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攝影手札《素度》方妤婷系列
從我的美術養成時期延伸至今的人體動態速寫，藉助律動中的舞蹈身影為筆，輔以攝影的中途曝光技法，將手操作炭精筆摹寫對象的動態過程，轉換為速寫對象直接以光影形式印記於感光載體上。 此《素度》子系列，邀請舞蹈家方妤婷，運用有限的肢體結構為素材，演繹嵌合體生物的無窮想像、或複合表裡的顯／潛意識。 構成嵌合體生物形象能用的素材僅限於表演者肢體與衣著，在長時間曝光下紀錄模擬生物類型的律動軌跡，過程中以閃燈凝結影像，選取特定動作節點構成嵌合體。 而承載潛意識與顯意識的視覺語彙，便是貫穿《素度》的中途曝光基調，正像與負像既是同一主體，正負之間又產生局部反轉的視覺特性。 素度，以身為度的動態素描。
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職人的圖鑑戲偶雕刻師：隨時代改變的人物出產者
布袋戲戲偶沒有表情，依靠的是戲偶雕刻師一刀一刀刻出神韻，再交由偶師、主演賦予靈魂。用一雙手打造千萬角色，戲偶雕刻師可以說是這些角色的父母。本期邀請位於雲林斗南的炎卿戲偶雕刻公司第二代徐俊文分享這項家傳技藝。
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布拉隨意寫您先隨意看
親愛的朋友，如果您剛好不小心翻到這一頁，為避免破壞您閱讀的好心情，請務必慎重，如果您有文字潔癖，那請先止步，建議先翻下一頁（微笑）。 我是布拉瑞揚，排灣族，是一個編舞者，目前住在台灣最美國度台東。那裡有一個很可愛的舞團叫布拉瑞揚舞團（BDC），我們在這裡生活、創作、分享著。我會接受《PAR》邀請寫專欄，可能剛好那日台東天空正藍，在台11線吹著海風，有香醇咖啡相伴，這樣的美好，怎不跟人分享。隔日天氣轉陰，才反應過來每兩個月交出一篇文，確餒？編舞還不夠炸腦嗎？！好在獲得《PAR》總編許可，寫什麼都好，舞團大小事，部落巡演，原住民相關知識，以輕鬆的方式分享我們在台東的生活。 舞團正在《我．我們》的演出階段，是神經最經繃、最焦慮的時刻，演後的宵夜總能舒緩緊張心情，我和歌手阿爆、畫家磊勒丹一起，聊到職業舞團在台灣的現況，聊起舞者的辛苦。可能很多人不知道BDC是一個全職舞團，舞者領薪水，週休特休，還有年終獎金可以發紅包孝敬家人。這讓我想起有一次到台北演出，遇到一位非常優秀的北藝大畢業學生，「拉哥，我真的好羨慕你的舞者，他們可以跟你工作，還有薪水可以領。我們為了生活，除了接案找演出機會，還要教課，不然就是接演唱會賺錢。」聽完頓時有些感慨，不知道怎麼安慰他，想著還有很多人跟他一樣。 舞者為了要跳舞，過得多不容易，而BDC舞者可能不知道自己是幸福的。創團以來，舞團舞者大多非科班生，剛進團還在訓練階段，對劇場仍陌生的時候，他們就登上國家戲劇院、臺中國家歌劇院、衛武營的舞台，這對很多年輕表演者來說並不常見。有些舞者可能跳了一輩子的舞都不一定有機會登上國家級舞台。雖說這不是非要不可，但對從國小念到大學的科班生來說，上國家級的舞台也算是一個目標、一種榮耀吧。但BDC這群可愛的舞者，沒有經歷過從小競爭的過程，也沒嚐過為爭取上台所面對的現實，第一次演出就上國家級舞台，心中少了興奮感，當然也就沒有大小舞台之分，面對偌大的舞台是天不怕地不怕的，可能到部落巡演，在族人面前演出還緊張一些。 除了創作、演出，憂心的還有票房。我應該是全台灣最常使用社群平台的編舞者吧？把臉書跟IG用得淋漓盡致，鋪天蓋地分享演出資訊，連我的母親阿嬌也被我拖下水，只要有機會，無論成效於否，就是轟炸式宣傳，能多賣一張都好。甚至在排練當
