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演出

《乌庙》排练现场。
戏曲 锦飞凤与无独有偶重新理一回线

时间到了,提线的人走进《乌庙》

比表订的排练时间稍早抵达利泽偶戏村,《乌庙》的3位表演者与导演郑嘉音正和台语指导逐句琢磨台词,画面有些出乎意料。平日民戏行程满档、几乎天天以台语演出嘉礼(傀儡Ka-l)戏的3位偶师,到了《乌庙》,竟得重新理解字音、停顿与语调。 这或许可说明《乌庙》对锦飞凤傀儡戏剧团的意义:与无独有偶工作室剧团合作,薛荧源、张雪香与薛翊扬首次进入当代剧场的创作与制作模式,也重新看待熟悉的传统技艺、编演习惯与剧团经营。 时间到了! 等待20多年的合作契机 接获《乌庙》的邀请时,张雪香首先想到的,是锦飞凤终于有机会「做出一条不一样的路」。两团相识20多年,早有合作的念头,却始终没有合适机会。去(2025)年3月,戏曲梦工场策展人刘建帼以「生而为人」为主题邀请锦飞凤参与,并询问与当代偶戏跨域合作的可能,双方不约而同都想到无独有偶。 张雪香随即致电老友、无独有偶行政总监曾丽真,即使隔年行程几乎满档,曾丽真仍在电话那头说:「时间到了啦!」郑嘉音也期待这次的合作,但她不单独接导演案,创作想法需要剧团共同实践,无独有偶也为此调整年度计划,正式加入《乌庙》的制作。 只是对长年以家族剧团模式运作的锦飞凤来说,机会到来,也意味著必须面对过去较少碰触的制作规模与要求。合作才刚确认,薛荧源便提醒张雪香「莫欢喜伤紧」(别高兴得太早)。

文字|陈明纬
官网限定报导  2026/09/03
舞蹈

继续「向前走」,10年后的重新选择?

克里斯托斯.帕帕多普洛斯《步步》

希腊编舞家克里斯托斯.帕帕多普洛斯(Christos Papadopoulos)的作品,向来以缓慢、精准、近乎冥想式的语汇著称。从《浪潮》(Elvedon,2015)、《Opus》(2016)、《带电的微观离子》(Ion,2018),到以南极崩塌冰架命名的《Larsen C》(2021),再到取材真菌菌丝共生网络的《Mycelium》(2023),他一贯以譬喻自然界的物理现象,在极简调度中雕刻时间,使身体成为承载自然力量的容器。观众在舞台上所见是去主体化、催眠式的几何结构,舞者目光直视前方,彼此几乎不相触碰,冷静得近乎「非人」,仿佛观测中的地质或生物现象。 2025年,帕帕多普洛斯获英国萨德勒之井剧院「玫瑰国际舞蹈奖」(Rose International Dance Prize)后,推出他创作生涯至今风格转向最明显、也最为「个人」的新作《步步》(My Fierce Ignorant Step)。由他创立的舞团「狮与狼」(The Lion and the Wolf)制作,以巴黎城市剧院(Thtre de la Ville)为首的多家欧洲机构联合支持,在欧洲巡演后即将来台。相较于过去的冷冽与仪式感,新作是一首以肉身书写的进行曲,朝向未来的呐喊,充满青春期的鲁莽与无所畏惧。同时延续他一贯的政治性提问:群体是如何被建构?偏差必然导向崩溃,还是恰恰是生成的条件? 呼吸即音乐 舞台空旷而极简,没有道具与叙事布景。10位男女舞者分成两组入场,动作从极其细微的机械节拍开始,脚步的微移、肩膀的轻颤、头部规律的摆动,精准对应低迷的电子节拍,在不断变换的队形间穿梭,看似视而不见,却对彼此保有高度警觉。随著音乐结构趋于繁复,动作细节被复制、放大并转移到更大的空间尺度,最终化为一种宛如「地球有机体运动」的宏大景观。 从机械低鸣逐渐引入碎片化旋律,作曲家科尼利奥斯.萨拉姆西斯(Kornilios Salamis)创作的音景,源自帕帕多普洛斯最隐密的童年记忆:米基斯.塞奥多拉基斯(Mikis Theodorakis)撼动一个时代的清唱剧《堪称珍贵》(Axion Esti,1964),由诺贝尔文学奖诗人奥德修斯.埃利提斯(Odysseus Elytis)同名诗篇谱

