從重探經典到徘徊在現實與虛擬之間的當代童話，法國劇場大師喬埃．波默拉（Jol Pommerat）持續探索既矛盾又複雜的成長旅程。其最新力作《現代小女孩（暫定標題）》（Les petites filles modernes [titre provisoire]）透過匠心獨具的敘事手法，以及奇幻迷離的舞台效果，成功帶領觀眾進入一場虛實交錯的夢境。這部作品不僅證明這位「作者╱導演」（Auteur-metteur en scne）說故事出神入化的功力，更展現出他登峰造極的藝術成就。
甫於2月17日至23日舉辦的第2屆下北澤國際偶戲節（下北沢国際人形劇祭，Shimokitazawa International Puppet Festival），以「技術與魔法，全新的偶戲」為口號，邀請8組付費演出、2組免費演出共襄盛舉，同時來自台灣的飛人集社劇團也參與其中的子節目「第四屆國際偶戲Slam」（International Puppet Slam），與其他13組藝術家同台亮相。 下北澤偶戲節的構想，來自對日本偶戲歷史與現況之間落差的深刻觀察。藝術總監山口遙子在歐洲研究偶戲時得知，日本其實擁有世界上最古老的偶戲理論，在近松左衛門的《難波土產》中一個章節，將偶定義「介於真實與虛假間的存在」，這樣的思想在世界偶戲史中占有重要地位。而文樂作為日本代表性的傳統藝術形式，也長期被視為高度成熟的偶戲表演形式。此外，長野的「飯田偶戲節」每年更聚集超過400個團體，從規模來看，日本的偶戲文化可說相當興盛。
籌建美國首府的甘迺迪表演藝術中心（John F. Kennedy Center for the Performing Arts）一共花了13年（1958-1971），歷經4任總統（艾森豪、甘迺迪、詹森、尼克森），但要毀滅它，只需要川普總統一個社群貼文的時間。 今年2月1日深夜，當全美東半部都還凍結在近幾年最強的寒流下，川普在他自己的Truth社群上宣布震撼消息，甘迺迪中心將在7月4日美國國慶日後關閉兩年，以進行整修。甘迺迪中心是美國最具指標性、檔期最滿的表演藝術場所，每年大小節目不下2000個，建築本身還是聯邦政府的「活的紀念堂」，365天開放。這樣的公共場所，要關門通常得經過長期的準備，但川普的宣布就如同他一貫的行事突如其來，連中心的領導階層都是隔天來上班才「聽說」。 照說甘迺迪中心是獨立的非營利機構，即使是美國總統也不能把它當成自家客廳，愛做什麼就做什麼。但川普去年一上任，就立馬改組董事會和高階領導，把原來超黨派純粹是喜愛藝術及專業的人士，都換成能控制的班底，這些國王的人馬，二話不說就推舉他為主席，讓應該是中立的甘迺迪中心，瞬即染上黨派色彩。去年（2025）12月，董事會更宣布，連中心的名字都加上川普二字，還在甘迺迪之上。 川普與甘迺迪中心的恩怨，可以追溯到他第一任時。2018年他出乎意料當選，給美國社會帶來很大的震撼，各階層族群依其立場各有不同的反應。表演藝術圈是以負面居多，他頻頻成為喜劇脫口秀的嘲笑對象，對他的政策也偶有批評，然而最高調的一個表現，就在有表演藝術終身成就獎意義的甘迺迪中心榮譽獎上。這個每年12月由甘迺迪中心頒發的獎，行程包括白宮招待會和總統親臨的晚會表演，在他任內因為受獎者反彈，取消了總統參與的環節。當時各方都刻意淡化，好像不算回事，其實川普已經懷恨在心，因此一回鍋就展開復仇大計。 川普的鴨霸，引發更大的反彈，從百老匯大戲《漢彌頓》開始，許多藝術家宣布退演，人數多到維基百科可以開專頁的程度。觀眾也以行動抵制，甘迺迪中心的票房一下子就掉了六成。至於他任命的管理階層，連最基本的美國表演藝術的運作方式也一無所知。他們說所有節目都要自負盈虧，而且得在演出前就達標，這完全不符現實，華盛頓歌劇團就是因此而離開；他們推出的「傳達傳統基督教價值」的節目，沒有吸引
