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演出

《死人大哥大》排练现场。
戏剧 无痕迹的在地化移植

《死人大哥大》 跨越世代探讨「交流的焦虑」

《死人大哥大》（Dead Mans Cell Phone）是美国剧作家莎拉．茹儿（Sarah Ruhl）于2008年获得海伦海斯奖（Helen Hayes Award）「优秀新剧本」奖 （Outstanding New Play）的作品，过去虽有在台湾的演出记录，但多是在学院制作中呈现（且采用不同翻译剧名）。而莎拉．茹儿在台湾更为人知晓的剧本，是2004年发表的《窗明几净》（The Clean House），另一改编自希腊经典神话《奥菲斯与尤丽狄丝》的《遗忘的旋律》（Eurydice）也曾在2010年时由台湾的剧团制作演出。 本次由界址创作演出的《死人大哥大》版本，是由刘崴玚翻译、重田诚治导演。刘崴玚表示，《死人大哥大》是他开始翻译剧本后的第一部作品，约在2021年左右完成，直到今（2026）年才有机会正式演出。他也提到，自己在选择剧本翻译时，「会在乎这个剧本有没有可能在台湾演出，所以很多议题性太强的剧本会先被挑掉，因为较难被台湾观众理解其语境与背景。」他特别在意剧本的剧场转译，希望能找到相对应的连结，因此《死人大哥大》的故事场景虽发生于20多年前，但仍可透过「手机」这件事情尝试跨越世代与文化间的移植。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2026/07/17
戏剧 台湾本地制作 首度完整授权演出

概念音乐剧《Company》 写给孤独灵魂的最暖情书

在无拘无束的单身生活与相知相守的伴侣关系之间，你会如何抉择？2026年盛夏，台中国家歌剧院与活性界面制作将携手带来美国音乐剧泰斗史蒂芬．桑坦（Stephen Sondheim）与知名编剧乔治．弗斯（George Furth）共同创作的经典名作《Company》。这部诞生于1970年代的巨作，在百老汇首演后便一举夺得东尼奖最佳音乐剧与最佳词曲等6项大奖，更被后世誉为「现代音乐剧」的分水岭。 破除传统叙事，开创概念音乐剧的先河 这部作品之所以被视为音乐剧史上的划时代之作，原因在于它成功创造出所谓的「概念音乐剧」（Concept Musical），彻底改变了百老汇的说故事方式。这种崭新的演出类型具备了几个核心特色：首先是打破传统线性叙事，大胆舍弃了过往音乐剧必须依赖线性、完整故事情节发展的传统框架，观众看到的不再是男女主角从相识到结婚的标准套路；其次是采用碎片化的情境结构，不依照单一的时间轴，而是以刻意的片段式或非线性叙事的场景来串接全剧；最后则是聚焦特定的核心命题，相较于讲述具体的剧情，它更著重于多面向地深入探讨某个特定主题。 在《Company》中，史蒂芬．桑坦与乔治．弗斯正是以现代社会的婚姻与感情作为核心命题。全剧围绕著即将度过35岁生日的黄金单身汉劳勃展开，在看似欢乐的庆生派对背后，他内心却藏著挥之不去的空寂。跟随著劳勃的脚步，我们看见他身边5对已婚挚友以及3位约会对象的生活百态。有的人在婚姻中紧密相依，有的人却因日常摩擦而心力交瘁，有人害怕寂寞而选择步入礼堂，也有人畏惧承诺而迟迟不敢给出真心。剧中精准捕捉了现代人渴望建立连结却又惧怕失去自我的矛盾心理。《每日新闻》曾给予极高评价，认为它如同曼哈顿中城的钢筋玻璃大厦般平滑流畅，又像巷弄里的流浪猫一样焦躁不安，这是百老汇第一部直指敏感神经的音乐剧作品。 直击灵魂的叩问，在婚姻与单身间的抉择 桑坦以其标志性的洗炼文字与多变和声，将现代人的情感拉扯描写得淋漓尽致。剧中充满了让人发笑却又无比真实的对白，完美点出了单身旁观者与婚姻局内人的价值观碰撞。例如劳勃曾引述名言「未经审视的人生不值得活」，而他的已婚好友彼得则妙语反击：「未曾活过的人生不值得审视」。 面

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/07/05
戏剧 在10个时区与3段历史之间

《亚洲重新测量计划》 重新丈量「亚洲」

「当亚洲从东至西横跨10个时区，我们是否有可能找到一个既全面又具有弹性的『亚洲性』？」这是韩国国立亚洲文化殿堂（Asia Culture Center，下简称 ACC）发起「亚洲重新测量计划」（Remapping Asia）时提出的问句。首届计划邀来韩国剧作家暨导演吴世爀（Oh Sehyeok）、泰国剧场导演怀恩．扎昆．查迈（Wyne Chakorn Chamai），与台湾导演温思妮3组团队，以在三地驻村、移地创作的方式各自发展。3部作品于2025年底先在光州首演，2026年来到台北于国家两厅院「新点子实验场」进行展演。依演出时间顺序，分别是韩国组的《反萨满的萨满俱乐部》、泰国组的《然后跳、跳、跳！》，以及台湾组的《勿忘我这位台泰版》。

