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演出

鲁多维柯.艾奥迪
音乐 串流时代超越时间与空间

鲁多维柯.艾奥迪 回归自然本心的琴音

受疫情耽搁5年,两厅院TIFA台湾国际艺术节终于「再度」迎来义大利国宝音乐家鲁多维柯.艾奥迪(Ludovico Einaudi)。不过在这之前,我们得以先行点开鲁多维柯今年1月底发行的最新专辑《夏日印象》(The Summer Portraits),为这场漫长的等待预先暖场。 《夏日印象》的反季发行与感官自由 之所以用上代表数位时代聆听经验的「点阅」动作,是想强调鲁多维柯作为少数古典音乐背景出身的音乐家,却在串流媒体获得巨大成功,每日播放次数超过百万,更是2007年首届iTunes音乐节(后更名为苹果音乐节)唯一受邀古典音乐家。(注1)其中最知名的,应是2016年应绿色和平基金会录制的《北极挽歌》(Elegy for the Arctic)影片,钢琴家在冰川上,以琴键点缀冰原崩落、极地融解的末世声音,至今在YouTube已有2200万点阅。少了播放实体专辑、限于一时一地的仪式感,反而更展现鲁多维柯音乐如何穿透时间与空间,乘载著听者无时无刻的情绪与心境。 有趣的是,这张以「夏日」为名的专辑,却选择在深冬发行。看著鲁多维柯脸书为新专辑写下的文字:「我想起人生曾经经历过的那些夏日,生活与感官紧密联系,一天就像是一个月,一个月就像是一年,而我得以在日夜之间享有全然自由,自然成为生活最重要的核心,每日都有著全新的发现」无论夏或冬,或许正是在外在季节更迭带来的强烈体感体验下,更能让我们放下温室驯养的现代生活局限,放大一切感官,接收自然环境的变化,正如鲁多维柯看似重复、却以极简语法幻化万千的琴音。

文字|白斐岚
官网限定报导  2025/03/18
戏剧 扩充实境,扩充想像

XR作品《之间》 扩充剧场触手可及的诗意

前几年一则芭芭拉.史翠珊(Barbra Joan Streisand)相关新闻,吸引了河床剧团艺术总监郭文泰的注意这位大明星在访谈中坦承因无法承受失去爱犬的悲伤,于是抽取其基因,另外复制了两只狗继续陪伴自己。 曾经,死亡是人类无可避免的结局。郭文泰回忆小时候对死亡模模糊糊的印象,「知道自己再也看不到这个人了」,但来到教会听著牧师传讲「耶稣是爱」,却更加不解甚至沮丧:「既然如此,我们为何会失去所爱之人?」这或许就是死亡的真相。随著年岁渐长,他也逐渐理解「再亲近的人,终究也会离开,有一天连自己也会离开」。然而死亡与生命,实际却是一体两面。 因著对生命的眷恋,人们抵抗死亡。「综观人类历史,我们听过德雷昂(Juan Ponce de Len)美洲探险,寻找青春之泉以求长生不老的故事;近期也有传说华特.迪士尼死后将头颅冷冻,期待未来科技能让他复活。」郭文泰说。这些故事或许难以置信,但芭芭拉.史翠珊复制爱犬,却是真切发生了。当科技模糊了死亡所代表的「终点」,甚至成为有钱人某种特权,人们又如何重新看待生命与人性?这令人深感不安的问题,成为河床剧团与PHI工作室(加拿大)、欧纳西斯文化(希腊)合作推出最新XR作品《之间》的创作原委。

文字|白斐岚
官网限定报导  2025/03/12
舞蹈

或许抽象,却能诱引脑中的想像流转

苏威嘉《自由步|百问 零式》 走过10年来到最终回

「芭蕾对他来说,可以是任何样子。」在苏威嘉的观察中,艾略特.费尔德(Eliot Feld)的编舞不但富有芭蕾的精神,单纯的举手投足就充满滋味,即便是抽象的肢体运行,依旧能在观众的脑中长出故事。 舞者出身的苏威嘉,2013年前往美国随芭蕾大师艾略特跳舞。近距离的跟随,让他得以好好观察舞作中身体与音乐的关系、身体的使用方法,以及不分东西、不管派别,单纯就身体表演引发观者脑内风暴的纯粹能量。他醉心此道,也进一步催生了回台第一支编舞作品《自由步》,透过线条的雕琢、有脉络的舞步,律动与音乐、灯光的搭配,如此生出的一支「好看」的独舞,正是他对纯粹的极致追求。 当年的苏威嘉没有选择自己跳舞,而是退到后方,以舞者为材料,试著雕出他心目中美的轮廓。以跨越文化、风格与时代为前提,让身体诱引观众脑中的想像流转。「那时候的我单纯只想编出一支舞,让我稍微靠近艾略特一点点。」 大师启发所催生的《自由步》不只是一支舞,更是一场10年计划。苏威嘉从一开始就打算用10年来雕琢这支舞,也看看这支舞可以带著自己走多远。当年发下的豪语,还包括不同阶段的目标,有如走出剧场、加入素人,也包括了要在10年后的最后一版,亲自跳舞。

