PAR 表演艺术杂志

Q：请谈谈您的背景和成立舞团的动机，其愿景，以及发展的现况？

A：块动舞蹈视觉剧场成立于一九九五年。在那之前，我为许多不同的舞团和独立的团体创作并接受委托编舞。初期，身为一个独立编舞的经验教了我很多，但经过几年独立的工作模式之后，我开始想与特定的人，在一定的条件下共同合作，以完成比较接近我的兴趣和想法的作品。我从来没有任何兴趣经营自己的舞团，但为了我的创作理想，这似乎是最明显的解决方案。现在，我们经常巡回世界各大城市发表大型的制作，也在我们的家乡墨尔本持续发表创作与表演，亦积极致力于支持和培育年轻创作者，并开设大量的训练和讲座课程。

 

Q：请谈谈您对肢体动作，或者说，舞蹈的兴趣？为什么对科技也特别感兴趣？又为什么在您的创作中，舞蹈与科技几乎不分家？

A：当我回顾过去五、六年之间的作品，我可以把自己创作的兴趣分为两个主要的类别。

第一类是借由科技创造想像的画面，透过这个画面对照我们如何看待自己的身体，以及身体周遭的空间。科技能够创造出多层次的观感，肉眼虽然看不到，但我们知道也隐约知觉，有些层次可以透过其他感官，去察觉它们的存在；拿我与Frieder Weiss共同创造的东西为例，我们创造一个从身体发射、环绕著身体、或与身体连结的光源。这一类通常不会是叙事性作品，结合动作和编排之后，科技成为一个整合的机制，把美学和感官的刺激呈现在观众眼前。

第二类的作品是完全不同的。以Tense Dave（暂译：紧张大卫）和Two Faced Bastard（暂译：两面人浑球）这两个关于人类行为与「人际相处得来或相处不来」的作品为例子；这类的作品探讨人如何企图与其他人打交道，虽然获得的答案往往不尽理想。这种孤独感，在我的两大类作品中都是共通的。

我喜欢肢体在空间中移动，借由动力建构造型的形式作品，但我自己在创作时，倾向于削弱自己。对我来说，身体在空间中的存在，很轻易显露出人们的处境，或某种关系，人在舞台上不能绝对抽象。人在舞蹈中既是一个机械的形态，也是一个有情感的人，这种内在的矛盾，不但是个弱点也是个优点。一方面我无法在舞台上达到我所感兴趣的抽象，但另一方面，因为大家对人体的特征与情感有某种程度的辨识度，观众能在我的作品中找到交集。

 

Q：《致命引擎》是如何发想的？在谈到人际关系，人性冲突和内心的黑暗等议题的同时，是否在作品中潜藏任何寓意，或是比较个人的想法？

A：我对于从各种角度去揭露我们自己，以及我们所身处的环境很感兴趣。我尝试以有形的形式加诸于无形的素材，看不见，但可能感觉得到。本来我想用影像投影作为光源，照亮台上的舞者，而不是只有显示图像。我一直计划如何使用预先录制好的影像，直到我遇见了Frieder Weiss（互动系统设计师）。他对借由舞者的动作，透过感应去产生即时影像方面的工程已很有经验；因此，我原来只利用既定影像作为光源的想法，立刻被发展成为一个更加复杂、与舞者互动更加紧密微妙的方式。同时，除了美学的呈现之外，我们也展现了动力学的关系。

Frieder和我第一次合作时，我们创造了一个规模较小的独舞，名为Glow（暂译：光），这个作品和《致命引擎》都有一个共通的主题——探讨人类的双重面相，企图用作品来解释每个自我中，几乎不能妥协的那个面相。前期我们发现，由视觉讯号所半自动创造出来的阴影和影像，为动作中的舞者提供多种不同的场景和效果，不但制造出可以进或出的场域、为舞者提供照明效果，也可以透过舞者传递光源，这些成效为我们所探讨的主题提供了独特的视觉化效果。后期在制作《致命引擎》的时候，我们借用这些发现更深入地探讨：当舞者们聚集在一起形成合体时，从短暂的一刹那中，如何揭露更真实、更可辨识的紧张关系。

 

Q：在《致命引擎》的创作过程，创意团队是如何工作的？是先有动作，灯光，或是音效？如何把所有元素统整在一起？

A：当Frieder和我决定创造《致命引擎》这个比独舞《光》更为雄心勃勃的制作时，我觉得它需要增加另外一个创意元素。我们开始对于使用比较少的可控制元素感到兴趣，以更多不可预测的讯号源取代，比如利用电子系统内的噪音，来创造更暗、更有机的视觉环境；讯号源仍然连接到舞者身上，让这些图像也有了他们自己的生命，一种不安定的活动方式。我曾经看过示波器艺术家Robin Fox的作品，并留下非常深刻的印象。我想像著在他的作品中，把音乐波频具体视觉化的质地，就好比看到音乐穿透舞者的肢体呈现在舞台上。他强烈的音乐和视觉风格，也类似于我某些创作概念。

作曲家Ben Frost是这个创意团队里的最后一块拼图。我本来已经使用了一点点他过去创作出来的现成音乐，但从来没有真正与他合作过全新的东西。我们几乎同时一起工作。大部分利用较长的一段时间一起创作，有时我们会分开，各自去准备隔天要整合在一起的素材。有些场景是配合舞蹈的想法，有些是配合影像的想法，有些则是由音效或音乐来启动。

 

Q：这种相互作用中每个元素所需要的高度准确性，是如何完成的呢？

A：在舞台上，摄影机和投影机的架设工程，必须非常精准，让影像资讯传输到电脑中，产生明确的声音和图像。一旦系统架构准确，就不难达到精准度，因为光线和声音是透过舞者的行动反应而生的。我们幕后的五位技术人员跟台上的舞者一样，非常了解这个作品的每个细节，演出时的每一秒钟，他们也可能都是非常忙碌的。

 

Q：那么多年从事舞蹈科技跨界创作的经验中，您遇到哪些挑战，如何克服？如果对有兴趣从事这类创作的朋友分享经验，您会怎么对他们说？

A：我的作品种类很多，包含许多的小品和大型制作。所有大型制作需要大量艺术创作者的参与，《致命引擎》也不例外。不同的是，这个作品赋有高层次的技术实验性质，不仅仅是舞台上的表演具备实验性，为了完成这个作品所使用的机器和系统也是；试验、控制和操作《致命引擎》的每个演出，是个很大的压力。我们研发技术的同时还要创作，在排练场需要具备很多的耐性。透过这些媒介去想像可能发生的事件很快，但是要把想像落实下来或许需要几个星期的研究、程式化、和创意化的时间；最后，最初想像的大部分可能，会演变成为很不同、很超乎想像的结果。对我而言，这个结果虽难免令人沮丧，同时却也很值得兴奋——发现新的结果，一个我们都无法独立完成的结果。

我会鼓励其他有相同兴趣的朋友，带著冒险的好奇心与勇气，还有最重要的——耐心，进入这个领域。