专题
特别企画 Feature 给麻瓜的AI使用范例╱剧场篇-
Columns 专栏见山还是山「艺术」点滴心头 涓流到海回望2023年,有许多片段是值得一再记忆、回味的,比如开始「收徒弟」传承梅派艺术表演的核心精髓,这句话乍听之下似乎有点奇怪:「难道魏老师以前所教的不算梅派吗?」而我会如此感慨,其实和现在演员的培育系统有关。记得我在小海光学艺时,进剧校的头一年就是密集的基本功训练,这一年完全没有假期,大家全心全意地打好基础。一年后上台跑龙套、跑宫女,进一步学习如何扮戏、穿服装、勒头等原来连彩裤怎么穿都有一套标准程序。再过一年半开始分科,老师们按学生的嗓音条件、个头、扮相、气质等把学生分配到各行当去学戏。那时我大嗓不错爱唱老生,但老师认为我还是适合唱旦角,事实证明老师的眼光和判断还是比较准确的。我们开始上台后,都是以大海光剧团的演出日程表来安排平常上课的时间,每周上台一两次,逐渐熟悉了准备、化妆、走位等等,这些规矩自然而然地也就明白了。分科学习半年后,我们小海光也开始演自己的戏了,我就是在戏校学习两年后演了此生第一出、担任主角的戏《穆柯寨》的穆桂英,当时的我不懂戏演的好坏,心里想著:只要没出错就算过关了。值得怀念的是爸爸来看了我的戏,那也是唯一的一次,因为没多久父亲就去世了。 1975年海光国剧队及小海光从左营迁徙至淡水,从小教我们旦行组的韩妈妈周铭新老师没有随团北上,就在毕业前夕,学校请到了最有声望的梅派青衣秦慧芬老师来教我们,1947年秦慧芬老师在上海拜梅兰芳为师。她教授了我梅派经典《霸王别姬》、还有《宇宙锋》,这是我初识梅派的缘起点。当年剧团为求好票房,所演剧目比较杂,囊括了梅、尚、程、荀,还包括了张派,当然那时候流派学得不纯粹,只是靠台上经年累月的磨练。到台北后认识了好几位喜爱梅派的资深名票,这些长辈们在唱法上给予我很多指正,又给了我好多录音带,有:梅兰芳大师的、梅葆玖老师年轻时灌录的,以及言慧珠、杜近芳的戏,我如获至宝「每天抱著录音机听」,就这样薰陶著、学习著。毕业后有机会到香港又碰到了一群爱戏成痴的票友,我们经常一起唱戏、听戏,互相欣赏、交流。当时我年纪轻,又是台湾培养的专业戏曲演员,他们都非常喜欢我,特别介绍从上海到香港的包幼蝶老师给我上了几个月的课,包老师对音律有独到的研究,他说当年学梅是在台下坐了一排同好,大家强记硬背谱下唱腔后相互讨论,因为有些唱腔在唱片里是没有的。包老师教学用简谱,画上符号显示劲头、轻重音,再以
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World 国际纽约美国表演艺术界对以巴冲突战事异常沉默中东战事开打已4个月,表演艺术界对这个可能对全球政经情势有深远影响的大事几乎是毫无反应,这个沉默与近几年对其他重大社会政治议题的反应,有很大的不同。像是「黑人的命也是命」、奥兰多同志夜店枪击案、苏俄入侵乌克兰等,大多数表演艺术机构都传达支持的声音,有时是在社群媒体上发文、有时是在演出前致哀、有时是在场地内外张贴标语等。这些很明确的立场表态,显示了表演艺术工作者不愿给人躲在象牙塔里、自外于真实世界的疏离印象。 但这次的情势很不一样。在一开始2023年10月7日哈玛斯袭击以色列的时候,还有一些反应,像是纽约的大都会歌剧院演唱了威尔第歌剧《拿布果》里的《奴隶之歌》,但随著以色列的反击造成大批伤亡和难民流亡,西方社会批评以色列的声浪愈来愈大,表演艺术界反而噤声了。没有音乐厅、歌剧院、剧场在演出前声明为死难者默哀,没有特别的演出悼念死难者,没有场所挂上巴勒斯坦的旗帜像挂乌克兰旗那样。艺术家私底下被公关公司、经理、演出主办单位要求,不要对以巴冲突表示意见,连在社群上都要小心。 对比西方社会,表演艺术界的沉默显得很不寻常。大学校园是反应最激烈的,示威抗议静坐从去年开始就没停过,剑桥大学甚至取消一场圣诞节前韩德尔神剧《Saul》的演出,因为主角是以色列国王。然而以巴冲突前因后果太过复杂,不管说什么,都会得咎。柏林就有一个艺术中心,因为邀请了一个左派的犹太团体而可能失去政府的拨款。著名的视觉艺术刊物《Artforum》因为刊登反战的联名信,总编辑被迫离职。表演艺术直接面对观众,一不小心,不是得罪了这一边就是冒犯了那一边,只好三缄其口。