文字|王颢烨
官网限定报导  2026/07/02
音乐

NSO《女武神》 解构神话，凝视当代

理查．华格纳（Richard Wagner）的歌剧巨作始终是音乐殿堂里巍峨的高峰，回顾国家交响乐团（NSO）近年来的演出，从指挥简文彬 2002 年选定《女武神》（Die Walkre）第三幕作为乐团「歌剧系列」的跨越性尝试，为 2006 年的全本《指环》歌剧演出奠定了关键基础，到吕绍嘉在2013年至2017年间领军演出的《女武神》，这部经典已在此舞台激荡出多种面貌的诠释。2026年盛夏，《女武神》的乐声将再次响起，由现任音乐总监准．马寇尔（Jun Mrkl ）领军，带来备受瞩目的半舞台（Semi-staged）形式音乐会。此次制作在剧场导演涂也斐的操刀下，以截然不同的视角剥开北欧神话的厚重外衣，引领观者走入一场关于权力、爱与自我觉醒的深刻叩问。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/06/26
舞蹈 艺术报国「2026 熔点计划」

陈柏洁、董怡芬双舞作 回溯编舞家的人生档案

「『熔点』是物质到达某个临界值后，就会从固态成为液态。这给我一个很具象的视觉投射我们都是一块固体，但到了这里，我们的思想可以开始流动、融合与交流。」艺术报国创办人、编舞家陈柏洁以这个物理名词，定位他们酝酿已久的计划。 长期以来，中台湾的表演艺术环境面临著人才「北漂」的结构性困境，在地团队得各自点满斜杠生存技能，从行政、设计到影像技术无一不精。然而，在这种高度自给自足的生存模式下，团队也容易陷入某种闭锁的循环。陈柏洁坦言，在台中创团前4年，她与共同创办人陈钰分长期的艺术幕后工作经验，让她们串联了许多制作人平台，但在创作面，「仍然觉得没有太多外来的碰撞，都是我们自我碰撞。」 为了让创作透进新鲜空气，引入外部观点，他们以「熔点计划」期盼每两到三年引进不同领域的创作者共同创作，让固态、僵化的思维达到熔点，思想如液态般流动，并与影像、音乐、身体等不同媒材融合，「我希望艺术报国可以成为『熔炉』。」 作为计划的首波合作，陈柏洁选择了一条充满「安全感」却也极具挑战的路径，找了老朋友也是编舞家的董怡芬参与，推出两支作品《在命名之前》与《对话关系》，回溯、解构并重组自己的生命档案。

文字|张慧慧
官网限定报导  2026/06/22
戏剧 演员混不出名堂怎么办？转行来加入邪教吧！

嚎哮排演《别叫我大师》 用喜剧挑战严肃议题

《别叫我成功：艺术界归来的儿子》（后简称《别叫我成功》）里的男主角郑马豪，带著挫败的剧场梦回到家乡，为经营「成功庙」（国姓爷之庙）的父亲协助规划一场盛大演出。虽然这场演出在台前台后搞不清楚状况的混乱中落幕，却让马豪终于父子和解，更得到邻里乡亲的支持。但，如果这次马豪又失败了，他的人生该怎么办？ 嚎哮排演继台语饶舌音乐剧《别叫我成功》之后推出新作《别叫我大师》，像是提出另个反问：「如果我不做演员，还能做什么？」抛出这问题的黄建豪，提到自己有阵子常常滑手机都会看到坊间各式各样的表演课广告，有时甚至还被参加学员当作某种「心灵课程」，影片样貌也「呈现很可疑的样子」。他不禁想：「到底是谁在开这些课？又是谁去上课？表演训练有这么多触及心理状态、情感经历的练习，若没有系统性的教学方法，随随便便开课是『道德』的吗？」以教授表演为名，触及他人内心，甚而成为心灵寄托，更以这种方式赚取金钱，会不会也是一种「邪教」呢？

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/06/09
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音乐 鲸鱼之声、赛夏古调、传统皮影戏

《Sisila ila ila 别离之歌》 留住消逝的呼唤

在深海里悠游的巨大鲸鱼，与台湾山林中传唱多年的赛夏族古调，有著什么样的交集？时光倒转至1966年，在德国前东亚研究院院长欧乐思的鼓励下，民族音乐学家史惟亮与李哲洋在台湾展开了抢救原住民与地方声音的「民歌采集运动」。这批珍贵的史料原先一直保存在德国，直到2012年，年事已高的欧乐思院长认为这些资料应该属于台湾人民，于是亲自将其带回，无私捐赠给台湾师范大学的数位典藏中心。而在大洋彼岸的美国，恰巧在同一年也推动了动物保护法案，掀起日后全球的护鲸浪潮。这两道看似平行的历史轨迹，最终在旅美作曲家陈士惠的心中温柔交会，化作了一场名为《Sisila ila ila 别离之歌》的跨域音乐剧场。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/06/06
戏剧 让同理与共感成为艺术职涯里的最美好成绩单

