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演出

《深夜小狗神秘习题》宣传照。
戏剧 让同理与共感成为艺术职涯里的最美好成绩单

杨世彭执导《深夜小狗神秘习题》 中文版舞台剧首度问世

自2009年将伦敦西区喜剧《The 39 Steps》改编为《步步惊笑》开始,果陀剧场与旅美导演杨世彭,陆续打造多部欧美经典剧本授权制作,包含《抢钱的世界》(Other People's Money)、重制版《谁家老婆上错床》(Out of Order),以及在华语剧坛累积演出达339场的《最后14堂星期二的课》(Tuesdays with Morrie)等作品。多年来,杨世彭独具慧眼的选本风格,不仅为台湾剧场拓展长销商业模式,也为翻译剧在华语市场注入丰富能量。今年双方将再次携手,搬演英国国家剧院划时代重要作品《深夜小狗神秘习题》(The Curious Incident of the Dog in the Night-Time)授权中文版。 经典作品值得耐心等待 2012英国国家剧院推出改编当红作家马克.海登(Mark Haddon)同名书籍《深夜小狗神秘习题》,制作精巧利用多媒体视觉效果,营造特殊且有效协助推动剧情的风格化舞台,搭配情节紧凑而温暖的演出诠释,引起全球剧场爱好者的关注,并一举获得2013年英国奥利维耶奖包含最佳新制作、最佳导演、最佳男主角、最佳女配角、最佳灯光设计、最佳舞台设计等7大奖项。 当时亲自在台下欣赏演出的杨世彭,一看完戏便积极想与制作方洽谈,努力将本剧引入华语市场,在经过繁复的授权确认、COVID-19疫情停摆等插曲后,延宕多时的中文版《深夜小狗神秘习题》,终于将在2026年5月底首度于台湾问世。 果陀版本的《深夜小狗神秘习题》,与伦敦西区版本类似,同样在视觉上借重于现代投影技术的辅力,并贯彻杨世彭擅长的换景调度手法,在环形舞台中央全空场域中,利用8张简约凳子的位移与编排,透过演员的表演与台词暗示,引领观众迅速穿梭于40多个场景。杨世彭说明,本剧最大的可观性会落在导演处理手法的艺术高度,但剧本浓缩原著细腻情感,将书中随著谜案舒展开来的众多人物与情境于幻化于近3个小时的舞台上,对演员们而言,需要在兼顾庞杂技术点之外,更专注于呈现人物性格的多面向刻画,是考验功力与磨练演技的一大挑战。

文字|齐义维
官网限定报导  2026/05/25
舞蹈 在2026,看见3种气象的世代风景

「春斗」的回归 在古老的身体里播种生态系

视窗画面里,郑宗龙坐在家中的书桌前,背景是居家生活的一角。2026 年的今天,透过萤幕进行深度对话已不再是为了克服距离的权宜之计,而是当代生活的日常。我们在各自生活的空间中,试图以最不身体的方法,讨论台湾最「身体」的舞蹈展演平台「春斗」的重启与未来。 把「春斗」拿回来做 随著 2019 年云门舞集一、二团的合并,经典展演平台「春斗」也暂告一段落。新的组织模式几年经营下来,郑宗龙终于松了一口气般,说出重启「春斗」的动机:「一切上轨道后,我们应该把『春斗』拿回来。」 拿回来,自然是要有更大的野心与想像。 于是,2024 年重启后的「春斗」不仅担负著过去台湾新锐艺术家的成熟之旅提供稳健的工作时间、排练空间,和专业舞者与艺术行政等人力支援,让编舞者无后顾之忧地安心创作。此外,郑宗龙更期许「春斗」作为一个突显身体异质性的平台。在 2025 年,我们看到了杨乃璇、陈武康、巴鲁.玛迪霖、梅田宏明、李贞葳的创作,这几位我们以为风格都再熟悉不过的舞蹈家,放在同一台演出,的确如春天繁花斗艳,各有千秋。 2026 年的「春斗」舞台继续扩大这样的异质性,邀请了3位背景、世代与美学完全不同的艺术家。郑宗龙观察到,现在的年轻创作者成长于资讯流通极快的网路时代,喜好广泛、尝试多元,但也面临著「难以专心」的挑战。然而,在今年邀请的3件作品中,他看见了某种逆流而上的「专注」,正是这份专注吸引了他,进而反思自己。

文字|樊香君
官网限定报导  2026/05/24
戏剧 成功的不同样貌

《我不是影后》,那我会是谁?

影集《影后》有个经典桥段,经纪人胖姐(钟欣凌饰)坐在驾驶座上,对车窗外的史艾玛(林廷忆饰)大声说道:「我在剧场看到你的时候,我就知道,有一天你一定是大明星,你要记得,是我先看到的,我先看到的!」虽然史艾玛离开自己旗下,但看著曾经带过的新人,如今在演艺圈已经有一席之地,胖姐这几句话是发自内心的呐喊与祝福。 但如果,没能成为大明星、也没有被伯乐看见,那一位演员最后会走到哪里?又会成为谁?由杨景翔执导的剧场改编作品《我不是影后》,正是从这些好奇出发,找来影集编剧之一的黄小猫撰写剧本,以影集中史艾玛的对照「王可南」作为主角,自我发问、也向观众提出疑问:「什么是成功?人在追求的到底是什么?」在《我不是影后》里,带著观众看见关于成功的不同思考与各种样貌。