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World 国际柏林里米尼纪录剧团《这不是个大使馆》首演引发关注里米尼纪录剧团新作《这不是个大使馆》由该团主要成员之一史蒂芬.凯吉(Stefan Kaegi)执导,在经历台湾的驻村、田野调查与表演者甄选,及瑞士洛桑维蒂剧院的密集排练后,于今年1月24日于柏林艺术节完成首演。 凯吉的创作擅长以取材自真实世界的纪录式剧场文本、声音、互动式装置,在不同文化背景的城市环境中,建立多样性的创作关系。透过实地田野调查、公开试演和概念在剧场具体化的过程,就特定主题,寻找「日常专家」(Experten des Alltags)、也就是未经专业训练的演员参与表演,在舞台上串连起不同剧场元素,演绎自身故事。 《这不是个大使馆》的3位「日常专家」为吴建国、郭家佑、王思雅,透过甄选加入制作。他们长年各自在台湾对外关系上有著不同视角的第一线经历,从国与国之间的官方外交场域、珍珠奶茶原物料全球供应的商业版图,到台湾数位外交协会NGO组织积极以民间力量参与国际事务等。演出从虚构的「台湾」大使馆成立过程叙事,串起台上各自的生命故事,也同步到现场观众关于「台湾处境」的讯息与感知。 德国首演后,媒体上出现两极评价,RBB盛誉此剧为少见佳作,应直接受邀至下一年度的柏林戏剧盛会,成为德语区10大「最受瞩目」作品之一。此外,各种不同定位的媒体包括表演艺术专业剧评网站《夜间评论》,面向大众路线的《南德日报》、《柏林日报》,及左翼光谱的《日报》(Taz)、《ND左翼新闻》都针对此剧特殊的政治议题提出观点各异的评论,勾起讨论与关注的程度可见一斑。 《这不是个大使馆》将在今年3月完成在奥地利维也纳人民剧院 (Volkstheater)、瑞士巴塞尔剧场 (Kaserne Basel)与洛桑维蒂剧院 (Thtre Vidy-Lausanne)巡演后回到台湾,于4月12到14日在台北国家戏剧院演出。
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Review 评论舞蹈通往另一个世界的隘口评麦可.基根-多蓝x舞蹈之家《界》那一年我到了爱尔兰西端的莫赫悬崖(Cliffs of Moher)。 沿著高矗崖边的山径步行,起初犹不知仅隔几步之遥,临海即是欧洲最高的悬崖,最高点高出大西洋的海平面214公尺。等到站立于可以俯瞰壮阔波澜大西洋的崖边,才会因其高度有点晕眩,脚底发麻。一时雾散云开,海鸟遨翔,那些崎岖风蚀的崖石,才从海平面向上层层叠叠展露其历史皱折下的面貌,海涛风涌拍尽,白色浪花飘散。 麦克.基根-多蓝(Michael Keegan-Dolan)与舞蹈之家(Teaċ Daṁsa)所创作的《界》(MM),原文为凯尔特语(Gaelic),最常见的用法是指山路隘口或超越大型地理障碍的最简单途径(注1),既可援引为跨越「过去」的罣碍,指向「未来」可行的路径,相对地,时间在此难以简单线性地去区分过去、现在、未来,过去即是未来,而未来亦可能是回归原初,循环回旋,而人性的爱欲情仇仍然依旧轮回不已。
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Choice 生活摄影手札「慢」、「漫」来!在媒体工作超过30年,因此有了很多机会可以接触到舞台摄影,更精确地说:我很荣幸曾是《PAR表演艺术》杂志从创刊以来至今的特约摄影,「它」是我摄影工作中最开心的一件事!虽然这么多年来在杂志上发表过的作品远不及其他更优秀摄影师们的作品让人惊叹;但这次在《PAR表演艺术》杂志双月刊发行的最后一期纸上摄影展单元「Gallery」,我想呈现的却是完全不曾在杂志上曝光过的系列作品 「慢」、「漫」来! 若是问我:舞台摄影的魅力是什么?为何喜欢用慢速快门拍摄? 其实,对我来说,每一次拍摄舞台演出都像是一次随堂考!编舞家会出什么题目?舞者会如何呈现舞作?灯光设计会如何让你眼花撩乱?舞台设计会如何考验你的取景角度?要用什么拍摄条件才能精准表现以上这些无数组合的精髓?坦白说:我每次都「不及格」!不是没对到焦,就是没捕捉到最精采的瞬间、或是站错拍摄位置等等让人失望的结果。 但在每次舞台摄影的过程中,我最快乐与期待的,竟然不是用高速快门把舞者的姿势凝固下来,或是冻结住舞者跳跃的瞬间画面,而是我会偶而用低于1秒到10秒的快门速度拍摄出来的感觉。它就像是画一幅抽象画,相机成了「画笔」,我用我喜欢的「慢速快门」画出我对舞作的「虚实相间」和「梦幻浪漫」。舞台摄影的魅力就在这!
