近年原创音乐剧在台湾蔚为风潮，有别于过往常见的百老汇音乐剧来台巡演、或是IP授权演出，台湾团队陆续开发出属于在地语言、题材的音乐剧作品，而不同剧团也逐渐拥有自身的风格与特色。 首度挑战音乐剧的盗火剧团，经历了两年左右的酝酿与发展，先是获得广艺基金会第5届「表演艺术金创奖」银奖的肯定，并于去（2024）年底发表「半场读剧音乐会」，广纳各方意见后，才于今（2025）年5月底正式演出《One Two Punch 痛感一击》（后简称《痛感一击》）。不过，在颇受好评且独具特色的「悬疑三部曲」之后，属于盗火剧团的第一部音乐剧会有怎样的面貌呢？
秘鲁广场剧团（Teatro La Plaza）《嗨姆雷特》（Hamlet）的初始场景，是一段生产影片：一个婴儿正被从产道娩出，被接生、断脐、正式成为独立的个体，来到这个世界并投入母亲的怀抱。而8名表演者们在这过程中陆续登上舞台，共同见证新生命的诞生。 对比被期待的新生儿，这些表演者实属于「不被期待」的唐氏症患者与智力障碍者。目前台湾平均每1200个新生儿中，就有一位是唐氏症宝宝，孕初期收到的各式产检资讯中，最被强调的即是唐氏症筛检。除了政府有补助的初期、第二期唐氏症筛检，也有非侵入式但较昂贵的NIPT（非侵入性胎儿染色体检测 Non-Invasive Prenatal Testing），还有最为准确、却最为产妇犹豫孕中期是否要进行，须穿入肚腹的侵入式羊膜穿刺检查。「如果检测异常到底该怎么办？」在进行这些筛检时，皆能看到已成形、且有心脏跳动的胎儿，生与不生，在产前即为一个庞大且令人不安的议题。
这一系列备受瞩目的音乐会中，所有参与者均为当今古典音乐界的顶尖好手无论是拥有独特历史渊源与厚重音色的班贝格交响乐团（Bamberger Symphoniker）、被誉为「捷克的希望」的指挥家胡萨（Jakub Hrůa），还是获得国际大奖加持的钢琴家范特捷（Luk Vondrček）与小提琴新星金本索里（Bomsori Kim）。在这次访台音乐会难得推出两首独奏协奏曲组合，在一流乐团搭配下，更呈现出演奏家精湛的艺术。 班贝格交响乐团是德国唯一一个不出身于大城市、行家才知道的德国顶级乐团。乐团缘起于二战时，被捷克驱逐的一群德国音乐家。在流亡经过边境后，于巴伐利亚邦的班贝格落脚。由于这个历史背景，乐团融合了东欧捷克与德国的特殊声响，音色暗沉、浑圆，即为独特的「班贝格之声」。作曲家马勒不但曾担任班贝格乐团的指挥，乐团的驻地也是知名的「马勒指挥大赛」举办地。
迈入第17届的「新人新视野」，今年将由刘唐成、郭铠瑞、林陆杰，分别打造3出风格鲜明、概念大胆的全新创作。让小丑、乩童与魔术3种截然不同，却又与「表演」有著千丝万缕、密不可分的职业，以戏剧跨界探索剧场新视野。 直面成长与梦想，当《小丑与他的创造者》决裂 曾赴英国深造，与小丑大师菲利普．高里耶（Philippe Gaulier）等人学习的刘唐成，不仅是一位小丑表演者，也曾以演员、导演的身分多次参与剧场演出。在作品《小丑与他的创造者》中，他将直面自己的内心：「当一位小丑，随著年纪渐长、自尊心愈发高涨，不愿再接受失败，开始抗拒曾经热爱的小丑表演，那该如何？当一个创作者试图逃离自己的初衷，最终能否与内在和解？」这出类自传式的作品，将会带领观众碰触成长与梦想之间撕裂时的结界，但是否能跨越，只能在剧场中一探究竟。
「如果我有偷吃，我哪可能提议大家玩这游戏。」 「说不定你就有，你想借此让事情曝光，就和连环杀手想被别人知道的心理机制一样。」（注1） 你与亲密伴侣、知心好友的信任关系，究竟可以推展到什么境界？你敢说出心中最真实的秘密、最黑暗的思绪？还是，你敢不敢交出你的手机？ 7名好友（包括3对夫妻加上另名友人）来到其中两人家中定期聚餐，席间女主人忽然提议来场比「真心话大冒险」还危险的「信任游戏」，要所有人交出自己手机。在这晚上任何来电或讯息，都得向在场所有人开诚布公，彻底挑战人性，以及各种建立于信任与亲密之上的人际关系这是义大利2016年席卷全球卖座影片《完美陌生人》（Perfetti sconosciuti）的故事设定，导演保罗．杰诺维西（Paolo Genovese）本人也参与编剧，不但荣获义大利金像奖最佳影片肯定，写下超过1,600万欧元票房佳绩，更翻拍20多国语言版本。台湾虽无中文版电影，但即将由跃演剧团推出中文舞台剧，让观众一同参与这一晚心惊胆跳的真实与谎言，背叛与秘密。