文字|田育志
官网限定报导  2026/05/22
戏曲 后设视角与表演核心

《赵氏孤女》 不只生错性别,也觉醒于性别

「坦白说我从小到大,并没有觉得身为女性有多不方便,直到2015年我接了歌仔戏委托创作《大龙峒金狮传奇首部曲无耳金狮》,要去接触弄狮、武术等技艺,才真实感受传统艺术加诸女性的诸多限制:你是女生,就不能弄狮,甚至连碰一下都不行就好像出生时的性别,就已经决定后续人生的差别。」毛断计划艺术总监、编剧蔡逸璇说。 喜爱传统戏曲的她,始终觉得歌仔戏好听好看,但往往是观念守旧的故事情节,让她难以进入。「歌仔戏观众大都是女性,为何情节却无法跳脱性别限制?」带著这样的困惑与不服气,让她决定为歌仔戏带来一场性别觉醒。 从现代角度来看,歌仔戏常以《万古流芳》作为剧名的「赵氏孤儿」故事,崇尚封建君臣的教化价值,的确有些过时了:赵盾一族遭奸臣灭门,只留下一名遗腹子;受恩于赵家的程婴为了保住赵氏血脉,以自己亲生儿子伪换,直到把赵家婴孩养大,才将「复仇」任务付予他。为了「守忠」,让无辜婴孩受死,再把幸存婴孩当作复仇工具,本身就是不太符合当代社会儿少权益的奇怪设定。也难怪,如蔡逸璇所说,「这几年很少演这出戏了。」 但故事真正吸引她的,是完全交由命运决定的复仇计划:「剧中人物都没想过要是生出女生怎么办吗?这是二分之一的机率耶!」就是这个「what if」(要是会怎样),有了《赵氏孤女》这出翻转性别的新编歌仔戏。

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/05/21
舞蹈

身体作为叠加的涟漪

赖翃中三舞作的跨度与对话

若要定义翃舞制作的身体语汇,「极致控制」与「流动发劲」无疑是其鲜明的元素。今年5月,赖翃中将透过3部作品展现3个生命切面:刻画关系矛盾的《推拉》、探讨离散命题的《再 见》,以及全新的长篇新作《Feline》。 相较于过往对肢体精准度的执著,《Feline》更像是一场向内探寻的实验,借由收敛而警觉的姿态,展现静谧与爆发的张力,是翃舞制作于身体美学上再一次的叩问。 从涟漪理论出发:在混沌中叠加出的生物直觉 与赖翃中聊起新作《Feline》,他给出的第一个灵感来源并非猫科动物(Feline),而是一个物理概念「涟漪」,事情的运作,往往从小小的微观震动开始,然后循环回到自身。 这个主轴在过往的作品中便已存在,从《再见》、《推拉》到《羽人》,翃舞制作逐渐确立了属于自己的动作风格。赖翃中提及:「当舞蹈谈论『叠加』,它远远不只是画面,而是思考力与感受力如何被推动。每个人感性与理性的触发点不同,而感受堆叠需要时间体会,当观众看到静止瞬间,便是感性牵动思绪的时刻。」 对他而言,身体语汇早已不只是训练系统,而是深深藏在舞者想像与本能中的另一层皮肤。猫科动物的意象,是在厘清动作路径后自然浮现的结果,那种柔软地生存、冷静地等待的状态,充满了舞者与编舞者都无法预测的瞬间,恰好与舞作中《Feline》敏锐风格不谋而合。 赖翃中也将《Feline》画面比喻为日本造浪机的运作:「海洋的水是混沌、没有方向性的,但我们可以设定动作与故事该如何被叠加。」这些相似与不相似的元素交织在一起,使得情绪不再单纯。

文字|林颖
官网限定报导  2026/05/15
戏剧 巴罗.德维尔剧团

《泥是谁?》 用泥土抹平界线,让你我合而为一

在踏入亚维侬圣约瑟中学(Lyce Saint-Joseph)的古老天井前,观众先被廊道两侧布置的陶土作品吸引,开宗明义宣告了「泥土」在作品中的绝对地位。来自加泰隆尼亚的巴罗.德维尔剧团(Baro devel)的作品《泥是谁?》(Qui som?,加泰隆尼亚语意为「我们是谁?」),让泥土承载叙事,让肉身在泥泞中挣扎、跌倒、却依然紧紧相拥。当泥土抹平了性别、族裔与物种的界线,「我」与「你」在湿润的物质中合而为一,马戏的抗力与泥土的塑性,结合音乐与舞蹈,构成一场「总体艺术」,荒谬且诗意地回应了关于群体本质的古老提问。 根植于马戏的创作背景 要理解《泥是谁?》,必须先追溯两位灵魂人物的马戏背景。布莱.马迪奥.特里亚斯(Blai Mateu Trias),是西班牙传奇小丑托特尔.波卓纳(Tortell Poltrona )的儿子, 血液里流淌著加泰隆尼亚传统马戏文化;他在法国国家马戏艺术中心(CNAC)与从小和马为伍的卡蜜儿.迪库赫堤(Camille Decourtye)相识。两人自2006年起共同领导巴罗.德维尔剧团,将马戏从街头、帐篷,一路带向剧场殿堂。 「马戏背景」决定了他们作品的核心特质:对重力与物质的敬畏。对他们而言,马戏不只是技术,而是关于「平衡」与「风险」的哲学。马戏演员天生就对「器材」、「重量」、「地心引力」有著极度敏感的觉知,这种觉知让他们在处理《泥是谁?》中巨大的陶土与塑料物件时,能够发展出一种独特的身体语言。