蛇年尾的熱鬧並未在天橋音樂劇年度盛典的華麗總結裡落幕，盛典一結束，2025年12月19日，前中央戲劇學院（簡稱中戲）院長、表演系前主任郝戎向中紀委自首，為自己在中戲30年的藉權牟利惡行認罪。在中國，這種打貪腐、某個領導落馬的新聞多有所聞，一般人見怪不怪，但北京戲劇圈肯定為之震驚，畢竟中戲是中國最重要最專業的戲劇藝術高等學校，目前很多當紅的電視電影明星都是從這裡畢業的。這事掀起的輿論波瀾不算大，但就在進入馬年的前幾天，2月12日，前任中戲表演系主任陳剛也自首了，還沒完，隔了不到24小時，現任表演系主任王鑫也進去了。應接不暇的瓜讓人吃得合不攏嘴，這事成了新年假期裡最被熱議的話題，估計也是北京戲劇圈很多年後都會被複誦的事件。 罪惡是從招生開始的，中戲表演系每年新生不到百分之一的錄取率，讓系主任及負責招生的單位有操作的空間，雖然錄取的學生並非全部透過操作，但是開學之後，導師制又會發展出師門、師閥，以及畢業後與業界的各種利益糾葛，不誇張地說，這是一條利益龐大的產業鏈，產品就是學生，或未來的明星。在抖音、小紅書、微信這些媒體平台上多不勝數的新聞和八卦中，有少數文章點明了這個產業鏈是如何建構與運作的，如果其言可信，那麼這個產業鏈從2011年就成形了，這種不良生態至今15年，早就被所有學生與家長默認為常態。雖然中戲這些年來仍然培養了不少優秀的演員及從業人員，但失去公平性和摒棄道德的生態畢竟不是永續之道，有無可能翻轉就看此事後續的發展了。
來到莫札特的故鄉薩爾茲堡（Salzburg），幾乎不可能不被這位作曲家的身影所包圍，尤其今年適逢莫札特誕辰270周年，慶祝活動又比以往更為熱絡。每年1月，薩爾茲堡都在莫札特生日（1月27日）前後，以「莫札特週」（Mozartwoche）為這位「音樂神童」慶生，也讓國際樂壇的目光再次聚焦到這座小城。莫札特週創立於1956年，當時正值莫札特誕辰200周年，今年迎來音樂節70周年，為期10天的節慶特別規劃了70場節目，希望能從多元面向感受莫札特的音樂世界。 自2019年起，曾紅極一時的巨星男高音羅蘭多．維拉松（Rolando Villazn）獲邀擔任藝術總監，為莫札特週帶來了新氣象。他大刀闊斧地規劃多元與創新的節目，以打破邊界的思考，希望讓莫札特融入現代人的生活之中，消弭古典音樂與現代生活之間的界線。因此，在星光熠熠的音樂會包括維也納愛樂、馬勒室內樂團等頂尖樂團及獨奏家的演出之外，莫札特週特別策劃的「TRAZOM」系列，更是提供了另一種觀看莫札特的角度。這個名稱的由來饒富玩味：莫札特在與家人寫信時，喜歡玩文字遊戲而將自己名字MOZART反過來寫簽名，既是文字遊戲，也象徵顛覆與翻轉。這系列節目包含了木偶劇場、早期莫札特專題稀有影音珍藏放映、藝術家對談、酒館益智問答及家庭音樂會等多樣化內容，讓莫札特週的節目不只是發生在音樂廳中，而是深入到薩爾茲堡的街頭巷弄裡，落實「莫札特作為一種生活方式」的策展願景。
檳城雖然是馬來西亞繼首都吉隆玻之後，戲劇表演最蓬勃的城市，不過一直以來缺乏長期商演的條件，導致不少熱愛表演的人才外流，直到去年7月，一部主打峇峇娘惹文化的音樂劇《Rasa娘惹情》出現後，局面才有了改變。 峇峇娘惹是15世紀華人從中國南下馬來半島，與當地馬來人通婚的後代，至今依然保留豐富的中華習俗。檳城全職歌手兼舞台劇演員王茵詩的祖母也是一位娘惹，所以她去年成立峇惹藝術製作團隊（Baya Arts Production），全心投入音樂劇的製作，找來劇場導演王涵倫和編劇曾福明合作，決心以歌唱和表演來推廣峇峇娘惹文化。
