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蓬莱
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艺号人物 People 剧场导演、编剧、演员李易修 保持距离，返照自身（上）
「可能我不太喜欢人类，比较喜欢陌生的、遥远的、有历史感的、非现世的东西。」拥有导演、编剧、演员等身分的李易修如是说。 从自己编导的第一部编导作品《大神魃》（2009）开始，「超神话三部曲」在约莫7年后才进到第二部《蓬莱》（2016）；另外则有以都市怪谈为主题的《金银镯》（2022），以及即将首演的国家表演艺术中心3馆共制作品《鲸之嶋》，写属于台湾的寓言故事，这两部被强调不是「超神话」的作品因此，也非由李易修编剧。无独有偶地，都由「非人」担任主角，而《蓬莱》与《鲸之嶋》更直接与偶戏合作，转化「非人」的表演。这几部以自己团队「拾念剧集」创作的作品，与李易修与其他团队合作的、以「人」为主角的制作，产生明确区隔。 瞇起眼角的鱼尾纹，李易修笑说：「我的作品都神神鬼鬼的啦。跟人类、世界保持一个『距离』，我会觉得比较有美感。」但美感不只是一种直觉，在与现实拉开距离的当下，他所想的是：「保持一个距离，反而可以返照自身，有与现世对照的机会。」不过，他在剧场创作里所保持的「距离」或许不只是与人类、与现实、与世界，可能更是从他自身的生命状态、创作模式而拿捏著这些忽远若近的距离。
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艺号人物 People 剧场导演、编剧、演员李易修 保持距离，返照自身（下）
与「戏曲」的距离：拆解与重组后的异质感 李易修与「戏曲」的距离，好像又近些去年以一心戏剧团《当时月有泪》（2021）入围传艺金曲奖最佳导演奖，同时也有《金银镯》于台湾戏曲艺术节中演出。今年则再次与一心戏剧团合作，担纲《狩瘟残书》编剧。 他的「戏曲」经验来自「南管」。研究所一年级时，因为好奇去听了汉唐乐府的演出，后来又到大学部旁听艺师王心心的课程。李易修笑说：「我是最认真的，从头到尾都在。」其中，有个因素是南管戏所用的泉州腔，与自己家的台语相近。 后来的李易修以这种运用南管音乐演绎的「梨园戏」作为毕业制作，在此之前，也到江之翠剧场学戏，他说：「我在江之翠（剧场）那边是学戏，不学南管。原因是会乱，因为就算是同一首歌，每位老师唱的都不同，而老师都会想把你调成他的样子，我脑容量不够，没办法接受一首歌有那么多版本。」另外，他也到中国学习乾旦技艺，这是自己有兴趣之处。可惜的是，李易修笑说自己太高，只要演潘金莲，就找不到西门庆，因为任何演员都会变成武大郎。 虽说如此，李易修并不认知自己的创作是梨园戏。他说：「其实南管的做唱跟戏曲音乐是不一样的，戏曲音乐会比较快，然后用嗓的方式跟做韵、做旋律的方式会比较不一样。」他以「南管」作为创作主体，接著说：「真正在做梨园戏的人，也不会觉得我们是在做梨园戏。」因此从《大神魃》开始就自我定位为「南管音乐剧」，也就是将南管音乐视为一种音乐形式，而将其「音乐剧化」，与表演、对白产生质变。 「南管音乐剧」这个说法也让李易修的作品与「戏曲」产生距离他不会拒绝作品被认知为戏曲，却也不认为自己是在做戏曲创作。他说：「真正在做戏曲的人来看，就知道我们不是戏曲。比方说，我们放弃使用锣鼓点，会用二弦去模拟奇怪的空间感，然后使用与梨园戏不用的乐器，像是打击乐器打出类似的锣鼓点、节奏。我们就是用场上的各种乐器来处理，都不是原本后场的使用方式。」 过程里确实制造出其所向往的异质感，他说：「我们就是拆解再做，但『拆解』倒不是为了搞怪，而是如果沿用梨园戏原有的锣鼓点，用梨园戏的程式，那我就会被当作梨园戏来评价，但我本来就不是要做梨园戏，而是现代剧场。」此时，他反而又与现代剧场拉近了距离
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戏剧
化繁为简的美学，自一连绵的叙事
整出戏皆是由「似是抑是」所推动前进的，让我们跟著无头鬼，听著众口纷杂的指令与解释，然而每次正当我们以为已经掌握了什么，先前认知却又被推翻。或许正如剧末旱魃精卫之言：「我的恨有多深，东海便有多深。」看似客观的自然界，实是由心相所决定，那么如此叙事方式，是让观众混淆、是增添一抹远古神秘感，抑或刻意在蜿蜒曲折间开展出无垠的映影，让乘载著意义之头颅飘向国族、寓言、土地、人性或文明，倒也取决于个人了。
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总编辑的话 Editorial科技始终来自于人性？
提到科技与艺术，会想到什么？是AR、VR，在台上拍电影？或从电视到Youtube、Netflix或爱奇艺？还是视觉、听觉如幻觉，更能跟机器人同场共舞、飙戏？等等，让我们先把时间回溯，将科技两字的科学与技术分开，深究在表演艺术界、从一九六○年代开始，在创作者们一面思索、一边想像的半世纪以来，于表演艺术场域所实践的种种技术和两方的互涉关系。 而时至今日，即使我们每一个人都能在掌上拥有世界，甚至有著虚拟一切、化无形为有形的超强能力，站上舞台的身体、亲临现场的观众，仍观看、感受并行动著，并构成「意义的可能空间」，换句话说，即使展演可以「无人」或「去人」，也不能真的「没人」。于是，在「科技始终来自于人性」这句广告语旁，或许还得加上一句「想像力就是你的超能力」。 除了简述当代影像科技的发展史、一探新媒体时代的身体展演外，本期专题也以表演艺术与科技相关的三大关键字：「几何、影像、机器人」为重点，看看艺术创作者们如何结合、延伸他们的想像，在舞台「泛科学」实践。 而取材自山海经、融合南北管与现代音乐的《蓬莱》和改编自艾莉丝．孟若短篇小说的《亲爱的人生》，两部作品也将于三月在国家剧院演出。《蓬莱》演员之一、新生代剧场新星崔台镐，即在本期「聚光灯下」受邀登场，我们也借此机会带读者一探这位在舞台上非常具有「存在感」的演员，他在台下真实的生活又是如何。而另一头，在紧锣密鼓排练之际，《亲爱的人生》编导王嘉明和「超爱」孟若的小说家李维菁，则同桌相谈，一边低头翻书、分享彼此喜欢的孟若故事，也一同崇拜赞誉，这位诺贝尔文学奖得主看似朴直简单、实则深藏难料的文字功力和写作策略，当然，最令人好奇的，仍是导演王嘉明如何将「时间的皱折感」给搬上舞台。
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聚光灯下 In the Spotlight 剧场演员
崔台镐 极具存在感的绿叶 自认无聊的老灵魂
当年抱著星梦踏上舞台，现在却踏上以剧场为主的演员之路，崔台镐每回演出未必是主角，但在舞台上恰如其分的存在感，却令人印象深刻。朋友说他长相嫩，但个性老，如果硬要帮自己贴上标签，他首选「无聊」，是他对自己生活状态和心境的直观点评。他不轻忽自己在台上丢出的任何讯息，「有时你随意增添一个小笑点、小台词，都会影响整个作品的完整。」相较于个人表现，他更重视作品的传达与沟通，尊重每个作品的使命。