杨世彭执导《深夜小狗神秘习题》 中文版舞台剧首度问世

自2009年将伦敦西区喜剧《The 39 Steps》改编为《步步惊笑》开始，果陀剧场与旅美导演杨世彭，陆续打造多部欧美经典剧本授权制作，包含《抢钱的世界》（Other People's Money）、重制版《谁家老婆上错床》（Out of Order)，以及在华语剧坛累积演出达339场的《最后14堂星期二的课》（Tuesdays with Morrie）等作品。多年来，杨世彭独具慧眼的选本风格，不仅为台湾剧场拓展长销商业模式，也为翻译剧在华语市场注入丰富能量。今年双方将再次携手，搬演英国国家剧院划时代重要作品《深夜小狗神秘习题》（The Curious Incident of the Dog in the Night-Time）授权中文版。 经典作品值得耐心等待 2012英国国家剧院推出改编当红作家马克．海登（Mark Haddon）同名书籍《深夜小狗神秘习题》，制作精巧利用多媒体视觉效果，营造特殊且有效协助推动剧情的风格化舞台，搭配情节紧凑而温暖的演出诠释，引起全球剧场爱好者的关注，并一举获得2013年英国奥利维耶奖包含最佳新制作、最佳导演、最佳男主角、最佳女配角、最佳灯光设计、最佳舞台设计等7大奖项。 当时亲自在台下欣赏演出的杨世彭，一看完戏便积极想与制作方洽谈，努力将本剧引入华语市场，在经过繁复的授权确认、COVID-19疫情停摆等插曲后，延宕多时的中文版《深夜小狗神秘习题》，终于将在2026年5月底首度于台湾问世。 果陀版本的《深夜小狗神秘习题》，与伦敦西区版本类似，同样在视觉上借重于现代投影技术的辅力，并贯彻杨世彭擅长的换景调度手法，在环形舞台中央全空场域中，利用8张简约凳子的位移与编排，透过演员的表演与台词暗示，引领观众迅速穿梭于40多个场景。杨世彭说明，本剧最大的可观性会落在导演处理手法的艺术高度，但剧本浓缩原著细腻情感，将书中随著谜案舒展开来的众多人物与情境于幻化于近3个小时的舞台上，对演员们而言，需要在兼顾庞杂技术点之外，更专注于呈现人物性格的多面向刻画，是考验功力与磨练演技的一大挑战。

文字|齐义维
官网限定报导  2026/05/25
舞蹈 在2026，看见3种气象的世代风景

「春斗」的回归 在古老的身体里播种生态系

视窗画面里，郑宗龙坐在家中的书桌前，背景是居家生活的一角。2026 年的今天，透过萤幕进行深度对话已不再是为了克服距离的权宜之计，而是当代生活的日常。我们在各自生活的空间中，试图以最不身体的方法，讨论台湾最「身体」的舞蹈展演平台「春斗」的重启与未来。 把「春斗」拿回来做 随著 2019 年云门舞集一、二团的合并，经典展演平台「春斗」也暂告一段落。新的组织模式几年经营下来，郑宗龙终于松了一口气般，说出重启「春斗」的动机：「一切上轨道后，我们应该把『春斗』拿回来。」 拿回来，自然是要有更大的野心与想像。 于是，2024 年重启后的「春斗」不仅担负著过去台湾新锐艺术家的成熟之旅提供稳健的工作时间、排练空间，和专业舞者与艺术行政等人力支援，让编舞者无后顾之忧地安心创作。此外，郑宗龙更期许「春斗」作为一个突显身体异质性的平台。在 2025 年，我们看到了杨乃璇、陈武康、巴鲁．玛迪霖、梅田宏明、李贞葳与法库亚．佐坦（Vakulya Zoltn）的创作，这几位我们以为风格都再熟悉不过的舞蹈家，放在同一台演出，的确如春天繁花斗艳，各有千秋。 2026 年的「春斗」舞台继续扩大这样的异质性，邀请了3位背景、世代与美学完全不同的艺术家。郑宗龙观察到，现在的年轻创作者成长于资讯流通极快的网路时代，喜好广泛、尝试多元，但也面临著「难以专心」的挑战。然而，在今年邀请的3件作品中，他看见了某种逆流而上的「专注」，正是这份专注吸引了他，进而反思自己。