文字|Stella Tsai
官网限定报导  2025/03/10
音乐 「重新定义德文艺术歌曲演唱标准」的男中音

葛哈尔 以细腻优雅之声演绎舒曼之歌

艺术歌曲是一种将音乐与诗歌完美融合的形式,讲求细腻的情感诠释与对歌词的深度。在作品中,歌者不只是演唱旋律,更是诗意的传递者,亦即透过声音勾勒出内在世界的细微起伏。在众多著名的声乐家中,德国男中音克里斯蒂安.葛哈尔(Christian Gerhaher)无疑是最具代表性的一位。原本研读医学并兼修哲学的他,1998年赢得巴黎「艺术」国际歌唱大赛,之后所灌录的作品更是获奖无数,亦赢得如潮佳评。 难以复制的声音魅力 诗乐交融的深度诠释 葛哈尔的声音最显著的特征之一,便是其难以复制的音色。事实上,他的音域跨越了男中音的标准范围,音色充满光泽,无论是在激情澎湃的段落中,或是在更为沉静、内敛的片段里,葛哈尔都能够精准地把握住音乐的核心。他的声音并非单纯的技术展示,而是情感的传递者,能够在每一个乐句中透露出作者的思想与情感,甚至能将听众带入深刻的情境中。 就因为葛哈尔的演唱风格非常注重歌曲背后的诗意、情感与故事性,让他在演绎舒曼、舒伯特、马勒等作曲家的歌曲时,能够将每一首曲目带入全新的层次。对他来说,艺术歌曲的演唱是一场心灵的对话,是与听众和作曲家之间的深度交流,而这种交流往往能够跨越语言的界限,直达人心。他的成就远超单纯的演唱,2019年,葛哈尔成为柏林爱乐有史以来首位驻团声乐家,这一殊荣,无疑是对他在声乐界地位的极高认可。 在葛哈尔的音乐生涯中,钢琴家格罗尔德.胡伯(Gerold Huber)是他最重要的伙伴之一。两人自年轻时便开始合作,并建立了长达数十年的深厚默契。胡伯对于音乐的敏锐理解和对歌词的细腻诠释,让两人的合作几乎达到了完美的协调。在演出中,胡伯的钢琴伴奏总是能够恰如其分地烘托著葛哈尔的声音,并在细节处做出精致的调整。他们在音乐会和录音中致力于艺术歌曲诠释的研究,荣获许多重要奖项,如:1998年巴黎国际歌唱大赛殊荣、2003年专辑《舒伯特:冬之旅》赢得德国唱片《回声奖》、2017年专辑《美丽磨坊少女》再度赢得《回声奖》。

文字|李秋玫
官网限定报导  2025/03/03
戏剧

交织历史与多元素材 让观众联想自己的故事

海恩纳.郭贝尔的《每件发生了,还要发生的事》

空旷舞台上,看似日常却又被颠覆,在跨域合作之间产生奇异的火花,人物行动、声响与装置形成了画面,语言、物件、象征一再推翻重整,在这种种元素之间,露出的缝隙让观众自由填写想像,谜样的诗意充满视听感官 即将来台演出的《每件发生了,还要发生的事》(Everything that happened and would happen),是享誉国际的作曲家╱剧场导演海恩纳.郭贝尔(Heiner Goebbels)的音乐剧场作品。郭贝尔生于1952年,求学历程攻读社会学与音乐,早期为前卫爵士乐团Cassiber一员,其声响作品(Hrspiel)不只传达文本内容,更以音色和声响创造氛围的实验型创作表现。他在现代音乐界与剧场界享有40年的盛名,2012年更成为易卜生奖(Den internasjonale Ibsenprisen)得主。他的创作超越了艺术框架,扩充了作曲的概念,「郭贝尔的剧场艺术旨在追寻另一种关于剧场性的梦想。」德国剧场学家汉斯.蒂斯.雷曼(Hans-Thies Lehmann)在其著作《后戏剧剧场》中如是说。

文字|陈元棠
官网限定报导  2025/02/25
戏剧 罗伯.勒帕吉✕机器神✕马戏工厂《砰!》

比摔角更摔角 马戏高手转译的剧场奇观

大猫熊与摔角能有什么关系?2002年,英国法院宣判了以大猫熊作为识别物的「世界自然基金会」(World Wide Fund for Nature),在与「世界摔角联盟」(World Wrestling Federation)的诉讼中,赢下了WWF缩写的商标权。自此,大猫熊与摔角分道扬镳,后者更名为「世界摔角娱乐」(World Wrestling Entertainment),这个全世界最大的职业摔角公司,以其名揭示了摔角作为一种娱乐的重要向度。 出身加拿大魁北克的导演罗伯.勒帕吉(Robert Lepage)、团队「机器神」(Ex Machina),以及魁北克「马戏工厂」(FLIP Fabrique)这次带来台中国家歌剧院的新作《砰!》(Slam!),便是以摔角娱乐为主题。勒帕吉与机器神对台湾观众来说应不陌生,上次来台是2023年的《库维尔1975:青春浪潮》,更前几次演出包括《在月球的彼端》(2020)及《887》(2018),勒帕吉及机器神标志性的舞台场景设计、灯光安排及强大富丽的叙事张力,尽显于这几部作品中,剧场风格也十分适合中大型剧院空间。不过,《砰!》(Slam!)以其摔角娱乐的内容,可能会给观众带来不同的看戏体验。

文字|洪姿宇
官网限定报导  2025/02/24
音乐 从夜总会DJ到大都会歌剧院的男主角

男高音泰特曼 曲折生涯换得华彩舞台

2023年3月,首次在纽约大都会歌剧院亮相的美国男高音强纳森.泰特曼(Jonathan Tetelman),一登台演出义大利作曲家浦契尼歌剧《燕子》(La Rondine)中的鲁杰罗(Ruggero Lastouc),便获得《纽约时报》对他高度的赞赏:「高度专注、明亮共鸣的声音传达了义大利乐器阳光般的声音。」英国的《留声机》杂志则称他为「自乔纳斯.考夫曼以来最激动人心的男高音。」 这位获得如此多世界乐评高度赞赏与肯定的男高音,却也曾有人生的彷徨时刻。