当熟悉的朋友再度聚首，音乐就成了最自然的语言。今年5月与6月，朱宗庆打击乐团（下简称朱团）将推出第二季音乐会「打击乐与他的好朋友们」，由团员擅长的打击乐为主轴，邀请5组风格各异的音乐人携手演出。从皮亚佐拉探戈、爵士即兴，到当代创作与电子效果，在一次次合作中激荡出不同面向的声响。这一季的「好朋友们」，包括大提琴、笙、小号、电吉他与电子人声乐团，5种首次合作的音乐形式，看似迥异，却彼此呼应。
在台湾成长的你我，相信对以分数论英雄的教育体制都有所感触，而多数人对这部2010年台湾上映的印度电影《三个傻瓜》应该也不陌生。在果陀剧场历时多年的努力下，成为这部改变人生的宝莱坞喜剧神作的首个海外IP授权团队。果陀的搬演跨越时空、加入亚洲多元文化风格，以我们熟悉的本土语言，打造成活泼轻快的音乐剧，将由导演梁志民带领实力坚强的演员与制作团队，从5月起至6月于北、中、南巡演。这是一部必须重温的感动故事，唯有选择心之所向，才能成为自己喜欢的样子。 改编的精髓，是融会贯通后的诠释 对梁志民来说，不管是从文本选择的角度、或是喜剧编写成音乐剧，原著必定要具备某些必备要素。首要条件，人物角色须存在著音乐性，也就关系到改编后「这些角色怎么唱、用什么唱、为什么唱。」等重点，进而赋予角色本身存在某种节奏及韵律感。再者，剧本的戏剧性、转折设定等都是考虑的重点，而取用素材、各种场面及音乐调度，透过导演在脑海里的反复推敲、反复修整，过程点点滴滴的淬炼，塑造出融会贯通后的诠释，也成就出独具匠心的果陀风格。 这次，时空背景不特意设定城市地点、也不复制电影场景。「但一看都会知道这发生在亚洲的某一个地方，所以戏里的语言出现普通话、闽南语、英文，有一点点像新加坡、或是槟城这样的一个城市，华人很多然后以说华语、英语为主的地方，但文化背景很多元」梁志民补充。考量本土性及在地情感连结的共鸣，原本贯穿电影的原本台词「All is well」，在梁志民反复思索后决定改以「Be water, my friend」（放轻松一点，像水一样）取代：「事实上，这句话来自于李小龙，也就是说，水可以有各种不同的形式，它可以非常柔软，也可以穿透坚石。我希望将这种东方式的哲学，融合印度的乐观思考，使这些特质能够充分发挥于我们所塑造的舞台。」
台湾豫剧团于2023年推出70周年团庆大戏《镖客》，借用镖局广纳与聚集各方人才的形象，既暗喻又明示了台湾豫剧团这70年来的景况，以及剧团、豫剧本身的豪爽气质；同时，也在庆祝创团70周年的欢快里，开启了编剧刘建帼建构的「武侠世界」。在《镖客》剧末，采取了戏曲、乃至于现代剧场少见的「预告片」形式，提示了剧中人物骆成有即将开展的新情节，于是《镖客》的故事结束，但这个武侠世界并未落幕。 只是，距离预告将近两年后的2025年，台湾豫剧团才终于推出了《锦衣》，作为这个系列的续集。
征战全球大小影展，获奖无数的狠剧场，去（2024）年上半年才带著作品《穿越雾中》拿下法国新影像艺术节（Newimages Festival）最大奖，下半年又获日内瓦国际影展（Geneva International Film Festival）邀演《放开你的头脑》。当产业众人正惊叹于产量的丰沛与多样化时，今年5月，周东彦与狠剧场团队、老班底创作成员又即将于台中国家歌剧院发表新作《自由游戏XR身体音乐计划》。 