当人们买票进剧场时，会在意眼前看到的是真实还是虚构的吗？这或许是比利时剧团「柏林」（BERLIN）（注）未曾想过却被迫直面的命题。如同本剧故事主角看似是如今年迈的前柏林爱乐舞台经理弗里德里希．莫尔（Friedrich Mohr），却在第一个一镜到底的镜头就露了馅：镜头聚焦于老人，工作团队却不小心被暴露在镜头之中。 《柏林制造》以多萤幕影像、访谈片段与现场乐手的演奏，在团队跟著莫尔走访柏林街头，跟著他一同追寻数十年来未能完成的心愿：重建一场因为战争而未完成的音乐演出转播。这部作品强烈、深沉、给人意犹未竟的好奇，也可能是愤怒。作品把历史的裂缝、个人的遗憾与创作团队的挣扎层层堆叠交织，让观众不只看到记忆的再现，也透过作品反问自身，此刻在剧场里观看演出的我们，究竟真正想看到什么？
马里奥．贝努西的创作起点 今年27岁，1998年生于阿尔巴尼亚，五岁后移居希腊，2020年毕业于雅典音乐学院戏剧系（the Drama School of the Athens Conservatoire）导演马里奥．贝努西（Mario Banushi），毕业后随即以首部作品《妊娠纹》（Ragada）受到瞩目，以母亲为主角的初试啼声，一方面让他得到由希腊国家剧院委托制作第二部曲《再见，琳蒂塔》（Goodbye, Lindita）的机会，另一方面，也奠定了他在包含第三部曲的《仁慈小酒馆》（Taverna Miresia：Mario, Bella, Anastasia）的「亲情三部曲」）(Romance Familiare)，以他成长过程中围绕在他身边的女性，处理记忆与亲情的母题。 其二部曲《再见，琳蒂塔》获得塞尔维亚的贝尔格莱德戏剧节BITEF（Belgrade International Theater Festival）特别奖，评审盛赞作品交织于「生命与死亡、社群与独处，以及世俗与崇高」之间。《仁慈小酒馆》以同样的美学手法，场上在不换景的视觉前提下，设定于四面无窗的浴室，场景在极写实现场发生，例如浴室中再正常不过的淋浴，却在叙事行进中，开始叠加出各种或以经验、或是幻象的其他记忆从缝隙流窜出来，开始充满空间，也重组浴室空间。眼前仍是浴室的场景，毫无违和地成为送别父亲的哀悼之地、成为每一位亲族成员最私密的悔恨告解处，也同时是亲属关系中最无法言语、也最不堪面对的冲突角落，每个人在独处／共处的同一个空间里，无力招架地接受所有的情愿与不情愿，进入彼此，再到最后以某种仪式性转场，打开了也抚平了创伤的缺口。于是原本看似完整支撑、内缩与密不透风的空间，同步地在剥离、揭露、瓦解，不只前者的表象由后者同步构成，任何角色外在上的坚强也由种种脆弱拼组，贝努西毫无畏惧地将写实主义推至尽头，显露其形式本体原初的荒芜与最终必然触及的绮想。也就是说，对我而言，与其说贝努西的美学交织于「生命与死亡、社群与独处、世俗与崇高之间」，毋宁是透过识别前者单方面的限制，而推导至后者的共同现身。就形式上言，《仁慈小酒馆》宛如游走于写实表演与身体剧场之间，但无疑地，这是一出彻头彻尾的写实表演，只是导演以对亲情极致的推敲与扣问，竟以一出戏锻炼
