演出之余，更能贴近作曲家深层的构思与内涵。 细数过往，胡乃元表示在TC创立前一年，他在国家音乐厅演出舒伯特的作品，隔天跟严长寿总裁去东部，才开始讨论TC的成立与否，因此舒伯特的作品对音乐节来说有著特别的意义。最初从室内乐二重奏到六重奏的规模，成长到2007年有弦乐团的组合，到2009、2010年合作没有指挥的交响曲，「一路以来在台湾做音乐、并把音乐做到最好，是我认为最重要的事。」 虽然最初与严总裁的起心动念是「把好的音乐从音乐厅带出去」，但渐渐地，胡乃元也希望「将好的音乐从外面带进来。」因此他开始邀请外国音乐家来台湾，与本土音乐家一起交流至今。今年适逢20周年，音乐节不仅邀请音乐家，更大量邀请各大乐团首席一同来台演出。如纽约爱乐首席黄欣、 纽约爱乐低音提琴首席提莫西．柯布（Timothy Cobb）洛杉矶爱乐长笛首席丹尼斯．布列可夫（Denis Bouriakov）、柏林广播交响乐团低音管首席柳成权、前美国大都会歌剧院乐团单簧管首席赵仁赫等超过10位重量级演奏家。 纽约爱乐大提琴前代理副首席派崔克．吉（Patrick Jee）分享：「去年第一次来TC就很惊讶没有指挥，一般团员不会频繁地在排练过程中发表意见，但在这里不管是首席或最在最后一排成员，每个人都可以在排练时表达自己的想法。音乐家们非常投入在音乐中。」他在纽约爱乐已经工作多年，但从未有在TC这样的感受，在心中留下非常温暖的经验。
陈丽香歌仔戏团为彰化员林在地歌仔戏团，成立30余年，以外台戏为主力，但近年也陆续挑战现代剧场，且尝试演绎在地故事，像是2020年就曾改编彰化七圹古墓传说成《七圹先人外传》。团长施纯权表示：「我们还是希望可以吸引年轻观众进剧场看演出，因此会持续找寻议题再往下走，能够更创新，并更贴近青年观众。」于是，《大梦初醒》就在题材开发的思考中，花了约莫3年光景，终于迎来即将首演的时刻。
以《少女须知》系列使用「裸／身」概念来探讨女性主义的艺术家苏品文，从2023年开始进入新阶段的探索，而《剩女经济》即是展现这段时间以来的累积。迈向40岁的苏品文，透过自己的肉身以大众定义的「剩女」的身体，透过市场产品和观众互动来建构场景空间，检视社会如何看待有利或无用的事物。作品结合了食品市场的「最佳食用期限」概念和异性恋婚姻的主导逻辑，质疑厌女文化和社会普遍根深柢固的性别歧视思想。 「剩女」一词在华语语境里，如今广泛被联想为具有贬意的大龄未婚女性，《华尔街日报》也出现读者投书探讨「剩女」经济学。（注）被归属于「剩女」的苏品文，将自己的肉身作为题材，毫无保留地提问，「我在谈的是40岁的我怎么存活下去的策略。」不只是面对因大龄身分遭受的歧视，还有如何创新和担负独自演出完整作品的体力。 除此之外，苏品文也希望这次作品可以探索超越二元性别观的女性主义世界观，突破传统女性主义过于聚焦于生理女性的观点。他积极地使用「they／them」（英文代名词「他们」）来作为作品目标，不再只是依赖自己个人作为生理女性的身体形象，而是提议一种新的女性主义样貌，打破性别的二元对立，倡导更具包容性的性别观。 作为台北艺术节国际共同制作的委托创作，苏品文也提到创作的艰辛：「要在全球语境中谈东亚的女性主义，又要考虑它的社会文化脉络。」其实是相当困难的，「光是使用不同语言讨论作品时就会产生落差和误解。」苏品文提到：「我自己也很小心的是面对所谓的异国情调。」他同时也希望作品在不同城市巡演时，观众接收到的不要落差太大，「尤其是裸体这件事」。