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People 沙洛德琴大师人物艺号人物 People阿杰德.阿里.汗 传递和谐、呐喊与关怀的琴声沙洛德琴大师阿杰德.阿里.汗(Amjad Ali Khan,1945-)是当代极具代表性的北印度古典音乐家,1945年10月9日生于印度中央邦瓜里尔(Gwalior)的他,出身悉尼亚.邦加煦音乐世家(Senia Bangash Gharana),后者以沙洛德琴艺术的创造与发展著称。 阿杰德.阿里.汗的祖先于19世纪从阿富汗迁居到瓜里尔,其后多位家中长辈包括他的曾祖父古朗(Ghulam Ali Khan)与父亲哈菲兹(Haafiz Ali Khan)均曾受聘为大君(Maharaja)的宫廷音乐家。从小跟随父亲习乐的阿杰德大师,是邦加煦音乐世家第六代传人,音乐资历超过半世纪,早从1960年代之初,他便受邀至各国演出,并开始发行唱片。承接家族荣光的阿杰德,巡回演出之余也致力传承,在他的教导下,儿子阿曼(Amaan Ali Bangash)与阿亚安(Ayaan Ali Bangash)亦成为沙洛德琴演奏者,并已成为国际瞩目的新生代艺术家;阿亚安的两名儿子阿贝尔(Abeer Ali Bangash)与左哈安(Zohaan Ali Bangash)也开始向祖父学习,并已透过视讯初试啼声。本次2024TIFA的专场音乐会,将由阿杰德、阿曼、阿亚安父子3人连袂演出。 2024年1月24日傍晚,笔者在《PAR表演艺术》杂志安排下透过视讯,专访人在印度的阿杰德大师。在一小时的访谈中,他亲切地与我们分享了他半世纪多的习乐与演奏生涯、音乐理念及欣赏沙洛德琴音乐之道。以下内容主要来自当天访谈,部分参考自有关大师生平的资料及其过去的谈话。
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Preview 4月展开欧巡 精采乐章抢先听演出音乐演绎客家歌韵 NSO为文化竞技暖身国家交响乐团(NSO)日前宣布将在音乐总监准.马寇尔(Jun Mrkl)的带领下,自4月初起展开瑞士、德国、法国演出,总计7场音乐会。今年的欧洲巡演不仅曲目丰富,更邀请数位顶尖音乐家共襄盛举。在此行之前,NSO特地为台湾乐迷献上精华乐曲,让台湾乐迷先睹为快。NSO也同时宣布喜讯,音乐总监马寇尔的任期会从原来的2025年7月,续任至2028年7 月。 第一场音乐会「准.马寇尔、黄俊文与NSO」为「台南400 X 2024台南国际音乐节」的节目;隔天第二场则是在台北国家音乐厅演出「来自台湾2024欧洲巡演行前音乐会」。此两场皆由音乐总监准.马寇尔与小提琴家黄俊文(Paul Huang)的合作,与NSO演出经典的柴科夫斯基D大调小提琴协奏曲。乐团除了经典曲目德沃札克第8号交响曲之外,还有客家委员会委托创作,由作曲家李元贞将客家山歌与美浓当地的摇篮曲交织成交响曲的《美浓之道》。在客委会支持下,作曲家也将乐曲二度修改,让观众听见更不一样的感受。此外,也将首演NSO乐无界计划「一分钟交响曲作曲」中何昱辰的创作《莽原》。 去(2023)年完成美、日巡演之后,NSO今年则将以台湾爱乐(Taiwan Philharmonic)之名,以「来自台湾」为名巡演。宣告记者会中,文化部长史哲表示:「文化是展现台湾自明性的名片,也是我们的灵魂,这次文化部以『文化黑潮计划』支持NSO至欧洲巡演,巡演的最终站也将来到今年奥运主办国法国。文化部正积极筹划在巴黎文化奥运时,与世界各国一同进行一场文化竞技,此次NSO的巡演,可说是文化奥运前的暖身赛,也是最关键的一场音乐之旅。期待台湾在国际拥有最大能见度的此刻,让世界看见台湾在科技以外,文化将成为温暖全世界的暖流。」
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Columns 专栏人间父子不安的心,被戏剧拯救真:一年好快就过了。现在想起来,我的2023年大概可以用「不安」来概括吧?本来是想说时候到了,我应该休息了,所以就在去年把广告公司收掉了,结果上半年忙《清明时节》、下半年的《人间条件八》(以下简称《人八》),我发现自己的责任还是很大,根本也没有休息到。 尤其《人八》是一个全新的创作,我想要尝试几件事情第一,能否不要让观众哭?第二,时间长度缩减一些,让观众可以早点离开,来得及赶高铁⋯⋯反正就是各种全新的尝试啦,让我觉得很不安。当然,可能也是因为这个剧本离自己太近了吧,以前只要演完第一场,知道观众的反应,大概就会安心些,这次每一场都是一个挑战,每一场都有不同的忐忑。 谦:我嘛,倒是会用「平凡」来整理这一年。2023年参与的几个重要制作,比方说演出《叫我林彩香!》,或者是担任《人八》的执行导演这两个作品都与「家庭」扣得很紧,更让我意识到平凡的可贵。再加上,去年我自己又多了一个小孩,在家庭与工作之间,又得花更多心力去调配、思考平衡之道话虽如此,不管怎么调配,好像依然是手忙脚乱地度过,大概这种混乱的状态,本身就是一种平衡吧? 真:我根本忙到没时间去想「平衡」,从20几岁开始写剧本,工作的密度就一直都很高。以前最高纪录是一年写8个剧本。仔细想想也对你们很不好意思,虽然我人都在家里,不过眼睛跟脑袋似乎从来不在你们身上。 谦:可是我现在到这个年纪,好像愈来愈能够理解你的感受。像我工作完回家也是马上忙东忙西,照顾小孩,说真的也没办法思考怎么平衡两者。 这样说起来,去巡回演出的过程中似乎才可以真正放松欸?有一个正当名义离开原本的生活圈,专注在演出当下。 真:对!我也很喜欢巡演,可以暂时跳离很混乱的状态。排练完的时候大家都会聚在一起聊天,每次都聊很久,有些人还给这场合取一个名字,叫做「『吴』聊夜谈」,每次一聊都可以聊很久,那就是我放松的一种方式。否则平时忙成那样的生活,好像连「迷失自己」的时间都没有。不过,这应