文字|叶炫伽
官网限定报导  2026/05/13
戏剧 经典之作的重新发现

柏林剧团新版《三便士歌剧》 百年之后与当下的对话

《三便士歌剧》可说是史上最知名的创作之一,不只因为改写剧场史的剧作家布莱希特(Bertolt Brecht)关于叙事剧场(episches Theater)(注1)与疏离效果的论述,以及环绕著他的种种创作争议和花边新闻,也因后来多位重要歌手的翻唱(从艾拉.费兹杰拉Ella Fitzgerald到罗比.威廉斯Robbie Williams),和其对百老汇的影响。 在近100年后,由当年首演的柏林剧团(Berliner Ensemble)与著名歌剧导演巴里.柯斯基(Barrie Kosky)执携手创作的全新版本,将来到台北与观众见面。(注2)在这100年间,柏林剧院只有4次新制,上一次已经是2007年由罗伯.威尔森执导的版本,可说每次出手都是一次重要事件。团队如何在这些历史之上找出自己的路,与现下对话,也是这次演出值得一看的原因。

文字|陈佾均
官网限定报导  2026/05/08
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戏剧、舞蹈 2026新人新视野

从自身经验出发 探看当下所在的世界

在数位工具快速更迭、进化,且社会结构持续变动的当代,创作者或许正面临一个根本的大哉问:还有什么经验,值得在剧场被诉说? 国艺会长期推动的「新人新视野」在今年迈入第18届,被视为表演艺术界重要的人才孵育平台,国艺会新任董事长彭俊亨表示,「这个案子不只是支持创作,我们也重视陪伴的过程,还有场域的对接。」从今年入选的3位创作者翠斯特(孟昀茹)《千面涌现》、陈圣文(omo)《愚歌》与郑伊涵《三牲有幸》来看,这个支持新秀的计划也像是一个观测点,让人得以窥见新一辈的创作者的创作核心与关怀,与他们所见、所感、所处的当代台湾社会样貌。

文字|张慧慧
官网限定报导  2026/05/05
戏曲 不只是浓缩与再现

《金银天狗》 多面展现拱乐社的传奇风华

2026台湾戏曲艺术节以「纯棉与混种@繁花世代」为策展主题,策展人纪慧玲借用日治时期台湾新剧中「纯棉(纯粹)」与「Fiber(混种)」,借此厘清传统与创新并非对立,而是一个演进、演化、甚至接枝移植的动态过程。(注1)其中,为能呈现歌仔戏最繁盛内台时期的艺术风华,今年度的旗舰制作特别委托国立台湾戏曲学院,将1950至1970年代间全台最具规模团队「拱乐社」的经典连台大戏《金银天狗》,以上、下两集的形式重现舞台;同时,也搭配了为期近3个月的「红蝴蝶追香从内台到剧场的声音特展」,借由影音资料去回溯该段时期商业内台演出的声景,用不同角度与方法接近当时的剧场风华。 由于拱乐社留下的剧本多为「连台本戏」,也就是接近现今的「连续剧」、「影集」模式,因此与现代剧场多用两小时左右完成一个故事有明显差异;因此《金银天狗》的重现,并无法原封不动地复刻与再现,更考验团队的是:如何延续、又如何改变与精简。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2026/05/02
戏剧 从味觉记忆出发

《南姜.香茅.罂粟花》 温柔诉说被掩盖的故事

味蕾,是乡愁最直觉的载体,承载著离地便难以复制的风土记忆。在《南姜.香茅.罂粟花》中,一碗父亲亲手熬制的「牛趴脯汤」,成了杨千雅寻根的引信。她从那熟悉却难以再现的味道出发,逐步揭开父亲的过往,也走进一段跨越边境、追寻生命源头的自我探寻之旅。

文字|萧文华
官网限定报导  2026/04/24
音乐

尼尔森斯领军 莱比锡布商大厦管弦乐团呈献交响史诗

拥有280多年历史的莱比锡布商大厦管弦乐团(Gewandhausorchester Leipzig),孕育了欧洲古典音乐最深厚的传统,更是当今世上历史最悠久的民间管弦乐团。如今,在极具个人魅力的指挥大师安德里斯.尼尔森斯(Andris Nelsons)带领下,这支承袭了正统德奥声响的劲旅即将来到台湾,将纯粹的浪漫主义与充满戏剧张力的交响史诗,呈献给本地乐迷。 点石成金的指挥魔法:长达10数年的深厚情谊与绝对权威 自2017╱18乐季正式接掌这支名团以来,尼尔森斯凭借其坚定的艺术视野,成功淬炼出极具标志的「莱比锡音色」。尼尔森斯早年以小号演奏家起家,后受名指挥大师杨颂斯(Mariss Jansons)发掘与提携,逐步在国际乐坛大放异彩。 谈及尼尔森斯与乐团的渊源,指挥吴曜宇特别点出这段关系的难能可贵。他提到,尼尔森斯就任后,目前的合约已一路续签至2032年。能在这样历史悠久的乐团深耕长达10几、20年绝非易事。吴曜宇认为,长年的合作造就了不可思议的化学反应,背后的关键必定是大师极佳的人和与说服力。不仅如此,吴曜宇更精辟点出尼尔森斯令人折服的艺术特质:「他有一个特点是:他只要指挥过的东西,好像就变成那一个音乐的权威。」 钢铁意志的震撼重现:4座葛莱美奖背后的坚强实力 这趟巡演所带来的曲目,堪称乐团最引以为傲的黄金招牌。在俄系交响方面,将携手萧邦大赛金奖得主阿芙蒂耶娃(Yulianna Avdeeva)演绎拉赫玛尼诺夫绝美的《第2号钢琴协奏曲》;而重头戏则是萧斯塔可维奇的《第10号交响曲》,这部作品在作曲家历经长期政治高压后诞生,充满著挣脱束缚的爆发力。 吴曜宇对这套曲目给予极高评价,他强调尼尔森斯在俄系交响乐上的惊人成就绝非虚言,因为他在录制萧斯塔可维奇交响曲专辑后,扎扎实实地拿下4座葛莱美奖的肯定。这份无庸置疑的深厚功力,绝对能完美诠释出乐曲中从压抑嘶吼所带来的庞大震撼。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/04/22
舞蹈 在动荡的世界里重新练习连结