同样是带有群众参与企图的作品，《自由游戏》让部分观众成为台上奇景的一环，在XR多样化的指令给予下，与专业舞者及声音影像团队，共同为台下观看者谱写一出当下性强烈、每一场次皆难以复制的演出，在狠剧场迈入第12个年头的时刻，开启剧场阅读与科技对话的新座标。 周东彦不想定义《自由游戏》，虽创作脉络与《放开你的头脑》一脉相承：由群众观赏VR影片自然而然形成的排舞游戏延伸而来，在新制作上，则更关注群体在空间里的合作关系，以及全知未知带来的资讯落差趣味。但就观演关系、体验设计与媒材规划上，《自由游戏》的复杂与精致度都足以被视为单一独立作品看待。 硬要归类为XR反而稍显局促，或许更近似于虚拟实境与剧场的混血产物，带著VR领域幻境与真实模糊边界的特色，又具备剧场手工质感以及观看／被观看的展演性格，而领衔创作的周东彦与狠剧场团队则像是是新科技媒体领域的好奇博士生，研究著媒材的极限与多样性，不断向前推进，一层层地探讨在这样高门槛演出底下，自由所能开展的社会镜像能够走到何方。
革命者？政治家？国贼？ 这是汉学研究者杨治宜在《汪精卫与中国的黑暗时代：诗歌．历史．记忆》一书中的3个章节，其实也是历史人物汪精卫的3个人生阶段与定位。 由于历史往往是「胜利者」、「当权者」的立场，而汪精卫在1940年在（当时的入侵者）日本的支持下成立政府，让「汉奸」、「国贼」成为他在教科书中被一笔带过的形象。但杨治宜重新梳理了历史与事件，也包含汪精卫书写的诗歌，用史学、诗学、记忆学3种方法论来解读他的争议性，甚至是回应该时代。这本书的出版，也让国光剧团艺术总监王安祈在行过书店橱窗时，意外见著，因而发展出《精卫》这部舞剧。 跨界舞剧，借此表现人物的内心幽微 《精卫》的起点是「舞剧」。 去（2024）年3月国光剧团春季公演，书法家董阳孜看到武生李家德在《长坂坡、汉津口》与《挑滑车》里的扎靠表演后，认为这样的武功不能只被戏曲圈欣赏，向国光剧团提议「跨界」合作，特别提到现代舞，以及已在国际间享有名气的翃舞制作；同时，介绍了李家德与编舞家赖翃中交流，并希望发展出舞剧作品。 乐见其成的王安祈，本想用《霸王别姬》作为文本，「让李家德京剧的唱念做打，加上现代舞者这两套语汇、两套身体一起碰撞出火花。」不过她随即打翻自己的念头，认为用现成的剧本与表演，套入跨界元素，是对舞者的不敬。王安祈认为：「对于跨界，我都很谨慎，先打好几个问号。我就在想，要跟现代舞跨界，这个人物、或是他的题材是非常内心的、非常幽微的，甚至这个主角自己都未必能回答得很精确。」这样的内心状态才能运用现代舞进行更为抽象的表述。 不过，当时的王安祈仍没找到最合适的题材，直至同年7月看到杨治宜的新书，让她灵光一闪，「汪精卫在乱世中的抉择，自己都说不清，我觉得他是个内心复杂、幽微到极点的人物。」人物决定后，这本书成为《精卫》最主要的参考书，而王安祈也发现自己的先生其实收藏了很多汪精卫的书，「我觉得在冥冥中召唤出了这个人物。」 从书籍里，从历史里，王安祈翻找出了汪精卫，只是如何改编、是否翻案又是下一道难题。
《三个不结婚的女人》（后简称《三女》）是台湾漫画家日下枣自2022年于IG与漫画星同步连载的作品，讲的是3位个性截然不同的姊妹：长相帅气的基层员警大姊思榕、毒舌美妆YouTuber二姊思彤与戏剧系腐女小妹思瑜，在不结婚的前提下，发展出的单元情境喜剧。其中对话明确击中当下社会对于结婚、恋爱与单身的各种课题，是《三女》获得热烈反响的关键。 历经上半场读剧音乐会、SHOWCASE等将近一年半的创作过程，由五口创意工作室制作的《三女》终于在今（2025）年推出音乐剧，由孙自怡导演、王诗淳编剧，将故事设定在漫画发生时间的3年后，以原创情节的方式「剧场」化，展开「与其将就恋爱，不如讲究生活」的全新故事。
「我们希望借由一个音乐节的形式，让观众不只是听到当代的作品，同时也可以听到这些作品是怎么来的。」这是卫武营艺术总监简文彬，在首届音乐节提到的初衷。时至2025第四届，艺术节总监陈银淑继续推动目标，并刻意聚焦历史洪流中相对陌生的名字，期待从创作者们「宁静的革命」（注），听见时代风格变化间的幽微转折。
