在通勤时段的捷运里戴上假睫毛、涂好指甲油，夹紧专属耳环，这是末路小花外送演出《来一客杯棉子》唯一的演员张棉棉进入陌生客厅solo前，邀请角色上身的固定流程。 从2021年的《来一客杯棉子》好命篇，一路到2024年底甫结束的《来一客杯棉子，好辣》，近5年来，末路小花团员张棉棉穿戴上杯棉子的肌肤，一台车带著导演、演员与小帮手，奔向双北市高楼或平房、豪宅或租屋处数十个大大小小不同的客厅、厨房及浴室私领域，以都会单身女子的生活切片视角，逆行居家与剧场空间定义，观众毋需走进剧场，反其道而行地让表演者即兴以观者家里的陈设作为舞台物件，透过戏剧，密缝起创作与真实人生的边界。
长大后，许多人怀念儿时能用新奇、纯粹的眼光看待世界。小孩被赋予多提问的权利与勇气，但随年纪渐长，被教导要提出有用的问题，并尽快找到正确解答。《十万个为什么》、搜寻引擎，甚至AI成了成长过程的指引。这样的便利与目的导向，悄悄夺走提问的勇气，也削弱了探索和接纳多种回应的可能。 然而，在面对一连串看似天马行空的问题时，诗人提供了另一种可能。智利诗人聂鲁达（Pablo Neruda）的《疑问集》向宇宙、世界及生命提出316个包山包海、难以穷尽的疑问，台湾诗人夏夏则在《一只猫会有多少问题？》中，以诗回应或再度发问，让疑问成为开展更多可能的契机。 延续这份诗意，即将在台南艺术节演出的《我，有一个问题？》（后简称《我》），策展人温慧玟以这两部诗集为灵感，邀请洪千涵创作这部无语言的亲子作品。《我》不是一本舞台版的百科全书，而是一首献给儿童、曾是儿童的大人的舞台诗。导演洪千涵从诗集的提问中「打开一趟问问题的探险之旅，让我们不要被标准答案给限缩或定义，记得自己还拥有提问的权利。」
自2023年起，大键琴家许舒尧发起古乐节，从个人大键琴独奏发展至去年库普兰诞辰400年主题的多面向策展。今年古乐节迈入第3届，以「A Colpi di Tasto」为题，深入探讨义大利音乐教育与键盘即兴传统。主打节目「双琴争鸣」由义大利与台湾键盘家携手演出，并辅以座谈、讲座与教学示范，拓展古乐的教育性与当代表达力。 应邀共同演出的阿尔贝托．布塞蒂尼（Alberto Busettini）是欧洲知名的大键琴家与指挥，长期致力于巴洛克音乐的诠释与教育，并曾与义大利多个古乐团合作录制专辑。许舒尧说：「他对即兴的理解非常深，我们的合作像是在对话，不只是合奏。」 解读巴洛克密码：Partimento即兴演奏法 本场演出的核心是以双大键琴呈现「帕蒂门托」（Partimento）。Partimento 源自义大利，是一种18世纪义大利特有的作曲与教学法，曾对巴赫（Bach）、韩德尔（Handel）及巴黎音乐院的教学及即兴演奏方式产生深远影响。许舒尧指出，Partimento 等于是作曲家仅提供结构设计（蓝图），让演奏者在键盘上即兴完成。虽然主题与曲式已载于手稿中，但最终的呈现全凭演奏者的想像力与解读。 由于当时音乐家鲜少将这套即兴法书面化，直到近10年，这些手稿的实际演奏方式仍是一大谜团。Partimento 训练演奏者直观的逻辑思维，曾盛行于18世纪的拿坡里，当地4所著名的孤儿院就是以此法培养街童，训练他们成为专业音乐家与作曲家。 聚焦曲目：从双帕蒂门托到热情协奏曲 而古乐节不只是聆听古老乐器的机会，更是一次关于创作与诠释边界的探问。正如许所言：「音乐有时候不需要太多，只要两台大键琴，一段旋律，就能说完整个故事。」 音乐会上半场主要聚焦于义大利巴洛克作曲家伯纳多．帕斯奎尼（Bernardo Pasquini）的《双帕蒂门托奏鸣曲》，这是目前已知最早的双大键琴曲目。许舒尧解释，这套曲目的手稿只为两部键盘乐器提供了两条单一线条（通常是低音旋律）。旋律上会有数字，演奏者