蔡博丞《网》 映照世界的残破与重织

「建立一个文明需要几千年的时间,摧毁它却只需要一颗飞弹。」 说来轻描淡写,却是编舞家蔡博丞始终放在心上的一根针,随著他过去10多年奔走欧陆,与战火蔓延的区域擦身,那些在电影、小说与新闻画面中描绘的情景,随著近年的恐攻、俄乌战争与中东冲突逐渐显影,对蔡博丞而言,战争就像是在一张无形的网上掀起震荡,即使身处遥远亚洲的我们,也无法不受波动。 走访艺术节的这些年,奖项与肯定接踵而来,舞团的高度持续攀升,蔡博丞选择将视线留在地面,直视土地的震荡,以舞蹈回应世界的声音。2026年全新舞作《网》的概念已酝酿多年,那些飞弹落下的影像、炸毁的大楼,与落难的脸庞,逐渐在他脑中织成一张无形的网,在今年正式升华成舞作的创作命题。延续丞舞制作团队过去对社会事件与世界议题的关注,再一次,他要用艺术唤醒公众的感知。

文字|Stella Tsai
官网限定报导  2026/04/11
音乐

双钢琴的极简幻境

拉贝克姊妹与葛拉斯的《考克多三部曲》

当两双手在黑白琴键上默契交织,所创造出的不单是音乐,更是一座流动的声光迷宫。来自法国的卡蒂亚与梅瑞儿.拉贝克(Katia Marielle Labque)姊妹,自1960年代末便凭借著一股不羁的艺术灵魂,舍弃了古典钢琴独奏的传统道路,以双钢琴组合开创出属于自己的疆域。 半个世纪以来,她们的琴声响彻国际,不光是欧洲各大顶尖交响乐团如柏林爱乐与维也纳爱乐的常客,更因为不受限的音乐品味,让布列兹(Pierre Boulez)、梅湘(Olivier Messiaen)等现代音乐巨擘都乐于为她们提笔谱曲。 说起双钢琴的艺术,还有什么比亲姊妹的默契还要高呢?拉贝克姊妹的音乐启蒙源自于同为钢琴家的母亲,而她们的母亲更是承袭自法国钢琴巨匠玛格丽特.隆(Marguerite Long)的琴艺。这对姊妹在巴黎音乐院以优异成绩毕业后,便决定携手以双钢琴打江山。两人在琴键上的表现,被《泰晤士报》盛赞为拥有「精准的灵敏度、精湛的琴艺、心有灵犀的协调」。也正是这份难以言喻的契合,让她们与美国极简主义大师菲利普.葛拉斯(Philip Glass)结下不解之缘,进而孕育出此次演出的重头戏双钢琴版《考克多三部曲》。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/04/08
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戏剧 透过草东的音乐,回顾我们的这10年

找寻面对未来的答案 《没有派对》重新编织集体记忆

《没有派对》这个标题,某种程度上让人联想到《等待果陀》。派对既是焦点,却不会发生。就像台湾因地缘政治所要面临的战争,尽管经常是讨论的焦点,却没有人真正知道它是否会到来。然而,正是这种「不确定之中的确定」,反而成为推动编导洪唯尧的动力,透过作品来反思台湾近10年的社会氛围与对潜在战争的焦虑感。 作为2026台湾国际艺术节的节目之一,《没有派对》同时也是莎士比亚的妹妹们的剧团成立30周年的首波作品。作品透过现场表演、影像、声音与流行文化符号的交错运用,回应剧团过往的创作脉络。从王嘉明的「常民三部曲」以流行文化折射时代现实,到洪唯尧在《没有派对》中透过草东没有派对(以下简称草东)的音乐来对近10年集体记忆的重新编织,既是延续,也是一种转向,贯穿以莎妹前卫剧场美学的精神。 在尚未成为历史之前:一个不得不开口的现在 对洪唯尧而言,《没有派对》的起点,是一个反复追问自己的问题:为什么要谈这10年?在创作过程中,他一度被这个问题卡住。过去10年像是疫情、弊案等被谈腻的话题,似乎太近也太腻,他也曾想过或许20年才是一个「刚刚好」的距离,像是周杰伦或五月天,都能轻易唤起集体共感。 但也正是在这样的犹豫之中,他逐渐逼近另一个更直接的答案:「我真的觉得现在不做,可能未来就没有机会了。」这个念头,使作品不再只是回顾,而是采取行动去回应他所面对的当下现实。作品名称《没有派对》一方面呼应他约10年前的作品《人类派对》,另一方面则描述一种「派对开不起来」或「不知道是否结束」的孤寂状态,并以此对应战争的阴影。 延续这样的思考,《没有派对》以「距离」作为开端, 引导观众进入洪唯尧的思维逻辑,讨论这10年来台湾人的闷、挣扎以及对战争「要来不来」的焦虑感。洪唯尧坦言:「我知道我接下来想讲的话,不是在一个最完美的距离,但我担心等到最完美的时刻,台湾已经不在了。」这种带有不安与急迫的感知,使作品更像是一种面向未来的提问,而不只是对过去的总结。