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劇場ㄟ冷知識街舞最前線
街舞的發展與影視傳播相生相息，在1980年代後尤為如此，從舞蹈電影、商業廣告、音樂錄影帶，到流行巨星演唱會、音樂獎項演出、運動賽事表演、舞蹈競賽節目，再至今日的社群媒體短影片與限時動態，街舞總是透過各式各樣的媒體傳播到世界的各個角落，各個舞蹈風格裡殊異的族裔文化，則幻化為街舞裡複雜多變的形象。本篇文章將從5個常見的街舞形象切入，一窺街舞的複雜性與豐富樣貌。
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少年往事客家八音界的「音樂神童」
天將降大任於斯人，必先使其幼年即學會吹拉彈打，方能於日後肩負「榮興」客家戲曲衰微之勢。 鄭榮興的名字是祖父陳慶松所取，這位客家八音界的一代宗師，像是有雙預見未來的雙眼，知道這個從小帶在自己身旁捏拔的長孫，將承擔起為客家戲曲續命的重任。2022年文化部授證，鄭榮興獲封人間國寶，為客家八音重要傳統表演藝術保存者。從「戲曲小神童」到「人間國寶」，鄭榮興儼然是一部客家戲曲的活字典，得天獨厚的家學背景，讓他責無旁貸地扛下傳習之責他說自己是「佛渡有緣人」，恩師們對他的勉勵則是「你不入地獄誰入地獄」。
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如荒煙漫草對話
表演是為了誰？是為了觀眾？角色？導演？還是自己？ 16歲左右在臨界點劇象錄，我看著吉興哥在寫角色作業，他在一張白紙上畫了兩條線，分出了3個區塊，分別寫著：演員、角色、自我。 大學畢業時，我帶著對未來的疑惑去找我的表演主修馬汀尼老師，我說我不知道將來該往什麼方向走，是朝影視產業發展，還是在劇場。 馬老師說，我應該想的是，你可以為那個環境做什麼，付出什麼，夠不夠努力，以及有什麼資格可以留下。 退伍後持續思索著表演的意義，年輕的我有了3個結論：一是創作，二是娛樂，三是代言。 創作指的是各種形式、美學、技藝上的追求、探索與挑戰。娛樂包括觀者身心靈的洗滌、陪伴、啟發或宣洩。代言是指代替世界上的其他人或任何角色，說出他們的故事和存在。 年過30之後，有了一點點的經歷與成就，但對於個人的追求淡了，想著我還能做什麼。我夠努力了嗎？我該努力的方向是什麼？自我成就嗎？我有為這個環境盡了什麼責任嗎？身為一個演員，除了名利以外，你可以為這個環境做什麼呢？ 其中之一就是期許自己能以身作則，讓更年輕一輩的演員看到、知道面對表演，身為一個演員，可以有的態度是什麼。這不是一個標準或批判，而是一種選擇。 然而這樣想，是否又太夜郎自大了呢？ 於是又繼續想著這個老問題，表演是為了誰？ 多年來已習慣照著從吉興哥那學到的角色作業方式去提醒、質問自己，和自己對話。 「演員」可說是一份職業、工作、身分；「角色」是你現在要去扮演的對象，或在演出中要接受的任務；「自我」是回到你這個人本身，所有關於你的一切。這三者既為一體又各自獨立，並相互影響著。 「演員」是一輩子的訓練和要求，不論多有經驗了，永遠回到最基礎要求自己；反過來也會檢視「自我」是否過分偏執「演員」這份認知，讓創作「角色」的過程僵化，失去了可能性。 如果角色性格邊緣，充滿暴戾之氣，扮演過程中一定會過渡、影響到「自我」及「演員」上，那也要小心；是否藉「角色」之名來滿足「自我」對表演的虛榮或匱乏，或是以此刻意彰顯「演員」能力的表現。 這三者同樣也會相互牽制，譬如對「角色」茫然或無助的原因其實來自於「自我」，而非表演能力；或是太在意自我