一群画著两撇胡子的女生，在舞台上态度张狂、喜感爆裂，做起高难度技巧像个阳刚硬汉；刻意模仿典型白人直男的姿态，甚至以夸张的角度秀出裤裆的「份量」，引起台下观众的狂笑。 「创造焦点马戏团」（下简称创造焦点）导演梅芷菱难忘第一次在社群媒体上看到YUCK Circus演出片段时的激动，她惊呼：「原来女子马戏还可以长成这样！」 我们一样，却又不完全一样 同样是女性、同样面对性别与身体，来自西澳的全女马戏团 YUCK风格轻松、粗鄙、带著恶趣味，谈议题的同时毫不牺牲幽默与快感，与台湾女子马戏挖掘创伤与痛感的路径，形成强烈对比。 2023年，创造焦点在爱丁堡艺穗节亲眼目睹YUCK的演出，梅芷菱形容全团像迷妹一样兴奋：「因为终于发现有人在做跟我们一样的事，但又不完全一样。」 导演乔治亚．德瓜拉（Georgia DEGUARA）也注意到这群台湾观众：「我们看到一群女生一直来看，只觉得：哦，她们看起来很 punk、很酷。」 两团一见如故，合作的想法就此落下，直到卫武营马戏平台的牵线，才真正萌芽。那个「一样却又不完全一样」的差距，形成跨国共创《Bed Trip》的奇妙张力。
编舞家庄国鑫从特殊的生命经历出发，推出新作《Mihaay6432》，以此缅怀并抚慰台铁普悠玛6432号列车脱轨事故（注1）中的罹难者。 庄国鑫回忆，当时他与妻子、10位学生正在这班列车上，或许是祖灵的冥冥庇护，他们有惊无险地躲过一劫，此后却深受创伤后压力症候群（PTSD）之苦，7年来靠服用药物维持生活。在这段灰色的日子里，庄国鑫想起自身部落的传统仪式Mihaay（慰灵祭），在族人歌舞中安放悲伤，并将其转化为剧场语汇，为现代都市人带来一份来自阿美族的古老慰藉。 Mihaay是目前全台湾阿美族部落中，仅太巴塱部落独有的内部仪式。与开放的、惯习的ilisin（年祭）不同，Mihaay较为罕见，只有部落重要人士（头目或祭师）逝世时才会举办，由亡者的家人与族人于半夜举行，不对外开放。仪式过程中，男女族人分立棺材两侧，以歌舞的形式表达对亡者的哀思与怀念，氛围庄重，是阿美族舞蹈中唯一男女族人不牵手的祭舞。「Mihaay最重要的核心不是哀伤，它提醒所有在世的人，在怀念亡者的同时要继续勇敢地活下去。」庄国鑫说。
在剧场，劳动是隐形的。 当观众坐定、灯光亮起，眼前呈现的是一场精美的舞台成品。但在幕后，是一群黑衣人默默支撑这个系统运转，从卸车、搬运、装台、换景到拆台、撤场，这些隐身黑暗的劳动身体，共同构成艺术生产机制。 法国马戏导演克莱蒙．达赞（Clment Dazin）的《劳动狂想》，选择从这道缝隙切入，将后台推到前台，把卫武营国际艺术文化中心的卸货口变成舞台，让观众直视艺术场域本身就是一个劳动现场。 反思劳动的起点 达赞的创作取径，与他早年的职场经验紧密相关。在成为马戏导演之前，他曾在客服与欧洲直升机公司（Eurocopter）任职，同时撰写一篇关于「职场关系中的心理情感维度」的硕士论文。 「那时我访谈了公司很多同事，发现制度如何渗入身体。你会看到肩膀下垂、呼吸变浅、背部弯曲那是压力留下的形状。」他回忆说。 在他看来，现代企业的体制往往以「开发潜能」之名，实则削弱了个体的力量。这种对身体与意志的驯化，也延伸成他后来对舞台劳动的反思。
迈入第15年的「国际爱跳舞即兴节」从「i．dance Taipei」到改名为「i．dance Taiwan」（后简称idt），见证了台湾接触即兴舞蹈社群的诞生、茁壮与变形。今年，创办人古名伸交棒给中生代舞蹈家余彦芳，不仅象征著世代传承与观点更新，亦是寻找接触即兴下一世代语言的时刻。对余彦芳而言，这是一场充满珍惜与细腻的延续。「我本来以为会和古老师有些拉扯，没想到顺利到难以想像。」她笑著说。 余彦芳与古名伸的渊源可追溯至她的大学时代，从学生到舞团成员，之后离开成为独立创作者。这段长达20年的岁月，给予余彦芳开阔视野的养分，也奠定回望的基础。今年她以策展人身分回归，以「点菜」作为策展隐喻，邀请所有即兴的爱好者共赴一场「身体的盛宴」。