文字|赖家鑫
官网限定报导  2025/02/22
新锐艺评广告图片
戏剧 映照日常的魔幻想像

《在独角兽消失之前》 由「神」到「人」的自我觉醒

《在独角兽消失之前》(简称《独角兽》)是何日君再来剧团再度与编剧阮慧敏合作,将「命运三部曲」推向第二部。 第一部曲的剧名很长,借用了知名动画《小魔女DoReMi》里的魔法咒语,化作《霹雳卡霹雳拉拉波波莉那贝贝鲁多再给我一次机会吧!》(简称《霹雳卡》),谈的是「被『神』写定的命运」。对团长兼导演的吕俊翰而言,创作《霹雳卡》时「对于『有没有命运』、『人可不可以战胜神』这件事情,我觉得答案是蛮笃定的。」但在作品完成后,「我反而对这个答案有点开始动摇。」他所想的是:「每个人的命运某个程度还是被写定的,但我们真的就可以把所有行为都归罪于『神』吗?还是说,我们现在得到的结果,某个程度是我们自己选择下来的?我觉得这之间的辩证蛮有趣的,才开始有了二、三部曲的想像。」 于是,《独角兽》在3年多的酝酿下诞生,由「神」到「人」,开启「人的自我觉醒」的讨论。 神谕卡与婚姻 启发《独角兽》的剧情与讨论 吕俊翰与阮慧敏的编导合作,来自在国立台北艺术大学时,因陆爱玲老师的课堂需求进行媒合,而《霹雳卡》就是当时创作出来的作品,直到何日君再来剧团创团后,才正式于桃园市景福宫的庙埕演出,同时也开启何日君再来剧团两条很重要的创作路线环境剧场与青年剧作家合作。 讨论命运的作品走向三部曲系列,虽是吕俊翰的发想,但《独角兽》的故事源头却与阮慧敏有相对密切的关系,一是「独角兽神谕卡」,另一则是「婚姻」。 简单来说,《独角兽》主要讲的是莫尼卡这名女性在结婚前夕,发现了一些关系可能失衡的蛛丝马迹;此时,独角兽出现,把她带往独角兽王国,而王国里的每只独角兽都个别有需要守护的人类,但人类渐渐不再相信他们,因此王国即将崩坏,希望莫尼卡能够帮忙。 故事中的莫尼卡面对独角兽的讲述,不断呼应著自己的现实人生;对阮慧敏而言,刚踏入婚姻的她也曾面临这样的犹疑。她说:「在这以前,我也没有觉得它(婚姻)有多重要,可是真的结婚后,就觉得这的确是个人生转捩点的仪式。」同时,她也结合了自己曾经操作、同时又质疑「独角兽神谕卡」的过程,借此将神谕卡里给予指示与讯号的独角兽具象化,因而成为《独角兽》的故事出发点。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2025/02/19
舞蹈

巴洛克和街舞的交融 无形又无限的《流_G.R.O.O.V.E.》

5年前,导演柯吉妥尔(Clment Cogitore)和编舞家宾杜.登贝雷(Bintou Dembl)融合巴洛克音乐和街舞,共同创作的芭蕾歌剧《优雅的印度诸国》(Les Indes Galantes,或译《异邦恋情》,巴洛克时期作曲家拉摩Jean-Philippe Rameau的作品)(注1),一扫大家对古典乐的刻板印象,更风靡全球社群媒体。在一举成名后,登贝雷延续这种海纳百川的艺术多元性,创作出震撼亚维侬艺术节的《流_G.R.O.O.V.E.》。2025年,台湾观众终于可以体验古典和当代交融的魅力,并亲身参与一场集体狂欢的仪式。

文字|王世伟
官网限定报导  2025/02/06
音乐 朱宗庆打击乐团新生代策划

「加乘效应」 倾听Z世代的「新」声

朱宗庆打击乐团2025年第一季音乐会「加乘效应:Zillennials Zoomers」可说是一场充满跨世代对话与创新能量的打击乐盛会,由身为Z世代的第三、第四代的年轻团员策划与主演,将数位原生世代的独特思维融入传统打击乐,化为观众带来耳目一新的音乐体验。 Z世代策划 展现数位原生的创新能量 本次音乐会不仅是听觉的盛宴,更是艺术传承的具体表现。作为乐团在2026年迈向40周年的序曲,这次的演出将透过数位时代的语汇,呈现年轻世代对音乐的诠释与想像。副标题「数位原声种,大作击乐梦」,点出音乐会的主旨以创意与自信拓展打击乐的无限可能,并以此吸引更多年轻朋友走进音乐厅,接触专业而精致的打击乐艺术。 朱团创办人暨艺术总监朱宗庆回忆:「2024是印象中打击乐团创团以来最忙碌的一年,有116场演出,与推广活动429场。」今年预计也将一样忙碌,所推出的演出不但精采,也有相当大的改变,「不断往前走,创作新作品,这就是职业演奏家最幸福的事情。」 由Z世代团员规划音乐会的点子,缘起于年轻人使用「文化币」的现象,因此虽然第一季是一团的表演,但主要交给年轻团员规划。「他们出生时,不但是数位化普遍运用的时代,朱团就已经在国际上非常活跃了。」朱宗庆在乐团的持续经营下有感而发:「所谓生生不息不是口号而已,我们的经验留下来,能够让年轻人更深厚。打击乐团39年,虽然是老团队,但用最新鲜、最有挑战性的方式挑战自己。」 面对年轻人习惯看短影音,讯息量大、内容多的现象,音乐会如何吸引年轻观众?朱宗庆认为:「短影音是现在年轻人的特色,注意力没办法持续很长,但乐曲的长度不止如此,因此就必须细腻掌握音乐的变化起伏、层次、厚度、流畅度、立体感等。让听的人每一段都可以理解,串起来又是一个完整、美丽的曲子。」虽说如此,要让观众轻松地欣赏,对于演奏者的难度则是大增。