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特別企畫 Feature 羅北安X任建誠X余浩瑋要學習溝通與改變的，是成年人
從「超級蘭陵王青少年創意短劇大賽」（後簡稱「蘭陵王」）到「花樣年華全國青少年戲劇節」（後簡稱「花樣」），開啟青少年參與戲劇、接觸藝術的一個契機，不管他們未來是否成為劇場從業人員，多半會因為自己曾參與過而成為忠實觀眾，甚至打開他們面對生命成長的角度與方法。 本期雜誌邀請客座總編輯、同時也是現在舉辦「花樣」的青少年表演藝術聯盟盟主余浩瑋，與過去一路陪伴「蘭陵王」成長的紙風車劇團團長任建誠、曾擔任「蘭陵王」長年評審的羅北安，既回溯過去這些比賽的過去，以及自己成長的過去也回應現在，繼續思考青少年的戲劇教育如何有其他可能？
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特別企畫 Feature給高中生的課外藝術練習
除了已編入學校制度的「社團課」之外，青少年還能前往哪裡揮灑對藝術的想像？本刊蒐集全台9項課外練習場，高中生請走
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特別企畫 Feature困惑與懷疑，不該是青春期的主旋律
身處在身心變化急速、頻率豐富振動階段的台灣青少年，主體的需求（關於未來的徬徨、人際相處互動、外在條件比較、自我情緒梳理等）被忽略卻是長久以來的現象。工商發展的現代社會，多數大人忙碌於工作，親子之間有質感的溝通很多時候成了奢求，走進青少年心中的途徑布滿障礙與困難，網際網路科技化的當代，人和人之間的疏離感讓我們活得愈來愈像一座孤島。 相對於過去，青少年成長的環境已有180度的翻轉，要求青少年努力讀書、考試找個好工作，已經不能當作成長的單一途徑或追尋目標。當每個人不再一模一樣了，原本內化在心中的各種規矩可能已無法適用，我們又該如何引導孩子面對生命各種不同的大哉問？ 現今的青春學子只要透過網路或手機就能探索許多未知的領域，「抖音一響，父母白養」這句玩笑話除了消遣與挖苦，也似乎成了預言般的隱憂。因為看見孩子們離不開手機，而開始擔心他們過度沉迷、擔心與現實生活失去連結甚至因此感到焦慮。如何讓青少年不在茫茫網海中的花花世界裡迷失方向，確實也成為現代文明的一道新題，等著我們來面對並化解。 其實換個角度思考這個問題，就如同這幾年人類面對COVID-19一樣，封控、清零並不是對應的方法，我們該如何和引導孩子在這個變化的時代裡與網路科技共存，需要的是環境能給予理解、接納與陪伴。面對病毒我們可以用疫苗來製造抗體來保護；建立青少年良善與正向的價值觀，從教育開始、從藝術著手或許正是這個時代所需要的解方。 說到接觸藝術，同溫層之外的多數人仍會有憂慮，但我們可以靜下來思考，擔心孩子接觸藝術會影響正規課業，或是害怕孩子們會把藝術當作生涯發展的選項。在國民教育裡安排體育課的重點，是在建立運動的習慣與保持身體基礎的健康動能，從不是為了要把孩子們當作職業運動員來栽培若我們用看待體育課的相同角度來看待藝術課程或社團活動，會不會有更多不同的理解與可能？ 藝術是成長的媒介，課本之外才是生命真正的考題 台灣的青少年戲劇活動蓬勃發展源於1998年文建會主辦的「青少年戲劇推廣計畫」，推動者吳靜吉博士認為當時成人劇場與兒童劇場的發展已非常穩健，但屬於青少年的東西是相對弱勢，因此吳博士提供了一個概念：「讓青少年用自己的話來演自己的故事」。 直至