暌违10年，高雄市交响乐团（KSO）将到台北国家音乐厅，以一场划时代的跨界之作宣告全新篇章。由指挥吴曜宇领军，携手爵士大乐团TPO Big Band演出的「无界摇摆 The Unbounded Swing」音乐会，从古典到爵士、从欧洲到美国，跨越地域、风格与世代的界线，不仅是一次声响的融合，更是一场文化的对话开启。 音乐会上半场将以两首法国作曲家的作品揭开序幕。首先登场的是杜卡（Paul Dukas）的《仙女》（La Pri），以波斯神话为灵感的舞蹈诗，这次演出也是此曲台湾首演。 「大家都知道杜卡的《魔法师的学徒》，但其实《仙女》才是他的真正巅峰之作，连作曲家自己都这样认为。」吴曜宇指出，这首作品以华丽的铜管与细腻的配器描绘出梦幻神秘的氛围。 接续登场的则是拉威尔的《圆舞曲》（La Valse），原本是受俄罗斯最具影响力的艺术推动者与芭蕾制作人迪亚基列夫（Sergei Diaghilev）委托创作的作品，后来因理念不合而未被搬上舞台。吴曜宇说：「这两首我将它们看成是乐团炫技的曲目，不论是单纯的技术，还有音色、节奏与速度的转换都是相当有可看性。」 下半场则带来美国当代爵士大师温顿．马沙利斯（Wynton Marsalis）的《摇摆交响曲》（Swing Symphony），这将是该曲在亚洲的首度演出。
在通勤时段的捷运里戴上假睫毛、涂好指甲油，夹紧专属耳环，这是末路小花外送演出《来一客杯棉子》唯一的演员张棉棉进入陌生客厅solo前，邀请角色上身的固定流程。 从2021年的《来一客杯棉子》好命篇，一路到2024年底甫结束的《来一客杯棉子，好辣》，近5年来，末路小花团员张棉棉穿戴上杯棉子的肌肤，一台车带著导演、演员与小帮手，奔向双北市高楼或平房、豪宅或租屋处数十个大大小小不同的客厅、厨房及浴室私领域，以都会单身女子的生活切片视角，逆行居家与剧场空间定义，观众毋需走进剧场，反其道而行地让表演者即兴以观者家里的陈设作为舞台物件，透过戏剧，密缝起创作与真实人生的边界。
长大后，许多人怀念儿时能用新奇、纯粹的眼光看待世界。小孩被赋予多提问的权利与勇气，但随年纪渐长，被教导要提出有用的问题，并尽快找到正确解答。《十万个为什么》、搜寻引擎，甚至AI成了成长过程的指引。这样的便利与目的导向，悄悄夺走提问的勇气，也削弱了探索和接纳多种回应的可能。 然而，在面对一连串看似天马行空的问题时，诗人提供了另一种可能。智利诗人聂鲁达（Pablo Neruda）的《疑问集》向宇宙、世界及生命提出316个包山包海、难以穷尽的疑问，台湾诗人夏夏则在《一只猫会有多少问题？》中，以诗回应或再度发问，让疑问成为开展更多可能的契机。 延续这份诗意，即将在台南艺术节演出的《我，有一个问题？》（后简称《我》），策展人温慧玟以这两部诗集为灵感，邀请洪千涵创作这部无语言的亲子作品。《我》不是一本舞台版的百科全书，而是一首献给儿童、曾是儿童的大人的舞台诗。导演洪千涵从诗集的提问中「打开一趟问问题的探险之旅，让我们不要被标准答案给限缩或定义，记得自己还拥有提问的权利。」