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Preview 演出音乐中央C第一届音乐节「跨响」 替未来的音乐播下种子去年庆祝成立10周年的「台北中央C室内乐团」(C-Camerata,以下简称中央C),是台湾目前唯一由中西乐器混合编制的常态性音乐团队。成员包含笛萧、古筝、琵琶、笙,也有钢琴、小提琴、大提琴、打击、指挥及作曲家,团队以演奏当代音乐为主。由于这样的组合,发出的音乐声响具有时代意义,10年以来,已累积了相当多专业且精采的作品,并获邀多国邀请参与音乐节。历经10年经营后,今(2024)年,他们也将跨出新一步,以「跨响」为主题,在台举办第一届国际当代音乐节。 「跨响」的思考,就是以跨文化为基底,借由各种文化的交流与冲击,产生出具有「开拓性、前瞻性及在地性」的音乐景象。初试啼声的音乐节共规划两场演出,邀请了韩国Geori乐团及奥地利萨尔茨堡Gunnar Berg乐团前来共襄盛举。音乐节在概念上分为「演奏」与「创作」两个层面,上半场演出各乐团规划的曲目,下半场则与中央C一起合演,共发表4首全新作品。如此一来,不仅能够为这些特殊乐器的编制增添更多曲目与丰富声响,更能借由作曲家的想像激发演奏者更宽广的可能性。 这次受邀的两组团队,组成都有著与中央C共同的特色传统与现代的器乐编制融合。韩国Geori当代乐团由韩国传统乐器大笒、玄琴、奚琴及西洋乐器钢琴所组成。作曲家暨中央C艺术总监董昭民表示,几位传统乐器演奏者都是国宝级的艺术家,他们的表演不仅只有音乐会,也跟很多新媒体结合,例如影像、声音装置等跨域表演等。在这次的音乐会中,也邀请韩国作曲家李秀姸和台湾作曲家蔡凌蕙为中央C和Geori 当代乐团创作两团合奏之作品。 来自奥地利的Gunnar Berg 乐团则是由吉他领衔,加上人声与大提琴的团队。团员个别都是相当优秀的演奏者,但当组团时,即以当代音乐作品为主。董昭民介绍:「他们最知名的做法是跟文学连结,例如之前曾与英国作家合作,制作了『文学之日』,在全世界同时以同一位作家为主题来发声,引发不小的关注。」本次演出,则由英国作曲家 George Holloway(卢长剑)和董昭民为该团与中央C打造合奏作品。 对于这些当代音乐新作,董昭民认为:「台湾当前的作曲家大多是西洋背景音乐出身,这样的语汇对于国乐人来说显得艰涩。虽然西方作曲技法很强,但如何让东方文化变成再生能量,而非全盘引进来,这是很需要时间
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World 国际伦敦英国国家歌剧院宣布将总部从伦敦移至曼彻斯特前年11月英国国家歌剧院( English National Opera)遭文化部撤销全额补助,政府期望歌剧院能移出伦敦,协助其他地区发展歌剧艺术,若歌剧院能提出总部迁移计划则会回复补助。去年4月文化部同意给予2,400万英镑辅助国家歌剧院推展新计划,去年底歌剧院终于宣布将在 2029 年前将总部移至曼彻斯特。曼城是欧洲数一数二的大城市,却没有常驻歌剧院,国家歌剧院的新计划将改变这个现况。 经过严谨的讨论与推演,国家歌剧院在5座城市中选择了曼城(其他4个城市分别为伯明翰、布里斯托、利物浦和诺丁汉)。歌剧院认为曼城与其周边城市的合作关系紧密,未来发展将不仅缩限在市中心内,而决定移师该地。歌剧院将在未来两年陆续过渡到新的经营模式,并于 2029 年牢牢扎根于曼城。 歌剧院临时执行长莫莉卡(Jenny Molica)表示,透过与他们在大曼城的合作伙伴和股东的讨论,认知到曼城及其社区非凡的文化活力与愿景,她说:「我们期待与在大曼城的合作伙伴、艺术家及观众共同开启这个新的冒险,在地方、全国甚至是国际间创造一系列新的歌剧剧目。」大曼城市长柏纳(Andy Burnham)也对此地成为国家歌剧院的新家感到兴奋,更乐见歌剧院与当地艺术家一起创作的未来。 然而,将总部到曼城并不表示国家歌剧院将完全离开首都,歌剧院辖下位於伦敦的 Coliseum 剧院将持续营运,每季演出也如常计划,此举意味著歌剧院是扩展从首都的业务至英国北部,而非仅仅移居异地。但总部的迁移不可避免地造成Coliseum剧院的人事变动,歌剧院的音乐家与合唱团工会宣布将针对总部人事裁减决议,于2月进行罢工,这表示许多已售票的演出都将取消。于是歌剧院高层紧急展开与员工的对话,协商持续进行中,目前工会则暂缓罢工。