文字|詹育杰
官网限定报导  2026/09/02
戏曲

灵魂与肉体的穿越 《红梅虎度》在裂缝中挑战不同剧种

《红梅虎度》其实是用两个词汇所组成,分别是「红梅」与「虎度」。 其中的「红梅」指的是香港著名剧作家唐涤生于1959年首演的粤剧剧本《再世红梅记》,改编自明朝剧作家周朝俊的《红梅记》;而「虎度」则是粤剧中的「虎度门」,指的是演员的进出口,并将其延伸至「一名演员怎么从演员走进角色」。编剧暨主演袁学慧表示,自己很喜欢的演员萧芳芳曾演过一部电影,名为《虎度门》,而《红梅虎度》正是想把这种演员的转换过程放入这出戏中。不过,她也笑说,其实并没有将「虎度门」简化成「虎度」这样的用法。 但将「身分转换」的概念对应到《再世红梅记》,也就是女主角李慧娘在剧情中的借尸还魂,或许就能把「虎度」视为一种词性的转换,带了点「动词」的成分,进而观察到灵魂与肉体、演员与角色间的多层次诠释。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2026/09/01
戏剧 绝非八卦轶事的独角音乐剧

《马克斯威妖:我睡了我的面试官》 女性困境的自我审判与检视

《马克斯威妖:我睡了我的面试官》有个非常耸动的标题:「我睡了我的面试官」。 这个标题突显了《马克斯威妖:我睡了我的面试官》的主要事件与情节,也就是一名因不明原因、骤然失去科学天赋的年轻女子A,在现实生活的一团乱麻之中,于小旅馆的床上完成了一场不只是「面试」的「面试」。不过,这条看似呼应剧名的情节只占了全剧非常小的比例,编剧暨主演的那祈透过这出独角戏想谈的其实是女性的成长伤痕。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2026/08/30
音乐 2026 Taiwan Connection音乐节

胡乃元、王健领军 携手9位国际首席与女高音共赴秋季之约

在追求速度与声量的现代,古典音乐提供了一处承载细腻与专注的空间。一年一度的 Taiwan Connection音乐节(下简称TC)以「巅峰之上」为题,在两周内密集带来8演出,巡回于台北、台中、高雄与嘉义等地。今年,大提琴名家王健睽违多年再度与 TC 音乐总监胡乃元携手。乐团不仅集结9位国际顶尖乐团的声部首席,更首度在音乐节中引入声乐编制,特邀两届葛莱美奖得主的次女高音莎夏.库克(Sasha Cooke)诠释舒伯特艺术歌曲,与台湾青年音乐家共同探寻古典杰作的当代意义。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/08/28
音乐

琴弦上的烈火与深水

小提琴家玛莉亚.杜尼亚丝

「一位有话要说,且具备极佳技巧能将其完美表达的小提琴家。」在这个聚焦神童、明日之的当代古典乐坛中,《纽约时报》却以敏锐的目光洞察她的不凡。23岁的西班牙小提琴家玛莉亚.杜尼亚丝(Mara Dueas),谢绝浮夸的炫技,转而以敏锐的琴音、高度的叙事张力,征服了各地乐迷挑剔的耳朵。 黑胶沟槽间的浪漫余温 杜尼亚丝2002年生于西班牙,虽然不是生长于音乐世家,但父母对古典音乐的热爱,滋养了她的童年。幼时,家里总是播放著收藏的黑胶唱片。海飞兹(Jascha Heifetz)、曼纽因(Yehudi Menuhin)及大卫.欧伊斯特拉赫(David Oistrakh)等一代小提琴巨擘的琴声,无形中形塑了她对声音的敏锐感知。 5岁那年,在音乐会席间亲炙独奏家在舞台上散发光芒后,她便确定了一生的志业。6岁学琴,7岁破格进入当地音乐院。11岁时,她凭借天赋取得奖学金,远赴德国深造,其后移居奥地利,考入维也纳音乐与戏剧艺术大学,投身于小提琴教父波利斯.库什尼尔(Boris Kuschnir)门下。 在老师的悉心磨练下,她自14岁起便在欧美各大音乐殿堂崭露头角。2021年,18岁的杜尼亚丝在「前进卡内基厅」小提琴大赛中折桂,更于曼纽因国际小提琴大赛中横扫高年级组首奖与观众票选奖,震撼了当代乐坛。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/08/27
舞蹈

凝视怪诞,你看见的是表象还是焦虑?