2007年的爱尔兰音乐电影《Once, 爱是唯一》以大约500万台币的低成本，以短短17天的拍摄期制作而成。剧组仅12位工作人员，男主角葛伦．韩萨（Glen Hansard）及女主角玛琪达．艾葛洛瓦（Markta Irglov）虽然是创作歌手，负责电影歌曲创作，其实并无专业演员背景。这样低预算的独立制片小众文青电影，最终票房大捷，超越成本百倍，更因隽永的音乐及细腻的情感，被誉为继《爱在黎明破晓时》后的经典浪漫爱情电影，被多位北美影评人选为2007年最佳十大影片。这部音乐电影将音乐完美融合进电影情节中，因为这些音乐不仅仅是剧中角色的生活，更是两位演员的日常。相对于一般电影用肢体及对白来表现爱情，这部电影虽然以音乐呈现，却能更细腻地展现角色难以用笔墨形容的情感。 电影剧情描述失恋的爱尔兰男孩在都柏林街头卖唱，白天唱著人们喜欢的歌曲讨生活，夜晚则为自己而唱。一夜，他声嘶力竭地唱著自己的创作〈Say It To Me Now〉，他陶醉忘我、仿佛没有明天地歌唱，直到曲末，才发现一位捷克女孩驻足许久，开启了两人的缘分。隔天两人相遇并走进乐器行，女孩为男孩弹奏孟德尔颂的《无言歌》，即便不谙古典音乐，男孩也被女孩的琴声深深吸引。男孩随后演唱自己的歌，男孩原本再简单不过的吉他自弹自唱歌曲〈Falling Slowly〉，在女孩的钢琴合奏及绝美和音之下，其丰富饱满的声响使乐音更显得浓烈深刻，呈现的情感也更加真挚动人，两人仿佛透过音乐，触及对方的深层灵魂，不仅令戏中的两人起了化学变化，连一旁的乐器行老板也为之动容，更唱出了两位演员在现实生活中的一段恋曲。当时，这首歌曲击败了强敌迪士尼《曼哈顿奇缘》及另一部以音乐为素材的大制作电影《把爱找回来》，勇夺2008年奥斯卡金像奖「最佳原创歌曲」。光靠这首歌曲，就写下了影史不可抹灭的一页，并广为流传，就连国际有氧健身课程的龙头品「莱美」（Les Mills）也曾选这首歌曲用在其瑜珈课程BODYBALANCE中。
暌违7年，日本NHK交响乐团（NHK Symphony Orchestra，Tokyo）在文化部「台流文化黑潮」计划支持下，由国家交响乐团（NSO）主办与日本台湾交流协会、台中国家歌剧院（8/23场次）、卫武营国家艺术文化中心（8/24场次）协办，将依序于台中、高雄、台北巡回登场。 NHK交响乐团成立于1926年，是日本历史最悠久的专业交响乐团。成立之初名为「新交响乐团」，直到1951年开始，乐团获得日本广播协会（NHK）的资助，始更名为NHK交响乐团，在日本，乐团更被乐迷暱称为「N响」。其历任指挥皆为古典乐坛顶尖名家，经历将近百年的打磨及与国际知名独奏家合作，如今不但是亚洲首屈一指的交响乐团，更跻身于国际一流交响乐团之列。 本次领军来的首席指挥法比奥．路易西（Fabio Luisi）来自义大利的热那亚，是现任丹麦国家交响乐团首席指挥、达拉斯交响乐团音乐总监。他于2001年首次指挥NHK交响乐团，并于2022年9月成为乐团的首席指挥。2023年8月，他的首席指挥任期延长了3年，直至2028年8月。这次巡演的3首曲目是指挥路易西特别为台湾乐迷所策划：上半场以德国作曲家韦伯的《魔弹射手》序曲揭开序幕；下半场则呈现柴科夫斯基的E小调第5号交响曲。 为了来台巡演，NHK特地挑选活跃于国际乐坛的台湾小提琴家黄俊文担纲协奏曲，演出布鲁赫G小调第1号小提琴协奏曲。黄俊文为艾佛瑞．费雪事业奖及林肯中心新锐艺术家奖得主，于2014年替小提琴家宓多里（Midori Goto）代打，与名纸挥家史特拉金（Leonard Slatkin）率领的底特律交响乐团合作，轰动乐坛。近期又在美国维尔音乐节（Bravo! Vail Music Festival）为小提琴家安．苏菲．慕特（Anne-Sophie Mutter）代打亦获得高评价。2023年正式签约法国唱片大厂 Nave成为旗下专属艺人，其第一张唱片于 2023 年10月全球发行：6月甫于Naxos大厂发行当代知名日本作曲家细川俊夫的作品录音，名气还在不断上升当中。 今年是NHK交响乐团继1971年及2016年后第3度来台演出。据NSO执行长郭玟岑所述：「此次不但是NHK交响乐团疫后第一次出国巡演，也是首席指挥法比奥．路易西首度带团于海外演出。」而延续2023年