色彩是琴鍵，眼睛是琴槌，而靈魂則是擁有眾多琴弦的鋼琴。 康丁斯基 去年（2025）10月，巴黎愛樂音樂博物館（Le Muse de la musique Philharmonie de Paris）與龐畢度中心（le Centre Pompidou）合作，推出「康丁斯基：色彩的音樂」（Kandinsky - La musique des couleurs）特展，展出20世紀俄羅斯抽象畫大師康丁斯基（Vassily Kandinsky，1866-1944）的200件作品。有別於傳統的靜態展覽，這次的展覽透過燈光、投影、影像與立體動態舞台，讓整體的展示呈現出動態感。此外，也讓每位參觀者配備智慧型耳機，隨著觀展動線，耳機會自動撥放出對應的音樂、人聲或環境音，帶領觀者走進一種沉浸式的聲響體驗，領略康丁斯基的藝術世界。
2020年，上海亞洲大廈「星空間1號」迎來《阿波羅尼亞》首演，標誌著中國演藝新空間正式啟航。5年過去，這一模式已蔓延全國：北京累計認定的演藝新空間達79家，廣州2025年一季度的小劇場演出達1712場，占全市55.2%。據中國演出行業協會最新發布的數據，目前全國劇場類演出（含演藝新空間）已達29.64萬場，票房119.29億元。 然而光鮮數據背後，行業深陷「成長的煩惱」。上海亞洲大廈已從1個小劇場擴張至20餘個，各地紛紛在商場、寫字樓「垂直生長」出大量演藝新空間。但這種「百老匯式」的群集效應，真的撐得起「中國百老匯」的夢想嗎？ 三大病灶，讓「新空間」成了「新困局」 演藝新空間的爆量增長，其實也帶來了困局。其一是「同質化氾濫」。走進任何一座城市的演藝新空間，你大概會看到懸疑驚悚、熱門IP改編、打「同性情誼」擦邊球的作品。上海「環人廣」有50餘個劇場，演出題材卻高度雷同；北京、廣州、成都的演藝新空間，也難逃「複製貼上」的宿命。這種創作上的惰性，正在快速消耗觀眾的新鮮感。 其二是「地下偶像化」陷阱：演藝新空間最突出的問題，是「粉絲經濟」的過度膨脹。製作方體系性地以「人」而非「藝」作為賣點，官方卡司表上標示的「百場」、「生日場」等行銷手段，公開鼓動粉絲為特定演員購票。一種「大粉姐」現象1年看270餘場演出、花費10幾萬元、與演員形成奇特的權力關係正在各地重演。這種「地下偶像」式的運營模式，導致演員技藝退居次要，戲劇的藝術本質被嚴重稀釋。 其三是「專業主義缺失」：更嚴重的是，部分製作方的主要目的並非票房，而是拉贊助、做數據，將戲劇異化為金融遊戲。這種「以出租場地替代經營、過度依賴補貼」的模式，正在傷害行業的根基。 這些問題的根源，在於演藝新空間從誕生之初就以高度商業化為導向。上海「一台好戲」創造的《阿波羅尼亞》模式因過於成功，以致後續製作公司紛紛效尤，卻無視中國缺乏支撐「外百老匯」模式成熟市場基礎的事實。而各地爭相打造「演藝之都」，又忽視了內容建設的長期性。雖然北京推出了25家演藝空間培育專案，廣州推出了《關於推動廣東演藝市場高質量發展的若干政策措施》，但這些政策更多關注的是硬體建設和場