文字|王颢烨
官网限定报导  2026/04/07
音乐 打破观演边界的感官实验

《众人协奏曲》 让步伐化为声响的共创仪式

走入剧场,没有制式的观众席,也没有正襟危坐的乐团。取而代之的,是一片由63格声响方块构筑而成的巨大网格。在这里,《众人协奏曲》打破了聆听与演奏的二元对立,观众不再是被动的接收者,而是这场大型互动声响装置与参与式作曲剧场中的触发者与共创者。 这部酝酿逾5年的跨界巨作,由旅美作曲家张玹与装置暨空间设计马圆媛携手打造,并集结编舞家刘奕伶、笙演奏家李俐锦,以及国际顶尖的比利时强音当代古典乐团(Ictus Ensemble)与斯图加特人声团(Neue Vocalsolisten Stuttgart)共同演出。透过科技与艺术的精密交织,他们向大众递出一份邀请函,用你的脚步,共同编织一幅不断变形、流动的声响地图。 空间化作巨大乐器 从「学步车」寻觅自我的原初叩问 任何前卫的艺术形式,往往源自创作者最私密的生命探问。张玹将这部作品的源头,追溯至童年最初的记忆。那是他推著木头学步车,随著步伐敲出「叮、咚、当」的声响。这份将行走与触发声音紧密相连的原初体验,促使他跨越艺术边界,去探寻「我们从何而来、我们是谁」的哲学命题。 张玹一语道破了这部作品的核心命题:「基本概念就是把一个空间变成一个超大的乐器,一般观众走在里面会根据个体跟集体的行为让这个声音产生变化。」 在这个被放大到占据整座剧院的学步车空间里,乐谱被模糊化、没有发号施令的指挥,更没有固定的视角中心。每一位走入其中的观众,其步伐与停顿,都是独一无二的随机音符。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/03/25
戏剧

有爱,到底够不够?

《两韩统一》的20个爱情试炼现场

《两韩统一》(La Runification des deux Cores)谈的不是政治,而是爱情。 虽然爱情有时的确像政治一样充满各种悬念、盘算或心机否则张爱玲就不会说「情场如战场」但法国导演波默拉(Jol Pommerat)编导的《两韩统一》,却是尝试在剧场的密闭空间里,以20个各自独立的剧情片段,开放出爱情的多样与复杂。 波默拉已有多出作品来台演出。此次演出的《两韩统一》原创于2013年,在巴黎奥德翁剧院(Thtre de lOdon)附设的贝堤耶实验剧场(Atelier Berthier)演出。台湾曾有过多次演出记录,包括2017年国立台湾大学戏剧学系毕业制作、2022年国立台湾艺术大学戏剧学系、2022年台北艺穗节(台大话剧社)及2023年台北艺穗节(清华大学X阳明交通大学学生合组的「紧急出口制作」)等,显然爱情仍是我们这个时代的共通语言。 《两韩统一》由20个片段组成,标题分别是〈离婚〉、〈我这部分〉、〈家务〉、〈分手〉、〈结婚〉、〈死亡〉、〈春药〉、〈金钱〉、〈钥匙〉、〈爱〉、〈等待〉、〈战争〉、〈孩子〉、〈记忆〉、〈有爱还不够〉、〈友谊〉、〈价值(I)〉、〈价值(II)〉、〈怀孕〉、〈价值(III)〉。每一个片段的演出或长或短,角色各不相同,情节也互不连贯,唯一将他们串在同一出戏里的共同元素只有一个爱情。我们不妨把《两韩统一》想像成曾经听闻或经历的爱情故事,从相爱相杀到生老病死,从结婚进行曲到结婚进行曲到婚后无性生活,每一个段落的情节仿佛似曾相识,串连在一起成为以爱为名的人生。