赖翠霜舞创剧场《最美丽的丑—不存在的我》双年演出计划II

当我们走在街头、被路上奇装异服的人吸住目光;滑著手机上的社群贴文、短影音,为了奇怪的行为停下手指,好奇地看完。我们看见不符合常规的外观与奇异的行径,当下的凝视,究竟是旁观别人的怪异,还是映照自己内心的焦虑? 赖翠霜舞创剧场于2018年启动「双年计划」,以两年为一个循环,第一年针对议题研究、场域实验,次年再推进完整的剧场制作。透过深度的创作研究与舞作发展,持续拉近舞团与社会的距离,至今已触及家暴、环保与乐龄等当代议题。舞团的初衷除了拉近大众与舞蹈的距离,更希望透过舞蹈的连结,让大家一起关注身边的人、社会与世界。身兼编舞与创作的艺术总监赖翠霜,本身热爱电影,经常为影视作品中展现的幽微人性著迷,也总是试著放进创作里,用身体来叙说那些难以言述但值得众人关注的事情。她在生活中寻找创作灵感,也经常运用声音、影像、服装等多元媒材和元素,丰富舞作的叙事性与艺术性。

文字|Stella Tsai
官网限定报导  2026/08/26
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舞蹈

一个人很耀眼,一群人走更远

骉舞剧场20年与《大群舞》

「以前人家都说,我们骉舞成员每个人身体都很有特色,有特色到很难群舞。」苏威嘉笑著说。或许是想证明,这时代有另一种方式可以展现「群体型态」,成团22年的骉舞剧场,找回当年伙伴周书毅,加上这些年于公于私关系密切的叶名桦与方妤婷,还有陆续参与舞团演出的新一代舞者,共12人撑起大舞台的《大群舞》。既是回首来时路,证明现在的自己做得到,也带著时间的积累走向更远的地方。 时间倒转至2004年,几个刚从舞蹈学校毕业的大男孩(包括陈武康、苏威嘉、周书毅、简华葆、杨景名,还有也曾参与编舞的郑宗龙),在陈武康的号召下,成立了骉舞剧场。对苏威嘉来说:「陈武康说要创团,把我从『毕业后还能继续跳舞吗?』的困惑拉出来,毕竟因为身形、长相的限制,爸爸妈妈虽然一路支持我跳舞,不免也会担心跳舞是否能维持生活。」相较之下,外表亮眼、舞技出色的陈武康,就是彻头彻尾的「明星」。 在当时,刚毕业就有勇气成立舞团的舞者并不多;台湾大多数舞团,也都以「个人光环」撑住发展。不少前辈建议舞团也要打造明星,苏威嘉理所当然觉得,已经在舞蹈圈发光发热的陈武康,想必是不二人选。但「骉舞」的狂飙能量,来自3匹没有名字的马,而不是任何一人陈武康坚持成立舞团并非为了成就个人,不愿把光环放在自己身上。即便苏威嘉口中「热爱串联分享、探索各种新事物」的陈武康,某方面的确深刻影响了「团队的频率」,但创团前10年,始终是以集体创作所汇聚的能量被大家看见。

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/08/24
音乐

打碎,是为了拼出不一样的图案

大提琴家薇勒丝坦独奏会《碎片》

碎片,是拆解整体后的结果,也是重新构组样貌的起点。大提琴家薇勒斯坦(Alisa Weilerstein)在疫情期间,尝试打破巴赫大提琴无伴奏组曲顺序,将27位当代作曲家新作融入其中,形成6部风格迥异的《碎片》。她在多个访谈中强调:「我希望能让听众忘掉乐曲的背景脉络(without context),以最纯粹的方式感受声音。」这份初衷不仅是个人心愿,还是对当代乐坛一次深入的反思。

文字|吴毓庭
官网限定报导  2026/07/30
戏剧 无痕迹的在地化移植

《死人大哥大》 跨越世代探讨「交流的焦虑」

《死人大哥大》(Dead Mans Cell Phone)是美国剧作家莎拉.茹儿(Sarah Ruhl)于2008年获得海伦海斯奖(Helen Hayes Award)「优秀新剧本」奖 (Outstanding New Play)的作品,过去虽有在台湾的演出记录,但多是在学院制作中呈现(且采用不同翻译剧名)。而莎拉.茹儿在台湾更为人知晓的剧本,是2004年发表的《窗明几净》(The Clean House),另一改编自希腊经典神话《奥菲斯与尤丽狄丝》的《遗忘的旋律》(Eurydice)也曾在2010年时由台湾的剧团制作演出。 本次由界址创作演出的《死人大哥大》版本,是由刘崴玚翻译、重田诚治导演。刘崴玚表示,《死人大哥大》是他开始翻译剧本后的第一部作品,约在2021年左右完成,直到今(2026)年才有机会正式演出。他也提到,自己在选择剧本翻译时,「会在乎这个剧本有没有可能在台湾演出,所以很多议题性太强的剧本会先被挑掉,因为较难被台湾观众理解其语境与背景。」他特别在意剧本的剧场转译,希望能找到相对应的连结,因此《死人大哥大》的故事场景虽发生于20多年前,但仍可透过「手机」这件事情尝试跨越世代与文化间的移植。

