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他者
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焦点专题 Focus 关于体制暴力李奥森：警察是置身于所有混乱中的「共同他者」
同时跨足视觉艺术与表演艺术的李奥森，某段时间甘愿活成彻底的「他者」。 李奥森曾经留学美国、住过中国、待过《破报》、其后又曾流连于恒春，辗转漫游，不急著被定锚，他说：「那时候真的蛮快乐的，特别是在恒春的时候，早上戴著安全帽骑车，经过海边就在沙滩上躺好几个小时，帽子也没脱。」 彼时他已自纽约州立大学电影系毕业，副修社会学系的经历，也使其对社会的关怀始终如一。即便在那些空荡荡、无所可做的时刻，过去漫游的过程依旧使他长出敏锐的触角，时常能感知社会结构之下的巨大疼痛。 「我好像，很会想像别人的悲伤。」李奥森说，不大确定似的，像是摸索著自己的心，慢慢地说话：「我在美国念书的时候认识一群朋友，有个人10几岁就帮父亲背下几千万的债；有个人的母亲自杀，而自己是第一发现者；有个人不断尝试吞安眠药自杀被救起，最后仍旧离开了。在20岁左右的年纪，我就遇到了各式各样的人，自然会发现：原来他人的内在这么复杂。」 目睹他人悲伤涌进，李奥森在沉淀自身过后，慢慢尝试「做些什么」。先是与伙伴陈必绮以「鬼丘鬼铲」的名义发表创作，结合影像设计，不急著去定义自己，且让己身无可定义的状态自由探索、移动，轻触诸多边界，因此彼时的作品，之于观众来说也许更像是不小心打嗑睡以后的一场梦境，恍惚迷离，若有似无，难以被语言定型。而后，李奥森以自己的节奏缓步慢行，推敲出独属自己的叙事语言，今年7月即将登场的《切割、破裂、凝聚、碾碎、警察》（以下简称《切割》），即是一例。
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焦点专题 Focus让「他者」为我们自身产生意义
「从布鲁塞尔到维也纳，在欧洲城市策画国际艺术节的经验，常让我思考：国际节目的意义是什么？我们为什么需要让舞台作品从自身脉络，移动到另一个脉络演出？我们常期待国际艺术节要为观众带来不一样的作品，呈现不一样的语言、故事与叙事形式。但当台下观众对作品创作背景完全陌生时，我们这样做的意义何在？又能有什么更恰当的处理方式？」这是奥地利维也纳艺术节艺术总监Christophe Slagmuylder在讲座上提出的一连串问题。 透过艺术，邀请观众迎向未知 回望历史，欧洲城市的国际艺术节多在二战后出现，为要对抗任何形式的孤立主义。如Slagmuylder任职4年的奥地利维也纳艺术节（Wiener Festwochen，1951成立），便始终保留这样的期待与精神：「战后当维也纳与奥地利因法西斯与纳粹主义而孤立，我们因此更需要重新与世界连结，在艺术与文化领域和国际对话，促进生活、开放与对未来的想像」。 「与世界交流的立意虽良善，有时也不免在挫败中，再次让我们看见或许牢不可破的本位主义。」Slagmuylder认为，面对不断的观点挑战，他始终深信艺术与创作者能更深刻地让我们看见自我处境。艺术创作就像请邀请观众迎向未知，从陌生的事物中更接近自己。既然如此，作为策展人的我们能如何促成这一切？ Slagmuylder回忆，2006年，为了隔年接任布鲁塞尔艺术节艺术总监，他第一次远离欧洲来到东京，看了当地一位艺术家冈田利规的作品《三月某五天》。即便完全听不懂日文、也没有英文字幕，更完全不熟悉剧中探讨日本年轻世代的创作背景，但依然深刻对艺术家想说的事产生共鸣。这次的体验让他更加相信剧场就是一种语言，能接受各种开放诠释。许多时候，唯有透过剧场、舞蹈等艺术创作作为语言，才能带领我们借由经验面对未知。这是剧场创作之所以珍贵且必要的原因。 因此他说：「我们的责任在于为观众在舞台上创造这样的相遇。」这种相遇还必须是现场的、肉身的；如当时，即便听不懂日文，但现场感受到的所有声音细节，语言内涵的节奏韵律，身体或动或静的状态，仿佛都述说著一切。的确，作品许多关键讯息或幽微细腻之处（例如冈田利规充满东京地域特色的口语，实在难以转译），或许无法被掌握，但意识到文化特异性的存在，也是面对未
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专栏 Columns为什么要慢慢的动？
若拿拉冈的理论与「身心灵」舞蹈刻意想要渲染一股所谓「东方情调」的「符号表示」对照，就很容易让我们看到身体沈缓移动的建构，基本上是挪借表演的概念，将之错置于文化主体的言说中。