文字|罗仕龙
官网限定报导  2026/03/17
戏剧 梅菲斯特的暗黑科技

出奇偶剧团《点击得永生》 打造复古全新浮士德

要准确翻译国外剧团名称,通常不是件容易的事要嘛牺牲发音,要嘛放弃意译。难得的是,来自西班牙梅诺卡岛(Minorca)的「出奇偶剧团」,却成功捕捉团名「Trukitrek」的精神。正如带有巧妙惊喜感的「出奇」,「truki」发音近似加泰隆尼亚语「truc」,而后者意指以舞台机关、剧场手法、操作技艺等「小把戏」(trick)营造出其不意的神秘效果。以出奇偶戏团来说,最为人熟知的便是人偶合体(humanette)表演形式、结合偶身与演员肢体,并将动画影像融入手作场景。 在制造舞台惊喜之外,「Trukitrek」另以「trek」暗示命定的旅迹。以加泰隆尼亚风俗为主体的梅诺卡岛,曾先后受法、英两国统治,透过地中海连结来来往往的人种、语言与文化,不以岛屿为局限,反以此为起点。或许是承袭了岛屿带来的开阔与流动,成立于1998年的出奇偶戏团,不以特定剧场语汇与美学风格为限。事实上,其团队组成更是多元,如来自视觉艺术与插画背景的乔瑟普.皮里斯(Josep Piris),以及同时具电影导演身分的卢.普利茨(Lu Pulici),与伙伴在剧场实验动画影像,透过表演变幻镜头语法;近30年间创作无数令人印象深刻的作品,并大幅降低语言门槛,一路带著作品走访超过40个国家。 出奇偶戏团的旅迹也数次包含台湾。2011年,出奇偶戏团曾于国家两厅院TIFA国际艺术节带来秒杀节目《香蟹大饭店》(Htel Crab),以三格镜框的视觉构图、夸张生动的默剧肢体,在真人与物件、远景与特写的来回切换间,呈现一桩夜半抢案的诡谲悬疑与香艳刺激。 至于另一经典小品《我在车站等你》(Mr. Train)关于空无一人的车站,一名孤独老人与流浪狗的相遇也于2022年巡演基隆、嘉义、台南、高雄、花莲等地。顺带一提,出奇偶戏团还曾设计独特的「户外戏台」(open-air stage),可容纳70名观众,如巡演戏班方便带著作品继续旅程。无论街头或正规剧场,都能让观众瞬间进入人偶交错的奇幻世界。

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/03/11
音乐

专属现场的沉浸式声响探险

台北室内合唱团《岛屿上没有四十四只石狮子》

当合唱团不再乖乖站立在舞台上,指挥不再全程给予拍点,这会是一场什么样的音乐体验?台北室内合唱团将带来第7号人声剧场作品《岛屿上没有四十四只石狮子》,由作曲家林桂如与导演洪千涵携手共创,集结了合唱指导许瀞心(Apo Hsu Ching-hsin)、文字顾问鸿鸿(Yen Hung-ya)及动作设计林祐如(Lin Yu-ju)等优秀阵容。这将不仅是一场音乐会,更是一次打破传统镜框式舞台、将观众包围在四维空间里的全新声响旅程。 这部作品的诞生,源自于台北室内合唱团长年对当代音乐的坚持与探索。行政经理高端禾表示:「与其说创新是方向,不如说它是台北室内合唱团的 DNA」,他们在营运与制作上始终拒绝处于「模仿的状态」,期盼能对人声艺术产生原创的贡献。他说:「我们希望在这个人声这个领域打开一个新的窗,」让演出「从第一颗音符、一个动作都是原创。」面对这条充满未知的挑战之路,团长暨歌手方素贞坦言排练有时实在「太硬了」,但她深知合唱团具有不可推卸的社会责任,她坚定地说:「以台北室内合唱团累积到现在的实力,我们不做,谁做啊?」她认为既然团队有能力,就应该尽一份社会责任,为台湾甚至亚洲的当代人声艺术,开创出无可取代的品牌软实力。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/03/09
戏剧 重新布局空间 展现独角戏功力

《笼子里的白狐》 施冬麟续说城市怪谈

《笼子里的白狐》是金枝演社资深团员施冬麟编、导、演的独角戏,最早发表于2024年底,与另一出同样由团内资深团员李允中发想创作的《鸡鸡好吃》,以「1+1」的方式共同于牯岭街小剧场演出,被视为金枝演社的「中生代创作系列」。 施冬麟表示:「团内有时会尝试二哥(王荣裕)之外的创作可能,就提到能否做做看比较小型的制作,于是我跟允中有举手!」过程中有不同方案、组合的提出,最终是两人各自发展一部短篇作品,分成上、下半场演出。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2026/03/08
世界舞台 尽在你手广告图片
音乐

从都会角落到歌剧院 一趟城市里的声响之旅

曼彻斯特国际工房╳黄若《浮声之城》

如果说建筑是凝固的音乐,那么当音乐流淌进城市的血脉,城市本身是否也能成为一座巨大的乐器?要理解《浮声之城》(City of Floating Sounds)这部跨界巨作的独特美学,我们必须先走进作曲家黄若的创作世界。这位旅居纽约的华裔作曲家,被《纽约时报》盛赞为「风格独具的作曲家」,他的音乐语言活泼而富有创意,灵感汲取自中国古调与民俗乐、西方前卫与实验音乐、自然与处理声响、摇滚与爵士;其多元的曲风横跨管弦乐、室内乐、歌剧、剧场、舞蹈、跨界创作、声音装置、建筑装置、多媒体、实验即兴、民谣摇滚与电影等,以其融合东、西方文化元素的独特声响闻名。 黄若不愿仅被视为一位作曲家,他更将自己定义为概念艺术家(Conceptual Artist)。长期生活在西方的他,提出了一种第三文化的观点,它既不是纯粹的东方,也不是纯粹的西方,而是融合这两者产生的一种新的文化有机体。 这种融合风格衍生出他自创的「多维立体主义」(Dimensionalism)创作技法,强调声音的空间感与动态,这正是《浮声之城》的核心灵魂,让音乐不再平躺于乐谱,而是立体地生长于空间之中。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/03/05
音乐 双钢琴演奏48年

