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Richard Wagner
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焦点专题 Focus超越生死的黑夜宣言
理查．华格纳的《崔斯坦与伊索德》（Tristan und Isolde）是音乐与歌剧史上重要的里程碑，不仅代表著他个人创作生涯的关键转捩点，更是对人类情感与潜意识的深层挖掘。作品最为人称道的和弦与动机紧密交织，打破了传统和声的疆界，营造出永无止境、无法获得满足的强烈渴望与不安定感。对华格纳而言，独特的和弦并非刻意的叛逆，而是他用以实践「过程的艺术」之核心工具，透过不著痕迹的和声转换与极致成熟的管弦乐混合声响，让难以言喻的爱与渴望在音乐舞台上得到完美升华。 为了引领乐迷深入这场极致的美学革命，本专题特别规划了双向视角的深度探索。专题前半部分著眼于历史与创作脉络：上篇将带您回到华格纳创作此剧时的人生际遇，探寻他内心的知性情愫与《威森董克之歌》的诞生渊源；下篇则深入剖析剧本对中古史诗的改编、主角几乎完全抽离现实并处于主观内心世界的独特剧本结构，以及其在调性与和声上的伟大美学成就。最后则将目光投向当代的舞台实践，聚焦于台北市立交响乐团即将在9月推出的年度歌剧盛事。我们抢先剖析这部德奥最具挑战性的巅峰巨作，探讨导演如何扬弃写实时空，以白昼与黑夜的深层隐喻，带领台湾观众见证超越生死的灵魂救赎与情感骇浪。
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焦点专题 Focus华格纳《崔斯坦与伊索德》 咫尺天涯的爱情宣言（上）
文学热爱者华格纳（Richard Wagner，1813-1883）的图书收藏里，与19世纪欧洲中古文学相关的著作占了一半以上，骑士崔斯坦自在其中。但相较于其他酝酿多年的写作计划，华格纳起心动念以其为核心写作歌剧，则相对地晚。在他的《崔斯坦与伊索德》（Tristan und Isolde，1865）（注1）之前，舞台作品使用「药酒之爱」的杰作，远有莎士比亚（William Shakespeare，1564-1616）的《仲夏夜之梦》（A Midsummer Night's Dream，1594-1596），近有董尼才悌（Gaetano Donizetti，1797-1848）的《爱情妙药》（Lelisir damore，1832），二者皆为喜剧，并且药酒之爱在全剧仅为插曲的功能。 在华格纳以崔斯坦为主角的作品里，药酒则跃居全剧核心，成为渴望爱情的同义字，映照著作曲家写作该剧时的人生际遇。华格纳于其中发展出的音乐戏剧语言，让该作品不仅为其个人创作的转捩点，更是音乐史与歌剧史上的里程碑。
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焦点专题 Focus华格纳《崔斯坦与伊索德》 咫尺天涯的爱情宣言（下）
华格纳《崔斯坦与伊索德》的源头为勾特弗利德（Gottfried von Straburg，约逝于1215前后）未写完的史诗《崔斯坦》（Tristan），由它衍生出众多不同语言的「崔斯坦」小说。文学里，恋爱中的男女不顾世间的道德规范，沉浸在自己的爱情中，那份执著直让世俗的道德观显得可笑，使19世纪德语文学界对它产生高度兴趣，而有许多译本和延伸之作；华格纳的图书馆里至少就有3个版本。相较于华格纳其他作品，会由不同来源取材重新编排，《崔斯坦》的情节皆出于「崔斯坦」文学，但聚焦于男女主角的爱情发展，骑士事功仅选择性地在背景呈现。 文学里，崔斯坦生命里有3个伊索德：他为马可王迎娶的少女伊索德、她的母亲以及因战功被赐婚的伊索德。歌剧的剧情虽集中在少女伊索德上，其他两位也留下了痕迹：文学里治好崔斯坦伤势的是母亲伊索德，歌剧里转给少女伊索德；文学里的舅舅莫洛（Morold）在歌剧里成了未婚夫。文学里，崔斯坦因致命伤势，少女伊索德是最后的希望，在见到搭载她的船只踪影时，赐婚但不被爱的伊索德告诉濒死的骑士，是黑旗，崔斯坦绝望逝去；少女伊索德上岸后，躺在崔斯坦尸体旁，亦离世。华格纳1854年12月16日给李斯特的信中写著：「我好想以全剧结束时飘动著的黑旗盖著我自己，并且就这样地死去」，即是影射文学原作。歌剧第3幕里，最终则仅留下了男主角问「那旗？那旗？」（Die Flagge? Die Flagge?）。