2025年由TIFA台湾国际艺术节与台湾戏曲艺术节联名共制的作品《女王的名字》，是由台湾京剧首席名伶魏海敏主动发起的制作，深受「慈禧」一词吸引，京剧天后找来擅于从平凡日常中寻出历史发展轨迹的剧场导演王嘉明统筹，觅得二度获得传艺金曲奖最佳编剧奖的陈健星合作，将透过历史人物「慈禧」可能的经历与回忆，交叠出人作为社会中的一员，承载时空多点座标之下，所蕴含的复杂多样性，与真相的无限可能。 陈健星坦承，自己先去抽了塔罗牌（圣杯三）才敢答应编剧邀请；而王嘉明则笑说，除了陈健星，他真想不出来有谁能立基在传统戏曲里，同时能掌握现代剧场语汇，还能有办法接受跟他（王嘉明）一起工作。《女王的名字》并不是这对「（王嘉）明、（陈健）星」组合的首次携手，早在2015年唐美云歌仔戏团年度大戏《文成公主》时，两人即以导演与编剧的身分合作，但当时两人只有在制作初期稍微碰面讨论，之后便各自埋首工作，并未有太多往来切磋，这次面对京剧天后命题强烈的指定创作，两人必须从零开始，一同处理庞大繁杂的史料拣选、面对多样性的切入角度讨论，并在当代与传统的比例上拿捏尝试，成为彼此24小时线上待命的并肩战友，对陈健星来说是极具挑战的创作模式；而对于习惯文字与排练并进的王嘉明而言，这次的创作路上终于不是孤身一人。 故事有单一解答，但真实没有 「有时候人们需要的是故事而不是历史，可是我们嘴巴会说，我们要真相。历史有可能呈现真相吗？我们连自己身边人的全貌都不知道，但又实在太过想要一个确定的答案，所以很爱去简化事情的过程，把它变成一个可以利用的故事。」王嘉明分享。陈健星观察，导演时常在开会时提醒团队，不要轻易将人物与事件二元化／两极化，每个人都一定做过一些好事和一些坏事，据此分类为正派或反派太过武断，而作为编剧，这次撇除呈现事件，而将焦点投向角色之间彼此隐约细微的关系张力之上。 剧中从未被呼喊过名字，皆是以各种身分称谓作为代号的「慈禧」，在史料记载的70多年生命里，掌权时期便将近50年，大半辈子都被视作一整个皇朝的权力中心，每一步决策都得罪一些人而让另一些人欢喜；在留下来的海量正史与稗官野史中，她的形象更显多元歧异：冷漠的执政者、严格的母亲、残酷的婆婆；但同时却也是温暖的朋友、开明前卫的新女性，更在艺术造诣与戏曲的推动发展上
受疫情耽搁5年，两厅院TIFA台湾国际艺术节终于「再度」迎来义大利国宝音乐家鲁多维柯．艾奥迪（Ludovico Einaudi）。不过在这之前，我们得以先行点开鲁多维柯今年1月底发行的最新专辑《夏日印象》（The Summer Portraits），为这场漫长的等待预先暖场。 《夏日印象》的反季发行与感官自由 之所以用上代表数位时代聆听经验的「点阅」动作，是想强调鲁多维柯作为少数古典音乐背景出身的音乐家，却在串流媒体获得巨大成功，每日播放次数超过百万，更是2007年首届iTunes音乐节（后更名为苹果音乐节）唯一受邀古典音乐家。（注1）其中最知名的，应是2016年应绿色和平基金会录制的《北极挽歌》（Elegy for the Arctic）影片，钢琴家在冰川上，以琴键点缀冰原崩落、极地融解的末世声音，至今在YouTube已有2200万点阅。少了播放实体专辑、限于一时一地的仪式感，反而更展现鲁多维柯音乐如何穿透时间与空间，乘载著听者无时无刻的情绪与心境。 有趣的是，这张以「夏日」为名的专辑，却选择在深冬发行。看著鲁多维柯脸书为新专辑写下的文字：「我想起人生曾经经历过的那些夏日，生活与感官紧密联系，一天就像是一个月，一个月就像是一年，而我得以在日夜之间享有全然自由，自然成为生活最重要的核心，每日都有著全新的发现」无论夏或冬，或许正是在外在季节更迭带来的强烈体感体验下，更能让我们放下温室驯养的现代生活局限，放大一切感官，接收自然环境的变化，正如鲁多维柯看似重复、却以极简语法幻化万千的琴音。