由曾彦婷和蒋韬成立的测不准工作室，将于牯岭街小剧场2楼展演作品《大革命家》，结合参与型表演和实验性桌游（注），每场邀请5位观众担任玩家扮演「当局者」、15位观众作为「旁观者」，进行2小时的参与式演出。玩家扮演一群刚革命成功的革命分子，在游戏中的任务是建立新政府及新制度。如何在建立社会的过程中，堤防假想政敌伺机夺权，又要注意自己行使权力是否会伤害其他族群或个人，造成社会压迫，在扮演和辩证之间探问「我们是否可以建立理想社会？」，又该如何察觉到权力和其可能造成的压迫。
从2014年开始，新象．艺之美文创所独创的「大师系列」，在钢琴家叶绿娜与魏乐富两人携手策划下举办贝多芬全本钢琴协奏曲音乐会之后，又以布拉姆斯、巴赫、李斯特等古典音乐大师为主题规划，浩浩荡荡地演出他们各类型的作品，让乐迷饱览作曲家的音乐特色。今年本系列适逢第10年，特别以19世纪浪漫时期代表人物之一的舒曼为题，从各个角度呈现舒曼的丰采。除了两位音乐总监领军演奏及朗诵表演外，更邀请台湾在国内外获得优异成绩的14位钢琴家一展长才。 「我一直在想为什么要这样做？」系列发想人暨音乐总监叶绿娜回忆当年的初衷与坚持回答：「这跟我们的教学经验有关！」在教学过程中，她不断问自己到底要教学生什么？什么是对学生有用的？台湾有何多优秀人才，如何培养？学校的教学与实际的艺术表演有没有连结？恰好当时他们有很多国外的朋友骄傲地告诉他们自己的学生才弹过全本贝多芬奏鸣曲系列，让她深思：「台湾有很多优秀的学生，为什么我们不能也这样做？」尤其钢琴曲目众多，但比赛才弹前面两分钟，又加上各年级学生完全没有交流，要怎样有机会非得让学生听完别人的演奏不可？于是他们抱著决心找上新象，「要做别人不做的事情」！ 对于今年选定舒曼为主题，魏乐富表示：「我认为『最德国』的音乐家就是舒曼，而且他也拥有最国际化的名声。」提起19世纪的音乐风格，他说：「大家都认为法国是最浪漫的国家，但在浪漫时代并不是！」他举舒曼的浪漫为例：「舒曼的文学造诣是作曲家中最高的，他没有一个曲目不连结到文学，而这个做法也影响到其他国家的音乐家。」叶绿娜更补充说明，舒曼与钢琴家夫人克拉拉对文学的关注从早期的荷马开始，包括格林童话、莎士比亚等都有收集，而他们的心血也被集结成册。 5场演奏会分别为「传承」、「送给心爱的人」、「激情的凝聚」、「文学的舒曼」、「走过一生」。压轴的「预兆．梦境」则邀请廖嘉宏指挥世纪交响乐团演出协奏曲之夜，曲目有常见的a小调协奏曲，还有两首钢琴与乐团对话般的乐曲。最特别的、也可能是世界首演的乐曲，就是《荒野的男孩》为朗诵与管弦乐团。叶绿娜解释，乐曲原为柴科夫斯基将舒曼叙事诗的钢琴独奏部分改为管弦乐版本，并且将文字翻为俄文创作了《预兆．梦境》这部作品。而这次在管弦乐的伴奏下，魏乐富并不弹琴，而是将自己化为说书人，以德文原文朗诵以及夸张的舞台表现，带