文字|李秋玫
官网限定报导  2025/02/06
音乐

男高音尤纳斯.考夫曼 音乐与情感的极致共鸣

男高音风靡世界,不仅因为他们拥有卓越的演唱技术,更因他们能够将音乐与情感完美融合,创造出独特的艺术魅力。相较于其他歌手,他们的音色有阳光般的光芒,无论是明亮穿透力,还是演绎中的戏剧性表现,都让他们在舞台上熠熠生辉。 当今乐坛最受瞩目的男高音之一,尤纳斯.考夫曼(Jonas Kaufmann),以其高超的声乐技艺和戏剧诠释能力,征服了全球观众的心。他的演唱涵盖德、法、义等多种语言的歌剧与艺术歌曲,展现出广博的音乐内涵与深厚的情感力量。 考夫曼的音乐之旅 1969年出生于德国慕尼黑的考夫曼,自幼接受钢琴与声乐的训练,并在慕尼黑音乐与戏剧学院完成学业。他师从多位声乐大师,如汉斯.霍特(Hans Hotter)、詹姆斯.金(James King)及约瑟夫.梅特尼希(Josef Metternich)。于1994年完成学业后,考夫曼成为萨尔布吕肯州立剧院(Saarlndisches Staatstheater)的固定成员,开始了他的职业歌剧生涯;作为年轻男高音,他在剧院演唱了许多不同类型的角色,涵盖歌剧、轻歌剧和音乐会表演,进一步奠定了优异的表演基础。 随著演唱事业的水涨船高,考夫曼在各个顶尖剧院如伦敦皇家歌剧院、纽约大都会歌剧院、维也纳国家歌剧院及米兰斯卡拉歌剧院等演出超过70个角色。除了表演数量外,他对角色的塑造深入且细腻,能够将复杂的内心冲突透过声音与肢体完美展现,让观众感受到角色的灵魂,特别是华格纳的《罗恩格林》、威尔第的《奥赛罗》及浦契尼的《托斯卡》等男主角的诠释,因此《纽约时报》形容他拥有「清晰有力的高音、结合刚毅与温柔的歌声」,并赞赏他的「精致音乐性」,法国重要文化刊物《Telerama》也指出:「他为每一个角色投入如此大的情感,让观众觉得这是他最后一次演出这部作品。」

文字|李秋玫
官网限定报导  2025/01/22
音乐

黄俊文与世界级音乐家联手 NSO室内乐音乐节再度登场

由小提琴家黄俊文精心策划的「NSO黄俊文与好朋友们室内乐音乐节」将于1月9日起登场,带来一系列的音乐飨宴「巴洛克奇想」、「致.亲爱的」、「浪漫薄暮」等音乐会,展现出音乐家的精湛技艺与团队默契,让爱乐者们有机会近距离感受世界级音乐家的合作成果。 自第一届音乐节获得观众的高度评价后,黄俊文延续他对室内乐的热情与使命感,期待能带动台湾音乐界的参与及投入。这次的音乐节再次邀请到国际知名音乐家参与,除了黄俊文自身的演出,还有小提琴家林冠羽(Kevin Lin)、中提琴家辛西娅.菲尔普斯(Cynthia Phelps)、大提琴家马克西米里安.霍侬(Maximilian Hornung)、小号演奏家嘉柏.柏多斯基(Gbor Boldoczki)、钢琴家安.玛莉.麦克德茉特(Anne-Marie McDemott)等,将联手为观众呈现一场视听上的盛宴。 黄俊文表示:「室内乐对我来说,代表著专业、尊敬及友谊,这些都是学习音乐或任何职业中不可或缺的重要元素。每一场演出,我都精心挑选了最合适的音乐家来搭配,期望能在舞台上呈现出最完美的合作成果。」 这次音乐节的曲目涵盖了各时期经典的室内乐作品,包括韦瓦第、泰勒曼、巴赫、布拉维、艾尔加、勒弗列、柴科夫斯基、葛里霍夫、斯梅塔纳、舒曼及圣桑斯等作曲家的经典作品。黄俊文指出,本次音乐节规划了3套曲目组合,从巴洛克到浪漫时期,每一场音乐会都如同一场协奏曲。除了演出,也设计了一系列的活动,如马克西米里安.霍侬的大提琴大师班、彩排观摩暨交流、演前导聆及演后签名会等,将音乐教育与推广并行,让观众不仅能欣赏到世界级的演出,还能从中学习到更多的音乐知识与技巧。 小提琴家林冠羽曾担任过许多国际著名交响乐团的首席,并与世界各地的交响乐团有过深度的合作。将与黄俊文和其他音乐家共同演出的他表示:「能够与这些优秀的音乐家们一同演出,这是一次无与伦比的机会。室内乐的演奏让我们能够更加紧密地合作,共同创造出一个和谐的音乐世界,这不仅是对技巧的挑战,更是对音乐理解的升华。」

文字|李秋玫
官网限定报导  2025/01/08
音乐 国家青年交响乐团第4届启动!

1月下旬展开巡演 林怀民推动下前进嘉义新港

由国家交响乐团(NSO)于2023年成立的国家青年交响乐团(NSYO),旨在培养台湾年轻音乐人才并帮助他们走向国际舞台。由音乐总监准.马寇尔(Jun Mrkl)担任指导,NSYO每年在寒、暑假期间举办训练营,邀请国内外知名音乐家进行技术训练与艺术启发。 继今年8月的新加坡、泰国巡演后,NSYO 将2025年1月启动第4届寒训,并委托NSO荣誉指挥吕绍嘉担任指挥,展开一系列巡演。演出地点包括台北国家音乐厅、国立东华大学艺术学院音乐厅、苗北艺文中心演艺厅等,特别的是,在云门舞集创办人林怀民的推动下,1月25日的演出将于嘉义新港艺术高中举行。 林怀民回忆1995年带著云门舞集到柏林演出《流浪者之歌》,与在喜歌剧院担任音乐总监的吕绍嘉第一次见面。在演出后,两人坐在路边讲话。他记得对吕绍嘉说:「有一天你完成这边的工作,有机会一定要回来!」欣见吕绍嘉后来回台担任NSO音乐总监10年,提高了乐团及观众素质。

文字|李秋玫
官网限定报导  2025/01/02
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音乐