《奴隸遊戲》（Slave Play）是美國非裔青年編劇傑瑞米．歐．哈里斯（Jeremy O. Harris）就讀耶魯大學戲劇學院時創作的3幕劇，從2018年於紐約外百老匯首演、隔年登上百老匯舞台，到2024年移師倫敦西區以來，這齣探索美國族裔衝突、歷史創傷與現代性下的親密關係、當代心理學治療之間交雜問題的劇作，在大西洋兩岸點燃兩極反應，不乏怒火、抵制、笑聲，以及讚譽（註1），該劇的長尾效應甚至在2024年催生了紀錄片《奴隸遊戲。不是電影。作戲罷了。》（Slave Play. Not a Movie. A Play.），2025年秋季，在美國川普政府正大肆追殺DEI多元共融價值，而加拿大在官方政策及教育上仍擁立DEI的情境之下，本作迎來出自多倫多加拿大舞台（Canadian Stage）的加拿大首演（註2）雖然本劇或許並不那麼簡單工整地回應DEI價值。 《奴隸遊戲》劇名便隱含多重意義，既向外揭示美國蓄奴歷史背景，也向內強調劇中人參與的奴隸角色扮演療法，在自我指涉上，於敘事層次內突顯情慾關係的扮演遊戲本質，在敘事框架外，則自我詰問這是否終究是齣有關奴隸的奇觀化演出。
香港的表演藝術工作者經常詬病本地的演藝場地數量不足，近年隨著西九文化區和大館等場館啟用，好像緩解了一些問題，但這些場地不屬政府管理，即使有空檔，但租金對團隊來說不是容易負擔的事，要多做幾場和提高票價才有機會收支平衡。然而能有長演可能性的作品，和能夠承擔長演節目的本地團隊，真的屈指可數。 長期依靠政府資助運作的經營策略是發展的困局。長演製作過去10多年有較多討論和實踐，目前仍然是以有明星參演、且有商業製作公司願意投資的作品較有成功的可能。不過曾是葵青劇院演藝廳17年場地夥伴的風車草劇團，在2025年底公布最新一輪的場地夥伴名單時就不再入選，這場地會由本來與風車草共享場地的中英劇團獨家獲得。 「場地夥伴計畫」從2009年起開始推行，對政府場地來說，可說是一次與演藝團隊同行的突破，除了發展場地形象和夥伴團隊特色，在觀眾拓展的長期策略方面，亦能讓場地和團隊雙方受惠。風車草劇團是當年第一輪獲入選的演藝團隊之一，當時與W創作社一同申請成為場地夥伴，兩團在當時都是新進專業劇團，在藝術方向上以本地原創和貼近年輕人心態和關注的題材出發，累積了一群同代的觀眾群，並成功建立幾位創團成員梁祖堯、湯駿業、邵美君的獨特的舞台魅力，在演藝廳這個900席位的場地深耕出他們和觀眾對這地方的歸屬感，讓這個位於新界的場地的活力不遜色於市區內的場地。 近年，風車草劇團每年平均製作3至4個作品，在演藝廳上演兩星期的票房都爆滿，有些受歡迎劇目甚至另覓場地接連演出，可說是場地夥伴計畫推出以來的一張亮麗名牌。不過近年很多香港場地常常出現很多不可抗力的原因，讓作品未能順利上演，其中由政府管理的場地自然會有更多人關注。另一方面，政府既期望在「促進表演藝術的多元化、專業化、產業化及盛事化發展」，在場地上如能把握更多可控元素，似乎應該更容易管理，但場館的不確定因素增多，也讓團隊發展受到影響。 風車草劇團作品能引起大量觀眾共鳴和支持，一定程度上是因為能說出觀眾的心聲，但這些心聲是否人人有感，則難以估計。去年公布表演場地租用政策和措施的改革方案時，已減少了夥伴計畫的場地數量（絕大部分場地不再會同時有兩個團隊進駐），及減少獲選藝團使用場地的日數，部分評選委員說是希望資源能讓更多團體使用，然而這樣的調整是否已偏離計畫的初