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Preview 法文音乐剧《唐璜》的翻转新诠演出音乐剧浪子唐璜 因为追求真爱而更了解世界对于热爱音乐剧的台湾观众来说,2024年会是值得期待的一年。 除了持续蓬勃发展的台湾原创音乐剧,近年愈来愈多元的海外授权、国外引进、抑或跨国共制之音乐剧,并不局限于百老汇传唱经典,还有来自韩国如《小王子》、《拉赫曼尼诺夫》、《伊底帕斯》,或如法语音乐剧《罗密欧与茱丽叶》,以各自独特之形式与丰沛的创作能量,进一步开拓台湾观众视野。 普世也跨文化的音乐剧题材 至于2024年,百老汇少数以亚洲为题材、改编自浦契尼歌剧《蝴蝶夫人》(Madame Butterfly),被誉为金牌制作人卡梅伦.麦金塔(Cameron Mackintosh)「四大音乐剧」之一的《西贡小姐》(Miss Saigon)即将来台完成许多人心中「最后一块拼图」。同样取材自歌剧的,还有法国作曲家费利克斯.格雷(Flix Gray)2003年创作的《唐璜》(Don Juan)以莫札特歌剧《唐.乔凡尼》(Don Giovanni)和提索.德.莫里纳(Tirso de Molina)戏剧《塞维利亚的花花公子与石头客人》(El burlador de Sevilla y convidado de piedra)为蓝本,再加上一点莫里哀(Molire)剧作《唐璜或石像的盛宴》(Dom Juan ou le Festin de pierre)。 巡回流动的,不只是制作本身,还有最关键的故事题材。韩国音乐剧《小王子》改编法国传奇作家圣.修伯里(Antoine de Saint-Exupry)同名小说、《伊底帕斯》取材自希腊悲剧,《拉赫曼尼诺夫》则深入探究俄国作曲家之人生困境。法语音乐剧《罗密欧与茱丽叶》改编自莎士比亚同名经典剧作,至于其所参考的故事原型,则来自16世纪义大利作家马特欧.班德洛(Matteo Bandello)短篇小说。于是,故事带著音乐剧穿越文化疆界,音乐剧也带著故事远征他方。或者,我们也可以说,成功的音乐剧题材,都具有某种跨文化共通的普世与独特。正如主角们改口唱起动人法文,却丝毫无损其西班牙(安达鲁西亚)浓烈热情的《唐璜》。
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Choice 生活摄影手札睽违五年 美丽不安的现代传说《毛月亮》再现寓言来临的末日派对 月光晕开未知之途 上帝的手随处涂鸦 人性与科技随之起舞 这场充满奇妙与美丽的身体寓言源于天文现象「月晕」,又称「毛月亮」。当郑宗龙第一次看到月亮周围泛起银白色光晕时,深深著迷。他心中想著,有一天要为它编一支舞。 古语「月晕而风」,暗喻事物即将转变的征兆,睽违五年,《毛月亮》再度于舞台上映照虚实。 2019年,郑宗龙与冰岛摇滚天团席格若斯Sigur Rs合作,将空灵既躁动的音乐横跨在无尽舞台;艺术家吴耿祯和世界剧场设计大奖的王奕盛,打造LED拼接巨型萤幕,穿透在迷幻的音乐氛围里。80片的萤幕像月亮牵引著浪潮般浮沉、翻转或横移,舞者以汗水、肌肉及全身力量与之对话,以原始纯粹的身体动力,突显身处这个时代的大哉问:如果我们可以透过萤幕上的几次轻触,满足各样需求和欲望,那么身体的目的是什么?这个问题只有身体本身能够回答。 大疫之后,所有计划都被迫取消,《毛月亮》仿若预言,肉体重新拓荒。2024年,恍如隔世,这场交织人性、科技和身体的派对再次降临。舞者化身为兽,姿态蛰伏,欲望呼之欲出,引领观众围观这座巨幅的身体地景,也藉著月光看照自身。
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World 国际巴黎文化事业沦为政治酬庸?法国新任文化部长引爆争议1月初,马克宏政府为了挽救岌岌可危的民调,进行内阁改组,宣布由右派政治明星哈希妲.达狄(Rachida Dati)入主文化部。此举不但震撼法国政治界,也引爆文化圈的一片挞伐。 现任巴黎第7区区长的达狄曾是法国首位北非裔的司法部部长。窈窕美艳的外表、野心勃勃的行事态度、敢战敢言的政治风格,使她成为法国政坛的话题性人物。而且,她从政后引爆的争议也从未停歇,无论是感情绯闻、生下私生女、煽动言论、涉嫌挪用公款等等。 上任首日,达狄表明文化部并非她决定入阁的首选,她更想要深入权力核心,随即又宣布将投入2026年巴黎市长的选举。此番引人非议的言论仿佛证实马克宏政府将文化部视为政治酬庸,掀起媒体界一片哗然。但总统强调,选择达狄担任文化部部长,是因为她的媒体声量和政治行动力足以突破艺文界的菁英思维。尽管如此,记者仍臆测这是马克宏在政治角力下的一步险棋。他想利用达狄顽强的战斗力拉拢右派选民,并扰乱长期由左派势力支配的艺文圈。 无论推行巴黎奥运的文化活动、圣母院重启、古迹修缮、庞毕度中心整修引爆的罢工运动、国家媒体续存所有人都期盼在时尚圈比在文化界有名的达狄该优先处理哪个问题。然而,她上任后宣布全力投入乡村文化平权,却没有提出任何配套措施。 以艺文产业为荣的法国似乎也落入选举角力的陷阱,让文化部成为政客迈向权力的跳板。全媒体时代下,艺文事业有没有可能跳脱边缘化的社会地位、明星化的趋势、意识形态和政治盘算的干预,成为一种全民共识?这个问题值得众人深思。
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People 人物焦点人物朱陆豪:从猴王到鬼王,不只是演出的再挑战《赝作锺馗》从一段轶事出发,已故西方戏剧理论家布莱希特位于柏林的卧室里,挂了幅锺馗画,据推测是清代画家高其佩的的仿作,而他与锺馗间的关系是什么?为何与这幅画共居人生的最后阶段?编导刘亮延将另一件轶事京剧演员朱陆豪在1997年即将前往德国柏林、汉堡巡演《锺馗》时,意外于台湾行前公演烧伤彼此互文,然后交织、纠缠。原以为要谈的是布莱希特与锺馗,实则是位于故事中心的朱陆豪,如何扮演、又如何诠释自己曾不再谈起的故事?