自2023年起，大键琴家许舒尧发起古乐节，从个人大键琴独奏发展至去年库普兰诞辰400年主题的多面向策展。今年古乐节迈入第3届，以「A Colpi di Tasto」为题，深入探讨义大利音乐教育与键盘即兴传统。主打节目「双琴争鸣」由义大利与台湾键盘家携手演出，并辅以座谈、讲座与教学示范，拓展古乐的教育性与当代表达力。 应邀共同演出的阿尔贝托．布塞蒂尼（Alberto Busettini）是欧洲知名的大键琴家与指挥，长期致力于巴洛克音乐的诠释与教育，并曾与义大利多个古乐团合作录制专辑。许舒尧说：「他对即兴的理解非常深，我们的合作像是在对话，不只是合奏。」 解读巴洛克密码：Partimento即兴演奏法 本场演出的核心是以双大键琴呈现「帕蒂门托」（Partimento）。Partimento 源自义大利，是一种18世纪义大利特有的作曲与教学法，曾对巴赫（Bach）、韩德尔（Handel）及巴黎音乐院的教学及即兴演奏方式产生深远影响。许舒尧指出，Partimento 等于是作曲家仅提供结构设计（蓝图），让演奏者在键盘上即兴完成。虽然主题与曲式已载于手稿中，但最终的呈现全凭演奏者的想像力与解读。 由于当时音乐家鲜少将这套即兴法书面化，直到近10年，这些手稿的实际演奏方式仍是一大谜团。Partimento 训练演奏者直观的逻辑思维，曾盛行于18世纪的拿坡里，当地4所著名的孤儿院就是以此法培养街童，训练他们成为专业音乐家与作曲家。 聚焦曲目：从双帕蒂门托到热情协奏曲 而古乐节不只是聆听古老乐器的机会，更是一次关于创作与诠释边界的探问。正如许所言：「音乐有时候不需要太多，只要两台大键琴，一段旋律，就能说完整个故事。」 音乐会上半场主要聚焦于义大利巴洛克作曲家伯纳多．帕斯奎尼（Bernardo Pasquini）的《双帕蒂门托奏鸣曲》，这是目前已知最早的双大键琴曲目。许舒尧解释，这套曲目的手稿只为两部键盘乐器提供了两条单一线条（通常是低音旋律）。旋律上会有数字，演奏者
辛奇与小熊软糖，看似天差地远的组合，很难想像它们怎么被凑作堆，不管是在餐桌还是剧场。 辛奇，这个2021年才广泛进入大众视野的名词，取代过往熟知的韩式泡菜，改采音译「kimchi」，选字则兼顾「辛辣、新奇」的意涵。（注1）若说食物本就代表某个地方的风土民情，具有其历史、地理与文化意义，那么由韩国官方积极推动泡菜改名，延续申请世界文化遗产的企图，欲与中式、日式泡菜作出区隔，选定汉字甚至未曾考量字词本身在当地文化原有的文化连结（如台湾本就有知名电影导演名叫「辛奇」，如今意旨却被韩式泡菜强行取代），则证明了「食物」如何可以成为文化影响力争竞之地。 相较辛奇与韩国强烈与直接的连结，小熊软糖倒是「透明」许多。除非特地探究品牌起源，否则消费者很难第一时间将大批生产、包装精美且全球随处可得的软糖，联想为某种「德国风味」虽说小熊软糖的出现，也与特定文化脉络相关，如其造型其实源自于欧陆市集盛行的「跳舞熊」传统（注2），自然也成为德语文化重要节庆娱乐之一，以此传递糖果带来的美好体验。不过，毕竟小熊软糖并不是每个家庭可以自己在家里制作料理、交流感情的食品，反而更令人意识到食物从生产到消费的资本推力。