前几年一则芭芭拉．史翠珊（Barbra Joan Streisand）相关新闻，吸引了河床剧团艺术总监郭文泰的注意这位大明星在访谈中坦承因无法承受失去爱犬的悲伤，于是抽取其基因，另外复制了两只狗继续陪伴自己。 曾经，死亡是人类无可避免的结局。郭文泰回忆小时候对死亡模模糊糊的印象，「知道自己再也看不到这个人了」，但来到教会听著牧师传讲「耶稣是爱」，却更加不解甚至沮丧：「既然如此，我们为何会失去所爱之人？」这或许就是死亡的真相。随著年岁渐长，他也逐渐理解「再亲近的人，终究也会离开，有一天连自己也会离开」。然而死亡与生命，实际却是一体两面。 因著对生命的眷恋，人们抵抗死亡。「综观人类历史，我们听过德雷昂（Juan Ponce de Len）美洲探险，寻找青春之泉以求长生不老的故事；近期也有传说华特．迪士尼死后将头颅冷冻，期待未来科技能让他复活。」郭文泰说。这些故事或许难以置信，但芭芭拉．史翠珊复制爱犬，却是真切发生了。当科技模糊了死亡所代表的「终点」，甚至成为有钱人某种特权，人们又如何重新看待生命与人性？这令人深感不安的问题，成为河床剧团与PHI工作室（加拿大）、欧纳西斯文化（希腊）合作推出最新XR作品《之间》的创作原委。
「芭蕾对他来说，可以是任何样子。」在苏威嘉的观察中，艾略特．费尔德（Eliot Feld）的编舞不但富有芭蕾的精神，单纯的举手投足就充满滋味，即便是抽象的肢体运行，依旧能在观众的脑中长出故事。 舞者出身的苏威嘉，2013年前往美国随芭蕾大师艾略特跳舞。近距离的跟随，让他得以好好观察舞作中身体与音乐的关系、身体的使用方法，以及不分东西、不管派别，单纯就身体表演引发观者脑内风暴的纯粹能量。他醉心此道，也进一步催生了回台第一支编舞作品《自由步》，透过线条的雕琢、有脉络的舞步，律动与音乐、灯光的搭配，如此生出的一支「好看」的独舞，正是他对纯粹的极致追求。 当年的苏威嘉没有选择自己跳舞，而是退到后方，以舞者为材料，试著雕出他心目中美的轮廓。以跨越文化、风格与时代为前提，让身体诱引观众脑中的想像流转。「那时候的我单纯只想编出一支舞，让我稍微靠近艾略特一点点。」 大师启发所催生的《自由步》不只是一支舞，更是一场10年计划。苏威嘉从一开始就打算用10年来雕琢这支舞，也看看这支舞可以带著自己走多远。当年发下的豪语，还包括不同阶段的目标，有如走出剧场、加入素人，也包括了要在10年后的最后一版，亲自跳舞。
艺术歌曲是一种将音乐与诗歌完美融合的形式，讲求细腻的情感诠释与对歌词的深度。在作品中，歌者不只是演唱旋律，更是诗意的传递者，亦即透过声音勾勒出内在世界的细微起伏。在众多著名的声乐家中，德国男中音克里斯蒂安．葛哈尔（Christian Gerhaher）无疑是最具代表性的一位。原本研读医学并兼修哲学的他，1998年赢得巴黎「艺术」国际歌唱大赛，之后所灌录的作品更是获奖无数，亦赢得如潮佳评。 难以复制的声音魅力 诗乐交融的深度诠释 葛哈尔的声音最显著的特征之一，便是其难以复制的音色。事实上，他的音域跨越了男中音的标准范围，音色充满光泽，无论是在激情澎湃的段落中，或是在更为沉静、内敛的片段里，葛哈尔都能够精准地把握住音乐的核心。他的声音并非单纯的技术展示，而是情感的传递者，能够在每一个乐句中透露出作者的思想与情感，甚至能将听众带入深刻的情境中。 就因为葛哈尔的演唱风格非常注重歌曲背后的诗意、情感与故事性，让他在演绎舒曼、舒伯特、马勒等作曲家的歌曲时，能够将每一首曲目带入全新的层次。对他来说，艺术歌曲的演唱是一场心灵的对话，是与听众和作曲家之间的深度交流，而这种交流往往能够跨越语言的界限，直达人心。他的成就远超单纯的演唱，2019年，葛哈尔成为柏林爱乐有史以来首位驻团声乐家，这一殊荣，无疑是对他在声乐界地位的极高认可。 在葛哈尔的音乐生涯中，钢琴家格罗尔德．胡伯（Gerold Huber）是他最重要的伙伴之一。两人自年轻时便开始合作，并建立了长达数十年的深厚默契。胡伯对于音乐的敏锐理解和对歌词的细腻诠释，让两人的合作几乎达到了完美的协调。在演出中，胡伯的钢琴伴奏总是能够恰如其分地烘托著葛哈尔的声音，并在细节处做出精致的调整。他们在音乐会和录音中致力于艺术歌曲诠释的研究，荣获许多重要奖项，如：1998年巴黎国际歌唱大赛殊荣、2003年专辑《舒伯特：冬之旅》赢得德国唱片《回声奖》、2017年专辑《美丽磨坊少女》再度赢得《回声奖》。