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People 人物追忆与悼念 In Memoriam小妹心中永远的「洪七公」敬悼胡耀恒主任口述╱王诗尹(台北表演艺术中心执行长) 我大学毕业的第一份工作,就是到国立中正文化中心(现为国家两厅院)观众服务组。因缘际会下,成为在5点下班后,协助时任主任的胡耀恒先生的「小妹」,才能与主任有更多接触。 「小妹啊,读书很重要。」喜欢叫我「小妹」的胡耀恒主任,总是看著我这张对他突如其来一句莎剧台词、或是古文而茫然的脸,意味深长地这样说。记得有一次,他突然说要带我去馆内绕绕,我想:「好啊,多好,跟著老板出去,不用待在办公室。」结果他把我带到表演艺术图书馆,要我进去看一看。我先是被图书馆丰富的馆藏吓到,然后就随手拿了本书,翻开却没在看,而是闻到了书的味道「好香喔!」这时胡主任才慢慢地走了进来,对我说:「书很香喔~」后来的我真的爱上书的味道,也真的爱上了看书,当年甚至还曾经进入表演艺术图书馆的借阅排行榜。但我知道,我永远也读不赢他啊。 我结婚的时候,他说好像自己嫁女儿。太太是美国人的他,跟先生是西班牙人的我,让他有点感触。后来有一天,他与我悠悠说起自己与师母的故事,觉得自己很对不起她,让师母这么早就跟著他来到台湾,只能偶尔回美国,本想著自己退休之后,该陪她了,却又觉得有好多事情想做,只好对著师母说:「这辈子我欠妳了,下辈子还妳,我下辈子再陪妳回去美国。」他看似在讲他的故事,其实是在提醒我,这些历程我未来也会遇到。这就是他教导我的方式,低调、温柔,也很亲密,像家人一样。
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Preview 用零对白的剧场语言演出戏剧《这就是人「身」啊!》 玩一场肉体的真心话大冒险每次连假过去,许多人最(不想)关注的就是又胖了几公斤。仔细想想,近年台湾社会对于我们的「血肉之躯」其实充满关注:从健身潮流、行人地狱到肉品食安,这些议题除了反映在生活中企图掌握身体主控权,背后也隐含著死亡或说回避死亡的旋律。 唱诵著相同的乐句,原文以肉身(flesh)为题的比利时静物剧团(Cie Still Life)作品《这就是人「身」啊!》(以下简称《人身》),以4则如短篇小说的故事,构成一场肉体的真心话大冒险。从肉身各种状态切入,创造一幅幅围绕死亡、没有对白又饶富悲喜、黑色幽默与寓意的当代社会镜像。 「情境」是静物剧团创作的起点。艺术家苏菲.林斯默(Sophie Linsmaux)及奥雷里欧.梅戈拉(Aurelio Mergola)在亚维侬艺术节工作坊相识后创团,两人都有文本剧场背景,其中梅戈拉还受过拉邦(Laban)动作分析和创造性舞蹈的训练。虽然其创团以来的作品皆以「身体」为核心关注,但不同于多数肢体剧团从集体即兴入手,他们的作品在排练前都经过缜密撰写。只是写的不是台词,而是配置各种元素与行动来创造情境:探病、揭开整形绷带、铁达尼号虚拟实境体验,以及分领亲人骨灰。他们和戏剧构作托玛士.范少伦(Thomas van Zuylen)紧密合作,在《人身》写实基调中,加入意料之外、超现实的转折。
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Preview 《镜:KAGAMI》与《TIME》演出音乐坂本龙一 Far Away, So Close敬畏之心,总让世人拉起隔线、保持距离,仿佛担忧若再靠近尊者一些,神圣就将遭侵犯。也因此我们很难不以一种在围栅外仰望的姿态,来谈论「教授」坂本龙一,尽管「教授」这称谓,其实是他昔日乐团Yellow Magic Orchestra(简称YMO) 的伙伴兼知交高桥幸弘,带著点幽默所取出来的,那比较像是个绰号,只因高桥深深佩服坂本解释音乐理论的能耐。 他们俩似乎也相约要一起道别人间,就在世界已然重建起新秩序、却又难息纷乱的2023年。高桥一月,坂本三月。时序转过一年,坂本龙一在逝世前几年隐忍病痛所构思、酝酿终至完成的计划,像是与艺术家高谷史郎合作的「如梦能剧」《Time》,以及MR混合实境的钢琴独奏会《镜:KAGAMI》,已在全球展开巡演,并在此刻绕行到了台湾。不同于「他不在,但作品还在」的喟叹,坂本龙一在罹癌期间对生命莫测的体悟,促使他重新思索时间与时空的延续,这也成为上述两部作品的枝干,并向我们延展开来:他还在,他一直还在,只是以另一种型态,只是以另一种状态。