文字|樊香君
官网限定报导  2026/05/24
戏剧 成功的不同样貌

《我不是影后》，那我会是谁？

影集《影后》有个经典桥段，经纪人胖姐（钟欣凌饰）坐在驾驶座上，对车窗外的史艾玛（林廷忆饰）大声说道：「我在剧场看到你的时候，我就知道，有一天你一定是大明星，你要记得，是我先看到的，我先看到的！」虽然史艾玛离开自己旗下，但看著曾经带过的新人，如今在演艺圈已经有一席之地，胖姐这几句话是发自内心的呐喊与祝福。 但如果，没能成为大明星、也没有被伯乐看见，那一位演员最后会走到哪里？又会成为谁？由杨景翔执导的剧场改编作品《我不是影后》，正是从这些好奇出发，找来影集编剧之一的黄小猫撰写剧本，以影集中史艾玛的对照「王可南」作为主角，自我发问、也向观众提出疑问：「什么是成功？人在追求的到底是什么？」在《我不是影后》里，带著观众看见关于成功的不同思考与各种样貌。

文字|田育志
官网限定报导  2026/05/22
戏曲 后设视角与表演核心

《赵氏孤女》 不只生错性别，也觉醒于性别

「坦白说我从小到大，并没有觉得身为女性有多不方便，直到2015年我接了歌仔戏委托创作《大龙峒金狮传奇首部曲无耳金狮》，要去接触弄狮、武术等技艺，才真实感受传统艺术加诸女性的诸多限制：你是女生，就不能弄狮，甚至连碰一下都不行就好像出生时的性别，就已经决定后续人生的差别。」毛断计划艺术总监、编剧蔡逸璇说。 喜爱传统戏曲的她，始终觉得歌仔戏好听好看，但往往是观念守旧的故事情节，让她难以进入。「歌仔戏观众大都是女性，为何情节却无法跳脱性别限制？」带著这样的困惑与不服气，让她决定为歌仔戏带来一场性别觉醒。 从现代角度来看，歌仔戏常以《万古流芳》作为剧名的「赵氏孤儿」故事，崇尚封建君臣的教化价值，的确有些过时了：赵盾一族遭奸臣灭门，只留下一名遗腹子；受恩于赵家的程婴为了保住赵氏血脉，以自己亲生儿子伪换，直到把赵家婴孩养大，才将「复仇」任务付予他。为了「守忠」，让无辜婴孩受死，再把幸存婴孩当作复仇工具，本身就是不太符合当代社会儿少权益的奇怪设定。也难怪，如蔡逸璇所说，「这几年很少演这出戏了。」 但故事真正吸引她的，是完全交由命运决定的复仇计划：「剧中人物都没想过要是生出女生怎么办吗？这是二分之一的机率耶！」就是这个「what if」（要是会怎样），有了《赵氏孤女》这出翻转性别的新编歌仔戏。

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/05/21
舞蹈

身体作为叠加的涟漪

赖翃中三舞作的跨度与对话

若要定义翃舞制作的身体语汇，「极致控制」与「流动发劲」无疑是其鲜明的元素。今年5月，赖翃中将透过3部作品展现3个生命切面：刻画关系矛盾的《推拉》、探讨离散命题的《再 见》，以及全新的长篇新作《Feline》。 相较于过往对肢体精准度的执著，《Feline》更像是一场向内探寻的实验，借由收敛而警觉的姿态，展现静谧与爆发的张力，是翃舞制作于身体美学上再一次的叩问。 从涟漪理论出发：在混沌中叠加出的生物直觉 与赖翃中聊起新作《Feline》，他给出的第一个灵感来源并非猫科动物（Feline），而是一个物理概念「涟漪」，事情的运作，往往从小小的微观震动开始，然后循环回到自身。 这个主轴在过往的作品中便已存在，从《再见》、《推拉》到《羽人》，翃舞制作逐渐确立了属于自己的动作风格。赖翃中提及：「当舞蹈谈论『叠加』，它远远不只是画面，而是思考力与感受力如何被推动。每个人感性与理性的触发点不同，而感受堆叠需要时间体会，当观众看到静止瞬间，便是感性牵动思绪的时刻。」 对他而言，身体语汇早已不只是训练系统，而是深深藏在舞者想像与本能中的另一层皮肤。猫科动物的意象，是在厘清动作路径后自然浮现的结果，那种柔软地生存、冷静地等待的状态，充满了舞者与编舞者都无法预测的瞬间，恰好与舞作中《Feline》敏锐风格不谋而合。 赖翃中也将《Feline》画面比喻为日本造浪机的运作：「海洋的水是混沌、没有方向性的，但我们可以设定动作与故事该如何被叠加。」这些相似与不相似的元素交织在一起，使得情绪不再单纯。

文字|林颖
官网限定报导  2026/05/15
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戏剧 巴罗．德维尔剧团