空旷舞台上，看似日常却又被颠覆，在跨域合作之间产生奇异的火花，人物行动、声响与装置形成了画面，语言、物件、象征一再推翻重整，在这种种元素之间，露出的缝隙让观众自由填写想像，谜样的诗意充满视听感官 即将来台演出的《每件发生了，还要发生的事》（Everything that happened and would happen），是享誉国际的作曲家╱剧场导演海恩纳．郭贝尔（Heiner Goebbels）的音乐剧场作品。郭贝尔生于1952年，求学历程攻读社会学与音乐，早期为前卫爵士乐团Cassiber一员，其声响作品（Hrspiel）不只传达文本内容，更以音色和声响创造氛围的实验型创作表现。他在现代音乐界与剧场界享有40年的盛名，2012年更成为易卜生奖（Den internasjonale Ibsenprisen）得主。他的创作超越了艺术框架，扩充了作曲的概念，「郭贝尔的剧场艺术旨在追寻另一种关于剧场性的梦想。」德国剧场学家汉斯．蒂斯．雷曼（Hans-Thies Lehmann）在其著作《后戏剧剧场》中如是说。
大猫熊与摔角能有什么关系？2002年，英国法院宣判了以大猫熊作为识别物的「世界自然基金会」（World Wide Fund for Nature），在与「世界摔角联盟」（World Wrestling Federation）的诉讼中，赢下了WWF缩写的商标权。自此，大猫熊与摔角分道扬镳，后者更名为「世界摔角娱乐」（World Wrestling Entertainment），这个全世界最大的职业摔角公司，以其名揭示了摔角作为一种娱乐的重要向度。 出身加拿大魁北克的导演罗伯．勒帕吉（Robert Lepage）、团队「机器神」（Ex Machina），以及魁北克「马戏工厂」（FLIP Fabrique）这次带来台中国家歌剧院的新作《砰！》（Slam!），便是以摔角娱乐为主题。勒帕吉与机器神对台湾观众来说应不陌生，上次来台是2023年的《库维尔1975：青春浪潮》，更前几次演出包括《在月球的彼端》（2020）及《887》（2018），勒帕吉及机器神标志性的舞台场景设计、灯光安排及强大富丽的叙事张力，尽显于这几部作品中，剧场风格也十分适合中大型剧院空间。不过，《砰！》（Slam!）以其摔角娱乐的内容，可能会给观众带来不同的看戏体验。
2023年3月，首次在纽约大都会歌剧院亮相的美国男高音强纳森．泰特曼（Jonathan Tetelman），一登台演出义大利作曲家浦契尼歌剧《燕子》（La Rondine）中的鲁杰罗（Ruggero Lastouc），便获得《纽约时报》对他高度的赞赏：「高度专注、明亮共鸣的声音传达了义大利乐器阳光般的声音。」英国的《留声机》杂志则称他为「自乔纳斯．考夫曼以来最激动人心的男高音。」 这位获得如此多世界乐评高度赞赏与肯定的男高音，却也曾有人生的彷徨时刻。
《在独角兽消失之前》（简称《独角兽》）是何日君再来剧团再度与编剧阮慧敏合作，将「命运三部曲」推向第二部。 第一部曲的剧名很长，借用了知名动画《小魔女DoReMi》里的魔法咒语，化作《霹雳卡霹雳拉拉波波莉那贝贝鲁多再给我一次机会吧！》（简称《霹雳卡》），谈的是「被『神』写定的命运」。对团长兼导演的吕俊翰而言，创作《霹雳卡》时「对于『有没有命运』、『人可不可以战胜神』这件事情，我觉得答案是蛮笃定的。」但在作品完成后，「我反而对这个答案有点开始动摇。」他所想的是：「每个人的命运某个程度还是被写定的，但我们真的就可以把所有行为都归罪于『神』吗？