許多人認識演員鮑奕安，應該是因為《新社員》。 這部由再拒劇團、前叛逆男子共同製作的音樂劇，在台灣尚無音樂劇熱潮、2.5次元戲劇也尚未流行的2014年，以「台灣首部BL搖滾音樂劇」為名掀起炫風。而鮑奕安在劇中飾演就讀高中二年級的主唱小安，文弱且天然呆的氣質，不只開啟劇中的戀愛效應，也觸動觀眾對青春、熱血的各種想像。 「（《新社員》）的確讓很多人認識我。」鮑奕安說：「不只是演員、或是劇組的里程碑，而是台灣劇場史上一個蠻重要的演出。」他強調，並不是說《新社員》多偉大，「而是打開了某扇門，讓更多人願意進到劇場，讓整個劇場的觀眾開始有些變化。因為這個演出，大家開始知道劇場很好玩喔！」 從大學就加入劇場演出的他，早就記不得演過多少戲了，穿梭於大小劇場、沉浸式演出、商業表演、影視作品等，20年左右的光景仿若用好多角色堆疊出鮑奕安現在的模樣。
演出結束那一刻，台北國家音樂廳的燈光尚未全暗，觀眾席間卻已響起難以抑制的掌聲。站在台上的，是首次來台演出的日本鋼琴家小林愛実。她深深一鞠躬，身形輕盈，動作卻透著一種剛剛好的堅定。再次回到舞台上，她微笑著坐回鋼琴前這一次，不是她一人，而是與鋼琴家夫婿反田恭平，以及恩師劉孟捷，一同六手聯彈拉赫瑪尼諾夫的鋼琴小品。 鋼琴前，3人肩膀幾乎相觸，兩大一小的身影彼此讓位，小林被擠到一側，笑得宛如孩子。觀眾也笑了，因為這畫面太過可愛，太過真實，像是難得一見的幕後時刻悄然浮現在舞台上。 這樣的笑，是難得的。曾幾何時，小林曾歷經一段漫長的安靜與掙扎。而她今天願意笑、願意彈、願意來到舞台中央，說的不是「我要證明」，而是「我想演奏」。
「好有趣喔！」這大概是張清彥提及音樂、音樂劇時最常的反應。 他可以說是目前台灣音樂劇圈裡最活躍的作曲家之一。工作疊合興趣，但他未有倦怠，興奮地分享每齣音樂劇作曲的差異。他說起唱歌集音樂劇場《以為是BL結果是BFF》：「這個製作好年輕！提醒我，玩心真的好重要！」還不到30歲的他再次投射到自己的高中生活，那種悸動、那種煩惱在音樂與生命裡蠢蠢欲動。相較於這類快歌，去（2024）年底剛完成讀劇的《爬上頂樓看月亮》，是少數內斂且陰柔的作品，「哇！原來我也可以這樣！有些突破是開心的。」而協助嚎哮排演完成的《別叫我成功：藝術界歸來的兒子》，則是融入了張清彥喜愛的饒舌音樂，在3、4年的發展時間裡產生很多有機討論。 與其說張清彥供給了「音樂劇」裡很重要的「音樂」，他也在成長過程中，因為音樂劇與音樂反覆確認了自己的喜好，讓有趣的事情持續在身邊發生。
「聲音創作與演奏」對薛詠之來說，展開過程似乎接近人與人之間的相處方式，當對這個聲音有感覺、或是覺得有趣好玩，直覺反應：「將聆聽到的感受和體感經驗放進作品裡，讓觀眾同步感受。至於大家要怎麼感受，其實蠻自由的。」就像是朋友間彼此分享美好的事物一樣，邀請你走進她的聲響世界翱翔，聆聽她用打擊演奏塑造的聽覺世界。 走進聲音藝術的機緣，則回溯至多年前的某日，她在高雄鳳山看完表演後，聽到聲音藝術家劉芳一在吹一個像管子的東西，薛詠之聽了許久，發現劉芳一的吹奏不斷地變換著音色，她愈聽愈入迷，「這真的是另外一個世界，而且非常吸引我。」便開啟她開始探索聲音的本質、運用聲響形塑聽覺敘事脈絡。
科班出身的巴魯．瑪迪霖（Baru Madiljin），年少時期都在台北渡過，在北藝大建立西方身體與舞蹈的認知，也是在這裡認識了舞者黃媺雅。他憶起第一次見到媺雅的那天，笑說腦中直接浮現高手，「我對高手的定義是，有一種線條跟狠勁，就是我對媺雅的第一印象。」而媺雅回憶起巴魯，直言他就是個小鋼炮，「個子小小，彈跳力超好，又很會帶動氣氛。」兩人既是舞蹈系4年的同學，也是室友，更是畢業舞展合作的編舞與舞者，有著一個眼神就能get到彼此的默契。