文字|吴岳霖
官网限定报导  2026/07/17
戏剧 台湾本地制作 首度完整授权演出

概念音乐剧《Company》 写给孤独灵魂的最暖情书

在无拘无束的单身生活与相知相守的伴侣关系之间,你会如何抉择?2026年盛夏,台中国家歌剧院与活性界面制作将携手带来美国音乐剧泰斗史蒂芬.桑坦(Stephen Sondheim)与知名编剧乔治.弗斯(George Furth)共同创作的经典名作《Company》。这部诞生于1970年代的巨作,在百老汇首演后便一举夺得东尼奖最佳音乐剧与最佳词曲等6项大奖,更被后世誉为「现代音乐剧」的分水岭。 破除传统叙事,开创概念音乐剧的先河 这部作品之所以被视为音乐剧史上的划时代之作,原因在于它成功创造出所谓的「概念音乐剧」(Concept Musical),彻底改变了百老汇的说故事方式。这种崭新的演出类型具备了几个核心特色:首先是打破传统线性叙事,大胆舍弃了过往音乐剧必须依赖线性、完整故事情节发展的传统框架,观众看到的不再是男女主角从相识到结婚的标准套路;其次是采用碎片化的情境结构,不依照单一的时间轴,而是以刻意的片段式或非线性叙事的场景来串接全剧;最后则是聚焦特定的核心命题,相较于讲述具体的剧情,它更著重于多面向地深入探讨某个特定主题。 在《Company》中,史蒂芬.桑坦与乔治.弗斯正是以现代社会的婚姻与感情作为核心命题。全剧围绕著即将度过35岁生日的黄金单身汉劳勃展开,在看似欢乐的庆生派对背后,他内心却藏著挥之不去的空寂。跟随著劳勃的脚步,我们看见他身边5对已婚挚友以及3位约会对象的生活百态。有的人在婚姻中紧密相依,有的人却因日常摩擦而心力交瘁,有人害怕寂寞而选择步入礼堂,也有人畏惧承诺而迟迟不敢给出真心。剧中精准捕捉了现代人渴望建立连结却又惧怕失去自我的矛盾心理。《每日新闻》曾给予极高评价,认为它如同曼哈顿中城的钢筋玻璃大厦般平滑流畅,又像巷弄里的流浪猫一样焦躁不安,这是百老汇第一部直指敏感神经的音乐剧作品。 直击灵魂的叩问,在婚姻与单身间的抉择 桑坦以其标志性的洗炼文字与多变和声,将现代人的情感拉扯描写得淋漓尽致。剧中充满了让人发笑却又无比真实的对白,完美点出了单身旁观者与婚姻局内人的价值观碰撞。例如劳勃曾引述名言「未经审视的人生不值得活」,而他的已婚好友彼得则妙语反击:「未曾活过的人生不值得审视」。 面

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/07/05
戏剧 在10个时区与3段历史之间

《亚洲重新测量计划》 重新丈量「亚洲」

「当亚洲从东至西横跨10个时区,我们是否有可能找到一个既全面又具有弹性的『亚洲性』?」这是韩国国立亚洲文化殿堂(Asia Culture Center,下简称 ACC)发起「亚洲重新测量计划」(Remapping Asia)时提出的问句。首届计划邀来韩国剧作家暨导演吴世爀(Oh Sehyeok)、泰国剧场导演怀恩.扎昆.查迈(Wyne Chakorn Chamai),与台湾导演温思妮3组团队,以在三地驻村、移地创作的方式各自发展。3部作品于2025年底先在光州首演,2026年来到台北于国家两厅院「新点子实验场」进行展演。依演出时间顺序,分别是韩国组的《反萨满的萨满俱乐部》、泰国组的《然后跳、跳、跳!》,以及台湾组的《勿忘我这位台泰版》。

文字|王颢烨
官网限定报导  2026/07/02
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音乐