嚎哮排演要演音乐剧了？！ 从去（2023）年的上半场读剧，到今（2024）年4月全本读剧演唱会，这出孵育了4年的喜闹音乐剧《别叫我成功：艺术界归来的儿子》（下简称《别叫我成功》）终于要在8月登上台中国家歌剧院中剧院舞台。 「我们是一个没有远景的团队，都是被deadline追著跑！」嚎哮排演金三角之一、负责编剧的王健任玩笑地说。一切的起点来自2020年台中国家歌剧院期间限定「艺术孵育计划」当时台湾表演艺术界面临疫情带来的严峻考验，在国外制作进不来、剧院也无法开门的情况下，场馆选择将资源投入在地题材的扶植与开发。正处起飞期的台湾音乐剧，逐渐有群专业创作者、表演者与观众成形，而嚎哮排演受到启发，冒出了「想做台湾《Hamilton》（注1）！」的念头，于是带了两首曲子〈成功还是不成功〉与〈台荷大战〉投件，结果获得场馆方热烈的喜爱与鼓励，于是在剧院陪伴下，走著走著，走出了一出属于嚎哮排演独有风格的音乐剧。
由朱宗庆打击乐团所推出的「JPG击乐实验室」提供平台给35岁以下的击乐家发挥创意，将各式各样的想像借由击乐发挥出来。计划从2016启动，到现在已历经8年，累积共21组团队获得团队的陪伴与实践。今年已达第5届，共有3个团队将于今年8月进行正式的成果发表。 计划主持人朱宗庆回想自己创团时，也才30几岁，年轻人有机会凭著想像创作，那种冲动、期待、挫折等等，都是真实而有意义的！他说「JPG实验室」的重点在于「陪伴」，提供这个平台是让年轻人自由作梦。过程中他常勉励参与的团队：「『不要怕失败！』害怕失败的话，过程就会保守、就不会成长。探索的过程都不容易，不累、不放弃，人生往前走就是！」看到以往参加过的团队逐渐成长，他也欣慰表示：「这就是为何我们继续这个计划的原因。」
台湾的夏季炎热已成为发烧话题，当我们一边高声呼喊拯救北极熊与生态圈，一边却忍不住按下冷气开关避免中暑的同时，是否曾感到过一丝不安：假如北极熊或濒危生物就出现在我们面前，我们还会有勇气做出一样的选择吗？ 由比利时夏绿瓦蒂剧团（Chaliwat Company）、焦点剧团（Focus Company）合制作品《最后一个星期天》（Dimanche）（编按）将气候失控后的极端灾变以童趣充满、创意无限的形式搬上舞台，描绘地球暖化走向极端时，各类物种所面临的处境，以及无法自外于灾难的人类，如何尽力却失效的抵抗自然变迁，上演一则荒谬中带著残酷的警世寓言。
由台北爱乐文教基金会所主办的年度盛事「台北国际合唱音乐节」（Taipei International Choral Festival，简称TICF）将于7月底到8月初盛大举行。本届除了台北爱乐合唱团之外，更将邀请来自印尼、挪威、西班牙与台湾本地的10余个团队共襄盛举。除了开幕及闭幕音乐会外，更将举行巡回全台的系列音乐会。除了表演外，台北国际合唱大赛（Taipei International Choral Competition，简称TICC）也将如期展开。 今年的团队不可小觑，由全世界最具分量的「世界合唱大会」去年精选出的10个团队中，即有来自印尼、西班牙巴斯克及台北爱乐共3组团队将在台北亮相。台北爱乐合唱团音乐总监古育仲介绍，来自印尼的巴塔维亚合唱团（Batavia Madrigal Singers）团名取自雅加达的古地名，20年前才刚在国际上崭露头角的他们就来过台北表演。之所以相隔20年未能再度访台，是因为他们在各个不同比赛频频得奖、各地邀演应接不暇。该团最高的荣誉是得到欧洲合唱大奖赛总冠军，这个奖项非同小可，因为是将其他不同比赛的冠军集合起来再比一次所得到的，所以可说是「冠军中的冠军」。除了演唱西方宗教歌曲，该团表演最大的特色是综合印尼文化与流行歌曲，并且活泼地载歌载舞。古育仲回忆：「2004年来台时，他们边唱还边做大车轮的动作，非常震撼，台下观众是欢呼尖叫，难以置信。」 来自挪威的女生合唱团Cantus在欧洲女生合唱团队中享有盛名，后来爆红的原因是，动画片《冰雪奇缘》第一、第二集开场的合唱，就是她们的歌。