2026年的澳門劇場，幾乎可以叫「曉角月」。 在澳門政府文化發展基金的資助名單中，現代劇場團體超過30個，真正成立超過20年（2005年前成立）而又每年維持一定演出量的不足10個。其中以成立於1975年的曉角話劇研進社年資最長，演出量最高。去年是「曉角」成立50周年，該團於今年1月3日至2月2日期間，在「中國現存最古老的西式劇院」崗頂劇院中舉辦了長達1個月的紀念活動。 曉角話劇研進社以「半世紀舞台．世遺的迴響」為主題，連翻推出四大劇目共15場演出，當中涵蓋當代翻譯劇《紙牌遊戲》（The Gin Game)、劇團舊作復排的有《剖》與《等靈》，以及全新原創劇作《日日是好日》，展現了「曉角」多年來在不同題材和劇場美學上的探索與突破。同時，亦在崗頂劇院「鏡廳」（觀眾進場前的大廳）立起了幾塊展板，舉辦「五十年戲劇創作回顧展」，以劇社不同發展成就來分類，展出演出劇照、手稿、戲服與影像，讓觀眾重溫曉角的成長歷程。其中一個週末又在劇院前的戶外庭園舉辦「戲劇嘉年華」，透過親民的戶外短劇、即興演出、角色扮演、戲服體驗及文創市集等方式營造了一片欣欣向榮的熱鬧氣氛。
2026年，「新加坡藝穗節」（Singapore Fringe Festival）正式邁入第22年頭。這是藝穗節的里程碑過去21年來，由劇團「必要劇場」主辦的藝穗節都由電信業者第一通（M1）贊助。像電訊公司M1這麼一家為藝術做出如此長期資助的機構，在新加坡委實少見。M1在2025年以後取消贊助，藝穗節為了能夠持續下去，積極發起籌款活動，於是第22屆的藝穗節是首次以群眾募資形式籌辦的活動。 必要劇場將今年的藝穗節主題定為「再現」（represent），除了旨在舞台上「再現」（represent）邊緣化群體的課題，也意指這次的藝穗節以民間籌辦的形式「再次呈現」（re-present）於觀眾面前，有不一般的意義。
法國現代戲劇先鋒諾瓦里納（Valre Novarina）於2026年1月16日辭世，享年83歲。這位獨樹一格的導演暨劇作家透過實驗性的手法，顛覆以情節、角色為主的文本創作，將書寫的文字幻化為五顏六色的筆觸，甚至是抑揚頓挫的音樂，被譽為文字魔術師、語言的革命家。他的離去雖然是法國劇場界的損失，但他留下的豐饒遺產，將持續在當代劇場抵抗語言貧乏的浪潮中，發出強而有力的回響。 話語流動的盛宴 創作能量豐沛的諾瓦里納共累計了50多部劇作及理論，可說是法國現代舞台上最激進的創作者之一。對他來說，文字並非傳遞訊息的媒介，而是驅動生命的燃料。不同於荒謬劇場常見的語言匱乏與失效，諾瓦里納企圖用書寫創造出一種充滿流動性及飽滿能量的「話語劇場」（thtre de paroles）。他將作曲的概念融入劇本創作中，在字裡行間探索迸發旋律、營造幾何運動的可能。他的劇作沒有複雜的舞台指示，更摒棄了傳統的因果邏輯，反而運用精簡的空間，讓文字脫離符號，化身為主要的角色，它們可以行走、跌倒、跳舞與呼喊，宛如一場歡騰又熱鬧的原始慶典。在這種融合理性與感性的實驗場之中，觀眾必須用全新的感知面對熟悉的語言，徹底翻轉聆聽和觀看的方式。
英國國家劇院（National Theatre）的最新帳目顯示，劇院的演出收入從 2023╱2024 年度的 5,460 萬英鎊下降了 17%，至 2024╱2025 年度的 4,500 萬英鎊。這些數據涵蓋了劇院在泰晤士河南岸 South Bank 的3個劇場的演出、西區（West End）商業演出、以及國內和國際的巡迴演出。國家劇院在此財政年度（2024╱2025）共搬演了 19 部戲劇和音樂劇，而前一年共有 31 部戲；其位於南岸的3個劇院，在這個財政年度的座位上座率為 81%，相較於前一年的 87% 少了 6%。 國家劇院發言人表示，劇院2024╱2025年度在票房、募款和數位演出（NT Live）有不錯的進展，但同時也有兩項因素會影響國家劇院未來財務的永續性。 