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特別企畫 FeatureCall Out青少年！青春限定的世界戲劇活動精選
全球各地的青少年想參加戲劇節、戲劇活動都往哪裡走？由青藝盟盟主余浩瑋攤開世界地圖指路。
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特別企畫 Feature從這裡前往未來
高中生們參加社團的理由是什麼？他們想成為什麼樣的人？（已見不到青春車尾燈的）編輯室特邀8位青春正盛的高中生現身說法！
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雕蟲演技我的「演技」從哪來
韓非說：「凡說之難，非在吾知之，有以說之之難也。」用於形容解說「演技」如何困難，同樣貼切。 論說「演技」之所以困難，在於其模糊性質，莫說一般人，我見過不少業界的演員和導演，很多對「演技」這概念，都只是認識個大概。 演技這種技藝，之所以不能被漢語世界普及認知，我以為和書籍出版及教育未曾推廣有關。台灣的情況我當然不能代言，亦非研究這方面的專家，但從多年蒐集中港台三地演技及戲劇書籍的愛好來說，大概也有資格說三道四。 像「如來神掌」般神秘的「方法演技」 上世紀80年代我入讀香港演藝學院，接觸正式的西方戲劇，主修演技。學院成立前我不太清楚香港的劇界如何訓練演員，更莫說台灣。大陸那邊因為近水樓台，聞說的還比較多一點。 香港演員的入貨來源大概來自幾個方向，一是內地，這從粵語片年代已是其來有自，我在學院時期更聞北京戲劇學院、電影學院的不少神話。老演員年輕演員一大堆：趙丹、英若誠、于是之、姜文、葛優、張豐毅、劉曉慶個個在我心中神一般的人物。說遠了，以上這些當然是用來供奉，香港這小小太平山哪能招徠這些仙人？當然，海大還是有漏網的魚，有一批移居香港的資深演員還是極有功力的。但坦白說，那些前輩的師承背景，我真的一無所知，只是從一些向他們請益的片言隻語間，得知他們對近代歐美的演技方法可能一無所知。 入讀演藝學院前，我先參加亞洲電視訓練班，傳說中的「方法演技」，對年輕無知的我簡直像「如來神掌」般神秘，但訓練班的老師們，從來沒有洩露些微天機，有天實在忍耐不住，偷偷向其中一位老師請教：「老師，什麼是方法演技？」那位老師是個和藹老人，聽完問題後頓了兩秒，然後慢慢回答說：「方法演技是一種運用方法的演技，這種演技是有方法的。」 我聽完後，也停頓了兩秒，然後幽幽地發出「哦」的一聲，心想，完了，我真的要上雪山訪尋名師了，於是，從那一刻起，我決心暫時放棄我的演藝事業，考入演藝學院。 <stro
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檳城詩人「假牙」詩集《我的青春小鳥》再度改編，上演「資深演員」版