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焦点专题 FocusTSO汇集当代名家，挑战会「吃掉歌手」的《崔斯坦与伊索德》
在音乐史上，理查．华格纳有著突破传统、颠覆音乐史的定位，而他所创作的《崔斯坦与伊索德》，无疑是这场美学革命中最具代表性的里程碑。这部作品不仅打破了传统和声的疆界，更是对人类情感与潜意识最赤裸、最深邃的挖掘。 今年9月，台北市立交响乐团（TSO）将推出这部德奥歌剧最具挑战性的巅峰之作。这也是 TSO 首席指挥亚历山大．里柏瑞契（Alexander Liebreich）首度率领乐团制作歌剧，在他的引领下，结合国际一流的华格纳歌手与国际知名歌剧导演克里斯蒂安．雷特（Christian Rth），带领台湾乐迷一同走进这场震撼心灵的作品。 挑战歌唱极限，与死亡擦身的「歌手吞噬者」 演出长达4个小时、充满极端情感张力与高密度管弦乐声响的《崔斯坦与伊索德》，至今仍被公认是歌剧史上最具挑战性的作品之一。对所有歌者而言，这部作品都是体力与精神的极限挑战；其中饰演崔斯坦的男高音，更被公认是歌剧界最艰巨的角色之一。尤其在第3幕中，几乎全由崔斯坦主导，他必须在濒死、恍惚的状态下，几乎独力支撑起近一个小时的演出。正是因为如此超乎常人的体能与情感负荷，无怪乎歌剧世界里长期流传著一句话：《崔斯坦与伊索德》是一部会「吃掉歌手」的作品！ 回顾历史，此剧的诞生过程确实充满了近乎神秘的悲剧色彩。1862年华格纳完成此作后，维也纳宫廷歌剧院展开首演准备。然而，面对前所未见的调性模糊、庞大的背谱负担与乐团演奏难度，在历经两年、多达77次的排练后，维也纳宫廷歌剧院最终宣布这部作品「无法演出」，首演计划也因而被迫取消。当时参与排练的男高音安德（Alois Ander），甚至因长期排练与巨大压力而身心俱疲，在公开表示作品「无法演唱」后，也在首演计划取消后不久辞世，为这部作品添染上了悲剧况味。 即便后来在巴伐利亚国王路德维希二世的全力支持下，觅得有传奇「施诺尔夫妻档」（Das Ehepaar Schnorr von Carolsfeld ）之称的男高音路德维希（Ludwig Schnorr von Carolsfeld）及女高音玛尔维娜（Malvina Schnorr von Carolsfeld） ，首演之路依旧波折不断。虽然饰演伊索德的玛尔维娜在首演前夕突然失声，导致演出延期3周，
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焦点专题 Focus 导演的魔法听歌剧与看歌剧——以《弄臣》为例
相较于之前300年的发展，20世纪歌剧创作与演出的情形明显有两大相异点，一为新歌剧创作的数量锐减，一为歌剧演出剧目主要为既有歌剧，至今依然。不仅如此，20世纪以降，歌剧演出扮演的重要角色在歌剧史上前所未见，甚至列入新创歌剧的考量，作曲家与歌剧导演、舞台设计携手，共同规划作品的世界首演，几成常态；精采的首演制作也能遮掩作品本质的不足，是否能被一再演出，进入常演剧目行列，还是取决于音乐。随著歌剧制作日益重要，歌剧导演亦走向专业化。 「歌剧导演」一词源自德文Opernregisseur，意指主控歌剧整体制作的人，严格而言，系20世纪以后才有的名词。在此之前，歌剧演出并无专业导演，系由歌者依剧本的内容自行发挥，或依著剧本中写明的场景及动作来演出。19世纪最后30年里，华格纳（Richard Wagner，1813-1883）藉其创立的「拜鲁特音乐节」，以其自身的作品付诸实验，展现人声、乐团与舞台合一的剧场作品理念，其中，音乐为主要的推动力。20世纪初，受到话剧剧场革命的影响，歌剧创作在叙事手法及戏剧结构上，都有相当大的改变，歌剧不再只是以人声唱出一个剧情的方式，「音乐剧场」的雏形隐然可见，也挑战传统的歌剧演出方式。另一方面，亦是20世纪初，马勒（Gustav Mahler，1860-1911）在维也纳歌剧院进行诸多改革，与舞台设计罗勒（Alfred Roller，1864-1935）的合作是亮点之一；理查．史特劳斯（Richard Strauss，1864-1949）与霍夫曼斯塔（Hugo von Hofmannsthal，1874-1929）借助剧场奇才莱因哈特（Max Reinhardt，1873-1943）之力，确保《玫瑰骑士》（Der Rosenkavalier，1911）成功首演，都显示指挥家、作曲家对舞台演出的重视。（注1）