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Columns 专栏脑海里的旋律音乐让大脑天天年轻过年家庭团聚,长辈桌中有位姑姑去年底刚庆祝米寿(88岁),她是有名的声乐教育家杨冬春教授。冬春姑姑气质真好!她容貌端庄美丽,举止优雅温婉,神采奕奕,看起来一点都不像快90岁的人。研究大脑科学的晚辈如我,可以大胆推测姑姑冻龄的秘方是音乐,因为生活里有音乐不管你是聆听者还是表演者绝对可以有效抵抗衰老,让大脑变得更活跃。 先用演奏乐器者(或演唱者)来举例吧!美国约翰.霍普金斯大学的一项研究中,科学家邀请饶舌歌手和爵士音乐家参与,想深入研究音乐如何影响表演者的大脑。参与的音乐家必须在磁振造影(fMRI)机器内即兴创作或演奏歌曲;这段期间,研究人员密切观察音乐家在表演时大脑的活化状况,结果让研究人员再一次对人类大脑的精密工作能力感到惊奇。 「音乐是结构性的、数学性的和建筑性的,」研究人员表示,「人们习以为常的读谱、弹奏,甚至一个音符和下一个音符之间的连结,大脑都必须进行大量计算才能理解其中的关系。」多听音乐、多演奏音乐其实都是给大脑最好的运动,这项研究的结果支持了其他类似的研究,证明音乐好处多多,可以抗衰老、提升专注力,增加健康指数,更有效减缓疼痛、焦虑和血压,甚至能改善睡眠品质、记忆力,也让情绪稳定。 美国佛罗里达大学的大脑神经科学研究团队则邀请了世界知名的小提琴家参与研究。发现音乐在人的外显行为和大脑功能等各方面,扮演了非常重要的角色。这项研究结果证实音乐可以改善认知和运动技能,减缓压力和忧郁症状,还能增进学习效率,并促进新的大脑组织生长。研究人员表示,当一个人听音乐时,大脑某些部分会活化启动,而这些都是我们的大脑小宇宙中相当有趣的区块,例如:处理听觉内容的颞叶、触发情绪的杏仁核,还有与做计划做决定相关的额叶、和理解力相关的语言区研究人员也发现,在没有任何先备知识的状况,要人们选择「对大脑有益的音乐」时,大多数人会倾向选择古典音乐;但科学家指出,其实任何音乐都好,以个人的喜好来选择,并把音乐融入日常才更重要。 讲到个人喜好的音乐,成长过程中听的那些,肯定特别能引起情感共鸣。瑞士苏黎世大学的研究团队正是从这个角度来研究音乐的抗衰老功效。听一首歌时,首先被刺激的是听觉皮层,大脑解码后让我们理解所听到的节奏、和声和旋律;接
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Choice 生活艺@书家庭是一道不确定与不安的界线《母亲 父亲 儿子:费洛里安.齐勒 家庭三部曲舞台剧本》家庭是世上许多人必须面对的课题。不论是原生家庭的父母、子女,抑或是因应个人生命与社会环境变迁,进而衍生的各种家庭型态。法国作家费洛里安.齐勒(Florian Zeller)的舞台剧本《母亲》(La Mre)、《父亲》(Le Pre)和《儿子》(Le Fils),就是围绕著「家庭」所创作的三部曲。 这三部剧本的故事各自独立,但故事之间的角色名字重复,且其扮演的家庭身分又有类似之处,以致于隐隐约约之间似乎可以理出一条轴线。仿佛是以一对离异的夫妻为核心,延伸到上一代的失智父亲,以及下一代心理状态不稳定的儿子,同时又牵涉到夫妻两人现在的情感状态,以及回溯两人曾共享的生活点滴。剧情背景设定在巴黎,召唤出的情感纠结却是不分国界的。名字是个代号,父母子女之间的关系才是重点,并且可以轻易连结到我们每一个观众及读者的经验,对照著我们每一个人在家庭中扮演的角色以及所处的位置。 齐勒生于1979年,22岁出版第一本小说。2004年以剧本《他者》(LAutre)进入剧场界。此后剧本创作不辍,并常与法国知名剧场演员合作。2010年至2018年间,齐勒陆续创作《母亲》、《父亲》和《儿子》,其间还穿插了多出剧本创作,包括《谎言》(Le Mensonge)、《幕后》(LEnvers du dcor)、《起飞之前》(Avant de senvoler),以及翻译为英文后扬名国际的《真相》(La Vrit)。这段期间创作的剧本题材未必有一致性,但有些元素确实有重叠之处。例如《起飞之前》里有位年长且思绪恍惚的父亲,不免让人联想到《父亲》里的主角。 或许因为齐勒的剧本常以看似松散的片段串连而成,台词浅显明快,没有复杂的情节起伏,也没有高深的生难词语。正是通过这样的风格,齐勒的剧本往往给人一种贴近生活、无所不在的现实感,但又似乎隐藏了许多未曾开口明言的事实。齐勒于2018年出版《儿子》一剧时,接受《舞台前》(LAvant-scne thtre)杂志访问,坦言他的剧本语言一向非常简单,而正是这种简单的语言令他喜爱剧场,在表面上看起来平凡无奇的文字背后蕴含张力,在简单之外保存了各
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Preview 台法共制扩增实境《黑》演出戏剧召唤历史角色 用科技开凿感性深处戏剧作为时代缩影,剧场科技也随著新技术的成熟发展,开展出属于当代独有的观演关系与形式,许多议题因此得到了新的展演可能,激发创作者与观众更多对于剧场艺术的想像与感受。2024年TIFA反应社会脉动,邀演两部混合实境制作,台法共制的扩增实境节目《黑》(Colored)便是其中之一。