日前首演的《一個皇帝在南洋》，以「六度下西洋的三保太監鄭和，在南洋國度『滿者伯夷』尋找建文帝朱允炆與傳國玉璽的過程」為情節線，並且運用建文帝、鄭和、馬歡（船隊翻譯）3人的視角，反覆切換來進行講述；另外，還有印度史詩《摩訶婆羅多》中的俱盧族和般度族戰爭，以及印度教濕婆神的創世神話，這兩條故事線同時交織於作品之中。 除故事線的多線交錯與並行之外，《一個皇帝在南洋》不只是將主角與故事帶到了南洋，更讓台灣布袋戲與爪哇杖頭傀儡、皮影戲與畫卷戲彼此結合，同時將甘美朗音樂帶到現場，與布袋戲後場音樂共譜旋律，呈現出台灣與印尼共創的「跨文化展演」。 導演陳昶旭在創作過程中，就曾前往印尼進行田野調查，並親身感受文化、藝術等方面的差異；其中，劇本可以說是全劇發展最久的環節，嘗試將兩種形式、藝術文化運用故事的方式達到有效的連結。而來自印尼的孫德裘（K.R.A.Tejo Bagus Sunaryo, S.Sn.,M.A，後簡稱Bagus Sunaryo）可以說是《一個皇帝在南洋》重要的靈魂人物，啟動了故事與形式的想像。
現為自由演員的鄭紫雲，在去（2024）年走上傳藝金曲獎的頒獎台，拿下「最佳青年演員獎」這個一生只能拿一次的獎項。 從那個時刻開始，她想：「我對每部作品出現了責任感跟使命感，我做的這個作品，年輕人無意間看到，會留下印象嗎？會不會像我當年那樣，看了一眼之後就愛上？」沒有任何家學淵源的她，認為這個責任感是想把自己對歌仔戲的愛，用不同方式傳遞給更多人。所以，她不只是演員，更在去年年底與朋友開創繫服工作室，想讓更多民眾體驗戲服穿搭，也拍攝短影音、錄製Podcast，用屬於他們的方法去吸引更多人接觸歌仔戲。 如此嚮往、也如此不窠臼於傳統的她，其實是因為人生裡的3齣戲，確定了在歌仔戲裡頭的自己。
山姆．巴塔維爾（Sam Bardaouil）在臺北市立美術館（下簡稱北美館）台北雙年展主題發布會上，身穿深色西裝，手勢豐富、眼神堅定，演講時彷彿站在舞台上。他的語氣時而高昂、時而低沉，像是為觀眾鋪陳一場無形的敘事。他經常以目光掃視全場，傳遞出高度的情感投入與現場掌控力。當他談到展覽靈感背後的個人經驗時，語調轉為低沉柔緩，提起關於父親的故事，那一刻，他的聲音輕微顫抖，眼眶泛紅。這段真摯的分享，讓現場觀眾都能感受到那份深埋心底的情感，彷彿整場展覽就是從這份未竟的思慕中緩緩浮現。 展覽不只是看，還是「走進去」的體驗 巴塔維爾是黎巴嫩出生的國際策展人，現任柏林漢堡車站國家當代藝術美術館館長之一。其實他從大學時期就同時修習劇場和美術史，後來到倫敦中央演講和戲劇學院研習表演藝術。曾在英國擔任劇場導演與演員，參與過音樂劇、愛丁堡藝穗節與BBC廣播劇等多樣形式。 這些經歷深刻影響了他的策展觀。「展覽對我來說不只是把作品掛起來，而是創造一段旅程，就像導演安排一場戲。」他認為觀展不只是視覺體驗，更是身體與情感的參與，「有時你要讓觀眾停下來，有時要加速敘事，這與劇場節奏安排非常相似。」 在他的策展邏輯中，展場就像是是可被編排、切分與引導的舞台。牆面是場景轉場，作品間的間隔像戲劇的呼吸，燈光與動線則牽引情緒。他比喻：「展覽就像是一齣戲劇，你需要有開始、有起伏、有高潮、有收束。」 他將展覽視為三維敘事體觀眾透過身體移動建構故事。他分享這種節奏與空間感知來自劇場導演經驗：如何設計懸念、安排進退場時機、讓觀者沉浸其中。對他而言，每件作品都是舞台上的演員，與觀者在展場中共同完成敘事張力。