辛奇与小熊软糖，看似天差地远的组合，很难想像它们怎么被凑作堆，不管是在餐桌还是剧场。 辛奇，这个2021年才广泛进入大众视野的名词，取代过往熟知的韩式泡菜，改采音译「kimchi」，选字则兼顾「辛辣、新奇」的意涵。（注1）若说食物本就代表某个地方的风土民情，具有其历史、地理与文化意义，那么由韩国官方积极推动泡菜改名，延续申请世界文化遗产的企图，欲与中式、日式泡菜作出区隔，选定汉字甚至未曾考量字词本身在当地文化原有的文化连结（如台湾本就有知名电影导演名叫「辛奇」，如今意旨却被韩式泡菜强行取代），则证明了「食物」如何可以成为文化影响力争竞之地。 相较辛奇与韩国强烈与直接的连结，小熊软糖倒是「透明」许多。除非特地探究品牌起源，否则消费者很难第一时间将大批生产、包装精美且全球随处可得的软糖，联想为某种「德国风味」虽说小熊软糖的出现，也与特定文化脉络相关，如其造型其实源自于欧陆市集盛行的「跳舞熊」传统（注2），自然也成为德语文化重要节庆娱乐之一，以此传递糖果带来的美好体验。不过，毕竟小熊软糖并不是每个家庭可以自己在家里制作料理、交流感情的食品，反而更令人意识到食物从生产到消费的资本推力。
观众还未入场坐定，8位赤脚、身著日常排练服的表演者已经在场上暖身，有人倒立、有人翻身落地，有人抱著肩膀喘气，汗珠顺著手臂滴在黑色地版。这里既是排练场，也是舞台。演员身后，是一座巨大的 LED 时钟，冷峻白光显示著「10,000：00」的倒数起点。表演还没正式开始，空间早就充满能量。 这是来自澳洲阿德雷德（Adelaide）、最具代表性的当代马戏团队引力神话马戏团（Gravity Other Myths，简称GOM）去年首演的最新作品《一万小时》（Ten Thousand Hours）。此作接连拿下2024年阿德雷德艺穗节「最佳马戏表演奖」（Best Circus Award）以及2025年「评论人协会奖」（Adelaide Critics Circle Award）。今年10月将应FOCASA马戏艺术节之邀，来台演出。
2024 年是卡夫卡逝世100周年，世界各地以出版、展览、演出等形式回望这位现代文学巨匠。对编舞家罗文瑾而言，这个时间点是一个契机。在 1990 年代，从她与台南人剧团合作的肢体设计开始，便持续在文学与舞蹈之间游走。2006 年一次进书店偶然读到《变形记》，让她深受震撼：故事没有头也没有尾，主角变成虫，这种断裂而荒谬的结构成为她心中的疑问，也逐渐发展成创作的底色。她开始思索卡夫卡的性格、存在主义与现代主义的关联，并在 2018 年的作品《虫》中尝试以舞蹈回应，一路上经历补助失利与创作中断，她在 2024 年重新整顿，与戏剧构作合作，终于完成这部三幕式舞作《有可能，但现在不行》，借此重新厘清自己与卡夫卡的关系。