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Review 评论戏剧死亡的黑色与迪米特里.帕派约安努的相遇2017年,希腊导演迪米特里.帕派约安努(Dimitris Papaioannou)第一次来台湾,搬演作品《伟大的驯服者》(The Great Tamer)。迪米特里以奇观式人体拼贴无限延展切割交缠,成为一幅幅伟大传世画作的谐拟(parody)不仅只是「再现」,而是解构原画作的原型(archetype)与再延伸的内在意涵,令台湾观众惊艳。 我却被迪米特里的黑色底蕴为之神移,「黑色」不单指舞台上黝黑的装置与色调,那些四处散落堆叠如厚土的地图板块,亦是如影随行附著于人物之间的死亡意象,就像巨大墓冢的阴影,笼罩在每个人身上。 如此暗黑的底色,衬托著舞台上戏谑嘲讽喧闹的画面飞扬翻腾,让其有足够拉扯的力量回返地面。虽然迪米特里全场「以轻御重」,来驾驭如此厚黑的底色,亦如最后一个表演者不间断地抵拒著地心引力的影响,鼓气吹起一片在空中飘浮的锡箔纸片,不让其掉落在地面上。黑色的意象让《伟大的驯服者》显露生命的终局:即使人类文明再怎样恢宏崇高,终需一死。面对死亡,人类惟有俯首称臣,谦逊以对,此为亘古不变的定律。 这样死亡的颜色,更彰显于迪米特里替碧娜.鲍许(Pina Bausch)逝世后的乌帕塔舞蹈剧场(Tanztheater Wuppertal),所做的《Since She》。作为乌帕塔创团以来,首位受邀创作的客座导演,迪米特里对碧娜与其创立的乌帕塔舞蹈剧场,发自内心诚挚的爱慕与尊崇,《Since She》犹如一封情书,一首向碧娜致敬的天鹅挽歌。 舞台上从未出现碧娜的身影,却处处显示碧娜的无所不在。碧娜犹如神祇被资深印尼藉女舞者Ditta Miranda Jasifi具象化,盘坐于舞台上层黑色泡棉所矗立的山峦之上。「死而复生」是《Since She》里一再重复的Motif(动机),处处充满圣经故事耶稣让死去的拉撒路(Lazarus)复活的意象,似乎是迪米特里幽微投射的假想:如果碧娜还在,将会是怎样的景况? 观看此作品的过程,数度让我热泪盈眶。忆起故人、想起逝去的事物,时移事往的过去已不复存在,惟有当下,才是幸存下来的人所能珍惜的。接踵而至的COVID-19疫情波折阻挠,迪米特里原订要在2022年两厅院国际艺术节TIFA,带来《横向定位》(Transverse Orien
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Choice 生活剧场ㄟ冷知识国家两厅院剧场硬体秘辛关于表演艺术场馆硬体设备的故事,北中南都有。但是作为场馆龙头的国家两厅院,在传统宫殿的外型下,内在空间设计却有不少匠心独具的巧思。即使落成于30多年前,在当时为往后使用上的考量,却是既周延又实际。走过富丽堂皇的殿堂,也逛过美轮美奂的驻店,但你可留意过隐藏在这两栋建筑物的秘密?跟著我们的脚步走,一起探访这些不为人知的角落吧!
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Columns 专栏布拉随意写分手快乐,下一个会是你吗?年终将近,又到了舞团一年一度舞者征选的日子,同时也将要面临舞者去留的难题。离职本来就是常态,每个人在不同的阶段都有不同的人生规划,各行各业都一样。不过在BDC,因为舞者条件的特殊性,所以总会希望他们能多待几年,除了身体训练需要时间培养之外,另一方面也是希望他们能有稳固的收入,生活也能安定。但要成为职业舞者,并不是容易的事,每天8小时的工,耗体力也耗脑力,东奔西跑的演出生活,有些舞者还不习惯,出去才3天就想回家,常拿其他职业舞团为例,人家是出门在外两个月,我们是出门在外天天想家,可能是台东太温暖,哪里都不想去。 再过几天就是舞者征选,想起这8年来的每一次征选,都带给我们难忘的快乐征选经验,他们大多是非科班生,只为圆舞蹈的梦想而来。虽然身体技术不成熟,但总能预见他们的未来,想像只要再多一点时间训练,假以时日,肯定会发光。不过这些原本爱跳舞的孩子都必须经历过一段最煎熬的过程,在亲身经历跳舞变成职业之后,才渐渐明白,掌声的背后,原来要承受这么大的压力,背负训练的苦痛,身体受伤的风险,新制作的脑力激荡,到演出时有修不完的笔记。跳舞已不再只是快乐这么简单,在梦想与现实中纠结,当梦想幻灭,热情不在,加上扛不住编舞者给的压力之下,离开的念头自然就会浮现。撑不了的,另寻他路也不是坏事,趁早梦醒,至少试过,人生也不用感到遗憾。而撑过最艰难的,在几年的磨练之后,确实都会有明显的成果,倒不一定是变得舞艺高超,但每一个人都能在台上发出自己的光采,让观众记得每一个独立的样子。 就在10月底舞团在澳洲演出新作《我。我们》第一部曲,彩排结束从剧场回饭店的路上,舞者小志突然跟我说他有事,直觉应该是想离开舞团,果不其然,当下听到的时候,心里有点失落。该来的还是来了,每年心脏都要经历两次不同的心跳动,一是舞者离团时悲伤的跳动,另一个就是舞者征选愉悦的跳动。但在小志分享他接下来的人生规划之后,顿时从难过转为开心。从小学念舞蹈班一路到大学舞蹈系毕业的他,跳舞这么多年,好像都没有好好思考过,除了跳舞,人生还有没有其他的选择,所以他想趁早转换跑道,尝试不一样的工作,在离开舞团之前,他早已经做好安排,决定到舞团邻近的国本农场学习,给自己3年的时间,为转业做准备,得知国本农场也欢迎小志的加入,心情也轻松很多。 BDC的工作方式有别于一般舞团,我们的生活跟工作密不
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Columns 专栏挑战边界20,704我不是每天都追踪我的步数,但我习惯看到的范围在6,000至8,000步之间。随著时间的推移,我已经习惯了这个范围,好像这些是我身体的限制。如果我能在一天内走20,704步,为什么我不常这样做呢?