廖原慶的身分是多樣的，就如我們熟悉「部分的他」是一位演員，得扮演不同角色。 他與梁皓嵐主持的Podcast節目「善嵐慶女」已邁入第6季，有不同領域的聽眾因聲音認識這名劇場演員。近期作品《上樑＿下工後的修羅場》（後簡稱《上樑》），他同時是編劇與演員；不過，編導經驗其實來得更早，是娩娩工作室《米蒂亞：一則台灣新聞》，而這更源於他的另一個身分高中表演藝術老師，因為此作最初是他協助學生創作的。此時的廖原慶，又指了指掛在牆上、即將演出的《騷動之川》海報，笑說主視覺是由他設計的。 這些事情多半環繞著「劇場」，所以廖原慶說他從研究所開始，就把自己定義為「劇場工作者」，不打算被其中一種狀態綁住，只要「做這些事情的時候，可以看見一個比較舒服的自己」。 「我在我的自由裡面穩定的發展。」廖原慶這麼說。「自由」與「穩定」兩個看似矛盾的字眼，在他的劇場生活裡實踐。
在今（2025）年初搜尋「黃韻玲」的相關新聞，會出現她在2024年10月1日生日這天，發行33年專輯《平凡》的黑膠復刻作為給自己的生日禮物，家人同事也到場陪她歡度60歲生日；再過一陣子，則有週刊報導她接任臺北流行音樂中心（後簡稱北流）董事長後，邊做邊學地替中心打好基礎、推動各項活動。同時，還有綠光劇團塵封16年的《人間條件四》，終於邀集原班人馬黃韻玲、林美秀和陳希聖的回歸加演消息。 黃韻玲最近一次演舞台劇，也已經是2016年的《人間條件一》，那時考量演員年齡與體力因素，劇團曾宣布可能是原班人馬最後一次同台；時隔9年，作為《人間條件》固定班底的黃韻玲又回到舞台上，她的想法很簡單：「大家本來就各自忙碌，能跟美秀和希聖再次同台，吳Sir（吳念真）的時間也可以，當然要參與啊！」
第一次認識「蔡逸璇」這個名字，是疫情期間少數順利登場的《趙氏孤女》讀劇演出。 向來以演員為主、劇本為輔的歌仔戲，竟然會有「讀劇」，本身就是件神奇的事。文本將傳統故事《趙氏孤兒》改了設定，主角由男轉女又女扮男裝，一方面挑戰了古典敘事建構於父系倫理的個人身分與社會價值，另一方面也對應歌仔戲多由女性出演男性角色的表演體系，戲裡戲外都讓人眼睛為之一亮，既鬆動歌仔戲行之有年的「規矩」，卻又好似向其致敬。 要說是蔡逸璇是有意識地選擇「革新」歌仔戲，不如說是歌仔戲自己找上蔡逸璇。
一個藝術家的底氣是不是從獎項掙來的？接連拿過金曲獎、金鐘獎，楊大正的歌手╱演員雙棲生活，在近年來逐步被更多人認識。不過，早在更之前他就站穩了自己的步伐。「獎項的重要，因為那真的是對認真做藝術的人很大的鼓勵，無論音樂或者戲劇上的都是。」楊大正說，即便如此，他更明白即便沒有獎項的肯定，一個人投注的時間，「也會讓你在那個領域當中，磨練出創作者的底氣。」
布袋戲演師仰賴的是「操偶」與「口白」的技藝。操偶是讓戲偶能有動起來的生命，口白則賦予戲偶聲音，而劇中男男女女、老老少少的聲線也往往由同一位主演擔綱。不過，演師多數時候藏在戲台後頭。但隨著現代劇場的介入，演師的「現身」成為全新課題，也是多數布袋戲團陸續嘗試的創作方法。其中，臺北木偶劇團大概在2019年前後開始有此嘗試，藉此去找尋人與偶間的共鳴，以及兩者存在於舞台的平衡。 身為臺北木偶劇團主演之一的吳聲杰，不只是從戲台裡頭走向舞台前方，被喜愛看布袋戲孩子們稱為「猴子哥哥」；他更是在大學之後才接觸布袋戲，進而從一名二胡演奏者，闖進布袋戲這片「武林」，隨著無數位門派宗師、或民間高人，持續進化成現在的青年好手。