观众还未入场坐定，8位赤脚、身著日常排练服的表演者已经在场上暖身，有人倒立、有人翻身落地，有人抱著肩膀喘气，汗珠顺著手臂滴在黑色地版。这里既是排练场，也是舞台。演员身后，是一座巨大的 LED 时钟，冷峻白光显示著「10,000：00」的倒数起点。表演还没正式开始，空间早就充满能量。 这是来自澳洲阿德雷德（Adelaide）、最具代表性的当代马戏团队引力神话马戏团（Gravity Other Myths，简称GOM）去年首演的最新作品《一万小时》（Ten Thousand Hours）。此作接连拿下2024年阿德雷德艺穗节「最佳马戏表演奖」（Best Circus Award）以及2025年「评论人协会奖」（Adelaide Critics Circle Award）。今年10月将应FOCASA马戏艺术节之邀，来台演出。
2024 年是卡夫卡逝世100周年，世界各地以出版、展览、演出等形式回望这位现代文学巨匠。对编舞家罗文瑾而言，这个时间点是一个契机。在 1990 年代，从她与台南人剧团合作的肢体设计开始，便持续在文学与舞蹈之间游走。2006 年一次进书店偶然读到《变形记》，让她深受震撼：故事没有头也没有尾，主角变成虫，这种断裂而荒谬的结构成为她心中的疑问，也逐渐发展成创作的底色。她开始思索卡夫卡的性格、存在主义与现代主义的关联，并在 2018 年的作品《虫》中尝试以舞蹈回应，一路上经历补助失利与创作中断，她在 2024 年重新整顿，与戏剧构作合作，终于完成这部三幕式舞作《有可能，但现在不行》，借此重新厘清自己与卡夫卡的关系。
在乐迷翘首期盼下，指挥巨星古斯塔沃．杜达美（Gustavo Dudamel）在今年秋天将率领暌违31年的洛杉矶爱乐（Los Angeles Philharmonic），携手欧美两大殿堂级合唱团维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团来台，重返国家音乐厅。规模超过250人的庞大阵容，将以两套曲目展开旅程，一晚属于斯特拉温斯基的火焰与节奏，一晚则是马勒的生命与永恒。这样的组合，世界仅此一场，而且是「台湾限定」。 斯特拉温斯基与洛杉矶爱乐的不解之缘 1935年，斯特拉温斯基首次与洛杉矶爱乐合作，演出后送给各声部首席一个吻与一朵红玫瑰。这份浪漫而深刻的举动，开启了他与乐团超过30年的情谊，后来更让他选择定居洛杉矶。 《春之祭》在洛杉矶爱乐的历史上占有特殊地位，乐团105年历史中演出已逾150次，既是乐团的传统，更是每任音乐总监的试金石。2003年，这首作品更成为华特．迪士尼音乐厅启用后的首张录音，象征著乐团与作曲家的深厚渊源。 《洛杉矶时报》评论杜达美对《春之祭》的诠释：「既能释放潜藏于我们体内不可抑制的毁灭能量，又能以精湛的音乐掌控力驾驭这股近乎超人的张力。」此次来台，他将以《春之祭》搭配色彩缤纷的《火鸟》组曲，带来火焰般的节奏与诗意。 曾于洛杉矶求学的钢琴家严俊杰直言：「第一场《火鸟》、《春之祭》很节奏型，乐曲等于洛杉矶爱乐的代表，为他们自己的庆典都是演这些曲子。此外第一场的第一首约翰・亚当斯（John Adams）的作品《狂热》短篇交响曲（Frenzy: a short symphony）也是非常重要，因为那是他为了洛杉矶爱乐去年才写的。」
为迎接明年朱宗庆打击乐团40周年的到来，乐团将于9月起推出击乐剧场《泥巴》全新版本。本作原为2019年、2021年推出的第2号击乐剧场，描述「瓷林」创办人林光清从苗栗芦竹湳乡间走向国际品牌的故事，在乐团40周年前夕的2025年，朱团再度重演《泥巴》，并以乐团4个世代的人脉，重新打造一个「彻底归零、再出发」的版本。 艺术总监朱宗庆表示：「2022年底的仓库火灾，把前一版所有布景、道具和部分乐器都烧光了，让我们这次一定得重新制作。再次检视的同时，发现《泥巴》其实不只是林光清先生的故事，也很像是乐团即将迈入40周年『再燃斗志』的心境。」