NSO《女武神》 解构神话,凝视当代

理查.华格纳(Richard Wagner)的歌剧巨作始终是音乐殿堂里巍峨的高峰,回顾国家交响乐团(NSO)近年来的演出,从指挥简文彬 2002 年选定《女武神》(Die Walkre)第三幕作为乐团「歌剧系列」的跨越性尝试,为 2006 年的全本《指环》歌剧演出奠定了关键基础,到吕绍嘉在2013年至2017年间领军演出的《女武神》,这部经典已在此舞台激荡出多种面貌的诠释。2026年盛夏,《女武神》的乐声将再次响起,由现任音乐总监准.马寇尔(Jun Mrkl )领军,带来备受瞩目的半舞台(Semi-staged)形式音乐会。此次制作在剧场导演涂也斐的操刀下,以截然不同的视角剥开北欧神话的厚重外衣,引领观者走入一场关于权力、爱与自我觉醒的深刻叩问。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/06/26
舞蹈 艺术报国「2026 熔点计划」

陈柏洁、董怡芬双舞作 回溯编舞家的人生档案

「『熔点』是物质到达某个临界值后,就会从固态成为液态。这给我一个很具象的视觉投射我们都是一块固体,但到了这里,我们的思想可以开始流动、融合与交流。」艺术报国创办人、编舞家陈柏洁以这个物理名词,定位他们酝酿已久的计划。 长期以来,中台湾的表演艺术环境面临著人才「北漂」的结构性困境,在地团队得各自点满斜杠生存技能,从行政、设计到影像技术无一不精。然而,在这种高度自给自足的生存模式下,团队也容易陷入某种闭锁的循环。陈柏洁坦言,在台中创团前4年,她与共同创办人陈钰分长期的艺术幕后工作经验,让她们串联了许多制作人平台,但在创作面,「仍然觉得没有太多外来的碰撞,都是我们自我碰撞。」 为了让创作透进新鲜空气,引入外部观点,他们以「熔点计划」期盼每两到三年引进不同领域的创作者共同创作,让固态、僵化的思维达到熔点,思想如液态般流动,并与影像、音乐、身体等不同媒材融合,「我希望艺术报国可以成为『熔炉』。」 作为计划的首波合作,陈柏洁选择了一条充满「安全感」却也极具挑战的路径,找了老朋友也是编舞家的董怡芬参与,推出两支作品《在命名之前》与《对话关系》,回溯、解构并重组自己的生命档案。

文字|张慧慧
官网限定报导  2026/06/22
戏剧 演员混不出名堂怎么办?转行来加入邪教吧!

嚎哮排演《别叫我大师》 用喜剧挑战严肃议题

《别叫我成功:艺术界归来的儿子》(后简称《别叫我成功》)里的男主角郑马豪,带著挫败的剧场梦回到家乡,为经营「成功庙」(国姓爷之庙)的父亲协助规划一场盛大演出。虽然这场演出在台前台后搞不清楚状况的混乱中落幕,却让马豪终于父子和解,更得到邻里乡亲的支持。但,如果这次马豪又失败了,他的人生该怎么办? 嚎哮排演继台语饶舌音乐剧《别叫我成功》之后推出新作《别叫我大师》,像是提出另个反问:「如果我不做演员,还能做什么?」抛出这问题的黄建豪,提到自己有阵子常常滑手机都会看到坊间各式各样的表演课广告,有时甚至还被参加学员当作某种「心灵课程」,影片样貌也「呈现很可疑的样子」。他不禁想:「到底是谁在开这些课?又是谁去上课?表演训练有这么多触及心理状态、情感经历的练习,若没有系统性的教学方法,随随便便开课是『道德』的吗?」以教授表演为名,触及他人内心,甚而成为心灵寄托,更以这种方式赚取金钱,会不会也是一种「邪教」呢?

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/06/09
音乐 鲸鱼之声、赛夏古调、传统皮影戏

《Sisila ila ila 别离之歌》 留住消逝的呼唤

在深海里悠游的巨大鲸鱼,与台湾山林中传唱多年的赛夏族古调,有著什么样的交集?时光倒转至1966年,在德国前东亚研究院院长欧乐思的鼓励下,民族音乐学家史惟亮与李哲洋在台湾展开了抢救原住民与地方声音的「民歌采集运动」。这批珍贵的史料原先一直保存在德国,直到2012年,年事已高的欧乐思院长认为这些资料应该属于台湾人民,于是亲自将其带回,无私捐赠给台湾师范大学的数位典藏中心。而在大洋彼岸的美国,恰巧在同一年也推动了动物保护法案,掀起日后全球的护鲸浪潮。这两道看似平行的历史轨迹,最终在旅美作曲家陈士惠的心中温柔交会,化作了一场名为《Sisila ila ila 别离之歌》的跨域音乐剧场。