馬來西亞著名詩人假牙（陳文瑞）的詩集《我的青春小鳥》自2005年上市以來，其鬼馬幽默和天馬行空的文字席捲文壇，先後在馬來西亞、台灣和中國等地多次再版。2018年時，旅居台灣20多年的劇場導演莊雄偉在閱讀詩集後深受打動，決定接受剃刀實驗劇場的邀請，回到家鄉檳城執導一部改編自假牙詩集的肢體劇《末日青春》，以詩句結合肢體的演出形式，把假牙32首詩作搬上黑箱劇場，一舉榮獲ASLI戲劇聯盟第16屆「戲炬獎」年度最佳戲劇和最佳改編劇本，以及第17屆BOH Cameronian Arts Awards劇場組最佳燈光設計。 當年由於屬意的中生代演員配合不到檔期，劇組重新招募的都是新生代演員，導演為了配合年輕人的狀態，把演出主題調整為「正值青春」，才有了《末日青春》的誕生。經過5年的沉澱，莊雄偉意猶未盡，決心重啟當年最早設定的演出版本，再度與剃刀實驗劇場合作，起用8位擁有20、30年經驗的資深演員，共同打造以「回顧青春」為主題的全新演出《我的末日青春小鳥》。有別於之前的版本，導演大膽採用現場樂隊伴奏的方式，與檳城著名獨立音樂廠牌「活聲聲音樂文化」的樂團合作，為假牙詩句譜曲，讓演員親自演唱，給觀眾帶來「拉闊版」（Live）的全新體驗。 劇組不惜工本，把檳城地下音樂基地Soundmaker Studio從黑箱改裝成酒吧，讓觀眾在裡面飲食、拍照、喧嘩、跳舞，隨著詩句和演員的流動，一起體驗前所未有的沉浸式演出。《我的末日青春小鳥》最終演出10場連連爆滿，刷新檳城中文劇場的演出紀錄。
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曼谷泰國電影「金天鵝獎」更改參賽規定引發影人抗議
泰國電影界最知名也最具權威的「金天鵝獎」（Suphannahong National Film Awards）今年邁入第31屆，這個獎項由泰國文化部和泰國國家電影和內容協會聯合會（National Federation of Motion Pictures and Contents Association）頒發，台灣人熟知的電影《薩滿》（The Medium）就橫掃了2022年的金天鵝獎。 但3月下旬泰國電影界掀起一股抵制金天鵝獎的風潮，許多電影從業人員在社群媒體上以「#抵制金天鵝獎」的hashtag表態，起因是泰國國家電影和內容協會聯合會頒布3項新規定，包括參賽的影片必須在戲院上映，如果只有在串流平台無法參展；影片必須要在泰國至少5個區域上映，或是在5大城市曼谷、清邁、春武里、府、呵叻府及洛坤府上映；至少5萬人次在電影上映期間到電影院買票觀看電影。 開出這樣的條件，幾乎等於宣判獨立電影無法參賽，就連曾在2022年入圍威尼斯影展地平線單元最佳影片的《光陰解剖學》（Anatomy of Time）也無法參賽。另外還有人質疑，這些條件是否在獨厚泰國兩大電影院通路Major Cineplex和SF Cinemas，因為電影必須要在戲院上映的話，就必須要經過這兩大通路同意。 《光陰解剖學》的導演薩拉伍（Sarawut Kaewnamyen）就在社群媒體上發文表示：「難道只是因為我們製作預算不高，且沒有財力負擔在大型電影院通路上映，才無法參賽嗎？」泰國國家電影和內容協會聯合會副會長阿迪薩（Adisak Limparungpatanakij）為了抗議這些規定已經辭職。 經過連日來的延燒，國家電影和內容協會聯合會緊急在3月31日發布新規定，電影只要在2022年1月到12月之間完成且在戲院或其他平台上映至少7天，片長超過60分鐘就可以參賽。
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新加坡濱海藝術中心培育新創，酷兒製作為弱勢療傷