睽违7年，柏林爱乐管弦乐团将重返台北，由首席指挥基利尔．佩特连科（Kirill Petrenko）首度率团来台，在国家音乐厅带来3场演出。这不仅是柏林爱乐第6度访台，更是佩特连科上任以来首次领军登上台湾舞台。 柏林爱乐与台湾的20年情谊 自2005年首度来台，柏林爱乐便与台湾乐迷建立深厚连结。当年两厅院广场聚集逾3万人观赏户外转播，轰动的场景促成了「数位音乐厅」的诞生。牛耳艺术行销总监张懿之回忆：「2005年两天晚上举办户外转播，第一次迎接柏林爱乐到来，当音乐会结束我走出音乐厅，看到广场满坑满谷的人，他们发自内心的激动与呐喊的情景是我一辈子忘不了。也因为当下强烈感染力，让拉图爵士还有乐团觉得感动而催生了『数位音乐厅』。」 台湾蹦艺术协会理事长林仁斌则形容：「照武侠小说的说法，江湖上如果柏林爱乐谦称自己是第二的话，那没有什么乐团可以摆第一位。在我的心中，他是全世界唯一首席天团。」
在马水龙（1939-2015）逝世10周年之际，国立传统艺术中心台湾音乐馆与国家交响乐团（NSO）携手呈献「孕育于山海之间」音乐会，邀观众一同走进这位台湾音乐巨擘的心灵世界，感受他笔下山海交织的情感与音符。 音乐会将于 9 月 11 日晚间在国家音乐厅呈现，演出阵容坚强，由指挥张佳韵领军NSO，钢琴家辛幸纯与梆笛演奏家赖苡钧担任独奏，并由台北爱乐合唱团与朗诵者雅柏苏咏．博伊哲努、邱文隆共同演出，主持人为颜绿芬。 马水龙是台湾音乐史上相当具代表性的作曲家与教育家，其作品融合西方现代技法与台湾本土情感，展现出独特的音乐语言，也是第一位在美国纽约林肯艺术中心以整场形式发表个人作品的台湾作曲家。他曾连任亚洲作曲家联盟总会5位执行委员之一，担任过亚洲作曲家联盟中华民国总会暨中华民国作曲家协会理事长，以及亚洲作曲家联盟副主席等。作为国立台北艺术大学音乐系的创系主任与前校长，他在课程架构与教育理念的规划上，深深影响了一代又一代的音乐人。此外，他创办了「春秋乐集」，鼓励同侪与年轻人创作，并积极参与文化政策与国际交流，为台湾音乐界带来深远的影响。因其非凡贡献，亦获中华民国总统府颁授二等景星勋章。 纪念音乐会中，将演出4首具有代表性的马水龙作品，涵盖其创作的中期与晚期，展现他音乐语言的多样性与深度。首先为《梆笛协奏曲》，此曲应中国广播公司委托创作，首演于1981年；全曲采用连乐章形式，融合梆笛的清丽音色与管弦乐团的丰富音响，展现出台湾音乐的独特风貌。管弦乐曲《孔雀东南飞》以中国古代诗词为基础，融合西方管弦乐技法，呈现出浓厚的台湾情感。《关渡狂想曲》钢琴与管弦乐以关渡地区的自然景观为灵感，钢琴与管弦乐的对话展现出马水龙对故乡的深情。《无形的神殿》男声合唱与管弦乐结合李魁贤的诗作，表达对台湾土地与文化的敬意，音乐语言深刻而感人。 这些作品不仅是马水龙音乐创作的精髓，也是台湾音乐史上的重要篇章。在同一场音乐会中，观众将有机会一同聆听这些经典之作，感受马水龙对音乐、对故乡、对土地的深厚情感。