文字|李秋玫
官网限定报导  2026/06/06
戏剧 让同理与共感成为艺术职涯里的最美好成绩单

杨世彭执导《深夜小狗神秘习题》 中文版舞台剧首度问世

自2009年将伦敦西区喜剧《The 39 Steps》改编为《步步惊笑》开始,果陀剧场与旅美导演杨世彭,陆续打造多部欧美经典剧本授权制作,包含《抢钱的世界》(Other People's Money)、重制版《谁家老婆上错床》(Out of Order),以及在华语剧坛累积演出达339场的《最后14堂星期二的课》(Tuesdays with Morrie)等作品。多年来,杨世彭独具慧眼的选本风格,不仅为台湾剧场拓展长销商业模式,也为翻译剧在华语市场注入丰富能量。今年双方将再次携手,搬演英国国家剧院划时代重要作品《深夜小狗神秘习题》(The Curious Incident of the Dog in the Night-Time)授权中文版。 经典作品值得耐心等待 2012英国国家剧院推出改编当红作家马克.海登(Mark Haddon)同名书籍《深夜小狗神秘习题》,制作精巧利用多媒体视觉效果,营造特殊且有效协助推动剧情的风格化舞台,搭配情节紧凑而温暖的演出诠释,引起全球剧场爱好者的关注,并一举获得2013年英国奥利维耶奖包含最佳新制作、最佳导演、最佳男主角、最佳女配角、最佳灯光设计、最佳舞台设计等7大奖项。 当时亲自在台下欣赏演出的杨世彭,一看完戏便积极想与制作方洽谈,努力将本剧引入华语市场,在经过繁复的授权确认、COVID-19疫情停摆等插曲后,延宕多时的中文版《深夜小狗神秘习题》,终于将在2026年5月底首度于台湾问世。 果陀版本的《深夜小狗神秘习题》,与伦敦西区版本类似,同样在视觉上借重于现代投影技术的辅力,并贯彻杨世彭擅长的换景调度手法,在环形舞台中央全空场域中,利用8张简约凳子的位移与编排,透过演员的表演与台词暗示,引领观众迅速穿梭于40多个场景。杨世彭说明,本剧最大的可观性会落在导演处理手法的艺术高度,但剧本浓缩原著细腻情感,将书中随著谜案舒展开来的众多人物与情境于幻化于近3个小时的舞台上,对演员们而言,需要在兼顾庞杂技术点之外,更专注于呈现人物性格的多面向刻画,是考验功力与磨练演技的一大挑战。

文字|齐义维
官网限定报导  2026/05/25
舞蹈 在2026,看见3种气象的世代风景

「春斗」的回归 在古老的身体里播种生态系

视窗画面里,郑宗龙坐在家中的书桌前,背景是居家生活的一角。2026 年的今天,透过萤幕进行深度对话已不再是为了克服距离的权宜之计,而是当代生活的日常。我们在各自生活的空间中,试图以最不身体的方法,讨论台湾最「身体」的舞蹈展演平台「春斗」的重启与未来。 把「春斗」拿回来做 随著 2019 年云门舞集一、二团的合并,经典展演平台「春斗」也暂告一段落。新的组织模式几年经营下来,郑宗龙终于松了一口气般,说出重启「春斗」的动机:「一切上轨道后,我们应该把『春斗』拿回来。」 拿回来,自然是要有更大的野心与想像。 于是,2024 年重启后的「春斗」不仅担负著过去台湾新锐艺术家的成熟之旅提供稳健的工作时间、排练空间,和专业舞者与艺术行政等人力支援,让编舞者无后顾之忧地安心创作。此外,郑宗龙更期许「春斗」作为一个突显身体异质性的平台。在 2025 年,我们看到了杨乃璇、陈武康、巴鲁.玛迪霖、梅田宏明、李贞葳与法库亚.佐坦(Vakulya Zoltn)的创作,这几位我们以为风格都再熟悉不过的舞蹈家,放在同一台演出,的确如春天繁花斗艳,各有千秋。 2026 年的「春斗」舞台继续扩大这样的异质性,邀请了3位背景、世代与美学完全不同的艺术家。郑宗龙观察到,现在的年轻创作者成长于资讯流通极快的网路时代,喜好广泛、尝试多元,但也面临著「难以专心」的挑战。然而,在今年邀请的3件作品中,他看见了某种逆流而上的「专注」,正是这份专注吸引了他,进而反思自己。

文字|樊香君
官网限定报导  2026/05/24
世界舞台 尽在你手广告图片
戏剧 成功的不同样貌

《我不是影后》,那我会是谁?