还是说，我们现在得到的结果，某个程度是我们自己选择下来的？我觉得这之间的辩证蛮有趣的，才开始有了二、三部曲的想像。」 于是，《独角兽》在3年多的酝酿下诞生，由「神」到「人」，开启「人的自我觉醒」的讨论。 神谕卡与婚姻 启发《独角兽》的剧情与讨论 吕俊翰与阮慧敏的编导合作，来自在国立台北艺术大学时，因陆爱玲老师的课堂需求进行媒合，而《霹雳卡》就是当时创作出来的作品，直到何日君再来剧团创团后，才正式于桃园市景福宫的庙埕演出，同时也开启何日君再来剧团两条很重要的创作路线环境剧场与青年剧作家合作。 讨论命运的作品走向三部曲系列，虽是吕俊翰的发想，但《独角兽》的故事源头却与阮慧敏有相对密切的关系，一是「独角兽神谕卡」，另一则是「婚姻」。 简单来说，《独角兽》主要讲的是莫尼卡这名女性在结婚前夕，发现了一些关系可能失衡的蛛丝马迹；此时，独角兽出现，把她带往独角兽王国，而王国里的每只独角兽都个别有需要守护的人类，但人类渐渐不再相信他们，因此王国即将崩坏，希望莫尼卡能够帮忙。 故事中的莫尼卡面对独角兽的讲述，不断呼应著自己的现实人生；对阮慧敏而言，刚踏入婚姻的她也曾面临这样的犹疑。她说：「在这以前，我也没有觉得它（婚姻）有多重要，可是真的结婚后，就觉得这的确是个人生转捩点的仪式。」同时，她也结合了自己曾经操作、同时又质疑「独角兽神谕卡」的过程，借此将神谕卡里给予指示与讯号的独角兽具象化，因而成为《独角兽》的故事出发点。
5年前，导演柯吉妥尔（Clment Cogitore）和编舞家宾杜．登贝雷（Bintou Dembl）融合巴洛克音乐和街舞，共同创作的芭蕾歌剧《优雅的印度诸国》（Les Indes Galantes，或译《异邦恋情》，巴洛克时期作曲家拉摩Jean-Philippe Rameau的作品）（注1），一扫大家对古典乐的刻板印象，更风靡全球社群媒体。在一举成名后，登贝雷延续这种海纳百川的艺术多元性，创作出震撼亚维侬艺术节的《流_G.R.O.O.V.E.》。2025年，台湾观众终于可以体验古典和当代交融的魅力，并亲身参与一场集体狂欢的仪式。
朱宗庆打击乐团2025年第一季音乐会「加乘效应：Zillennials Zoomers」可说是一场充满跨世代对话与创新能量的打击乐盛会，由身为Z世代的第三、第四代的年轻团员策划与主演，将数位原生世代的独特思维融入传统打击乐，化为观众带来耳目一新的音乐体验。 Z世代策划 展现数位原生的创新能量 本次音乐会不仅是听觉的盛宴，更是艺术传承的具体表现。作为乐团在2026年迈向40周年的序曲，这次的演出将透过数位时代的语汇，呈现年轻世代对音乐的诠释与想像。副标题「数位原声种，大作击乐梦」，点出音乐会的主旨以创意与自信拓展打击乐的无限可能，并以此吸引更多年轻朋友走进音乐厅，接触专业而精致的打击乐艺术。 朱团创办人暨艺术总监朱宗庆回忆：「2024是印象中打击乐团创团以来最忙碌的一年，有116场演出，与推广活动429场。」今年预计也将一样忙碌，所推出的演出不但精采，也有相当大的改变，「不断往前走，创作新作品，这就是职业演奏家最幸福的事情。」 由Z世代团员规划音乐会的点子，缘起于年轻人使用「文化币」的现象，因此虽然第一季是一团的表演，但主要交给年轻团员规划。「他们出生时，不但是数位化普遍运用的时代，朱团就已经在国际上非常活跃了。」朱宗庆在乐团的持续经营下有感而发：「所谓生生不息不是口号而已，我们的经验留下来，能够让年轻人更深厚。打击乐团39年，虽然是老团队，但用最新鲜、最有挑战性的方式挑战自己。」 面对年轻人习惯看短影音，讯息量大、内容多的现象，音乐会如何吸引年轻观众？朱宗庆认为：「短影音是现在年轻人的特色，注意力没办法持续很长，但乐曲的长度不止如此，因此就必须细腻掌握音乐的变化起伏、层次、厚度、流畅度、立体感等。让听的人每一段都可以理解，串起来又是一个完整、美丽的曲子。」虽说如此，要让观众轻松地欣赏，对于演奏者的难度则是大增。