「所谓的英雄，或者是所谓的『被崇拜的人物』，好像不能是成功的。」义兴阁掌中剧团主演王凯生这么说：「不能成功，革命才会延续下去，他也才有可能会被视为一个有血有泪的英雄。」 这句话，恰恰回应了今（2025）年由国立传统艺术中心主办之「戏曲梦工场」的策展主题「乙巳革命」中的「革命」一词。 于是，义兴阁掌中剧团决定从古巴革命核心人物之一的切．格瓦拉（Ernesto "Che" Guevara）入手；但身为一个充满叛逆灵魂与中二精神的「摇滚」布袋戏团，义兴阁掌中剧团并不打算循著之前《GG冒险野郎》（改编自西班牙作家赛万提斯的经典著作《唐吉诃德》）的成功转译经验，仅把切．格瓦拉与他著名的回忆录《摩托车日记》（Diarios de motocicleta）作为取材灵感，重点则放在切．格瓦拉「成为英雄」的「制造」过程，也就是剧名英雄制造。
国立传统艺术中心于去（2024）年推出「歌仔戏旗舰展演补助计划」，鼓励歌仔戏团队制作精致剧场作品，透过节目制作达成维护传统经典、衔接当代创意、探索未来趋势等目标，可以说是历来最具规模的歌仔戏制作补助计划。首部作品《爱。相随？》由财团法人廖琼枝歌仔戏文教基金会制作，将于今（2025）年七夕情人节正式首演。 《爱。相随？》的旗舰规格不只体现在演出时长，分成3天、4个场次才完成整个故事，同时也集结了台湾不同剧团、不同地区的「五年级」歌仔戏天王、天后，如许亚芬、郭春美、陈昭香、张秀琴、庄金梅、石惠君等演员，出演不同场次的重要角色，寄托了创作团队对于歌仔戏浓浓的爱，相随在作品里头。
如果有一天我们需要向外星文明解释人类为何物，或许「双手制造」（Made By Hands）舞团创团作《从指尖开始》（Du Bout Des Doigts）是绝佳的选择。 全剧以舞蹈史为切面，透过即时摄影、肢体、空间与音效的相互对话与让位，在严谨的形式使用和画面选择下，以童趣的手指舞蹈与轻巧的叙事节奏，在1小时的时间里，带领观众从已知用火的千百万年前，随著时光之河漫流回到当下剧场内部的肉身彼此；而在口语近乎缺席的状态下，重新观看地球历史与人类的记忆如何被记载与传承。
无论是来自纽约百老汇或伦敦西区，音乐剧向来以引人入胜的剧情、动人的旋律与充满张力的演出形式深受观众喜爱。许多经典作品如《歌剧魅影》、《悲惨世界》与《西贡小姐》等，不仅在全球各地巡演无数场，也留下了琅琅上口的名曲，为乐迷所熟知与珍藏。但倘若能在一场音乐会中一次聆听多部经典剧作的代表曲目，对许多音乐剧爱好者而言，无疑是一场难得的盛宴。如今，这样的愿望即将实现「重聚（The Reunion）」音乐剧明星演唱会即将登场，汇聚来自伦敦西区与百老汇的主唱群，将多部知名剧作中的精选乐曲搬上台北流行音乐中心。 「重聚」音乐剧明星演唱会将于9月中举行3场演出，汇集来自伦敦西区与百老汇主唱群，由知名音乐剧演员拉敏．卡利姆卢（Ramin Karimloo）策划与领衔演出，带来跨越剧目与时代的音乐剧选粹。卡利姆卢曾在《歌剧魅影》中饰演魅影，是该剧历史上最年轻的饰演者之一，也被誉为「情感最饱满、最摇滚感」的魅影之一。随后他并在续作《爱无止尽》中担任全球首演的男主角。他的诠释赢得来自观众与评论界的广泛肯定，曾多次於伦敦皇家阿尔伯特音乐厅演出，拥有丰富的舞台与录音经历。
亚洲舞蹈界年度盛事「Dance Now Asia 舞蹈艺术节」（下简称DNA舞蹈节）将于 8 月中旬热力登场，并于8月下旬首次由韩国大邱市立舞团（Daegu City Dance Company）响应，于大邱艺术中心（Daegu Art Center）举办。 为迎接这场跨国交流盛宴，主办单位台北市中山堂将于8月11至17日于台北办理「2025 Dance Now Asia 舞蹈艺术节」， 8月16日与17日推出亚洲青年舞蹈创作演出（Showcase）与国际身体工作坊呈现，邀集来自台湾、新加坡、马来西亚、韩国、东京、印尼的17位舞者，共创崭新的身体语汇。大邱市立舞团则接续于8月20至24日在大邱办理「2025 Dance Now Asia in Daegu」舞蹈艺术节，期间何晓玫Meimage Dance舞团将带来《极相林序曲》，与韩国、东京舞团同台交流；另有台湾青年舞者的两出作品《搏筊》与《Dans labme》同时亮相，展现台湾新生代的创作能量。