影集《影后》有个经典桥段,经纪人胖姐(钟欣凌饰)坐在驾驶座上,对车窗外的史艾玛(林廷忆饰)大声说道:「我在剧场看到你的时候,我就知道,有一天你一定是大明星,你要记得,是我先看到的,我先看到的!」虽然史艾玛离开自己旗下,但看著曾经带过的新人,如今在演艺圈已经有一席之地,胖姐这几句话是发自内心的呐喊与祝福。 但如果,没能成为大明星、也没有被伯乐看见,那一位演员最后会走到哪里?又会成为谁?由杨景翔执导的剧场改编作品《我不是影后》,正是从这些好奇出发,找来影集编剧之一的黄小猫撰写剧本,以影集中史艾玛的对照「王可南」作为主角,自我发问、也向观众提出疑问:「什么是成功?人在追求的到底是什么?」在《我不是影后》里,带著观众看见关于成功的不同思考与各种样貌。

文字|田育志
官网限定报导  2026/05/22
戏曲 后设视角与表演核心

《赵氏孤女》 不只生错性别,也觉醒于性别

「坦白说我从小到大,并没有觉得身为女性有多不方便,直到2015年我接了歌仔戏委托创作《大龙峒金狮传奇首部曲无耳金狮》,要去接触弄狮、武术等技艺,才真实感受传统艺术加诸女性的诸多限制:你是女生,就不能弄狮,甚至连碰一下都不行就好像出生时的性别,就已经决定后续人生的差别。」毛断计划艺术总监、编剧蔡逸璇说。 喜爱传统戏曲的她,始终觉得歌仔戏好听好看,但往往是观念守旧的故事情节,让她难以进入。「歌仔戏观众大都是女性,为何情节却无法跳脱性别限制?」带著这样的困惑与不服气,让她决定为歌仔戏带来一场性别觉醒。 从现代角度来看,歌仔戏常以《万古流芳》作为剧名的「赵氏孤儿」故事,崇尚封建君臣的教化价值,的确有些过时了:赵盾一族遭奸臣灭门,只留下一名遗腹子;受恩于赵家的程婴为了保住赵氏血脉,以自己亲生儿子伪换,直到把赵家婴孩养大,才将「复仇」任务付予他。为了「守忠」,让无辜婴孩受死,再把幸存婴孩当作复仇工具,本身就是不太符合当代社会儿少权益的奇怪设定。也难怪,如蔡逸璇所说,「这几年很少演这出戏了。」 但故事真正吸引她的,是完全交由命运决定的复仇计划:「剧中人物都没想过要是生出女生怎么办吗?这是二分之一的机率耶!」就是这个「what if」(要是会怎样),有了《赵氏孤女》这出翻转性别的新编歌仔戏。

文字|白斐岚
官网限定报导  2026/05/21
舞蹈

身体作为叠加的涟漪

赖翃中三舞作的跨度与对话

若要定义翃舞制作的身体语汇,「极致控制」与「流动发劲」无疑是其鲜明的元素。今年5月,赖翃中将透过3部作品展现3个生命切面:刻画关系矛盾的《推拉》、探讨离散命题的《再 见》,以及全新的长篇新作《Feline》。 相较于过往对肢体精准度的执著,《Feline》更像是一场向内探寻的实验,借由收敛而警觉的姿态,展现静谧与爆发的张力,是翃舞制作于身体美学上再一次的叩问。 从涟漪理论出发:在混沌中叠加出的生物直觉 与赖翃中聊起新作《Feline》,他给出的第一个灵感来源并非猫科动物(Feline),而是一个物理概念「涟漪」,事情的运作,往往从小小的微观震动开始,然后循环回到自身。 这个主轴在过往的作品中便已存在,从《再见》、《推拉》到《羽人》,翃舞制作逐渐确立了属于自己的动作风格。赖翃中提及:「当舞蹈谈论『叠加』,它远远不只是画面,而是思考力与感受力如何被推动。每个人感性与理性的触发点不同,而感受堆叠需要时间体会,当观众看到静止瞬间,便是感性牵动思绪的时刻。」 对他而言,身体语汇早已不只是训练系统,而是深深藏在舞者想像与本能中的另一层皮肤。猫科动物的意象,是在厘清动作路径后自然浮现的结果,那种柔软地生存、冷静地等待的状态,充满了舞者与编舞者都无法预测的瞬间,恰好与舞作中《Feline》敏锐风格不谋而合。 赖翃中也将《Feline》画面比喻为日本造浪机的运作:「海洋的水是混沌、没有方向性的,但我们可以设定动作与故事该如何被叠加。」这些相似与不相似的元素交织在一起,使得情绪不再单纯。