魏乐富与叶绿娜 琴牵半世纪

台湾双钢琴演奏的先驱、享誉国际的音乐伉俪魏乐富(Rolf-Peter Wille)与叶绿娜,将于台北国家音乐厅举办「魏乐富&叶绿娜双钢琴48年演奏会」。这场音乐会不仅标志著两人携手近半世纪的合作里程碑,也是一场凝聚经典改编、创意声响与深厚情感的音乐飨宴。 从填补空档到开创双钢琴时代 魏乐富与叶绿娜的合作始于1978年魏乐富来台,并于1979年正式组成双钢琴搭档且结为连理。回顾当时的台湾,音乐环境尚未如今日多元成熟,双钢琴演出更是罕见,他们可谓此一表演形式的重要开拓者。多年来,两人除在双钢琴舞台上持续创新,也在独奏、合奏、创作、广播与文字书写等领域累积丰硕成果、获奖无数。长年在艺术上的卓越展现形塑横跨世代、影响深远的艺术风景。 外界看双钢琴或四手联弹优雅和谐,但实际上两人在舞台上的互动充满了细腻的计划与默契。关于声部的选择并非固定,而是基于实际考量。叶绿娜透露,通常会先看谁的手比较大、谁比较适合哪个声部、谁前谁后、谁踩踏瓣,都需要极高的协调性。除了听觉,视觉上的安排也是关键。魏乐富形容,四手联弹时两人的手在键盘上交错,若太久没合奏,动作会感到陌生。一旦恢复练习,那种不想撞到对方、流畅交替的肢体记忆便会像「时光机」一样回来。谈及与其他人合作的差异,魏乐富笑著直言,跟别人合作必须保持礼貌,但跟叶绿娜一起演奏时「可以说真话」。对他们而言,双钢琴比四手联弹更好玩,因为两架钢琴提供了更大的自由度,在台上如同对话,若没有互相抛接球的挑战与反应,演出就会变得无聊。这种在台上随时感知对方速度与情绪变化的「心电感应」,正是48年默契的极致展现。 向经典致敬 本次演出的曲目安排极具巧思,且环环相扣。音乐会将以舒曼与巴赫的作品揭开序幕。首先演出的舒曼《以 B-A-C-H 为主题之赋格》的四手联弹,展现浪漫乐派对巴赫的崇敬。紧接著是巴赫的《西西里舞曲》以及4首《创意曲》,后者这几首创意曲是由布拉姆斯的学生、荷兰裔美籍作曲家 Louis Victor Saar 所改编,据推论,这次演出应可视为这几首曲子的「台湾首演」。同样具有传承意味的,还有葛利格改编自莫札特C大调第16号钢琴奏鸣曲(K.545)的双钢琴版本,增添

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/02/24
音乐

罗大佑「四季恋红交响宴」 以流行「交响乐」叩问音乐初心

被誉为「华语流行音乐教父」的罗大佑,将带著他对音乐的全新思考与编制,展开「四季恋红交响宴」音乐会的巡回演出。这位现年72岁的传奇音乐人,不仅将于3月及4月分别在台中歌剧院与高雄卫武营登场,更将在4月18日成为首位登上纽约古典音乐圣殿「卡内基音乐厅」(Carnegie Hall)举办个人音乐会的华语流行音乐家。这一次,罗大佑不只是歌手,更是一位将流行音乐「交响化」的音乐人,他舍弃了在大型体育馆开流行音乐演唱会的喧嚣,选择走进声响细腻的音乐厅,向这个混乱的时代提出他最深情的音乐回应。 音乐会名称「四季恋红」寓意深远:「四季」象征著地球的循环与内在韵律,而「恋红」则代表著热情与希望,尤其对应2026年(丙午年)火能量满溢的意象。罗大佑感慨,现代人类活动导致气候变迁,四季已经不分明了。对他而言,音乐的功能在于找回秩序与初心,罗大佑说:「当四季回到春夏秋冬分明的时候,就是幸福的时候。」这场音乐会便是希望透过音乐,让观众在纷扰的世界中找到沉静内心的所在,重拾与宇宙、地球对应的相处状态。 为了这次以「原声」(acoustic)为核心的演出,罗大佑展现了惊人的毅力与对音乐的执著。虽然现年已72岁,但他每天仍维持长达8小时的钢琴练习。他透露最近沉迷于练习萧邦的曲目,特别是高难度的练习曲,这不仅是为了手指的灵活度,更是一种生理与心理的连结训练。罗大佑认为:「年纪愈大,手愈要能够活动。手活动的话可以连接到神经,自己思考会更细。」除了钢琴,罗大佑也将在这次巡演中挑战「乐器之王」管风琴。中学时他便开始学习弹奏双层且需要脚踩低音踏板的电子琴,奠定了手脚并用的基础,这份年少时的记忆,将在高雄卫武营场次得到回响,届时他将亲自弹奏管风琴,让震撼的低频与建筑共鸣。 为了呈现最纯粹的听觉体验,罗大佑与「春龙交响乐团」合作,这是一个融合了摇滚(鼓、吉他、贝斯)、古典(钢琴、弦乐四重奏)、国乐(笙、笛、扬琴)及人声合唱的16人编制乐团。为这系列音乐会担任音乐总监及指挥的华语流行音乐音乐制作人朱敬然表示:「其实我们这个演出的第17个成员,是各个场地。」他强调,在体育馆演出可以靠巨大的喇叭声压「压倒一切」,但在音乐厅,每个场地的残响与声学设计都是独一无二的。演出者必须去与场地「磨合」,找出那个听觉的「甜蜜点」(Sweet Spot