《泥是谁？》 用泥土抹平界线，让你我合而为一

在踏入亚维侬圣约瑟中学（Lyce Saint-Joseph）的古老天井前，观众先被廊道两侧布置的陶土作品吸引，开宗明义宣告了「泥土」在作品中的绝对地位。来自加泰隆尼亚的巴罗．德维尔剧团（Baro devel）的作品《泥是谁？》（Qui som?，加泰隆尼亚语意为「我们是谁？」），让泥土承载叙事，让肉身在泥泞中挣扎、跌倒、却依然紧紧相拥。当泥土抹平了性别、族裔与物种的界线，「我」与「你」在湿润的物质中合而为一，马戏的抗力与泥土的塑性，结合音乐与舞蹈，构成一场「总体艺术」，荒谬且诗意地回应了关于群体本质的古老提问。 根植于马戏的创作背景 要理解《泥是谁？》，必须先追溯两位灵魂人物的马戏背景。布莱．马迪奥．特里亚斯（Blai Mateu Trias），是西班牙传奇小丑托特尔．波卓纳（Tortell Poltrona ）的儿子， 血液里流淌著加泰隆尼亚传统马戏文化；他在法国国家马戏艺术中心（CNAC）与从小和马为伍的卡蜜儿．迪库赫堤（Camille Decourtye）相识。两人自2006年起共同领导巴罗．德维尔剧团，将马戏从街头、帐篷，一路带向剧场殿堂。 「马戏背景」决定了他们作品的核心特质：对重力与物质的敬畏。对他们而言，马戏不只是技术，而是关于「平衡」与「风险」的哲学。马戏演员天生就对「器材」、「重量」、「地心引力」有著极度敏感的觉知，这种觉知让他们在处理《泥是谁？》中巨大的陶土与塑料物件时，能够发展出一种独特的身体语言。

文字|叶炫伽
官网限定报导  2026/05/13
戏剧 经典之作的重新发现

柏林剧团新版《三便士歌剧》 百年之后与当下的对话

《三便士歌剧》可说是史上最知名的创作之一，不只因为改写剧场史的剧作家布莱希特（Bertolt Brecht）关于叙事剧场（episches Theater）（注1）与疏离效果的论述，以及环绕著他的种种创作争议和花边新闻，也因后来多位重要歌手的翻唱（从艾拉．费兹杰拉Ella Fitzgerald到罗比．威廉斯Robbie Williams），和其对百老汇的影响。 在近100年后，由当年首演的柏林剧团（Berliner Ensemble）与著名歌剧导演巴里．柯斯基（Barrie Kosky）执携手创作的全新版本，将来到台北与观众见面。（注2）在这100年间，柏林剧院只有4次新制，上一次已经是2007年由罗伯．威尔森执导的版本，可说每次出手都是一次重要事件。团队如何在这些历史之上找出自己的路，与现下对话，也是这次演出值得一看的原因。

文字|陈佾均
官网限定报导  2026/05/08
戏剧、舞蹈 2026新人新视野

从自身经验出发 探看当下所在的世界

在数位工具快速更迭、进化，且社会结构持续变动的当代，创作者或许正面临一个根本的大哉问：还有什么经验，值得在剧场被诉说？ 国艺会长期推动的「新人新视野」在今年迈入第18届，被视为表演艺术界重要的人才孵育平台，国艺会新任董事长彭俊亨表示，「这个案子不只是支持创作，我们也重视陪伴的过程，还有场域的对接。」从今年入选的3位创作者翠斯特（孟昀茹）《千面涌现》、陈圣文（omo）《愚歌》与郑伊涵《三牲有幸》来看，这个支持新秀的计划也像是一个观测点，让人得以窥见新一辈的创作者的创作核心与关怀，与他们所见、所感、所处的当代台湾社会样貌。

文字|张慧慧
官网限定报导  2026/05/05
戏曲 不只是浓缩与再现

《金银天狗》 多面展现拱乐社的传奇风华

2026台湾戏曲艺术节以「纯棉与混种@繁花世代」为策展主题，策展人纪慧玲借用日治时期台湾新剧中「纯棉（纯粹）」与「Fiber（混种）」，借此厘清传统与创新并非对立，而是一个演进、演化、甚至接枝移植的动态过程。（注1）其中，为能呈现歌仔戏最繁盛内台时期的艺术风华，今年度的旗舰制作特别委托国立台湾戏曲学院，将1950至1970年代间全台最具规模团队「拱乐社」的经典连台大戏《金银天狗》，以上、下两集的形式重现舞台；同时，也搭配了为期近3个月的「红蝴蝶追香从内台到剧场的声音特展」，借由影音资料去回溯该段时期商业内台演出的声景，用不同角度与方法接近当时的剧场风华。 由于拱乐社留下的剧本多为「连台本戏」，也就是接近现今的「连续剧」、「影集」模式，因此与现代剧场多用两小时左右完成一个故事有明显差异；因此《金银天狗》的重现，并无法原封不动地复刻与再现，更考验团队的是：如何延续、又如何改变与精简。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2026/05/02
戏剧 从味觉记忆出发