文字|林颖
官网限定报导  2026/05/15
戏剧 巴罗.德维尔剧团

《泥是谁?》 用泥土抹平界线,让你我合而为一

在踏入亚维侬圣约瑟中学(Lyce Saint-Joseph)的古老天井前,观众先被廊道两侧布置的陶土作品吸引,开宗明义宣告了「泥土」在作品中的绝对地位。来自加泰隆尼亚的巴罗.德维尔剧团(Baro devel)的作品《泥是谁?》(Qui som?,加泰隆尼亚语意为「我们是谁?」),让泥土承载叙事,让肉身在泥泞中挣扎、跌倒、却依然紧紧相拥。当泥土抹平了性别、族裔与物种的界线,「我」与「你」在湿润的物质中合而为一,马戏的抗力与泥土的塑性,结合音乐与舞蹈,构成一场「总体艺术」,荒谬且诗意地回应了关于群体本质的古老提问。 根植于马戏的创作背景 要理解《泥是谁?》,必须先追溯两位灵魂人物的马戏背景。布莱.马迪奥.特里亚斯(Blai Mateu Trias),是西班牙传奇小丑托特尔.波卓纳(Tortell Poltrona )的儿子, 血液里流淌著加泰隆尼亚传统马戏文化;他在法国国家马戏艺术中心(CNAC)与从小和马为伍的卡蜜儿.迪库赫堤(Camille Decourtye)相识。两人自2006年起共同领导巴罗.德维尔剧团,将马戏从街头、帐篷,一路带向剧场殿堂。 「马戏背景」决定了他们作品的核心特质:对重力与物质的敬畏。对他们而言,马戏不只是技术,而是关于「平衡」与「风险」的哲学。马戏演员天生就对「器材」、「重量」、「地心引力」有著极度敏感的觉知,这种觉知让他们在处理《泥是谁?》中巨大的陶土与塑料物件时,能够发展出一种独特的身体语言。

文字|叶炫伽
官网限定报导  2026/05/13
戏剧 经典之作的重新发现

柏林剧团新版《三便士歌剧》 百年之后与当下的对话

《三便士歌剧》可说是史上最知名的创作之一,不只因为改写剧场史的剧作家布莱希特(Bertolt Brecht)关于叙事剧场(episches Theater)(注1)与疏离效果的论述,以及环绕著他的种种创作争议和花边新闻,也因后来多位重要歌手的翻唱(从艾拉.费兹杰拉Ella Fitzgerald到罗比.威廉斯Robbie Williams),和其对百老汇的影响。 在近100年后,由当年首演的柏林剧团(Berliner Ensemble)与著名歌剧导演巴里.柯斯基(Barrie Kosky)执携手创作的全新版本,将来到台北与观众见面。(注2)在这100年间,柏林剧院只有4次新制,上一次已经是2007年由罗伯.威尔森执导的版本,可说每次出手都是一次重要事件。团队如何在这些历史之上找出自己的路,与现下对话,也是这次演出值得一看的原因。

文字|陈佾均
官网限定报导  2026/05/08
戏剧、舞蹈 2026新人新视野

从自身经验出发 探看当下所在的世界

在数位工具快速更迭、进化,且社会结构持续变动的当代,创作者或许正面临一个根本的大哉问:还有什么经验,值得在剧场被诉说? 国艺会长期推动的「新人新视野」在今年迈入第18届,被视为表演艺术界重要的人才孵育平台,国艺会新任董事长彭俊亨表示,「这个案子不只是支持创作,我们也重视陪伴的过程,还有场域的对接。」从今年入选的3位创作者翠斯特(孟昀茹)《千面涌现》、陈圣文(omo)《愚歌》与郑伊涵《三牲有幸》来看,这个支持新秀的计划也像是一个观测点,让人得以窥见新一辈的创作者的创作核心与关怀,与他们所见、所感、所处的当代台湾社会样貌。

文字|张慧慧
官网限定报导  2026/05/05