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/02/23
音乐 40年荣光与民间力量的极致

台北爱乐管弦乐团 以马勒《千人》奏响「新爱乐」序章

台北爱乐管弦乐团自1985年成立以来,始终是台湾音乐史上不可忽视的音乐团队。创团之初,由传奇指挥家亨利.梅哲(Henry Mazer)亲自领军,他不仅带来了严格的训练,更磨练出温暖厚实、独树一帜的「梅哲之音」。行政总监俞冰清回忆,乐团在1990年成为亚洲第一个登上维也纳金色大厅演出的团体,当年行前梅哲曾对团员说过一句感人至深的话:「台湾将来有一天是要以这一群音乐家为荣。」这句话不仅应验了乐团在当年欧洲巡演时被誉为「岛屿的钻石」的辉煌成就,更奠定了其作为台湾民间文化外交重要推手的地位。历经40载,台北爱乐管弦乐团宛如俞冰清所描绘的,是一块巨大的「磁石」,凝聚了无数热爱音乐的人才,许多团员从年轻参与至今,始终未曾离开,共同谱写了这40年的荣光。 为了庆祝40周年的里程碑,台北爱乐管弦乐团将于12月25日在国家音乐厅挑战古典音乐史上编制最庞大、难度最高的巨作马勒第8号交响曲《千人》。这场演出对台湾音乐史具有划时代的意义,首席指挥林天吉强调,过去在台湾演出马勒第8号,多是由国家资源挹注的公立乐团完成,而这一次「是台湾第一次以一个民间组织制作出来的结果」。这象征著台湾民间的音乐能量与环境已经走向成熟,能够独立承载如此巨大的艺术工程,将知识与艺术从公部门扩散至民间共享。 本次演出的阵容浩大,集结了超过350位演出者同台竞艺,由梅哲的嫡传弟子林天吉担纲指挥。独唱阵容星光熠熠,特邀韩国女高音金顺英(Kim Sun-young),以及台湾声乐家林慈音、林孟君、郑海芸、翁若珮、王典、赵方豪、曾文奕等共同演绎。在编制上,除了台北爱乐管弦乐团与梅哲爱乐青少年管弦乐团,更向下扎根,邀请光仁中学与师大附中音乐班的学子,以及青韵、政大校友等合唱团共同参与,展现了音乐教育传承的深厚意义。 面对如此艰巨的曲目,女高音林慈音形容刚开始练习时仿佛在与音乐「打架」,但当所有人合一时,呈现出的将是「宇宙的声音」。她感性表示,演出这首乐曲是一种「近乎信仰般的救赎感」。合唱统筹张成璞也形容这部作品是「人类交响合唱的顶峰之作」,旨在彰显宇宙的浩瀚与奥妙。 在欢庆40年荣光的同时,台北爱乐也宣示了未来的转型蓝图。创办人赖文福博士幽默地引用日本政坛热门话题,将高市早苗首相的「工作、工作、工作,不断地工作」转化为乐团:「创

文字|李秋玫
官网限定报导  2025/12/19
戏剧 记录记忆

《柏林制造》 探问何谓真实

当人们买票进剧场时,会在意眼前看到的是真实还是虚构的吗?这或许是比利时剧团「柏林」(BERLIN)(注)未曾想过却被迫直面的命题。如同本剧故事主角看似是如今年迈的前柏林爱乐舞台经理弗里德里希.莫尔(Friedrich Mohr),却在第一个一镜到底的镜头就露了馅:镜头聚焦于老人,工作团队却不小心被暴露在镜头之中。 《柏林制造》以多萤幕影像、访谈片段与现场乐手的演奏,在团队跟著莫尔走访柏林街头,跟著他一同追寻数十年来未能完成的心愿:重建一场因为战争而未完成的音乐演出转播。这部作品强烈、深沉、给人意犹未竟的好奇,也可能是愤怒。作品把历史的裂缝、个人的遗憾与创作团队的挣扎层层堆叠交织,让观众不只看到记忆的再现,也透过作品反问自身,此刻在剧场里观看演出的我们,究竟真正想看到什么?

文字|王颢烨
官网限定报导  2025/11/27
戏剧 创造焦点与YUCK Circus串联台澳马戏女力

《Bed Trip》从失眠出发,打造「当羊跨越过栅栏之后」的世界

一群画著两撇胡子的女生,在舞台上态度张狂、喜感爆裂,做起高难度技巧像个阳刚硬汉;刻意模仿典型白人直男的姿态,甚至以夸张的角度秀出裤裆的「份量」,引起台下观众的狂笑。 「创造焦点马戏团」(下简称创造焦点)导演梅芷菱难忘第一次在社群媒体上看到YUCK Circus演出片段时的激动,她惊呼:「原来女子马戏还可以长成这样!」 我们一样,却又不完全一样 同样是女性、同样面对性别与身体,来自西澳的全女马戏团 YUCK风格轻松、粗鄙、带著恶趣味,谈议题的同时毫不牺牲幽默与快感,与台湾女子马戏挖掘创伤与痛感的路径,形成强烈对比。 2023年,创造焦点在爱丁堡艺穗节亲眼目睹YUCK的演出,梅芷菱形容全团像迷妹一样兴奋:「因为终于发现有人在做跟我们一样的事,但又不完全一样。」 导演乔治亚.德瓜拉(Georgia DEGUARA)也注意到这群台湾观众:「我们看到一群女生一直来看,只觉得:哦,她们看起来很 punk、很酷。」 两团一见如故,合作的想法就此落下,直到卫武营马戏平台的牵线,才真正萌芽。那个「一样却又不完全一样」的差距,形成跨国共创《Bed Trip》的奇妙张力。

文字|叶炫伽
官网限定报导  2025/11/24