濱海藝術中心今年落實了3項嶄新培育計畫，分別是「華藝醞釀場」、「PLAYlab」、「TRIP」，為本地藝術工作者提供資源進行實驗與創作。 「華藝醞釀場」邀請兩位經驗豐富的劇場人分別進行創作。他們利用中心的排練及演出場地，在今年2月各自邀請觀眾觀賞他們的「過程展現」，並交流反饋。「PLAYlab」則公開邀請藝術工作者為兒童觀眾創作戲劇表演，今年3月，獲選的5組藝術工作者們在中心提供的表演場地裡呈現演出。演出之後，所有創作者也與藝術中心進行了匯報和反饋。「TRIP」是培育新晉導演的平台，通過公開招募的方式，選出兩名年輕導演，讓她們在藝術中心旗下的常年節目系列「The Studios」中執導創作。「TRIP」為期兩年，新導演有機會向3位資深導演定期進行諮詢會學習，今年4月份，她們都各自呈現了執導作品。 另一方面，自今年初，本地劇場陸續呈現了3部探討酷兒議題的演出。1月份於M1藝穗節呈現的《Never The Bride》探索新加坡男同志婚姻的各種可能性；戲劇盒於3月份呈現《色染雲朵時》，這部引錄劇場（verbatim theatre）（編按）作品探討年長酷兒群體所面對的創傷與困境。必要劇場也在3月份呈現《Old Gaze》，這是該團酷兒系列三部曲的最終版，劇團以荒誕喜劇形式探索年長酷兒在新世代所面對的掙扎。自去年新加坡廢除377A條文，男性之間的性行為不再被視為刑事罪行以後，藝術工作者們不約而同地在創作中回應這項決定，劇場向來是反映現實、提高社會意識的空間，更是為弱勢群體展開癒合過程的寶貴平台。 編按：紀錄劇場的一種，源起於英國，相較於發展較早的德國紀錄劇場，引錄劇場更著重口述語言的特性，劇中的一字一句，甚至語氣及停頓均來自錄音訪問。
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特別企畫 Feature 鍾伯淵，38歲，2001年加入新北市立林口高級中學戲劇社；李孟融，38歲，2002年加入臺北市立大同高級中學戲榕坊社團，是一切的開始
2001年，鍾伯淵稱得上是林口高中的名人，剛入學就做了件大事成立戲劇社，「最後集結成了60多個人的大社團。」他回憶：「那時候因為當社長嘛，還立定志向：我要把所有社員的名字都記起來。現在想想真的很瘋。」 隔一年，台北的另一頭，在大同高中就讀高二的李孟融，剛剛卸下運動員身分，看到什麼都躍躍欲試，包含彼時社員剩下兩、三人的戲榕坊（戲劇社），他說：「其實當時也不只戲劇社，我還加入了合唱團、社聯會，想說可以藉由社團豐富高中生活。」 前者是聲勢浩大的林口高中戲劇社，曾贏下花樣年華全國青少年戲劇節（以下簡稱「花樣」）的最佳團體獎；反觀後者，大同高中戲榕坊，社員少到無法參賽。然而，兩所高中的社團成員還是在該戲劇節所辦的營隊上相遇了。 如果世界上真的有宿命論，那麼對鍾伯淵與李孟融來說，高中戲劇社大概就是他們本該到來的轉捩點因為加入了戲劇社，他們得以結識、互相扶持，且在高三那年確立志向，並於幾年後成立「曉劇場」，以萬華為座標，拓展藝術文化。 一切聽起來是那麼理所當然，實際上卻充滿了機緣的推使，例如鍾伯淵分享他們當初決定大學志願的方法是：「雖然說我們的目標都是北藝大，但是要念什麼系那是猜拳決定的啦！」 社團，並不是「玩」 「某種程度而言，孟融應該要為我的人生負責。」鍾伯淵微笑，說高三兩人決定科系的時候，其實在戲劇系與劇場設計系徘徊猶豫，「最後孟融說我們兩個不要競爭同個科系，就猜拳看誰贏了就先選。結果他就慢出而且是很明顯的慢出所以我後來選了戲劇系。」 「我其實本來就沒有很喜歡站在舞台上的感覺，我喜歡的是一群人一起完成一件事情的狀態。」李孟融解釋：「而且我比較難決定到底要選擇什麼。」言下之意，猜拳慢出也不是他的體貼，只是邀請對方替他進行刪去法。 看似嬉鬧地決定了「人生大事」，也使高中老師漸漸發現，有些學生不只是在「玩」社團而已。李孟融回憶：「我其實覺得這個『玩』這個詞很奇怪，像是大同高中以升學為取向，到高二就不讓我們做社團了，一直到我報名了北藝大獨招、甚至考上，老師才把這當一回事。不然就覺