33歲即獲邀擔任芝加哥交響樂團駐團作曲家，並長達9年（1997-2006），同時亦為全美多個音樂機構董事會成員，其中包括曾任美國藝術暨文學學會副會長，作曲家奧古斯塔．瑞德．托馬斯（Augusta Read Thomas） 的經歷，不僅能看見她在作曲上的豐沛能量，其活力也不斷滲透到音樂廳以外。究竟是什麼樣的養成背景與創作觀，讓她走到了當代樂壇如此獨特的位置？ 把握她今年作為第4屆衛武營國際音樂節駐節作曲家的機會，特別安排了這次專訪，透過其親自分享，帶你感受托瑪斯「強風」（Gusty，朋友對她的暱稱）的魅力。
作曲，不是職業，而是熱情！ 蓋利安諾。 對我而言，手風琴是吊著肩帶的史坦威 現年75歲的李查．蓋利安諾（Richard Galliano），出生於法國南部風光明媚的坎城，16歲代表摩納哥公國於西班牙瓦倫西亞市（Valencia）參賽，贏得「手風琴世界聯盟」大賽（CMA）青少年組第一獎，隔年於法國加萊市（Calais）再度贏得CMA大賽成人組第一獎，並三度取得法國最高榮譽的音樂勝利獎（Victoire de la musique），也是現今唯一一位獲得德國古典唱片老牌「德意志留聲機」（Deutch Grammphon）錄製專輯的手風琴與班多鈕琴（Bandonon）演奏家。日本大師小林靖宏（Yasuhiro Kobayashi）曾說：「蓋利安諾改變了手風琴的歷史進程，我們可以談手風琴在『蓋利安諾之前』與在『蓋利安諾之後』。」的確，在蓋利安諾錄製的70多張唱片裡，讓人看見這項樂器演奏的多樣性與精湛性，曲目從古典、爵士到法國香頌，還有在不同樂種之間的跨界改編，達到前所未有的廣度。法國廣播電台（Radio France）亦稱譽：「蓋利安諾是第一位打破爵士與手風琴之間界線的演奏家，從此，手風琴再也無所禁忌了。」 在他的手中，手風琴不再是刻板印象中的「貧民鋼琴」（piano du pauvre）樂器，而是一種講究技巧與詩意的音樂藝術。 法國晚上8點半，葛利安諾擱下正在作曲的工作，開始在電話那頭侃侃而談自身的經歷與對音樂的熱愛。回首自己的音樂之路，蓋利安諾認為他的父親手風琴家呂西安．蓋利安諾（Lucien Galliao，1926-2018）對他影響深遠。在父親的啟蒙與循循誘導下，4歲的蓋利安諾開始學習手風琴，從此愛上這項樂器，並很快地走向手風琴家之路。現今寫在蓋利安諾個人網頁上的中國俗諺：「家財萬貫，不如一技在身」（註1），正是父親當年對他的教導。其後蓋利安諾進入尼斯音樂學院，除了手風琴，也學習和聲、對位法與
蓋利安諾表示：「手風琴在1960年前一直是個很受歡迎的樂器，尤其是在法國。比利時手風琴家居斯．維哲（Gus Viseur，1915-1974）與當時其他音樂家如法國爵士吉他手金格．萊恩哈特（Django Reinhardt，1910-1953）時常合作演出，他們以法國爵士且前衛的方式來詮釋法國香頌。在美洲也有搖擺樂之王單簧管手班尼．古德曼（Benny Goodman，1909-1986）。我們現在最常演奏的還是1935年居斯．維哲這時期的作品。然而，在60年代，興起一股反動潮流與世代衝突。此時，糟糕的搖滾樂流傳到法國，手風琴不再流行。當時我只有10歲，目睹父親在這樣的情況下無能為力，因此，終其一生，我想要還給這個樂器一個公道。我在薩爾茲堡的莫札特基金會音樂廳（Mozarteum）與著名的室內交響樂團 「加美拉達」（La Camerata）一起演出，也在義大利西西里島的巴勒摩（Palerme）市與爵士大樂團合作，目的就是要讓大家聽到手風琴。然而，直到現在，仍是一項挑戰。」