《南姜．香茅．罂粟花》 温柔诉说被掩盖的故事

味蕾，是乡愁最直觉的载体，承载著离地便难以复制的风土记忆。在《南姜．香茅．罂粟花》中，一碗父亲亲手熬制的「牛趴脯汤」，成了杨千雅寻根的引信。她从那熟悉却难以再现的味道出发，逐步揭开父亲的过往，也走进一段跨越边境、追寻生命源头的自我探寻之旅。

文字|萧文华
官网限定报导  2026/04/24
音乐

尼尔森斯领军 莱比锡布商大厦管弦乐团呈献交响史诗

拥有280多年历史的莱比锡布商大厦管弦乐团（Gewandhausorchester Leipzig），孕育了欧洲古典音乐最深厚的传统，更是当今世上历史最悠久的民间管弦乐团。如今，在极具个人魅力的指挥大师安德里斯．尼尔森斯（Andris Nelsons）带领下，这支承袭了正统德奥声响的劲旅即将来到台湾，将纯粹的浪漫主义与充满戏剧张力的交响史诗，呈献给本地乐迷。 点石成金的指挥魔法：长达10数年的深厚情谊与绝对权威 自2017╱18乐季正式接掌这支名团以来，尼尔森斯凭借其坚定的艺术视野，成功淬炼出极具标志的「莱比锡音色」。尼尔森斯早年以小号演奏家起家，后受名指挥大师杨颂斯（Mariss Jansons）发掘与提携，逐步在国际乐坛大放异彩。 谈及尼尔森斯与乐团的渊源，指挥吴曜宇特别点出这段关系的难能可贵。他提到，尼尔森斯就任后，目前的合约已一路续签至2032年。能在这样历史悠久的乐团深耕长达10几、20年绝非易事。吴曜宇认为，长年的合作造就了不可思议的化学反应，背后的关键必定是大师极佳的人和与说服力。不仅如此，吴曜宇更精辟点出尼尔森斯令人折服的艺术特质：「他有一个特点是：他只要指挥过的东西，好像就变成那一个音乐的权威。」 钢铁意志的震撼重现：4座葛莱美奖背后的坚强实力 这趟巡演所带来的曲目，堪称乐团最引以为傲的黄金招牌。在俄系交响方面，将携手萧邦大赛金奖得主阿芙蒂耶娃（Yulianna Avdeeva）演绎拉赫玛尼诺夫绝美的《第2号钢琴协奏曲》；而重头戏则是萧斯塔可维奇的《第10号交响曲》，这部作品在作曲家历经长期政治高压后诞生，充满著挣脱束缚的爆发力。 吴曜宇对这套曲目给予极高评价，他强调尼尔森斯在俄系交响乐上的惊人成就绝非虚言，因为他在录制萧斯塔可维奇交响曲专辑后，扎扎实实地拿下4座葛莱美奖的肯定。这份无庸置疑的深厚功力，绝对能完美诠释出乐曲中从压抑嘶吼所带来的庞大震撼。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/04/22
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舞蹈 在动荡的世界里重新练习连结

蔡博丞《网》 映照世界的残破与重织

「建立一个文明需要几千年的时间，摧毁它却只需要一颗飞弹。」 说来轻描淡写，却是编舞家蔡博丞始终放在心上的一根针，随著他过去10多年奔走欧陆，与战火蔓延的区域擦身，那些在电影、小说与新闻画面中描绘的情景，随著近年的恐攻、俄乌战争与中东冲突逐渐显影，对蔡博丞而言，战争就像是在一张无形的网上掀起震荡，即使身处遥远亚洲的我们，也无法不受波动。 走访艺术节的这些年，奖项与肯定接踵而来，舞团的高度持续攀升，蔡博丞选择将视线留在地面，直视土地的震荡，以舞蹈回应世界的声音。2026年全新舞作《网》的概念已酝酿多年，那些飞弹落下的影像、炸毁的大楼，与落难的脸庞，逐渐在他脑中织成一张无形的网，在今年正式升华成舞作的创作命题。延续丞舞制作团队过去对社会事件与世界议题的关注，再一次，他要用艺术唤醒公众的感知。