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特別企畫 Feature 45歲，1991年加入國立基隆高級中學管樂社社團、小號，與眼鏡蛇錄音機
走進基隆高中運動中心，爬上樓，爵士小號樂手魏廣晧雀躍不已，片段的回憶全湧上心頭。他站在這個以往最熟悉的地方比劃著說：「這裡是社桌、這裡放著錄音機，這麼小的地方永遠擠著20幾個臭男生。我們早自習進教室書包一丟就來社團，或者下課不回家窩在這裡聽音樂、練樂器、看漫畫、打Game Boy」陽光從一整排的窗戶照了進來，那些熱情少年的影像彷彿又活現了起來。 如果沒有社團，我根本沒有機會學音樂 從小，魏廣晧沒有一天走在所謂音樂班的軌道上。雖說國中美其名是讀管樂班，實則是將功課好的學生集合在一起，剃著小平頭軍事化管理。分配樂器也由老師一個一個點，輪到他，老師順口一念：「魏廣晧，吹小號！」從此他便與小號結下了不解之緣。進了高中可以自由挑社團，面對許多熱門的選項，他還是選了冷門的管樂社。 不過那之前是個「軍樂社」，所以樂器大多是民國60年留下來的舊樂器。雖然有老師帶合奏，但社員程度參差不齊，很多甚至是從零開始。因此他們只好自己身兼教學弟、也找教材「教自己」。在這樣的磨練下，魏廣晧雖然是助教，卻已經很習慣當老師的工作了。 管樂社雖是小社團，但卻肩負著全校升降旗的重要任務。在學長漸漸畢業後，吹小號的人就只剩一兩位，所以在國旗桿下，魏廣晧的小號聲響徹整個操場，全校學生豎耳聆聽，是他最深刻的回憶。「在基隆中學那3年很影響我，讓我很敢在大家面前表演、不會怯場。而且我吹得比別人好一點，也間接能自信地主導社團練習的走向。」
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特別企畫 Feature 55歲，1984年加入臺北市立建國高級中學土風舞社吃不完的老本
籃球聲、管樂聲、擊鼓聲此起彼落，青春的氣息迎面而來，伴隨著男校那總令人難忘的特殊氣味。這裡是建國中學，緊鄰後門圍牆的資源回收廠，據說是過去建中土風舞社的地盤，而在這個傳說中的翻牆盛地旁，資深舞台技術指導斯建華瞬間舞神上身，無論是單手伏地挺身、連續旋轉、旁踢，還是俄羅斯土風舞的蹲伸步，完全難不倒眼前這位高挑的長腿叔叔。 斯建華，建中第39屆校友，土風舞痴，文具店的小兒子。在模範生哥哥與姊姊的光環下，班上排名「只有」前10名的斯建華，稱自己「從小不愛唸書、一直在玩」，而愛跳土風舞的姊姊某次教了他「蹲伸步」，是個要以蹲姿兩腳交叉跳躍21下的高難度動作，讓這位愛玩的青少年深深著迷，從此踏上土風舞之路。
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寫在沒有主義的年代且從洪席耶出發
