PAR 表演藝術雜誌

泰国艺文界的年度盛事「曼谷设计周」（Bangkok Design Week）今年重磅回归，规模甚至比COVID-19疫情前更盛大。泰国艺文界蓄积了2年的能量，在这次的曼谷设计周活动大爆发，为期9天的展期邀请世界各地的设计师展出作品，有别于往年以静态的展览为主，今年曼谷设计周更加入了动态元素，邀请多个在地的工作室或旅行社举办主题式的社区漫步活动，让民众更深入了解曼谷各个社区的历史和人文故事。 其中一个由Studio11206工作室制作的《寻找邓丽君》算是相当新颖的尝试，设计团队以邓丽君6首歌为主题，安排多名演员在曼谷老城区进行表演，这些演员以街头为舞台，演出制作人设计好的故事并给出线索，让参与民众猜测每个故事对应的是邓丽君的哪一首歌曲，这样实验性的表演让演员不再只是停留在舞台上，还能跟观众互动，在寻找线索的过程中，参与民众漫步和穿梭在曼谷老城区的耀华力路和松瓦路街区，感受老城的魅力。 泰国华裔年轻一代绝大多数已不会说华文，但华人文化在他们的生活中仍占有很大一部分，邓丽君在泰国华人眼中更是华语音乐文化的代表。《寻找邓丽君》创意总监瓦卢（Warut Wimolkunarak）就是在邓丽君的歌声中长大的，虽然听不懂歌词，但优美的旋律和邓丽君歌声中的情意深深镶嵌在瓦卢的回忆里，因此这次要在早年华人到曼谷聚集的老城区办漫步活动，瓦卢就决定以邓丽君为主轴设计这出戏剧，并尝试用街头戏剧表演的方式，让参与民众有互动感和临场感。

「槟城庙会」始于1999年的兔年新春，是槟城最大型的民间文化活动，24年内从未中断，过去两年因疫情转为线上，今年回归实体，继续由槟州各姓氏宗祠联委会主办，大年初七在槟城乔治市古迹区多条历史悠久的街道举行，大大小小15个舞台，呈现各种戏曲、布袋戏、相声等演出，重燃民众对祖籍方言的热忱。本届庙会同时涵盖了区内23家宗祠会馆，根据不同的民俗主题策展活动，让民众自由入内参观，接触教科书上没有提及的文化瑰宝，总共吸引20万人参与。 承接庙会的余温，槟城最新文创园区COEX也带来一连三场别开生面的《诗词歌赋说相声》，由来自台湾的喜剧团团长翁铨伟联手大马卜卜剧场艺术总监程守明，结合两地的演员，将华人耳熟能详的著名诗句，加入台湾与大马的在地文化特色，改编成3至5分钟的搞笑段子，以对口相声的形式演出。翁铨伟和程守明都是赖声川导演作品《宝岛一村》的演员，因缘际会下促成这次的合作，演出内容轻松幽默，达到寓教于乐的目的。 佳节期间不忘关怀弱势群体，资深剧场演员林佳佳于2月底复出，在明新社主办、心剧坊呈现的单人剧《星星@海洋》中，饰演一位自闭症患儿的母亲，从高山到谷底，再从绝望到盼望、挣扎到接纳、害怕到坦然的心路历程娓娓道来。每场演出都邀请相关领域的专家和过来人现场与观众交流，分享语言治疗、特殊教育、家长心理辅导等资讯，借此提高社会对特殊儿童的关注，支援父母与孩子一起面对挑战。