在乐迷翘首期盼下，指挥巨星古斯塔沃．杜达美（Gustavo Dudamel）在今年秋天将率领暌违31年的洛杉矶爱乐（Los Angeles Philharmonic），携手欧美两大殿堂级合唱团维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团来台，重返国家音乐厅。规模超过250人的庞大阵容，将以两套曲目展开旅程，一晚属于斯特拉温斯基的火焰与节奏，一晚则是马勒的生命与永恒。这样的组合，世界仅此一场，而且是「台湾限定」。 斯特拉温斯基与洛杉矶爱乐的不解之缘 1935年，斯特拉温斯基首次与洛杉矶爱乐合作，演出后送给各声部首席一个吻与一朵红玫瑰。这份浪漫而深刻的举动，开启了他与乐团超过30年的情谊，后来更让他选择定居洛杉矶。 《春之祭》在洛杉矶爱乐的历史上占有特殊地位，乐团105年历史中演出已逾150次，既是乐团的传统，更是每任音乐总监的试金石。2003年，这首作品更成为华特．迪士尼音乐厅启用后的首张录音，象征著乐团与作曲家的深厚渊源。 《洛杉矶时报》评论杜达美对《春之祭》的诠释：「既能释放潜藏于我们体内不可抑制的毁灭能量，又能以精湛的音乐掌控力驾驭这股近乎超人的张力。」此次来台，他将以《春之祭》搭配色彩缤纷的《火鸟》组曲，带来火焰般的节奏与诗意。 曾于洛杉矶求学的钢琴家严俊杰直言：「第一场《火鸟》、《春之祭》很节奏型，乐曲等于洛杉矶爱乐的代表，为他们自己的庆典都是演这些曲子。此外第一场的第一首约翰・亚当斯（John Adams）的作品《狂热》短篇交响曲（Frenzy: a short symphony）也是非常重要，因为那是他为了洛杉矶爱乐去年才写的。」
为迎接明年朱宗庆打击乐团40周年的到来，乐团将于9月起推出击乐剧场《泥巴》全新版本。本作原为2019年、2021年推出的第2号击乐剧场，描述「瓷林」创办人林光清从苗栗芦竹湳乡间走向国际品牌的故事，在乐团40周年前夕的2025年，朱团再度重演《泥巴》，并以乐团4个世代的人脉，重新打造一个「彻底归零、再出发」的版本。 艺术总监朱宗庆表示：「2022年底的仓库火灾，把前一版所有布景、道具和部分乐器都烧光了，让我们这次一定得重新制作。再次检视的同时，发现《泥巴》其实不只是林光清先生的故事，也很像是乐团即将迈入40周年『再燃斗志』的心境。」
睽违7年，柏林爱乐管弦乐团将重返台北，由首席指挥基利尔．佩特连科（Kirill Petrenko）首度率团来台，在国家音乐厅带来3场演出。这不仅是柏林爱乐第6度访台，更是佩特连科上任以来首次领军登上台湾舞台。 柏林爱乐与台湾的20年情谊 自2005年首度来台，柏林爱乐便与台湾乐迷建立深厚连结。当年两厅院广场聚集逾3万人观赏户外转播，轰动的场景促成了「数位音乐厅」的诞生。牛耳艺术行销总监张懿之回忆：「2005年两天晚上举办户外转播，第一次迎接柏林爱乐到来，当音乐会结束我走出音乐厅，看到广场满坑满谷的人，他们发自内心的激动与呐喊的情景是我一辈子忘不了。也因为当下强烈感染力，让拉图爵士还有乐团觉得感动而催生了『数位音乐厅』。」 台湾蹦艺术协会理事长林仁斌则形容：「照武侠小说的说法，江湖上如果柏林爱乐谦称自己是第二的话，那没有什么乐团可以摆第一位。在我的心中，他是全世界唯一首席天团。」
在马水龙（1939-2015）逝世10周年之际，国立传统艺术中心台湾音乐馆与国家交响乐团（NSO）携手呈献「孕育于山海之间」音乐会，邀观众一同走进这位台湾音乐巨擘的心灵世界，感受他笔下山海交织的情感与音符。 音乐会将于 9 月 11 日晚间在国家音乐厅呈现，演出阵容坚强，由指挥张佳韵领军NSO，钢琴家辛幸纯与梆笛演奏家赖苡钧担任独奏，并由台北爱乐合唱团与朗诵者雅柏苏咏．博伊哲努、邱文隆共同演出，主持人为颜绿芬。 马水龙是台湾音乐史上相当具代表性的作曲家与教育家，其作品融合西方现代技法与台湾本土情感，展现出独特的音乐语言，也是第一位在美国纽约林肯艺术中心以整场形式发表个人作品的台湾作曲家。