文字|Stella Tsai
官网限定报导  2026/04/11
音乐

双钢琴的极简幻境

拉贝克姊妹与葛拉斯的《考克多三部曲》

当两双手在黑白琴键上默契交织，所创造出的不单是音乐，更是一座流动的声光迷宫。来自法国的卡蒂亚与梅瑞儿．拉贝克（Katia Marielle Labque）姊妹，自1960年代末便凭借著一股不羁的艺术灵魂，舍弃了古典钢琴独奏的传统道路，以双钢琴组合开创出属于自己的疆域。 半个世纪以来，她们的琴声响彻国际，不光是欧洲各大顶尖交响乐团如柏林爱乐与维也纳爱乐的常客，更因为不受限的音乐品味，让布列兹（Pierre Boulez）、梅湘（Olivier Messiaen）等现代音乐巨擘都乐于为她们提笔谱曲。 说起双钢琴的艺术，还有什么比亲姊妹的默契还要高呢？拉贝克姊妹的音乐启蒙源自于同为钢琴家的母亲，而她们的母亲更是承袭自法国钢琴巨匠玛格丽特．隆（Marguerite Long）的琴艺。这对姊妹在巴黎音乐院以优异成绩毕业后，便决定携手以双钢琴打江山。两人在琴键上的表现，被《泰晤士报》盛赞为拥有「精准的灵敏度、精湛的琴艺、心有灵犀的协调」。也正是这份难以言喻的契合，让她们与美国极简主义大师菲利普．葛拉斯（Philip Glass）结下不解之缘，进而孕育出此次演出的重头戏双钢琴版《考克多三部曲》。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/04/08
戏剧 透过草东的音乐，回顾我们的这10年

找寻面对未来的答案　《没有派对》重新编织集体记忆

《没有派对》这个标题，某种程度上让人联想到《等待果陀》。派对既是焦点，却不会发生。就像台湾因地缘政治所要面临的战争，尽管经常是讨论的焦点，却没有人真正知道它是否会到来。然而，正是这种「不确定之中的确定」，反而成为推动编导洪唯尧的动力，透过作品来反思台湾近10年的社会氛围与对潜在战争的焦虑感。 作为2026台湾国际艺术节的节目之一，《没有派对》同时也是莎士比亚的妹妹们的剧团成立30周年的首波作品。作品透过现场表演、影像、声音与流行文化符号的交错运用，回应剧团过往的创作脉络。从王嘉明的「常民三部曲」以流行文化折射时代现实，到洪唯尧在《没有派对》中透过草东没有派对（以下简称草东）的音乐来对近10年集体记忆的重新编织，既是延续，也是一种转向，贯穿以莎妹前卫剧场美学的精神。 在尚未成为历史之前：一个不得不开口的现在 对洪唯尧而言，《没有派对》的起点，是一个反复追问自己的问题：为什么要谈这10年？在创作过程中，他一度被这个问题卡住。过去10年像是疫情、弊案等被谈腻的话题，似乎太近也太腻，他也曾想过或许20年才是一个「刚刚好」的距离，像是周杰伦或五月天，都能轻易唤起集体共感。 但也正是在这样的犹豫之中，他逐渐逼近另一个更直接的答案：「我真的觉得现在不做，可能未来就没有机会了。」这个念头，使作品不再只是回顾，而是采取行动去回应他所面对的当下现实。作品名称《没有派对》一方面呼应他约10年前的作品《人类派对》，另一方面则描述一种「派对开不起来」或「不知道是否结束」的孤寂状态，并以此对应战争的阴影。 延续这样的思考，《没有派对》以「距离」作为开端， 引导观众进入洪唯尧的思维逻辑，讨论这10年来台湾人的闷、挣扎以及对战争「要来不来」的焦虑感。洪唯尧坦言：「我知道我接下来想讲的话，不是在一个最完美的距离，但我担心等到最完美的时刻，台湾已经不在了。」这种带有不安与急迫的感知，使作品更像是一种面向未来的提问，而不只是对过去的总结。

文字|王颢烨
官网限定报导  2026/04/07
音乐 打破观演边界的感官实验

《众人协奏曲》 让步伐化为声响的共创仪式

走入剧场，没有制式的观众席，也没有正襟危坐的乐团。取而代之的，是一片由63格声响方块构筑而成的巨大网格。在这里，《众人协奏曲》打破了聆听与演奏的二元对立，观众不再是被动的接收者，而是这场大型互动声响装置与参与式作曲剧场中的触发者与共创者。 这部酝酿逾5年的跨界巨作，由旅美作曲家张玹与装置暨空间设计马圆媛携手打造，并集结编舞家刘奕伶、笙演奏家李俐锦，以及国际顶尖的比利时强音当代古典乐团（Ictus Ensemble）与斯图加特人声团（Neue Vocalsolisten Stuttgart）共同演出。透过科技与艺术的精密交织，他们向大众递出一份邀请函，用你的脚步，共同编织一幅不断变形、流动的声响地图。 空间化作巨大乐器 从「学步车」寻觅自我的原初叩问 任何前卫的艺术形式，往往源自创作者最私密的生命探问。张玹将这部作品的源头，追溯至童年最初的记忆。那是他推著木头学步车，随著步伐敲出「叮、咚、当」的声响。这份将行走与触发声音紧密相连的原初体验，促使他跨越艺术边界，去探寻「我们从何而来、我们是谁」的哲学命题。 张玹一语道破了这部作品的核心命题：「基本概念就是把一个空间变成一个超大的乐器，一般观众走在里面会根据个体跟集体的行为让这个声音产生变化。」 在这个被放大到占据整座剧院的学步车空间里，乐谱被模糊化、没有发号施令的指挥，更没有固定的视角中心。每一位走入其中的观众，其步伐与停顿，都是独一无二的随机音符。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/03/25
戏剧