今年初，「新加坡艺术周」以实体和线上形式登场，以「戏耍」为主题，从1月6日至15日一连10天，在全岛推出超过130项艺术活动和展览。值得一提的是作为艺术周节目之一的「岛：时基艺术节」（Islands - Time-based Art Festival），其名称取自于「没有人是一座孤岛」之意，试图为各种艺术媒介之间搭桥，让来自不同领域的艺术家们进行交流。 「岛」由艺术工作者林凯烈与谢燕芳联合发起，为艺术工作者们提供非正规、实验性的艺术表演平台。今年，「岛」邀请了19名艺术工作者，以「及时」为主题，一起探讨，面对各种危机与灾难时，人类如何处理自身与「时间」的关系。参与的艺术工作者呈现行为艺术、声音艺术、即兴表演、集体创作、舞蹈等；除了演出，艺术工作者们也进行讲座、为公众进行艺术工作坊。对喜欢肢体艺术、实验性音乐、非传统艺术创作的观众来说，这是新加坡难得一见的实验空间，也是独立艺术家向来少见可贵的创作平台。 同样为多元艺术创作提供平台的「M1新加坡艺穗节」，今年一改以往增设主题的方式，首次以无主题、开放式的形式邀请艺术工作者们思考：「你们关心什么？」，让这次的艺穗节百花齐放。今年的「华艺节」也已全面实体进行，邀请了台湾的果陀剧场、骉舞剧场、云门舞集、拾念剧集前来演出。除了大型演出，华艺节也推出「华艺酝酿厂」这个培育创作的计划，让独立艺术家在华艺节的支持下进行具实验性的艺术创作。 今年，观众有机会浸濡在一系列的实验艺术作品里，艺术工作者们则有机会在多元的、跨领域的艺术平台上进行实验性创作，这绝对是让人鼓舞的现象。

香港各界饱受3年疫情冲击和防疫措施之苦，政府硬说疫苗通行证和扫瞄「安心出行」应用程式的重要性，去年底神奇地一朝化解，交流又逐步恢复正常。好消息是剧场观众席可以100%开放，也大为减少取消演出的可能。过去3年都未能如常举行的香港艺术节，本来小心翼翼分阶段安排节目宣传，现在也终于顺利迎来海外艺术家来港表演，这对观众和艺术节来说真的是兔年最佳礼物。 毕竟防疫措施也刚放宽不久，大型歌剧应该要等明年了，但不少艺术节节目也颇令人期待。如由威廉．肯特里奇执导，里切卡尔古乐团及南非木偶剧团演出的蒙特威尔第《尤利西斯归乡记》；探讨环境与记忆之改变与消逝的《水之书》是集结多种表演媒介的音乐剧场作品；至于莎剧新玩法的舞蹈剧场《茱丽叶与罗密欧》就撕破了爱情童话，要回归现实的两人面对生活的残酷。 至于本地制作票房秒杀的肯定是《饭戏攻心》舞台版。去年的电影《饭戏攻心》票房异军突起，围桌吃饭的日常却是三兄弟面和心有刺的攻防战，担纲改编的陈咏燊是电影版编导，舞台版导演则是去年将庄梅岩新作《我们最快乐》以拆解和后设处理，加上形体探索，让观众眼前一亮的黄龙斌。 当一切复常，是否只是回到常态，或有新的可能？对不少艺术机构来说，去年开始了行政高层大变动，至今年陆续上任，也让人期待。如曾出任教育机构行政总监的叶思芬接任香港艺术中心总干事；资深作曲家和音乐策划龚志成出任西九文化区的当代表演艺术主管；原任香港艺术节发展总监的余洁仪，接任退休的何嘉坤为行政总监；将上任接替陈敢权担任香港话剧团艺术总监的会是本地著名编剧潘惠森。新年新气象，期待火花四溅。

评论网站「评地」剧评人票选2022年澳门「值得一记的演出╱现象」，11名剧评人共提名17部演出，其中最高票数演出为音乐剧《宜民家私店》和改编自澳门电影的独脚戏《蓝色时分》，两剧均获4票。这两部演出，一为面向大众的音乐剧，另一则为实验性小剧场，演出后均引来两极化的回响。 《宜民家私店》由澳门文化中心主办。2020年，文化中心推出「本地演出委约制作计划2020-2022」，投入近200万澳门币，委约创作4部全新制作。由徐灵芝执导、莫敬锋编剧的《宜民家私店》即为上述部委约作品之一，北欧家私店2020年首度进驻澳门，引起朝圣热朝，剧本讲述4个没有血缘关系的「家人」偷偷寄生在这个家私店，展开何谓「家」的思考。剧评人观察到该剧现场观众「近乎疯狂的热情」，现场尖叫、欢呼、掌声连连，但另一方面在不同的评论评台却出现大量有关编、导的负评，一方面有人认为它「触动心情的情节、贯穿各式名音乐以此致敬，引起共鸣。」亦有人直言「再一次教会人要客观看待自己的作品，作品不够好就别拿出手」。 而《蓝色时分》则为「足迹小剧场演书节」作品，由梁建婷创作、演出，莫兆忠编导的独角戏。该剧改编自周巨宏编导的电影短片《见光》，电影版的女主角梁建婷将自己在片中的角色独立成章，改编成独角戏，以意识流的叙事结构，呈现女主角跟父亲在荒野堆藏男友尸体时的交错记忆与心理状态。演后不少观众对剧作的叙事与表演风格表示费解，同时亦有剧评人认为是少有改编自本土电影的剧作，「整体演出是抽象的、小众的，但那就是自身特色。」