他曾连任亚洲作曲家联盟总会5位执行委员之一，担任过亚洲作曲家联盟中华民国总会暨中华民国作曲家协会理事长，以及亚洲作曲家联盟副主席等。作为国立台北艺术大学音乐系的创系主任与前校长，他在课程架构与教育理念的规划上，深深影响了一代又一代的音乐人。此外，他创办了「春秋乐集」，鼓励同侪与年轻人创作，并积极参与文化政策与国际交流，为台湾音乐界带来深远的影响。因其非凡贡献，亦获中华民国总统府颁授二等景星勋章。 纪念音乐会中，将演出4首具有代表性的马水龙作品，涵盖其创作的中期与晚期，展现他音乐语言的多样性与深度。首先为《梆笛协奏曲》，此曲应中国广播公司委托创作，首演于1981年；全曲采用连乐章形式，融合梆笛的清丽音色与管弦乐团的丰富音响，展现出台湾音乐的独特风貌。管弦乐曲《孔雀东南飞》以中国古代诗词为基础，融合西方管弦乐技法，呈现出浓厚的台湾情感。《关渡狂想曲》钢琴与管弦乐以关渡地区的自然景观为灵感，钢琴与管弦乐的对话展现出马水龙对故乡的深情。《无形的神殿》男声合唱与管弦乐结合李魁贤的诗作，表达对台湾土地与文化的敬意，音乐语言深刻而感人。 这些作品不仅是马水龙音乐创作的精髓，也是台湾音乐史上的重要篇章。在同一场音乐会中，观众将有机会一同聆听这些经典之作，感受马水龙对音乐、对故乡、对土地的深厚情感。
「所谓的英雄，或者是所谓的『被崇拜的人物』，好像不能是成功的。」义兴阁掌中剧团主演王凯生这么说：「不能成功，革命才会延续下去，他也才有可能会被视为一个有血有泪的英雄。」 这句话，恰恰回应了今（2025）年由国立传统艺术中心主办之「戏曲梦工场」的策展主题「乙巳革命」中的「革命」一词。 于是，义兴阁掌中剧团决定从古巴革命核心人物之一的切．格瓦拉（Ernesto "Che" Guevara）入手；但身为一个充满叛逆灵魂与中二精神的「摇滚」布袋戏团，义兴阁掌中剧团并不打算循著之前《GG冒险野郎》（改编自西班牙作家赛万提斯的经典著作《唐吉诃德》）的成功转译经验，仅把切．格瓦拉与他著名的回忆录《摩托车日记》（Diarios de motocicleta）作为取材灵感，重点则放在切．格瓦拉「成为英雄」的「制造」过程，也就是剧名英雄制造。
国立传统艺术中心于去（2024）年推出「歌仔戏旗舰展演补助计划」，鼓励歌仔戏团队制作精致剧场作品，透过节目制作达成维护传统经典、衔接当代创意、探索未来趋势等目标，可以说是历来最具规模的歌仔戏制作补助计划。首部作品《爱。相随？》由财团法人廖琼枝歌仔戏文教基金会制作，将于今（2025）年七夕情人节正式首演。 《爱。相随？》的旗舰规格不只体现在演出时长，分成3天、4个场次才完成整个故事，同时也集结了台湾不同剧团、不同地区的「五年级」歌仔戏天王、天后，如许亚芬、郭春美、陈昭香、张秀琴、庄金梅、石惠君等演员，出演不同场次的重要角色，寄托了创作团队对于歌仔戏浓浓的爱，相随在作品里头。
如果有一天我们需要向外星文明解释人类为何物，或许「双手制造」（Made By Hands）舞团创团作《从指尖开始》（Du Bout Des Doigts）是绝佳的选择。 全剧以舞蹈史为切面，透过即时摄影、肢体、空间与音效的相互对话与让位，在严谨的形式使用和画面选择下，以童趣的手指舞蹈与轻巧的叙事节奏，在1小时的时间里，带领观众从已知用火的千百万年前，随著时光之河漫流回到当下剧场内部的肉身彼此；而在口语近乎缺席的状态下，重新观看地球历史与人类的记忆如何被记载与传承。