在劇場看見林子恆，多半時間他都不全然是「林子恆」。 他是《春眠》裡的丈夫林正陽，在面臨妻子失智與關係斷裂的痛苦中，終能得到救贖；他是《父親母親》裡的父親米粉，同時也是出櫃跨女的Diva；他還是《灰男孩》裡的所有角色，以一人之力撐起全劇演出。 即使下了舞台，在演員之外，他依舊有多重身分，是老師、伴侶、兒子，也是自己。或許並不是因為他是劇場男神所以善於百變，而是每個變化的面向與個性，才構成林子恆。
賈柏．柏多契基，一位活躍於國際舞台人物的匈牙利小號演奏家，他技藝超群、多才多藝，集演奏、編曲、教學於一身，多年來憑著紮實的演奏技術，獨到的藝術觀點，勇於嚐試新的挑戰，曲目持續推陳出新，曾與許多指標性的演奏家、樂團合作，亦經常為當代作曲家新作進行世界首演。 從9歲開始與父親學習吹奏小號，先後畢業於布達佩斯的利奧．維納音樂學院（Le Weiner Conservatoire）和弗朗茨．李斯特音樂學院（Franz Liszt Academy of Music），賈柏不僅是一位傑出的演奏家，也致力於音樂教育，他自2010年起擔任李斯特音樂學院的小號教授，致力於培養下一代音樂家。 家是起點，也是藝術情感的延續 出生於匈牙利的塞格德（Szeged）的賈柏，其音樂之旅始於父親送給他的一支小號。父親是小號演奏家和銅管樂器教師，小賈柏從小在家中耳濡目染，但年幼的他並不覺得自己會以演奏小號為職業，「成為獨奏者對我來說不是一件理所當然的事，我只是按部就班地練習，我的職業生涯其實是一步步開始的。」 父親的教導，給予他充分的自由去盡情發揮，其實是引導他，演奏樂器能從過程中養成獨特的感知能力，必須敞開心胸，並且充滿好奇、虛懷若谷，養成了賈柏不辭涓滴的信念，耕耘不輟的精神，也成為日後堅持藝術理念的基石。 大賽得獎，成為走上職業生涯的契機 對很多年輕演奏家來說，比賽是音樂事業的起跑點，也是逐鹿中原的關鍵點。20歲生日那天，賈柏在「日內瓦國際比賽」（International Competition ICES in Geneva）獲得了第3名佳績，這是很大的鼓舞，讓他決定以演奏小號為職業，遂為最美好的弱冠之禮。 或許，20歲立志成為職業音樂家的決定來得有點晚，但並不代表他的技巧養成輸在起跑點。爾後，賈柏在慕尼黑ARD音樂比賽、第3屆莫里斯．安德烈國際小號比賽（International Maurice Andr Competition in Paris）等屢獲大獎，開啟了他的國際視野。雖說賈柏是在這些比賽中建立了知名度，但他更珍惜的是這幾場比賽所建立的機緣。 在這些指標
前一天才下過雨，天空陰陰的。想要畫面帶著綠意，還是決定在戶外拍照，只是擔心沒有陽光效果不好。但嚼著口香糖的吳欣澤拿出西塔琴，就著大石頭盤起腿，灑脫地說：「沒關係！我只要唱一首歌，太陽就會出來，屢試不爽！」於是他撥著琴弦，歌聲隨著風在空氣中傳送。哪管遊客來來往往的側目，閉眼入神的他，已經自處在一方晴朗的小宇宙中。 誤打誤撞的音樂之旅 難以想像眼前仙氣十足的吳欣澤，曾是一位出色的吉他手，拿過熱門音樂大賽、獲得最佳吉他手及創作新人獎，也在各大演唱會擔任專業吉他演奏。不僅如此，在不同場合也看到他百變的身分。明明認識的是吳欣澤，有時候節目單寫的卻是屋希耶澤，下次看到宣傳竟又變成AZeR澤原來，擁有一半噶瑪蘭血統的他，在演出母語創作時就以族名出現，他說：「『屋希』是家族的姓，意思是『一』，『耶』（A）是我阿公，『澤』是我。AZeR是我的噶瑪蘭名的轉譯。」雖然其中意義深厚，但對他來說卻感到私密，就好比只有親人才會這麼叫他，想推廣，卻又無來由地感到害羞。 