防疫政策开放后，中国演艺市场虽开始呈现全面复苏迹象，但网路直播间成为瓜分蚕食传统演艺市场「第二舞台」的苗头已势不可挡。据最新发布的《2022抖音演艺直播数据报告》显示，过去一年包括戏曲、音乐、舞蹈、话剧等表演艺术类直播在抖音开播超过3,200万场，平均每场观众超过3,900人次，迹近每天都有近9万场中等观众规模的演出在抖音上演。相反，即便是黄金演出季的五一假期，传统实体演出场次总和也只有5,900场左右。 截止目前，仅仅抖音的表演艺术网路直播行业规模已高达1,844.42亿，相关行业的直播帐号达1.41亿个。观看热度攀升最快的5大演艺直播类型为音乐剧、舞蹈、话剧、喜剧、杂技，其中白领观众热中的音乐剧直播观看人次较往年同期疯涨到978%。 同时，总计有231种戏曲艺术在过去一年开播超过80万场，从受众来分析，各年龄层对传统演出有不同偏好：90后、00后爱看相声，80后欣赏古琴古筝，而70后、60后则对京昆、粤剧、豫剧、黄梅戏等戏曲表演乐此不疲。 值得关注的是，观众踊跃为主播打赏已给直播市场和演艺经济赋予了新的动能。报告显示，近一年来抖音演艺类直播打赏的收入较往年同期增长46%，逾6万名的表演艺术主播月均直播收入高于万元人民币。有73.6%的戏曲艺术主播透过直播而收入不菲，甚至还让不少濒危剧种透过打赏等收入获得新的营运生机。 显然，直播对表演艺术行业有「打造新舞台、带来新收入、培养新观众」的价值。一些优秀的表演专案固然可获得更好的传播发展，但主播们的才艺和魅力能否持久地黏住观众，新的剧码能否经得起更为挑剔的3秒钟刷屏的检验，将是直播间作为第二舞台必须面临的挑战。

「我想要以维也纳艺术节（Wiener Festwochen）的伟大传统为基础，创造一个神话般、强大、又富争议性的艺术节。它应该要是能跟每个人站在一起，为每个人而发生的艺术节：一个让众多声音并存、形式多样，充满热情和战斗力的世界剧场。一个属于维也纳和这个世界的艺术节。」将于今年7月接任维也纳艺术节（Wiener Festwochen）艺术总监的瑞士剧场导演米洛．劳（Milo Rau）在新闻稿中强调。 米洛．劳的作品常直接以历史、社会与政治事件为题，梳理并揭露事件深层与多面向的真实，并以细致叙事手法著称，被评论称为「感性的政治剧场」（sinnliches und politisches Theater）。他在2018年接手比利时根特剧院（NTGent）时发表了〈根特宣言〉（The Gent Manifesto），声明「剧场里呈现的，不再只是描绘世界。这是关于改变它。目的不在描绘真实，而是使真实本身再现。」提问「戏剧能为现实做什么？」，并试图在根特建立一个可以专事国际巡回演出，属于「全球的人民剧院」。而今，他即将切换城市与文化视野，进驻维也纳，任期5年。 维也纳艺术节在每年5月和6月间举行，以戏剧、歌剧和舞蹈为主，邀请世界各地的艺术家与团体参演，约莫是 40 部作品、175 场演出、70 场音乐会的规模，每年约有18万人次参与，非常考验组织者的国际人际网络及动员力。宣布接任同时，米洛．劳也宣告合作名单上会有德国剧场导演帕西弗（Luk Perceval）、比利时编舞家布拉德勒（Alain Platel）和西班牙导演暨表演者安婕莉卡．利德尔（Angelica Liddell）。他也将在来年艺术节中发表结合现实中亚马逊地区原住民进行的抗争与古希腊悲剧《安蒂冈妮》的新作，评论家认为：「此作将在公众视野下，挑起长时间的讨论，远比传统、古典的剧场里能看到的任何作品都还要久。」