无论是来自纽约百老汇或伦敦西区，音乐剧向来以引人入胜的剧情、动人的旋律与充满张力的演出形式深受观众喜爱。许多经典作品如《歌剧魅影》、《悲惨世界》与《西贡小姐》等，不仅在全球各地巡演无数场，也留下了琅琅上口的名曲，为乐迷所熟知与珍藏。但倘若能在一场音乐会中一次聆听多部经典剧作的代表曲目，对许多音乐剧爱好者而言，无疑是一场难得的盛宴。如今，这样的愿望即将实现「重聚（The Reunion）」音乐剧明星演唱会即将登场，汇聚来自伦敦西区与百老汇的主唱群，将多部知名剧作中的精选乐曲搬上台北流行音乐中心。 「重聚」音乐剧明星演唱会将于9月中举行3场演出，汇集来自伦敦西区与百老汇主唱群，由知名音乐剧演员拉敏．卡利姆卢（Ramin Karimloo）策划与领衔演出，带来跨越剧目与时代的音乐剧选粹。卡利姆卢曾在《歌剧魅影》中饰演魅影，是该剧历史上最年轻的饰演者之一，也被誉为「情感最饱满、最摇滚感」的魅影之一。随后他并在续作《爱无止尽》中担任全球首演的男主角。他的诠释赢得来自观众与评论界的广泛肯定，曾多次於伦敦皇家阿尔伯特音乐厅演出，拥有丰富的舞台与录音经历。
亚洲舞蹈界年度盛事「Dance Now Asia 舞蹈艺术节」（下简称DNA舞蹈节）将于 8 月中旬热力登场，并于8月下旬首次由韩国大邱市立舞团（Daegu City Dance Company）响应，于大邱艺术中心（Daegu Art Center）举办。 为迎接这场跨国交流盛宴，主办单位台北市中山堂将于8月11至17日于台北办理「2025 Dance Now Asia 舞蹈艺术节」， 8月16日与17日推出亚洲青年舞蹈创作演出（Showcase）与国际身体工作坊呈现，邀集来自台湾、新加坡、马来西亚、韩国、东京、印尼的17位舞者，共创崭新的身体语汇。大邱市立舞团则接续于8月20至24日在大邱办理「2025 Dance Now Asia in Daegu」舞蹈艺术节，期间何晓玫Meimage Dance舞团将带来《极相林序曲》，与韩国、东京舞团同台交流；另有台湾青年舞者的两出作品《搏筊》与《Dans labme》同时亮相，展现台湾新生代的创作能量。
今年9月，台湾乐坛将迎来一场令人期待的首次交会。柴科夫斯基国际音乐大赛得主曾宇谦与长荣交响乐团驻团艺术家梵志登（Jaap van Zweden）携手，诠释布拉姆斯D大调小提琴协奏曲。这场演出不仅是两位音乐家首度合作，更标志著曾宇谦睽违5年、重新演绎这首协奏曲的重要时刻。此外，乐团也即将演出贝多芬的《艾格蒙》序曲及布拉姆斯c小调第一号交响曲，以飨乐迷。 选择布拉姆斯小提琴协奏曲作为合作首演，对曾宇谦而言别具意义。即使从少年时期即已开始演奏这首乐曲，但为了维持乐曲的品质，他刻意将曲目封存沉淀。此次将它重新拿出来演奏，掐指一算已经5年，一上手，他便感到自己「有进步」。他坦言：「这几年透过演奏布拉姆斯的其他作品，包括独奏会、室内乐等，让我对他的音乐有更深入的理解。」所以现在觉得可以将这首曲子重新拿回来演出了。曾宇谦认为：「真正的进步，是透过时间与生活经验的累积。放下一段时间再回来，或经历更多布拉姆斯作品的演奏，都让我对这首曲子有更深的理解与诠释。」如今再度回归，他不但重新思考结构与运弓方式，在诠释与技术之间取得新的平衡，也对整体乐句的理解、细节的处理有更多想法。 布拉姆斯小提琴协奏曲以其庞大编制与高强度的演奏需求闻名。曾宇谦认为，真正的挑战在于如何于乐曲进行中维持体力与音乐的张力。「这是一首需要维持40分钟爆发力的曲子，要避免声音太冲、太粗糙，同时又要与乐团融合、交织。」为了应对演出所需的体能，他平时透过游泳、慢跑与核心训练保持状态，并注意避免对手部造成过多负担。