我們正活在沒有主義的年代。 上個世紀，主義氾濫；寫實主義、自然主義、象徵主義、達達主義、表現主義、超現實主義、未來主義每個 -ism 都有偉大的宣言，皆賦予藝文高操的使命。1960年代之後，後現代主義取代了現代主義，之後更冒出解構主義、後結構主義、後殖民論述、酷兒理論一棒接著一棒，主義的火炬像奧林匹克運動會似地遞傳不絕。然而到了21世紀的今天，主義已大致消失，人們不再妄言或不敢奢言主義。即使在後現代主義的火苗早已滅熄、面臨全面破產之際，人們都懶得正式地為它敲下喪鐘，以致於轟轟烈烈而來卻悄悄然地走了。 「沒有主義」意味「沒有主意」。對於世界局勢、生態丕變、病毒危機、貧富差距、白熱化的歧視與仇恨等等，人類束手無策，只能順勢應變卻想不出治本的藥方。彷彿諸神的黃昏，思想界奧林匹亞的智者們的腦袋再也孵不出新的主義。 何以致此？我想搞懂。即便是藥方難產，甚或情況已無可救藥，我還是想搞清楚咱們所處的年代到底發生了什麼事，而這樣的年代對藝文生產有何深遠影響。 說來話頭長，權且從法國當代哲學家洪席耶講起。幾年前我發表《別預期爆炸：洪席耶論美學》，不加詮釋地介紹這位哲學家對藝術的看法。很多朋友跟我說看不懂，其實他們只是沒耐心，不想搞懂。另一方面，不少讀者對洪席耶有所誤解，例如以為「洪席耶反對政治藝術（political art）」。於此，我想藉此專欄釐清一些觀念，先跟大家談談洪席耶帶來的啟示，再來一步步推展至和時代精神相關的話題。 首先，一些基本概念有其必要。 倫理體制 洪席耶回顧西方藝術的發展，從古希臘時代一直到21世紀歸納出3種主要模式並以「體制」名之，因為各個模式不但對藝術有特定要求，且規範了藝術的實踐與評價，儼然具約束力的制度。 最早出現的是藝術的倫理體制（ethical regime of art），以柏拉圖的哲學為其源頭。簡單而言，倫理體制認為藝術就是「模擬」，但對於模擬的「失真」耿耿於懷：模仿再高明也不可能和本尊一模一樣，因此藝術只是真實的替代品，總讓人感到遺憾，甚至失落。對這個體制而言，一個作品的構想新穎與否、美或
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成都「沉浸式」演出風行，首輛雙層話劇巴士開出
暮春4、5月對於江浙滬來說，是最好的演出季節之一。超會玩的上海灘率先在靜安戲劇谷推出了專屬打造的戲劇路演巴士，整個巴士就像是一個沉浸式的演出魔盒，戲劇售票亭、化妝間、舞台打卡點、戲劇小超市等應有盡有，彷彿整個戲劇現場都被裝進了巴士中。 此外，上海知名喜劇品牌「開心麻花」則與成都文旅集團、成都公車集團聯手，合力打造了全國首輛雙層話劇巴士，在成都市中心的商圈和地標景點，正式一路上線駛行。這是一個前所未有的「美食+交通+話劇+旅遊」跨界融合的夜間消費新場景，整個巴士分為兩層，上層是演出空間，下層為演出後台，半封閉的演出空間能容納乘客觀眾30餘人。故事以民國時期一家麵粉廠的傳奇《撈金晚宴》為背景，乘客上車即入戲，人在車裡，車在戲裡。一路上，意外一件接著一件發生，劇情也無限反轉。在60分鐘的時間內，乘客可以吃喝玩樂，看劇觀光兩不誤。不管男女老少，都可以挑選道具、頭飾和服裝，參與到劇中並找到自己的角色。 乘坐一次話劇巴士的票價為一人118元人民幣，因為體驗新奇，營運僅半個月，話劇巴士就從每週4輛增至8輛，而週末更受年輕人歡迎。不過，因為演出空間是由普通公車改造而成，表演區域也僅是不足1公尺的狹窄過道，因此對於劇情、演員和調度的要求就很高，甚至還要考慮到時長和交通的擁堵等，出品方開心麻花承認「這樣的專案沒有可參考的樣本，劇本和營運方案幾經推翻才得以成型」，而業界專家也謹慎地認為，這樣的演出形態究竟是沉浸式戲劇的一次拓展，還是市場行銷的一個噱頭，尚有待於對劇本、演技和觀眾反響等的深入觀察。