認真說起來，他是個在101大樓旁長大的台北小孩。家裡很少提及關於原住民的脈絡，他也沒有長期在部落生活過。不過吳欣澤從小知道不管爬樹、游泳等體能活動都比同學們還要好，而且隨著年紀增長，他意識到自己愈「野」。狹隘的框架限制不了他，直到將這個野性灌注到音樂中，發洩在電音、迷幻搖滾、放克上。他雀躍地說：「當時在我身邊彈吉他的都不是一般人，我的老師是知名樂團的吉他手，全台最大的樂器行就在我家隔壁 」一切都是水到渠成，他清楚如果繼續彈吉他，也能夠闖出一番成就。「那是我的根！」他說：「吉他本來就是家裡有的樂器，長輩都會彈，多半也會唱台語歌紓壓，但對我來說，是得到另一種自由。」 直到有次買錯CD，西塔琴特殊的音色在他腦海中留下烙印。後來有天在淡水彩排結束，看到手工藝品店有人賣西塔琴，琴上連弦都沒有，他卻衝動地將它買回家，然後自己裝上古箏弦亂玩。不知道西塔琴的定弦怎麼辦？偏偏在之前買錯的CD上面翻到答案。 「一切都是緣分，我可能是被選中的！」吳欣澤笑著說：「我跟西塔琴的關係其實很緊繃！它好像是一個麻煩的小公主遇到一個土匪，土匪明明討厭麻煩的事情，偏偏愛上這個小公主，小
平衡，是馬戲在挑戰特技時必須維持的其中一種方式。 馬戲表演者藉由追求、或是意圖打破平衡來製造屬於馬戲的身體與表演美學，也提供觀眾對於危險邊緣、人體極限的挑戰想像。不過，對於一個在不到15年內就從幾個朋友的熱血拼搏，成長到擁有專職表演者、行政與技術團隊等40人組成的「FOCA福爾摩沙馬戲團」（後簡稱FOCA），創辦人林智偉就不得不從原本的「表演平衡」，開始思考供需關係、演出頻率與規劃、藝術創造、生態支持等面向的「營運平衡」。
「誰需要表演藝術？這個問題既重要，也是我每天思索的核心。」朱宗慶打擊樂團創辦人暨藝術總監朱宗慶彷彿是被問進了心坎處，深有同感地說：「大眾需要、藝術工作者需要、教育與文化工作者需要，企業也需要但在這些不同的需求之中，誰才是你真正的觀眾？」然而在這之前，必須釐清一個觀念：「什麼是藝術，什麼是娛樂？」藝術的目的包括創作者情感的表達、人生的反思、觀點的挑戰等等，而娛樂則提供愉悅或刺激的體驗，讓人們獲得快樂與滿足感。兩者時而相異、時而交疊，界線要如何劃分？他坦言：「我沒有標準答案。 」 從全面扎根做起，向外擴散 樂團已經成立38年了，在創團最初，朱宗慶就決定讓打擊樂的演奏、教學、研究、推廣共4個方向並進。樂團的演出在型態上分為7類，包括經典、推廣、親子、節慶、校園音樂會、實驗性作品、音樂劇場；主要的節目也有3+1季，分別是經典或純打擊樂作品、跨界演出、擊樂劇場，加上兒童音樂會。這樣多樣化進行環環相扣，30多年下來產生了交互作用，因此得以將擊樂分享到台灣與世界各地。再者，節目類型多，作品豐富，人才也就顯得多元。「這樣的全面發展背後誰來買單？就是觀眾！曾經來看過我們演出的，會發現我們有非常多的變化，就會想要一再觀賞。」如此的成效證明，當初的全面發展是對的。 「觀眾經營本來就非常困難，尤其最近，我們的觀眾跟以前一樣多，但花的力氣卻是加倍。」朱宗慶觀察，原因首在於疫情過後社會生態改變，表演的取代性變多了。再者，以往看表演與其他享受是分開的，現在卻變得相互取捨。如何突破這個困境？他思考著「怎樣讓觀眾變得忠誠」。首先，教學系統的學生觀眾是兒童音樂會的大宗，這是團隊花了幾十年培養的成果。教學的目的本來就不在培養打擊樂家，而是藉著人的本能、最低門檻的方式讓人們進入藝術領域。因此兒童音樂會的觀眾很多都是一生中第一次參加音樂會的，這些孩子們長大後即使從事各行各業，也會將看表演視為必須。 接著，觀眾群從兒童成長到全台有100多個的傑優打擊樂團，再算進傑優教師的樂團外，他們的父母、親戚、朋友、學生等等的擴散，也會是來源之一。當然，三年一度的台灣國際打擊樂節（TIPC）也觸及更遠的觀眾。「但這是不夠的！」朱宗慶透露他們一年舉辦超過百場的講座，維持熱度「目的就是不斷地告