古育仲说：「这些是她们早年委托创作的招牌歌曲，灵感来自于北欧萨米民谣。之后《冰雪奇缘》团队在制作配乐时，发现他们的歌曲很适合，于是请他们来重新录制。」2006年来台时，她们就穿著华美的传统服饰演唱过，这次当然也不例外。 来自西班牙巴斯克自治区的雷欧亚少年合唱团（Leioa Kantilka Koralsa），演唱的特点是同声，同样也是有歌有舞。自治区虽然属于西班牙国土，但有自己的文化、语言与音乐，因此歌曲也相当具有民族风味。古育仲分享：「去年在土耳其参加世界合唱大会时，现场看过他们的表演。除了唱得好、动作棒之外，我感觉到他们的歌唱与动作都非常真诚，最后他们还是大会选出的10团中的第一名。」
由奥地利剧作家霍夫曼斯塔尔（Hofmannsthal）撰写剧本，德国作曲家理查．史特劳斯（Richard Strauss）谱曲的歌剧《玫瑰骑士》，可说是其艺术成就的绝顶之作。故事内容描绘18世纪的维也纳贵族间有个特别的仪式：向心仪对象提亲时，要派名为「玫瑰骑士」的使者递送象征纯洁爱情的银制玫瑰花作为定情信物。好色的欧克斯子爵，将与新兴贵族法尼纳年轻的女儿苏菲结婚，请身为威登堡元帅夫人的表妹玛莎琳物色玫瑰骑士，夫人推荐年轻贵族欧大维。而当英俊的欧大维见到美丽的苏菲，剧情有了意外的发展。为了诠释这部经典作品，NSO音乐总监准．马寇尔（Jun Mrkl）携手国内外著名歌手，更特邀于德国、日本都有丰富歌剧指导经验的太田麻衣子担任导演，此次以「半舞台形式制作」（Semi-staged）形式呈现，作为NSO 2023╱24乐季压轴好戏，值得观众期待。 Q：太田导演与马寇尔指挥似乎相识多年，请谈谈合作的经过？ A：我在德国巴伐利亚国立歌剧院担任导演助手时，认识了马寇尔指挥，陆续有过几次合作。去年在东京演出史特劳斯的歌剧《和平之日》，则是我初次以导演身分与他合作。马寇尔在音乐上有很高的造诣，也具有深厚的知识，和他一起工作很开心。这次的工作确定后，为了场勘，去年我特地来台聆听马寇尔指挥NSO演奏贝多芬《第九号交响曲》音乐会，当时和马寇尔、乐团、工作人员等，开会讨论这次演出的事宜，也勘查了舞台。 Q：您以往是否有过执导《玫瑰骑士》的经验？ A：这是我第一次执导《玫瑰骑士》。我进入歌剧世界不算早，以前是舞者，偶然机缘下与歌剧相遇。当时周遭每个人都很喜欢《玫瑰骑士》，极为夸赞，但我尚未看过，实在不懂为什么，心想：「还有其他更优秀的歌剧吧？」可是在初次欣赏《玫瑰骑士》后，「不得了！」我坠入情网。或许是因为一开始不以为然，喜欢上之后，这份喜爱的心反而更强烈。
那句赫赫有名的音乐教室广告词「学音乐的孩子不会变坏」，多年来深深触动了许多家长，我们似乎也从中一窥了音乐家普遍被投射的形象：优雅、沉稳、行礼如仪，如同那些戴著闪亮假发、表情严肃的西方古典乐大师。 但有一位出名的作曲家却自外于这种样貌，那就是莫札特。 或许因为年纪小小就成名、同时早逝而不曾老去，又或许因为他的音乐总是听来甜美顺耳，大家一想起莫札特，多半仍会浮现一张带点纯真与童趣、年轻慧黠的面孔，而不是严肃、充满距离感的中老年男子。受到像电影《阿玛迪斯》（Amadeus）的影响，有时他还被染上了一抹疯癫的色彩。 澳洲的瑟卡马戏团（Circa）捕捉到了这个形象特质，用默剧、肢体喜剧、魔术与特技让莫札特重新活了过来。没有语言、不讲道理，用莫札特的音乐为经、两位表演者和一位手风琴演奏家为纬，交织出一首轻巧、欢快、充满节奏韵律的马戏小奏鸣曲《捣蛋鬼莫札特》。