钢琴大师席夫呈献「无菜单」演出 为乐迷带来无限惊喜

享誉国际乐坛、跨世纪的英籍匈牙利裔钢琴家与指挥家安德拉斯.席夫(Andrs Schiff),为当今乐坛代表性传奇大师。在2020年来台献演之后隔日,全台随即陷入新冠疫情而停止演出。今年底即将再度来台,为乐迷带来他优美而动人的琴声。 生于1953年的席夫,曾获得无数奖项和荣誉,包括葛莱美奖、留声机奖、莫札特奖章和皇家音乐学院巴赫奖,并在2014年故英国伊莉沙白二世女王生日时被授予爵士爵位,以表彰他对音乐的贡献。 钢琴家陈冠宇表示:「相对于年轻钢琴家的炫技与夸张的动作,钢琴大师的琴声需要耐心、静心地欣赏。在现今需要网红、社群媒体宣传自己的年代,席夫即使拥有这么高的名望,每天仍坚持练琴至少3小时,即便旅行前也不会略过。」对于他的音乐特色,陈冠宇则说:「他的触键是我们学不来的,如果我想听巴赫的话,一位是已故的顾尔德,另一位就是席夫。」 此次来台,席夫并不事先公布曲目,可谓「无菜单」的演出。为此,历经失去表演机会、对古典音乐未来产生疑惑的席夫特地撰写了一段文字给乐迷,他首先提问:「音乐会变得愈来愈『可预测』。这是好事吗?」拥有大量曲目在手上的他决定:「我的选择不仅取决于我当时的心情、还取决于场地、音响效果,甚至我的乐器。」他将在早上抵达音乐厅,获得灵感,接著思考晚上要演奏什么。「希望观众能感受到一些惊喜和新的发现。」并且确信观众会喜欢。 陈冠宇预测,席夫拿手的曲目大概是古典浪漫的作品,巴赫、莫札特、海顿、贝多芬、舒曼、布拉姆斯,如果在音乐厅挑中的钢琴是贝森朵夫,那么他也许会弹舒伯特。但不管如何,席夫的招牌就是有非常多的安可曲,长度几乎等于另一个半场之多。 席夫此次来台,将会有他配合的调音师随行,且会使用他自制的钢琴支架(extension),据陈冠宇所言,支架会比一般还长,能够让钢琴上的反射板掀得更高,声音传得更远。此外,在他演出现场公布每一首乐曲前,更特聘擅长肢体表演且逗趣又专业的钢琴家范德腾(John Vaughan)做即时翻译,届时必定让观众有个与众不同的体验。 4年后再度来台的席夫,以其深厚的技艺和独特的情感表现,为乐迷带来无与伦比的音乐体验。这次的「无菜单」演出,更让每场音乐会成为一次全新的探索。无论是音乐还是演出方式,席

文字|李秋玫
官网限定报导  2024/12/23
音乐 巴伐利亚广播交响乐团 暌违6年再访台

赛门.拉图掌舵接地气 乐团焕发新风貌

睽违6年的巴伐利亚广播交响乐团(Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks,简称BRSO)12月将来台演出,这次他们会与2023年上任的首席指挥赛门.拉图(Sir Simon Rattle)一起到来,于国表艺3馆进行4场演出,带来他们的拿手曲目。有了「新老板」的BRSO听起来会有什么不一样,令人拭目以待! 今年适逢庆祝成立75周年的巴伐利亚广播交响乐团,虽然与欧洲许多乐团相比可说是相对年轻,但表现丝毫不逊色,近年来经常被古典音乐媒体评选为全球十大乐团之一。2023年,英国线上古典音乐杂志《Bachtrack》做了调查,在15位来自11国的古典音乐评论家票选下,BRSO紧接在柏林爱乐与维也纳爱乐之后,拿到第3名的肯定。这个成果,不得不归功于带领乐团长达16年(2003-2019)的第5任首席指挥杨颂斯(Mariss Jansons)。2003年,杨颂斯从罗林.马捷尔(Lorin Maazel)手中接下指挥棒后,凭著细腻、独特并富有层次的诠释,再加上与团员建立起的深厚情感,把乐团推到了高峰,可说是BRSO的黄金时代。然而在2019年12月杨颂斯过世后,乐团历经了3年多「群龙无首」的日子,终于在2023年9月,BRSO迎来了他们另一个崭新的局面拉图时代。

文字|吴孟珊
官网限定报导  2024/11/27
音乐 接下长荣交响乐团「驻团艺术家」

梵志登与台湾结缘 期待携手开创本地古典乐新篇

隶属于张荣发基金会的长荣交响乐团日前宣布,将自2025年起礼聘世界级指挥大师梵志登(Jaap van Zweden)担任「驻团艺术家」。梵志登享誉国际,曾任纽约爱乐和香港管弦乐团的音乐总监,并以精湛指挥技艺与丰富经验闻名于世。此次合作计划为期两年,旨在提升乐团演奏水平,同时促进台湾古典音乐的发展。 梵志登出生于荷兰阿姆斯特丹,指挥生涯超过40年,曾与维也纳爱乐、柏林爱乐、巴黎管弦乐团等世界顶尖乐团合作。他以极高的音乐素养和短时间内提升乐团表现的能力著称,曾多次吸引欧洲皇室成员亲临现场聆听。 实际来台湾前,梵志登提到欣赏了长荣基金会执行长钟德美带给他的长荣海运「EVER MAX 长极轮」的首航影片,让他感到佩服也印象深刻。除了长荣交响乐团演出的背景音乐外,他也发现基金会还有营运长荣海事博物馆,同时有文化、音乐等社会慈善事业的理念与价值,与自己相当契合。实际上,他在过去25年也持续经营关怀自闭症儿童的帕帕基诺(Papageno)基金会,从利他、行善的角度出发,是他决定与长荣交响乐团合作最主要的原因。 事实上在这次来台演出前,梵志登提前10天就抵台与长荣交响乐团进行了很多交流,一周内就彩排了6首交响乐曲。他透露:「选择的交响曲广度也非常可观,包括莫札特第40号、贝多芬第5号、柴科夫斯基、马勒等交响曲,希望借由乐曲的曲风及不同困难度,让我对乐团有进一步认识,因为它们各有特色与难度都不一,在这期间内就能了解长荣交响乐团音乐家的能力。」排练中一定会听见优劣,但他说:「我很像侦探一样保持正面的态度看待。我认为即使是全世界最顶尖的乐团都一定有它可以进步的空间,我期待大家齐心合作,每天往前进步一点点。」