「我認為創作者要具有一定的敏銳度。」創團10年，丞舞製作團隊（B.DANCE）如今不僅以作品站穩歐陸市場，更以「B.DANCE」為品牌，在台灣發展出橫跨各種領域的舞台，開創無數合作機會。而這不僅是他們從創團第一年就定下的策略，也是一路走來始終不移的方向。 科班出身，藉著參賽國際編舞比賽打下知名度，藝術總監蔡博丞對團隊的經營策略，從創團前兩年就開始醞釀。創團那年，他創作的《浮花》備受國際矚目，海外邀演不斷，而B.DANCE已然將自己的機動性開到最大值，以最大的彈性符合各種邀演需求，「我不追求殿堂，我只希望讓更多人看見我們，認識B.DANCE。」 如同精品，除了品牌名字盡人皆知，與跨域合作發展的可能性亦是極廣；這個時代的舞團如果也能成為一個品牌，市場對它的需求，也將不再只有表演這件事。
音樂劇逐漸在台灣嶄露頭角，無論是演出數量、製作品質、觀眾培養等方面，都成為表演藝術圈不可忽略的類型。其中兩部爆紅作品《勸世三姊妹》、影集式音樂劇《SC驚釀小酒館》（後簡稱《小酒館》）更創下台灣劇場前無古人的紀錄，數次巡演都在開賣時迅速完售，並成功吸引大量新觀眾首度踏入劇場。 兩部作品更體現了台灣劇場的不同製作體系與生態。《勸世三姊妹》來自音樂劇團「躍演」，但獲得IP開發公司「大慕可可」支持，構成台灣少見的新商業劇場規格。而《小酒館》是從製作公司「五口創意有限公司」啟動，分別邀請導演高天恆與創作、設計團隊合作，並有百萬訂閱YouTuber「欸你這週要幹嘛」跨界演出，打造製作、行銷為起點的創作模式。 劇團與製作公司如何面對觀眾的需求？是否擁有截然不同的規劃方法與思維？又如何在（我們所期待的）劇場產業與商業模式裡頭，找尋藝術與票房間的平衡？因此，我們邀請到躍演藝術總監曾慧誠、團長侯淙仁，與五口創意有限公司兩位共同創辦人孫明恩、陳宣，展開一場不同切入角度的對話。
作為一個走遍世界各地、有駐村也有演出的藝術家，瑪琳．蒙泰羅．弗雷塔斯（Marlene Monteiro Freitas）最喜歡觀察的就是人。每每來到陌生的城市，她會從各種面向來觀察當地的人，從臉孔、眼睛與嘴巴，到由人所建構的各式文化載體：影像、音樂、建築等等。 在她編創的《酒神有沒有派對》（Bacchae Prelude to a Purge）中，觀眾即將「遇見」的，將不是既定印象中的臉孔、物件、音樂或舞蹈，而是各種被編舞家瑪琳吸收、咀嚼、轉換與支解，最終蛻變而成的一幅「動態輪廓」。透過這個輪廓，觀眾將深入感受歐里庇得斯（Euripides）《酒神的女信徒》（Bacchae）中，各種衝突、混亂的文本脈絡，以及滿到天靈蓋的情緒能量。
因為《勸世三姊妹》的爆紅，在音樂劇耕耘多年的張擎佳（佳佳）終於被觀眾看見了。在戲裡，大家跟著她充滿爆發力與情感的歌聲又哭又笑；在戲外，也有很多人直接以角色名稱「宋國珍」稱呼她。這位音樂科班出生的演員，曾經唱壞自己的嗓子，卻從來沒有想過要放棄這條路；於是，本次的「藝術家請回答」邀請張擎佳參與，讓她回應粉絲想要知道的問題除了會大罵髒話的宋國珍之外，張擎佳還有哪些面向？
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