离家出走，在《那一天，我在离家出走。》里不是个负面名词。 主创者林方方一直强调这件事情。她说：「『离家出走』在小孩心里可能是我带著我喜欢的东西去某个地方，不会只待在家里等爸爸妈妈回来，也不会无聊。」她认为「离家出走」是个很可爱的想法，就算是出门买个东西，只离开属于自己、被认知为安全的小天地10分钟、甚至是30秒钟也可以是离家出走。不过，林方方也看到这种可爱念头背后其实不只有期待、也充满勇气，更有对「长大」、「独立」的追求。
迈入第7届的猫里表演艺术节，从最初的活化苗栗县中正堂的展演空间，发展到以主题式的方式，建构出苗栗在地特色的艺术节。本次的策展单位EX-亚洲剧团，以「技艺流转记忆，庆典绽放光彩」作为本年度的展演主题，节目类型包含戏剧、舞蹈、音乐、跨领域等，透过不同的技艺展演呈现苗栗的特殊性，并且保存生活常态的情境与记忆。而技艺与记忆的重要性，艺术总监江谭佳彦认为：「如果没有技艺／记忆，人就不会存在」，因此以这样的方式，构想猫里表演艺术节的主题。 不只是策展单位，EX-亚洲剧团同时也是演出单位之一，本次推出的《清洁日志No.＿＿》有别于观众熟知剧团的亚洲文化诠释，而是以「慢天使」为独居长辈清理住家的互动中，看见彼此的生活样态，让存在于社会、却容易被忽视的族群的故事能够引起更多关注。
「台湾国际竖琴节」（Taiwan International HarpFest）由台湾竖琴家解瑄创立，主要结合诗歌、舞蹈及摄影等多种艺术形式，以创新跨域的表演模式带给观众耳目一新的感受。今年第3届的设计，以「竖光潮现」为主题，透过海洋世界、环保等议题来传递更多讯息，期待突破观众对竖琴既有的定见，展现它各种型制、样貌与可能性，并集结国内外竖琴名家与新星的表演、大师班与讲座，创造一个平台与世界竖琴艺术家相互交流。 由于竖琴学习的门槛高、乐器移动不易，乐团需求量又少，因此投入者不多。解瑄表示：「竖琴是相对弱势的乐器，如果没有年轻学子的加入，就不会有成长的空间。」作为台湾第一代的竖琴家，她挺身而出，尽力进行这项乐器的推广。她说明：「古典曲目中，要到后期浪漫的乐曲才用得到竖琴，但当代竖琴有多种面向，例如在电子、爵士、流行都有发展，绝对是一个充满想像空间的乐器！」 本届音乐节共有5场音乐会，应邀而来的重量级音乐家众多。法国知名超技竖琴家席尔凡．布拉索（Sylvain Blassel）不但是一位古竖琴收藏家，也热中于以创新技巧拓展竖琴的独奏曲目，如巴赫、贝多芬、舒伯特、李斯特等作曲家的名曲。此次他将以直立式音箱（Straight soundboard）竖琴演奏巴赫创作高峰之作《郭德堡变奏曲》，更加码多首李斯特钢琴版的舒伯特艺术歌曲，包含《纺车旁的葛蕾卿》、《磨坊少年与小河》等迷人作品。
当代传奇剧场自1986年创团以来，从京剧艺术出发，转译多部西方经典，如莎剧、希腊悲剧、契诃夫小说等，成为享誉国际的跨文化剧场代表。尤以莎剧改编最为当代传奇剧场的特色，包含改编自《马克白》的创团作《欲望城国》，并陆续诠释《哈姆雷》、《李尔王》、《暴风雨》、《仲夏夜之梦》等，而将在台北演出的《凯撒大帝》则再次改编莎剧，并以「歌剧」形式，持续展现当代传奇剧场在艺术创作上的多元与实验意义。 对主创者吴兴国而言，自《李尔在此》以来，就希望能将「自己」作为概念抛掷到角色里，这也深深影响到后续作品的思考。《凯撒大帝》背后的政治性，就是吴兴国所在意、却又不知如何下手的关键，因为这可以很个人，也可以非常群体，甚至是影响整个世界。