有爱，到底够不够？

《两韩统一》的20个爱情试炼现场

《两韩统一》（La Runification des deux Cores）谈的不是政治，而是爱情。 虽然爱情有时的确像政治一样充满各种悬念、盘算或心机否则张爱玲就不会说「情场如战场」但法国导演波默拉（Jol Pommerat）编导的《两韩统一》，却是尝试在剧场的密闭空间里，以20个各自独立的剧情片段，开放出爱情的多样与复杂。 波默拉已有多出作品来台演出。此次演出的《两韩统一》原创于2013年，在巴黎奥德翁剧院（Thtre de lOdon）附设的贝堤耶实验剧场（Atelier Berthier）演出。台湾曾有过多次演出记录，包括2017年国立台湾大学戏剧学系毕业制作、2022年国立台湾艺术大学戏剧学系、2022年台北艺穗节（台大话剧社）及2023年台北艺穗节（清华大学X阳明交通大学学生合组的「紧急出口制作」）等，显然爱情仍是我们这个时代的共通语言。 《两韩统一》由20个片段组成，标题分别是〈离婚〉、〈我这部分〉、〈家务〉、〈分手〉、〈结婚〉、〈死亡〉、〈春药〉、〈金钱〉、〈钥匙〉、〈爱〉、〈等待〉、〈战争〉、〈孩子〉、〈记忆〉、〈有爱还不够〉、〈友谊〉、〈价值（I）〉、〈价值（II）〉、〈怀孕〉、〈价值（III）〉。每一个片段的演出或长或短，角色各不相同，情节也互不连贯，唯一将他们串在同一出戏里的共同元素只有一个爱情。我们不妨把《两韩统一》想像成曾经听闻或经历的爱情故事，从相爱相杀到生老病死，从结婚进行曲到结婚进行曲到婚后无性生活，每一个段落的情节仿佛似曾相识，串连在一起成为以爱为名的人生。

文字|罗仕龙
官网限定报导  2026/03/17
戏剧 梅菲斯特的暗黑科技

出奇偶剧团《点击得永生》 打造复古全新浮士德

要准确翻译国外剧团名称，通常不是件容易的事要嘛牺牲发音，要嘛放弃意译。难得的是，来自西班牙梅诺卡岛（Minorca）的「出奇偶剧团」，却成功捕捉团名「Trukitrek」的精神。正如带有巧妙惊喜感的「出奇」，「truki」发音近似加泰隆尼亚语「truc」，而后者意指以舞台机关、剧场手法、操作技艺等「小把戏」（trick）营造出其不意的神秘效果。以出奇偶戏团来说，最为人熟知的便是人偶合体（humanette）表演形式、结合偶身与演员肢体，并将动画影像融入手作场景。 在制造舞台惊喜之外，「Trukitrek」另以「trek」暗示命定的旅迹。以加泰隆尼亚风俗为主体的梅诺卡岛，曾先后受法、英两国统治，透过地中海连结来来往往的人种、语言与文化，不以岛屿为局限，反以此为起点。或许是承袭了岛屿带来的开阔与流动，成立于1998年的出奇偶戏团，不以特定剧场语汇与美学风格为限。事实上，其团队组成更是多元，如来自视觉艺术与插画背景的乔瑟普．皮里斯（Josep Piris），以及同时具电影导演身分的卢．普利茨（Lu Pulici），与伙伴在剧场实验动画影像，透过表演变幻镜头语法；近30年间创作无数令人印象深刻的作品，并大幅降低语言门槛，一路带著作品走访超过40个国家。 出奇偶戏团的旅迹也数次包含台湾。2011年，出奇偶戏团曾于国家两厅院TIFA国际艺术节带来秒杀节目《香蟹大饭店》（Htel Crab），以三格镜框的视觉构图、夸张生动的默剧肢体，在真人与物件、远景与特写的来回切换间，呈现一桩夜半抢案的诡谲悬疑与香艳刺激。 至于另一经典小品《我在车站等你》（Mr. Train）关于空无一人的车站，一名孤独老人与流浪狗的相遇也于2022年巡演基隆、嘉义、台南、高雄、花莲等地。顺带一提，出奇偶戏团还曾设计独特的「户外戏台」（open-air stage），可容纳70名观众，如巡演戏班方便带著作品继续旅程。无论街头或正规剧场，都能让观众瞬间进入人偶交错的奇幻世界。

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/03/11