男高音风靡世界，不仅因为他们拥有卓越的演唱技术，更因他们能够将音乐与情感完美融合，创造出独特的艺术魅力。相较于其他歌手，他们的音色有阳光般的光芒，无论是明亮穿透力，还是演绎中的戏剧性表现，都让他们在舞台上熠熠生辉。 当今乐坛最受瞩目的男高音之一，尤纳斯．考夫曼（Jonas Kaufmann），以其高超的声乐技艺和戏剧诠释能力，征服了全球观众的心。他的演唱涵盖德、法、义等多种语言的歌剧与艺术歌曲，展现出广博的音乐内涵与深厚的情感力量。 考夫曼的音乐之旅 1969年出生于德国慕尼黑的考夫曼，自幼接受钢琴与声乐的训练，并在慕尼黑音乐与戏剧学院完成学业。他师从多位声乐大师，如汉斯．霍特（Hans Hotter）、詹姆斯．金（James King）及约瑟夫．梅特尼希（Josef Metternich）。于1994年完成学业后，考夫曼成为萨尔布吕肯州立剧院（Saarlndisches Staatstheater）的固定成员，开始了他的职业歌剧生涯；作为年轻男高音，他在剧院演唱了许多不同类型的角色，涵盖歌剧、轻歌剧和音乐会表演，进一步奠定了优异的表演基础。 随著演唱事业的水涨船高，考夫曼在各个顶尖剧院如伦敦皇家歌剧院、纽约大都会歌剧院、维也纳国家歌剧院及米兰斯卡拉歌剧院等演出超过70个角色。除了表演数量外，他对角色的塑造深入且细腻，能够将复杂的内心冲突透过声音与肢体完美展现，让观众感受到角色的灵魂，特别是华格纳的《罗恩格林》、威尔第的《奥赛罗》及浦契尼的《托斯卡》等男主角的诠释，因此《纽约时报》形容他拥有「清晰有力的高音、结合刚毅与温柔的歌声」，并赞赏他的「精致音乐性」，法国重要文化刊物《Telerama》也指出：「他为每一个角色投入如此大的情感，让观众觉得这是他最后一次演出这部作品。」
由小提琴家黄俊文精心策划的「NSO黄俊文与好朋友们室内乐音乐节」将于1月9日起登场，带来一系列的音乐飨宴「巴洛克奇想」、「致．亲爱的」、「浪漫薄暮」等音乐会，展现出音乐家的精湛技艺与团队默契，让爱乐者们有机会近距离感受世界级音乐家的合作成果。 自第一届音乐节获得观众的高度评价后，黄俊文延续他对室内乐的热情与使命感，期待能带动台湾音乐界的参与及投入。这次的音乐节再次邀请到国际知名音乐家参与，除了黄俊文自身的演出，还有小提琴家林冠羽（Kevin Lin）、中提琴家辛西娅．菲尔普斯（Cynthia Phelps）、大提琴家马克西米里安．霍侬（Maximilian Hornung）、小号演奏家嘉柏．柏多斯基（Gbor Boldoczki）、钢琴家安．玛莉．麦克德茉特（Anne-Marie McDemott）等，将联手为观众呈现一场视听上的盛宴。 黄俊文表示：「室内乐对我来说，代表著专业、尊敬及友谊，这些都是学习音乐或任何职业中不可或缺的重要元素。每一场演出，我都精心挑选了最合适的音乐家来搭配，期望能在舞台上呈现出最完美的合作成果。」 这次音乐节的曲目涵盖了各时期经典的室内乐作品，包括韦瓦第、泰勒曼、巴赫、布拉维、艾尔加、勒弗列、柴科夫斯基、葛里霍夫、斯梅塔纳、舒曼及圣桑斯等作曲家的经典作品。黄俊文指出，本次音乐节规划了3套曲目组合，从巴洛克到浪漫时期，每一场音乐会都如同一场协奏曲。除了演出，也设计了一系列的活动，如马克西米里安．霍侬的大提琴大师班、彩排观摩暨交流、演前导聆及演后签名会等，将音乐教育与推广并行，让观众不仅能欣赏到世界级的演出，还能从中学习到更多的音乐知识与技巧。 小提琴家林冠羽曾担任过许多国际著名交响乐团的首席，并与世界各地的交响乐团有过深度的合作。将与黄俊文和其他音乐家共同演出的他表示：「能够与这些优秀的音乐家们一同演出，这是一次无与伦比的机会。室内乐的演奏让我们能够更加紧密地合作，共同创造出一个和谐的音乐世界，这不仅是对技巧的挑战，更是对音乐理解的升华。」
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