出生在台东市马兰部落阿美族的音乐家李泰祥，是台湾40岁以上的乐迷们熟知的一号人物。他的作品有扎实的古典基底，也有前卫的风格，更重要的是他不受拘束的性格，不仅走入民歌、流行，探究客家风味，更挖掘原住民自身的元素来创作，让各类乐种互为媒介、丰富彼此。最直接的例子便是将古典音乐通俗化的同时，也将流行音乐的质感提升到更高的层次，除了大家琅琅上口的〈橄榄树〉、〈告别〉等流行歌外，大型剧乐作品还包括清唱剧《大神祭》、歌剧《大风起兮》，以及为云门舞集创造的舞剧音乐等。此外，他清亮的歌声尤其独特，旗下弟子无数，可说是才华洋溢且无可定义的音乐家。 在李泰祥过世10周年之际，卫武营国家艺术文化中心、台东县政府、国家交响乐团及台北室内合唱团将携手合作，共同举办巡回特展及5场音乐会。系列活动一棒接一棒，6月从台北揭幕，8月到李泰祥的故乡台东，10月再由卫武营压轴。会中将邀请多位歌手演唱代表作，也会有交响乐团演绎他的大型作品。 国立传统艺术中心陈悦宜主任致词时表示：「李泰祥老师是一位跨域的作曲家，也是一位把原住民DNA发挥得淋漓尽致的作曲家。期待活动能够让年轻朋友们了解李泰祥，也能爱上属于本土音乐家，更了解台湾各个角落所累积起来的音乐。」卫武营国家艺术文化中心艺术总监简文彬则期许：「借由演出、展览，看见作曲家使用的物件、看到自己亲手创作出来的手稿，让民众从不同角度来认识作曲家也是一个『人』，而不是一位遥不可及的大师。」总策展人李欣芸则说：「李泰祥的跨界，早在这么多年前就已经在为台湾做典范！」她认为：「与其说是台湾给他多元元素，反而觉得这位伟大的作曲家增添了台湾音乐的多元性。」
纽约大都会歌剧院（The Metropolitan Opera）创立于1883年，管弦乐团也同时成立，因此在歌剧及音乐会领域双双都有灿烂的过往。诸多知名人物都曾在此写下历史，如作曲家马勒于1908年的合作，是他离欧赴美的重要里程碑，而被誉为20世纪最伟大作曲家之一的托斯卡尼尼在1913年也以担任该团指挥在美国首次亮相。当然，前任音乐总监列汶（James Levine）也功不可没，乐团在他的打磨下显得灿烂辉煌。而在亚尼克．聂泽-赛金（Yannick Nzet-Sguin）接任音乐总监后，乐团更是走出新世纪，今年6月，乐团在卡内基音乐厅结束演出后，将由聂泽-赛金领军，携手抒情花腔女高音莉赛特．奥罗佩萨（Lisette Oropesa），首度跨海来到亚洲。经过韩国、日本两站，最终站将来到台湾，献上乐团固有的经典之声。 纽约大都会歌剧院管弦乐团（The MET Orchestra）不仅是纽约耀眼的招牌，更是全球公认的顶尖乐团之一。早年经过战火摧残，后搬迁至林肯中心，至今于卡内基音乐厅定期演出已逾30年。乐团时而伴随歌剧演出隐身于乐池中，时而跃升于舞台展现实力，是为世界上最卓越、也是最繁忙的乐团之一。
2024年的云门舞集迈入第51年，同时也是云门剧场开幕第10年，艺术总监郑宗龙再次启动「春斗」，这个曾让许多当代舞蹈观众每年引颈期盼的编创展演平台，希望延续「当年的清澈跟勇敢」，除了郑宗龙以首支影像作品《身土》加入「春斗2024」，今年邀请合作的编舞家为擅长结合新媒体创作的苏文琪与不断探索身体与空间的王宇光，将分别与5位云门舞者碰撞出新作《可以是无题》与《BE THERE》。
以《神不在的小镇》和《微醺大饭店》等沉浸式作品打响名号的编导洪唯尧，这次从「台中」和地方田调与自身身分认同获得灵感，带来全新沉浸式创作《Sucks in the Middle》。观众可以走进剧场舞台上，在各种舞台机关之间穿梭，近距离观看表演者以非语言的表演，拼贴出非线性的叙事，体验洪唯尧所感受的「中度忧郁」。