今年9月，台湾乐坛将迎来一场令人期待的首次交会。柴科夫斯基国际音乐大赛得主曾宇谦与长荣交响乐团驻团艺术家梵志登（Jaap van Zweden）携手，诠释布拉姆斯D大调小提琴协奏曲。这场演出不仅是两位音乐家首度合作，更标志著曾宇谦睽违5年、重新演绎这首协奏曲的重要时刻。此外，乐团也即将演出贝多芬的《艾格蒙》序曲及布拉姆斯c小调第一号交响曲，以飨乐迷。 选择布拉姆斯小提琴协奏曲作为合作首演，对曾宇谦而言别具意义。即使从少年时期即已开始演奏这首乐曲，但为了维持乐曲的品质，他刻意将曲目封存沉淀。此次将它重新拿出来演奏，掐指一算已经5年，一上手，他便感到自己「有进步」。他坦言：「这几年透过演奏布拉姆斯的其他作品，包括独奏会、室内乐等，让我对他的音乐有更深入的理解。」所以现在觉得可以将这首曲子重新拿回来演出了。曾宇谦认为：「真正的进步，是透过时间与生活经验的累积。放下一段时间再回来，或经历更多布拉姆斯作品的演奏，都让我对这首曲子有更深的理解与诠释。」如今再度回归，他不但重新思考结构与运弓方式，在诠释与技术之间取得新的平衡，也对整体乐句的理解、细节的处理有更多想法。 布拉姆斯小提琴协奏曲以其庞大编制与高强度的演奏需求闻名。曾宇谦认为，真正的挑战在于如何于乐曲进行中维持体力与音乐的张力。「这是一首需要维持40分钟爆发力的曲子，要避免声音太冲、太粗糙，同时又要与乐团融合、交织。」为了应对演出所需的体能，他平时透过游泳、慢跑与核心训练保持状态，并注意避免对手部造成过多负担。
近年老戏新编与翻玩经典双头并进的布袋戏团「不贰偶剧」，即将于农历7月前夕，于台中国家歌剧院搬演台、日志怪偶戏《牡丹灯笼》。团长郭建甫从灯笼与鬼魂双生双映意象出发，提取布袋戏形式，放大于操偶师与真人演员身上，并细致拼贴南管梨园戏、布袋戏、能乐等多样传统表演元素，编织出当代鬼怪故事的崭新滋味。在炎日夏日里，即将为观众带来无比清凉、且感官丰沛的鬼故事新体验。
「夏日音乐漫步」作为TSO自2024年起推出的夏季系列活动，透过轻松、跨界的编排设计，为乐季与暑假之间注入清新气质。这个8月，现任德国波鸿交响乐团音乐总监庄东杰将率领台北市立交响乐团（TSO）于中山堂，呈现两场风格轻快、戏剧感十足的夏日音乐会。 首先，庄东杰将由李姆斯基‑柯萨科夫《沙皇的新娘》序曲拉开序幕，随后由张凯闵演译萧邦《E小调第一号钢琴协奏曲》；这位入围萧邦国际钢琴大赛的年轻钢琴家，目前是乐迷众所期盼的选手，在今年赛事前夕的演出不但展现他的优秀琴艺，也能借此累积更多与乐团合作的经验。下半场为TSO本乐季纪念萧斯塔可维奇逝世50年的节目重点之一，即将演出作曲家为剧场乐团而作的组曲。庄东杰解释：「这是一首少见地将手风琴、吉他与萨克斯风融入交响乐团中，营造出接近小型剧场的作品，总共8首组曲，全曲有25分钟，但加了这几个乐器，就会出现让乐团出现小酒馆的声响质地。」
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