文字|李秋玫
官网限定报导  2024/11/22
音乐 双套音乐会探索传统与创新

魏德曼与NSO携手 演绎魔幻《玻璃琴》

国际知名音乐家约格.魏德曼(Jrg Widmann)将携手国家交响乐团(NSO),带来两套别具特色的音乐会「活力洋溢」与「世代交锋」。此次魏德曼特地留台一周,不仅指挥、与台湾作曲家深入交流,还将透过精心设计的音乐演出,让观众在经典与现代音乐之间感受全新的对话。他表示:「当代音乐与熟悉的古典乐或许看似遥远,但放在一起时,可以发现彼此的相似与亲密性。」 身兼单簧管演奏家、指挥家与作曲家的魏德曼,是音乐界公认的全方位天才。与NSO的缘分始于2016年,并在2018至2019年间担任驻团艺术家。在2024╱25乐季,他将担任北德广播爱乐乐团首席客座指挥、里加小交响乐团合作伙伴、德意志广播爱乐乐团创意合作伙伴与慕尼黑室内乐团副指挥等多个职位。 「活力洋溢」 探索舞蹈与结构 第1套音乐会以舞蹈为核心主题,主要演奏魏德曼的3首创作与贝多芬第7号交响曲。除了《为10种同管乐器而做号角音乐》外,最受瞩目的乐曲还有《活力洋溢》(Con brio),本曲特别围绕贝多芬的第7号交响曲展开。魏德曼形容此曲是「期待与惊喜的游戏」。 吕绍嘉解释:「如果期待在《活力洋溢》中寻找贝多芬的影子,可能会失望,但编制与结构完全一致。魏德曼身为作曲家,特意在熟悉的框架下进行解构,好像保留血肉换成了不同的样子。」魏德曼则补充:「这首作品对定音鼓的处理非常挑战,但它是向贝多芬致敬的作品,能让人感觉开了眼界。」 此外,这场音乐会还将演出魏德曼另一作品《骷髅之舞》,吕绍嘉表示:「这是中古世纪艺术家的经典主题,像圣桑、李斯特、马勒都创作过相关作品。魏德曼用管弦乐打造戏剧感与奇幻声效,从弦乐在琴桥上拉奏到法国号模仿狼的声音,充满创意。」 音乐会压轴将呈现贝多芬的第7号交响曲,恰好呼应前者《活力洋溢》的巧思。

文字|李秋玫
官网限定报导  2024/11/19
戏剧 青少年自杀议题 + 喜剧?!

《行动代号独角兽》 开启青艺盟全新创作模式

「第一个是剧名要叫『行动代号独角兽』,第二个是『青少年自杀议题』,然后希望可以是个『喜剧』。」青少年表演艺术联盟(简称青艺盟)盟主、亦是《行动代号独角兽》导演的余浩玮说起创作源头,丢出这3组关键词。 「青少年自杀议题」与「喜剧」听起来冲突,无非是余浩玮希望把沉重议题说得轻盈,保留正向能量。剧名的部分则完全是种直觉,但编剧李屏瑶在接到邀请后,也将这个充满行动力的剧名往她接触过的青少年靠近,认为:「他们有时候会问些非常尖锐的问题,但他们其实没有针对谁,就是这样讲出来,无法收住力道,讲完之后也可能会后悔。我觉得这好像是每个世代的青少年都会有的冲撞,只是压力来源不一样。」而这群青少年就好像一只又一只的独角兽,独特却又未知其中的未知,不只是他人对他们的观看,甚至也有自己对自己的理解。因此,《行动代号独角兽》就由此出发。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2024/11/14
音乐 暌违10年的独奏会

修练6棒30年 吴珮菁回首音乐人生「Every Moment Counts」

自2014年最后一场独奏会后,木琴演奏家吴珮将于2024年年底再度站上舞台,在台北、台中、高雄三地举办个人独奏会「Every Moment Counts」。这场演出不仅是吴珮菁演艺生涯的重要里程碑,更是她多年研究6棒木琴技巧的集大成之作。除演出外,吴珮菁同时出版专书《六棒木琴演奏艺术「Peiching握法」的探索与突破》,详述其30年来在6棒木琴上的探索与创新。从舞台到书籍,吴珮菁借此机会与观众分享她的音乐故事与技术心得,展现台湾击乐界的成就与前瞻。 探索6棒木琴技术 催生了「Peiching握法」 吴珮菁在6棒木琴演奏上的突破,源于她在1994年开始尝试运用6支棒子演奏,以寻求更多样化的和声效果。她从美国著名铁琴家Gary Burton的4棒技法中汲取灵感,并加以改良,发展出「Peiching握法」。她解释:「这种握法最大的重点在于可以透过食指下压或上提中间棒子,达到更灵活的演奏性,提供更大的音域与和声空间。」多年来,吴珮菁不断完善这套技法,在不同演出中实践并推广,让6棒木琴演奏成为击乐界的新标准。 在《六棒木琴演奏艺术》一书中,吴珮菁系统化地整理了6棒木琴的各种演奏方式,包括「自然演奏法」、「食指下压法」、「食指上提法」、「纵向内打法」、「左右侧打法」与「棒子转位法」等,并提供详细的示范与技巧解析。她强调,这些技巧的重点在于能灵活运用,而非为了「6棒而6棒」,真正达到与音乐需求两者相衬的演奏方式。 朱宗庆打击乐团创办人暨艺术总监朱宗庆表示:「吴珮菁在音乐上的努力、成就、坚持,大家有目共睹。朱团38年来演出有3500场,她大约就有2000场,而且她在其中都扮演非常重要的角色。独奏会的话,不包含在学校的演出,对外公开奏会就有10次。」2014年吴珮菁完成她第10次的独奏会,迄今相隔了10年,原因何在?朱宗庆透露,2015年,她不慎从高处坠落,导致严重受伤,长达4个月无法演出,但在乐团30周年时她仍坚强上台。随后在2017年,她的喉咙出现问题,使得日常发声甚至讲话都有困难,这让吴珮菁的教学与演出生活陷入困境。但她却努力克服,并开始往国际跑。在朱宗庆眼中,她「好胜心强、固执,却也坚强,要是换成别人可能早就放弃了。」