近年老戏新编与翻玩经典双头并进的布袋戏团「不贰偶剧」，即将于农历7月前夕，于台中国家歌剧院搬演台、日志怪偶戏《牡丹灯笼》。团长郭建甫从灯笼与鬼魂双生双映意象出发，提取布袋戏形式，放大于操偶师与真人演员身上，并细致拼贴南管梨园戏、布袋戏、能乐等多样传统表演元素，编织出当代鬼怪故事的崭新滋味。在炎日夏日里，即将为观众带来无比清凉、且感官丰沛的鬼故事新体验。
「夏日音乐漫步」作为TSO自2024年起推出的夏季系列活动，透过轻松、跨界的编排设计，为乐季与暑假之间注入清新气质。这个8月，现任德国波鸿交响乐团音乐总监庄东杰将率领台北市立交响乐团（TSO）于中山堂，呈现两场风格轻快、戏剧感十足的夏日音乐会。 首先，庄东杰将由李姆斯基‑柯萨科夫《沙皇的新娘》序曲拉开序幕，随后由张凯闵演译萧邦《E小调第一号钢琴协奏曲》；这位入围萧邦国际钢琴大赛的年轻钢琴家，目前是乐迷众所期盼的选手，在今年赛事前夕的演出不但展现他的优秀琴艺，也能借此累积更多与乐团合作的经验。下半场为TSO本乐季纪念萧斯塔可维奇逝世50年的节目重点之一，即将演出作曲家为剧场乐团而作的组曲。庄东杰解释：「这是一首少见地将手风琴、吉他与萨克斯风融入交响乐团中，营造出接近小型剧场的作品，总共8首组曲，全曲有25分钟，但加了这几个乐器，就会出现让乐团出现小酒馆的声响质地。」
2024年起，台北市立交响乐团（TSO）特别邀请知名钢琴家林易（Steven Lin）担任驻团艺术家，携手规划「夏日音乐漫步」系列演出，以「青年音乐家．好朋友」为主题，为夏日音乐舞台注入清新活力。今年的系列演出中，林易将参与协奏曲演出，并策划多场室内乐音乐会，带来结合深度与亲密互动的聆听体验。 携手TSO 激荡舞台新火花 TSO团长郭佩瑜指出：「跟林易之前的合作是2015年跟2023年时，他跟乐团演出后，团员希望能够与更多台湾音乐家合作，我们觉得室内乐也能够再多做一些发展，因此邀请林易来帮我们做好朋友系列的策划。」林易对乐团的默契与支持印象深刻，他表示：「我对TSO乐团的感觉就是能够互相倾听，因此虽然乐团很大，但感觉上声音却是像室内乐一样地亲密。让我身为独奏家，每次合作都是非常地舒适。」这份默契与熟悉，促成他此次以驻团艺术家身分，深入参与TSO的演出与规划。 林易曾获得鲁宾斯坦国际钢琴比赛银奖，13岁即与纽约爱乐乐团合作，展露音乐才华。近年在卡内基音乐厅主厅首演柴科夫斯基钢琴协奏曲，获《New York Times》赞誉：「完美无瑕的表达，有著令人惊叹的音色和精妙绝伦的力度、色彩变化。」2023年与美国圣地牙哥交响乐团演出柴科夫斯基第一号钢琴协奏曲，赢得观众热烈掌声。他毕业于茱莉亚音乐学院（学士与硕士）、柯蒂斯音乐学院最高演奏文凭，目前任教于台北市立大学音乐系，以跨国合作与亲民魅力深受乐坛与教育界肯定。