韩国政府于 1 月 30 日正式解除室内口罩禁令，除搭乘大众运输工具及进出医疗设施时仍需依规定配戴口罩以外，民众于大型卖场、学校、室内演出场馆等地，可视情况自行决定有无配戴口罩的必要。从国境解封到口罩解禁，国外演出团体及游客纷纷造访韩国，各种室内展演票券热卖，甚至更超越疫情前平均票房水准。 然而实际走访室内展演现场，仍可见多数观众配戴口罩，原因不外乎为健康与安全考量。韩国本土疫情虽已缓和，若因降低警觉而确诊，仍需履行7日隔离义务，造成生活及工作上的诸多不便。许多韩国民众认为，戴口罩除了落实个人防疫，也是照顾他人健康的积极作为；此外，口罩在冬季具有御寒效果，到了空气品质普遍不佳的春季，戴口罩也可以防止吸入微尘；也有民众表示，由于多数人在密闭空间内仍配戴口罩，不戴口罩反而招致旁人侧目，造成心理负担。 面对口罩解禁，展演企划方及场馆营运方依旧抱持谨慎态度。在中小型剧场林立的大学路，多数馆方仍贴出「自发性配戴口罩」、「未配戴口罩时减少交谈」、「建议于大厅及观看演出时配戴口罩」等告示，以维护观众及演员的健康；在儿童音乐剧的演出现场，开场前也特别呼吁全程配戴口罩。 虽然距离疫情前的「无口罩生活」还需要一段重新适应的恢复期，解除戴口罩义务，已经可以视为恢复疫情前日常的正向讯号。

甫于2022年10月在台北国家戏剧院带来《Q：歌舞伎之夜》（A Night At The Kabuki）的导演野田秀树，成为首位荣获表演艺术国际组织ISPA（International Society for the Performing Arts）所颁发之杰出艺术家奖（Distinguished Artist Award）的日本得奖者。这个奖项是由来自各国的制作人推荐及评选，鼓励为表演艺术奉献，且具备高度才华及艺术性的杰出艺术家。包含彼得．布鲁克（Peter Brook）、罗伯．勒帕吉（Robert Lepage）、碧娜．鲍许（Pina Bausch）、马歇．马叟（Marcel Marceau）、巴瑞辛尼可夫（Mikhail Baryshnikov）等都曾获此殊荣。本次获奖，归功于野田秀树的剧团「野田地图」（NODA．MAP）於伦敦沙德勒之井剧院（Sadlers Wells Theatre）演出《Q：歌舞伎之夜》的成功，并肯定该剧在疫情时代长期挑战在国际演出作品的精神。 兼具剧作家、导演、演员多重身分的野田秀树，除了在国际市场上备受关注外，身为东京艺术剧场艺术总监的他也从2018年开始发起「东京演剧道场」计划，亲身担任「师范」，邀请自己所信赖的国内外导演、编舞家等为道场学员进行各式类型的工作坊，成为培育日本年轻戏剧人才的重要推手。首届活动更吸引来自冲绳到北海道，8岁到70岁共约1,700多人参与征选，最后从中选出60人参与工作坊，集结成员发表4个版本的《赤鬼》一作。2021年开启的第二届「东京演剧道场」，则于2023年1月底起进行为期两周的演出发表，邀请导演柴幸男带领学员们呈现美国剧作家怀尔德（Thornton Wilder）的《小镇》（Our Town）。野田秀树表示，希望这个计划能提供戏剧工作者相互刺激的平台，成为演员们研习修行的场域。