文字|李秋玫
官网限定报导  2024/11/13
舞蹈 如果人生有B面,不管什么都给我多来一点

睽违4年 林素莲推出长篇《MORE MORE Paradise》

如果说人生的际遇千奇百怪,痛苦悲哀占了近一半,那日常与情感的B面,应该要是喜乐与欢快?由小事制作副团长林素莲编创,年度制作《MORE MORE Paradise》要在被关了无数窗的地狱里,试著撞开另一扇门,寻找光谱另一端的天堂。 小事制作与视觉艺术家庄哲玮相遇得早,始于2019年有章艺术博物馆的作品《宇宙的征兆》,以庄哲玮的服装秀为主轴,小事制作担纲舞蹈演出。《乐园》的灵感则起源于2023年松烟「原创基地节」,有了先前的合作经验,《乐园》的成型相对快速,庄哲玮以波希三联画《人间乐园》为灵感,以 AI 生成画作为背景,搭配重金属摇滚乐,小事制作的舞蹈带来一场喧闹又令人印象深刻的演出。 这场演出像是火苗,点燃艺术总监杨乃璇的想像,趁著与 IP LOCKERS 即将开启的密切合作,决定将《乐园》延伸发展,重新编创成2024年度制作。这一次的编创,她属意久未创作的林素莲。 说久不久,林素莲的上一次编创是4年前2020新点子实验场《从一数到五》,她不讳言那一次的经验是苦涩的,有伤的。她毫不犹豫地转身回去跳舞,带著创作的伤,却又在隔年碰上身体的意外,伤的是双腿,舞者的腿。尽管事过境迁,谈起那段日子总是低落,然而当她被指派新作编创时,林素莲选择逼自己回看跌倒后的那段日子,想著《乐园》,回望地狱。

文字|Stella Tsai
官网限定报导  2024/11/13
舞蹈 跨国团队共同打造

简珮如《黑蝴蝶》 展现「主动的改变」

曾任美国玛莎.葛兰姆舞团首席舞者的编舞家简珮如,携手义大利DAP艺术节创作团队,将于11月份在台北上演新作《黑蝴蝶》。她表示,「蜕变」是《黑蝴蝶》的关键词,也是她近年的内心写照:「我希望能表达一种主动的改变」。简珮如从回溯自身经历出发,编织出〈狂喜再现〉的过去、〈玩〉中实验的当下,及重获新生的〈蝴蝶夫人〉。 独舞〈狂喜再现〉传承自玛莎.葛兰姆(Martha Graham)首演于1933年的经典舞作〈狂喜〉。葛兰姆凭借此作品首次在大众面前探讨腹部核心与肢体的联动关系,并以此发展出影响美国现代舞蹈的「葛兰姆技巧」,该舞作后因难度过高而继承无人。2017年简珮如与玛莎.葛兰姆二团艺术总监Virginie Mcne合作,根据历史图片与档案笔记,在「葛兰姆技巧」脉络中将其还原呈现,失传的美国现代舞经典在台湾舞者身上得以延续。 〈玩〉由台湾与纽约两组舞者共同演出,因舞者文化背景相异,简珮如希望舞者通过各自的身体,在技法上跳脱葛兰姆的框架,融合不同舞蹈流派与其他国家的传统舞蹈,表达日常生活中勇敢去「玩」的探索心态,以开放的身体语汇在「玩」中实现跨越国界的当下对话。

文字|洪唯薇
官网限定报导  2024/11/12
戏剧 变形成人的代价

《羊之歌》 以寓言叩问人的盲目欲望

羊群中,一只羊两脚站了起来。与低头吃草的同类相比,牠显得更有定力与决心。毕竟,牠想从「牠」变成「他」。 牠有变形成人的欲望。 比利时柏格曼剧团(FC Bergman)的《羊之歌》(The Sheep Song)便在这般怪诞的设定中展开了。一只羊踏上变成人的旅途,路上所见虽有人有兽、有男有女、有善有恶,但牠还是毅然走完整趟旅途,变成新造的人。 回顾西方文学史与戏剧史,羊的旅途一点都不新,但柏格曼剧团善于以经典挖掘灵感、发展作品,「不新」恰是他们的专长。《羊之歌》中,羊的所求就是文学中常见的「变形」。当牠走在《圣经》的意象上时,身后一幕幕掠过的场景,也如中世纪剧场的戏车。 旅程的开端:变形的欲望 《羊之歌》最初,羊就有变形成人的欲望,推著叙事前进的也是这股驱动力。 西方文学中早有「变形」的概念,《木偶奇遇记》就是一例。如《羊之歌》的羊得看透世事,皮诺丘也得越过重重试炼。两名角色都得通过考验,才会有超个人力量(如仙女或人类社会)认可成人的资格。但,两者不同的是,皮诺丘变形成人不是出于己愿,而是仙女给他的额外奖赏。最初,木偶不知道他有变真人的可能。 再探源一点,罗马诗人奥维德(Ovid)的《变形记》(Metamorphoses)是西方文学中更古老的例子。奥维德从希腊罗马神话中采集与「变形」相关的篇章,编写成诗,而他笔下角色变形的驱动力五花八门。少数如宙斯,追爱的欲望可转为变形的驱动力,化作天鹅,但更多的是神祇等超自然力量操弄的结果。 《羊之歌》中的羊何来变形的欲望?或,人或兽为何想变成另一族类?英文中,欲望(desire)、想望(want)与匮乏(lack)是近义词。变形的欲望,是我族匮乏漫延成的他者想望我不够好,我多想变成他。但,羊在人身上看到什么长处?柏格曼剧团只呈现了,当两族的界线变得模糊,人与兽变得没有太大区别。在贬己抬人上,人与羊似乎一样不遑多让。