亚洲最重要的合唱盛事──台北国际合唱音乐节（Taipei International Choral Festival，TICF）将自2025年7月25日起盛大登场。台北爱乐从1996将音乐营扩展为音乐节，在今年迈入第30个年头，以「从宜兰展望世界」为策展主轴，不仅带来全球顶尖合唱团队的精采演出，更首度于宜兰举办特展与世界首演，为国内合唱文化开创全新视野。 「祝福之地：爱与奉献的回声」主题展览自6月起于宜兰兰灯空间登场，向深刻影响宜兰发展的两位重要人物斯洛维尼亚天主教灵医会医师范凤龙（Janez Janež，1913-1990）与台湾工业推手林灯（1914-1992）致敬，展览以文献、影像及空间叙事，勾勒出两人跨越国界与领域的奉献故事，突显宜兰作为「文化祝福之地」的深层意涵。 林灯文教公益基金会委员庄文生教授指出，人称「Oki」或「大医师」的范凤龙，及素有「水泥之父」之誉的林灯有数个共通之处：前者来自共产时期的斯洛维尼亚，后者则出生于日治时期的宜兰。范凤龙1952年来到台湾，而林灯则在当年当选台湾区水泥小组主任委员，隔年担任水泥工会理事长。前者落脚宜兰之后就未再离开过，而后者一辈子未将户口迁离宜兰，并对家乡有诸多贡献。
当代小提琴传奇奥古斯汀．哈德利希（Augustin Hadelich）携手柏林爱乐巴洛克独奏家合奏团（Berliner Barock Solisten，BBS）这一组合，将首度在亚洲登台，并独家选择台湾作为全亚洲唯一演出国。这系列难得一见的音乐盛会，将于7月10日、12日于台北国家音乐厅，7月13日于台南文化中心登场。 哈德利希指出：「我第一次来台湾是两年前，当时就被观众的热情深深打动，这是一段非常棒的经验。」他盛赞台湾观众的专注与年轻特质，「这在许多国家是很难得一见的现象。」柏林爱乐巴洛克独奏家合奏团执行长莱玛．欧洛夫斯基（Raimar Orlovsky）也表示：「非常荣幸2025年能再度受邀来到台湾演出」，双方对本次合作充满期待与感谢。 当代音乐家共同创造的舞台语言 柏林爱乐巴洛克独奏家合奏团由柏林爱乐团员自发组成，旨在以现代乐器诠释巴洛克与古典作品。中提琴团员Walter Kssner回忆：「BBS因此诞生，并以现代乐器演奏巴洛克音乐，让这段传统得以在今日延续与发展。」 BBS执行长欧洛夫斯基补充：「虽然我们无法演奏布拉姆斯、马勒或柴科夫斯基等浪漫派大编制的曲目，但BBS的精神正是在这些早期经典中展现细致与深度。」大提琴yvind Gimse则说：「我们每一个人都需要贡献自己的灵感与想法，这让我们不仅仅是在演奏音符，而是在共同创造一场音乐的对话。」 首席Dorian Xhoxhi表示：「我们现在已是音乐上的朋友」，这份合作情谊让演出更具深度。中提琴团员Julia Gartemann说：「我们一起排练、演出、吃饭，有时晚上还会小酌，这样的社交互动让旅程更充实、更愉快。」年纪最轻的Eva Rabchevska也提到：「我学会如何做音乐上的决定、如何聆听、如何从其他声部中掌握整体演奏的语境。」
如果说唱歌跳舞是情绪自然洋溢而外显的表现，那么在社交互动方面遭遇挑战的亚斯伯格族群、或是行动逐渐受到限制的渐冻人，该如何成为一出音乐剧的男女主角，还在剧中滋长情感、追求人生与实践梦想呢？ 红潮剧集即将于台中国家歌剧院推出的音乐剧《当亚斯遇见人鱼》便是以此为题，由编导王靖惇与词曲创作梁允睿经历多年发展，于今（2025）年正式发表。
「比起动作的雕琢，我更在乎舞者精神与肉体的展现，以及如何在舞台上被阅读。」杨乃璇说。 在音乐抢走空间之前，排练场上充斥著舞者间的嬉笑互损，编舞家杨乃璇一脸严肃，在空间中游走比划动作，嘴上也没闲著，隔三差五地加入舞者的调笑对话。随性的肢体与轻松的气息是排练场多数时候的状态，也总在音乐落下的瞬间，画风一转。火花在5位舞者间喷溅、弹跳，也融入连结彼此，与此同时，每个舞者都立体到无法被忽视，或看作一体。 走过15年的舞蹈岁月，《沤 少年 u siu-lin》是杨乃璇第一次入选两厅院「新点子实验场」的编舞作品，尽管创作以「中年危机」为概念，但坚守整个年少的真实，是杨乃璇到中年也不曾放下的坚持。因此她的中年危机跟别人不太一样，危归危，在她眼里却是满满的生机。