位于塞纳河畔的巴黎市立剧院（Thtre de la Ville-Paris）与夏特雷剧院（Thtre du Chatelet）拥有160年的悠久历史。今年春天，这两间剧院分别将修缮完成与确认新任总监。它们的重振旗鼓不仅为巴黎带来崭新的文化风气，也透过表演艺术的光芒，提前点燃明年的奥运圣火。 2016年，市立剧院闭馆整修。距离上次修缮已长达半世纪，市立剧院亟需处理建筑结构的铅污染。但原本预计为期3年的工程延宕至7年，让迁址卡登艺术空间（Espace Pierre Cardin）的行政团队不得不与其他场馆共享大型演出。工程拖延的原因除了因应技术工会要求、将手动灯杆更换成电动悬吊系统，2019年在工地演出的沉浸式剧场《Dau》也严重破坏剧院墙面与地板，必须修复；加上疫情影响，市政府又追加剧院外观拉皮工程，整修总金额比原先预算增长1.4倍（注）。今年9月剧院终将重新开幕，并更名为「莎拉．伯恩哈特市立剧院」（Thtre de la Ville Sarah-Bernhardt），以纪念这位逝世百年的传奇女演员。 以轻歌剧为主的夏特雷剧院在2019年整修后，由麦肯锡（Ruth Mackenzie）担任总监，但她专断独行的作风引爆管理危机，又陆续推动大型制作，导致剧院亏损连连。隔年麦肯锡被迫辞职，剧院陷入无主窘境。尽管去年剧院卖座率高达95%，但节目取向青黄不接，遭致批评。2月初，前任亚维侬艺术节总监欧利维耶．毕（Olivier Py）正式入主夏特雷剧院，巴黎市政府希望借助他歌剧导演的专长和经营场馆的经验，扭转剧院颓势，开拓全新前景。 趁著两间剧院的汰旧换新，巴黎市政府也预计将分隔它们的广场打造成无车的人行步道，让表演艺术的能量注入巴黎市中心，向前来欣赏奥运的世界观众展现法国的文化风范。 注：整修预算从2,600万增加至3,600万欧元，约是新台币11亿7,000万元。

位於伦敦西南边富人区的皇家宫廷剧院（Royal Court Theatre）于上月宣布其艺术总监费瑟丝彤（Vicky Featherstone）将于今年结束前卸任，剧院已开始寻找下任总监。费瑟丝彤表示在未确定接班人前都不会离职，而她也尚未规划自己的下一步。 人称「剧作家的剧院」的皇家宫廷剧院有主舞台与黑盒子剧场两个空间，无论在哪个场地的演出都一定是由剧院与剧作家共同发展出来的新剧作。2013 年费瑟丝彤成为宫廷剧院第1位女性艺术总监，过去10年，她和剧院共同培育了超过600名剧作家。她让这间剧院的发展更广泛与多元，为许多来自不同背景的剧作家、导演、设计等开了一扇门，在给经验丰富的艺术家们一个平台的同时，也为这栋建筑带来不同的声音与创作形式，许多过去不认为皇家宫廷剧院会成为他们创作空间的艺术家都在此找到归属感。 接下总监那年，费瑟丝彤发起了「Open Court」这个为期6周的戏剧节，将剧院完全交给剧作家，共产出了 40 出新剧本与 133 场演出。她说：「当我在2013年开始这份工作时，我给自己设定了10年期限，这10年我一直坚持著我的方向。我无法用言语形容这工作带给我生活多大的改变，它永远充满挑战与活力，也非常繁杂。就像所有曾在这个位子上工作的前辈一样，这份工作带给我的，将永远成为我 DNA 的一部分。」 或许有人会觉得在费瑟丝彤领导下，剧院主舞台的票房不如前任总监们稳定，但也许是因她更专注于她认为重要的事：为皇家宫廷剧院奠定深厚基础，维持其作为新剧作剧院龙头的地位，她的大门不仅为背景不同的艺术家敞开，更能接纳新观众，让在剧院说故事不只是一件一本正经又严肃的事，而是无论年纪老少阶级高低都能共享的经验。