文字|林冠廷
官网限定报导  2024/11/05
跨界 从《苔痕》起步的跨界合作

FOCA《虚缺号》 在空格符号中寻找意义

跨界马戏作品《虚缺号》延续2019年台新艺术奖决选入围作品《苔痕》的合作,由FOCA福尔摩沙马戏团(后简称FOCA)邀请旅居德国的台湾舞者田采薇和德国搭档扬.莫蒙(Jan Mllmer)一同担纲导演,联手打造全新原创作品,企图在无法定义的空格框框中寻找意义,回应当代社会的多重议题。 从画面堆叠出意义,从演员特性发展出动作质地 田采薇和扬.莫蒙两位导演从舞台上的15个正方形格子,找到虚缺号这个符号来对应。「虚缺号(□)就像是古文字学者研究残缺的文字。学者试图从上下文去辨别缺失的部分。但即使有了上下文,有时候还是找不到答案。」田采薇说,「就像我们在框框里呈现了很多画面,不是每个都有明确的答案,也不一定真的代表什么特定的东西。」 这种寻找意义的过程,成为画面推进的动力。演员在这些多重方格中的组合与堆叠,构筑种种隐喻的画面,比如动作像在工厂的流水线般不断重复、在输送带上移动,或是像鸟群一般成群的移动等。画面中承载著创作者对当代社会的反思,但不说教,保留想像的空间,交由观众去填空。 由前云门舞者、也是田采薇大学学长的摄影师骆思维创作的预告片,精准地捕捉整个作品的调性与氛围。奔跑的人群、模糊又清晰的人脸,交织以马戏特技与空间的对话,呈现一种冷调疏离、却仍然扣和生命写实的映照。 在排练场不太谈论调性和意义,而是更专注在编排表演。田采薇和莫蒙的创作特色是为合作对象量身打造作品。比如为一位20多岁的FOCA女演员设计一个梦游的角色,运用她天生纯真的个性来推动角色。但表演上要精准做到半梦半醒的状态也不容易,田采薇举例,就像逼5岁小孩去开车,无法逼迫演员去达成现在他们做不到的事情,但她不会放任他们,除了持续鼓励,有机会就继续引导。

文字|王颢烨
官网限定报导  2024/11/04
舞蹈 睽违10年,路之.玛迪霖再度推出长篇舞作

《最微小的声音?》 述说微小但真实存在的声音

睽违10年,在舞团营运、家庭生活与自我修复中重获力量与平衡的路之.玛迪霖,于今年推出最新长篇舞作《最微小的声音?》,关注生活周遭不一样的声音与不同性别特质的朋友。 如何找到平衡 、好好照顾自己、找到自己的位置,是路之在访谈中不断提及的。于她而言,「我很早就停经,又身兼多重角色,加上舞团营运的困境,使我整个身心都处在很不好的状态。」于是两年前她开启了《路之行走》,借由行走观照自身,虽然现实问题依旧,但在一次又一次的行走过程,经由观众的眼神、回应,突然意识到自己亦是被观照的,从中获得力量与关爱。也更清楚创作的脉络:自己的创作定位是什么?如何在过程中寻找平衡?同时,创作给予的自由亦使她能暂时放下经营者的理性果断。 无论是在卫武营、艋舺,还是德国威玛或葡萄牙,这一路的行走遇见了诸多出其不意,意料之外的人事物。他们不一定特别地显眼,也或许从来没有被关注过,但他们依然真实存在这个世间,依然是这个世界构成的一部分。回望自身,即使身处相对包容开放的社会,作为女性、原住民的身分,还是有很多声音是无法说出的,是被压迫的。看向身旁,性少数的朋友在许多情境下始终无法真正说出最终想要的。如此境遇和女性有著诸多相似,那么,平衡是真的有找到吗?她问。

文字|郑宜芳
官网限定报导  2024/11/03
戏剧

重构物件意义 提炼微物之光

维帢亚.阿塔玛《捉迷藏》(寻找导演的七个那个)

「历史是一种叙事,由现实与记忆建构而成。有些故事总是被一再复述,有些则任人遗忘。」这是泰国导演维帢亚.阿塔玛(Wichaya Artamat)在《捉迷藏》(寻找导演的七个那个)(Juggle Hide (Seven Whatchamacallits in Search of a Director),后简称《捉迷藏》)中提示的历史观点,也恰如其分地为本剧下了注脚:这是场关于历史多重叙事、叙事对象,以及叙事媒介的演出。 阿塔玛的作品向来与他身处的泰国当代语境息息相关,多盘整表演、政治、日常生活间往往幽微又千丝万缕的连结,继8月在2024台北戏剧节演出《曼谷公寓》后,阿塔玛与泰国「为了什么剧团」(For What Theatre)在今(2024)年秋天艺术节带来《捉迷藏》。本作于2023年在日本京都首演,阿塔玛自陈这是对导演身分的检讨、回顾(注1),要检视身为导演,自己如何将意义加诸不同物件上,当他的作品时常以政治权力关系为主题时,阿塔玛希望这次能反身地思考在剧场内,导演又如何形同另种形式的权力宰制者,并以剧场内的物件为例,进一步探问:若被宰制的物件可以「回应」,它们会说什么话,又会怎么说话?

文字|洪姿宇
官网限定报导  2024/11/02