台日剧场界的交流向来兴盛与热烈，从上世纪末由皇冠小剧场主导的「小亚细亚亚洲小剧场网络」，台北市文化局官方主导的「亚洲表演艺术节」，到本世纪国家文化艺术基金会的「表演艺术国际发展专案」，台日双方的交流不再局限于表演团体各自到对方的城市演出而已，而是逐渐迈向更为复杂，更加深度化的「国际共同制作」模式。除了国际共制外也有华山乌梅剧场与东京下北泽本多剧场进行技术人员交流与培训，从幕前到幕后各项交流不断，相较于其他欧美及亚洲国家，日本称得上是交流次数榜的第一名了。 其中有个日本剧团以不同于其他的交流模式，将台湾视为巡回演出的一站，自2018年起便维持一年一次的频率（疫情期间除外）在台湾进行演出，这就是来自日本东京下北泽的52PRO！剧团。
去年首度举办的「MUZIKids儿童古典音乐节」，短短两天16场售票音乐会、儿童友善市集、免费快闪演出等活动，创下了将近万名爱乐亲子到访的空前佳绩。今年的第2届再次将音乐活动带入台湾戏曲中心，加码于7月11日至13日举办为期3天的17场精采音乐活动。不仅纠集台北爱乐管弦乐团、米特萨克斯风重奏团、微光古乐集、台北打击乐团、艺心弦乐四重奏等台湾领先的音乐团体进行表演，更首度举办「宝宝的交响乐」音乐会，打造没有年龄限制的0至12岁儿童音乐年度优质活动。 MUZIKids儿童古典音乐节创办人孙家璁提到：「去年的音乐节受到的反应远超预期！也证明了台湾确实有这方面的观众需求。第2届的设计会更为多元，透过不同主题启发音乐、美术的想像力。」今年预计在巨大表演乐池区建设「宝宝摇摆区」，让0至3岁的孩子可以自由活动，近距离感受正规管弦乐团的奇妙。当然，主题是为了幼儿至儿童而设计，但他也强调：「对于大朋友来说不是陪伴者，也能够找到欣赏表演活动的意义。」 音乐节顾问暨指挥家张尹芳认为，办音乐节看起来很容易，但要拼起来做音乐游乐园的概念，又是另外一回事，她表示：「今年一样以游乐园概念来设计，要像儿童乐园一样随时随地都有音乐节目发生。」 比较去年与今年最大的不同，就是推出年龄向下发展、0到3岁的「宝宝的交响乐」，由张尹芳领导台北爱乐管弦乐团演奏，父母可以让小朋友在类似乐池的安全环境下近距离、没有压力地聆听。今年还推出了「绘本音乐会」，挑选合适的古典乐来搭配绘本的内容进行，主办单位特地与出版社「小天下」合作，选用曾两度入选「义大利波隆那插画展」的插画家陈又凌两本作品《寻找秘境》与《会生气的山》。张尹芳表示，《会生气的山》带有环保的概念，但同时用山的情绪来叙述；特别在过去几年疫情中戴口罩，儿童只能靠眼睛沟通，情绪沟通表达接收较以往不同，这用音乐表达最直接。而《寻找秘境》透过可爱猫咪的故事，也相对影响小孩内心最纯洁、最美的秘境。一动一静、内在外在，跟音乐一样有很不同的色彩。 在今年的音乐节中，除了在大表演厅演出「宝宝的交响乐」及《彼得与狼》的大型演出之外，，包含微光古乐集、艺心弦乐四重奏、台北打击乐团、米特萨克斯风重奏团等团队，也会在小表演厅推出多场寓教于乐的精采节目，为孩子们打造一场音乐与探索的奇幻之旅。 去年以
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