其实，邹族音乐家高一生在入狱时，从没想过自己的生命会结束在1954年4月17日。 如今他最为人熟知的「著作」，写给妻子春芳（矢多春子）的《狱中家书》，从秋天写到冬天再到春天，从详尽的日文长信到短信再到破碎的生硬中文，殷殷切切惦记著「我们现在分离的痛苦，会让相聚的日子更甜美吧」，细细交代山田间里的杉树水稻甘𫉄直到最后一封书信「在田间、在山中，我的魂魄时时刻刻陪伴著。水田不要卖」，让一切盼望都成了徒劳。 看著高一生投注短短一生的知识、教养与信念，最终绝笔却依然跟随灵魂回归山田事隔70年读起这段文字的我们，很少不被「水田不要卖」5个字重击。 出生中国、旅居法国的布袋戏师杨辉也是如此。「从小父亲遭受文革迫害的经历，让我对这类故事特别有共鸣，随著政权不断转换，纵然再有才情，也有承受不完的委屈。」杨辉说：「但高一生家书更打动我的，是他在苦难中依然充满对土地的爱，让我们在最黑暗的时刻，仍旧能看见缝隙进来。」也因此，当长义阁掌中剧团邀请杨辉参与启动4年的计划《邹之春神》（本剧名引用「野火乐集」出版《邹之春神》专辑名称）时，杨辉并不特别著墨台湾战后的政治、经济与社会动荡，而以他身为非台湾人的角度，寻找高一生家族故事的普世性。自家书唤起的深切情感，「通过一段悲伤历史，看见狭缝中的爱与希望。」杨辉相信，这才是真正触碰人性的力量。
《打人的狗》看似与高雄地名「打狗」有关，然而狗要怎么打人呢？这是真的吗？作品由舞蹈创作者王珩单人演出，却是在讲述角色王衍的故事。如此层层翻转命题，如幻似真地模糊现实和虚构的边界，使作品成为一面镜子，映照出台湾1990年代至2010年代的社会转变。透过乘载时代记忆的身体，来爬梳青年世代看世界的方式如何受后殖民与全球化的影响。借由「唬烂」的剧情，映照真实人生的荒谬。 导演李承叡说：「这个作品主要是讲述我们怎么长大的故事。」这群如今30岁左右的创作团队包含王珩、李承叡还有编剧李承寯。创作过程先从王珩生命历程开始挖掘，逐渐扩大到他人的故事，于是一个虚构的角色王衍由此诞生。文本又再次翻转，整场由王衍的朋友来演出独角戏，讲述他记忆中王衍的故事。观众像是一直处于「听故事」的体感，荒谬的剧情，使人不断冒出「这是真的还是假的」的念头，戏剧化真实故事后的虚构文本，看到最后，李承叡说：「会不会这些故事也在某些人的人生中是真的，是很值得玩味的事情。」 作品也反思集体意识如何沿袭到下一代，影响观点的塑造。以「打狗」地名举例，李承叡分享创作过程中与王珩讨论到，「小时候很常听到大人说高雄有很多狗，日本人来的时候很坏，就是要去把狗打爆。这个故事是显然是唬烂的，其实背后有很深刻的意识形态，是日本人很坏这件事。当回顾这些历史的时候会发现很多都是唬烂的。」又例如他们从小到大都被灌输美国梦，「回去梳理的时候会发现，这个东西并不是我们这一代开始，而是早就已经被刻在我们父母辈心中的经验。」这些集体意识创造出来的神话成为众人追逐的目标，但「跳脱神话的时候我是谁」，成为这个作品不断辩证的命题。
唱歌集音乐剧场（以下简称唱歌集）将推出的青春校园音乐剧《以为是BL结果是BFF》（以下简称《BL》）以「BL」为剧名，但也得强调后头的「结果是」，所以重点不完全在「BL」，而更著重于青少年在成长过程中的迷惘，包含升学压力以外的性别与自我的认同等。 仍于台北艺术大学就读研究所的编剧陈志楷，在确定以青春校园为主题后，与制作团队聊到自己看过的Netflix校园喜剧《好想做一次》，意识到不同年龄层的观众对这个作品喜爱的面向截然不同，自己在意的是与主角类似的经历，而年纪较长的制作人詹喆雅、演员詹喆君则看到成人在这个故事里扮演的角色；不过，陈志楷对于这种青少年「被关心」的意念，慢慢成为《BL》的出发点，「我在看《好想做一次》时产生的那个无可取代的力量，让我也希望《BL》可以有这样的价值跟能力，去关心一群『可能觉得没有人在乎他们问题』的一群人青少年。」于是，《BL》就这样开始发展。
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