首先是財政部長瑞薇絲（Rachel Reeves）在 2024 年秋季預算案中提出增加的雇主國民保險繳款，該措施於 2025 年稍早生效，國家劇院估計，這項支出的增長將使劇院每年損失約 110 萬英鎊。另外一項因素是關於演出成本的增長。由於技能短缺、演出技術性日益增強、以及加強確保員工與創作團隊的工作福利和工作與生活平衡，製作演出的成本增加是不可逆的。報告指出，劇院預計這些變更將使劇院每年的基礎成本增加約 100 萬至 200 萬英鎊。 這些因素都將阻礙國家劇院擺脫持續虧損的目標。COVID-19疫情後，國家劇院制定了一項5年策略，目標是在 2026╱2027 財政年實現收支平衡。但由於上述挑戰，劇院現在將收支平衡的目標調整為 2027╱2028。帳目報告裡指出，南岸的劇院在未來10年需要進行大規模投資以已更換老化的基礎設施，並確保這些更新的設施適合世界級的藝術家在南岸劇院裡創作最好的作品，而這更為收支平衡的目標添增財務挑戰，雪上加霜。 同時，國家劇院在COVID-19疫情時獲得的 2,060 萬英鎊文化復甦基金（Culture Recovery Fund），這筆貸款需分 20 年償還，每年 150 萬英鎊（含利息），從去年 （2025）3月開始。上月初，英國國會上議院議員霍琪（Margaret Hodge）發表了關於英格蘭藝術委員會（Arts Council England）的補助報告，她在評論中指出許多獲得文化復甦基金貸款的文
14 世紀的義大利，得益於佛羅倫斯的梅迪奇家族（Medici）長期以來穩定且積極地為藝術家提供贊助，使義大利成為文藝復興的起源地，進而為人類文明寫下重要的歷史篇章。放眼當代韓國，在國產流行音樂、電視劇、電影等娛樂作品熱潮席捲全球之際，也有一群演藝界名人回流支持純粹藝術，並且逐漸形成「韓版梅迪奇效應」。 近年最具象徵意義和話題性的贊助者之一，是創辦知名娛樂公司「HYBE」的音樂製作人房時爀（Bang Si-hyuk）。身處全球流行音樂產業核心的同時，房時爀以後援會成員身分贊助韓國國立芭蕾舞團，至今已持續3年。業界普遍認為此舉並非單純捐助，而是大眾文化金字塔頂端的創作者回溯源頭汲取養分的具體行動。對房時爀來說，純粹藝術或許正是校準感受力和激盪創造力的靈感來源。
加拿大創意產業聯盟（The Creative Industries Coalition）2025年底在多倫多針對2025╱2026年度聯邦政府預算規劃發表聲明，呼籲加速建立「現場表演藝術稅額抵免」（Live Performing Arts Tax Credit）的必要性。 創意產業聯盟並非常態運作的組織，而是疫情期間為針對現場表演領域進行政策及預算倡議而組成的聯盟。成員包括表演藝術各領域最大的工會（如：國際戲劇舞台從業人員聯盟、加拿大演員工會、加拿大音樂家聯盟、加拿大聯合設計師協會等）、場館與演出組織（如：加拿大專業劇院協會、加拿大現場音樂協會等），以及具高度影響力的文化機構（如：Mirvish Productions、蕭伯納戲劇節等）約40個涵蓋勞資雙方立場的單位參與。聯盟上一次大規模發聲是2022年，針對聯邦政府提出「因防疫政策造成藝文組織收入損失的補償預算」進行評論。
2025年12月，北京天橋藝術中心舉行了「2025北京．天橋音樂劇年度盛典」，除了頒發當年中國原創音樂劇的各類獎項之外，中國演出行業協會也發布了《2025中國音樂劇市場年度報告》：全年音樂劇演出場次1.97萬場，較2024年同期相比增長了15.04%；票房收入18.07億元人民幣，同期相比增長7.55%；觀眾人數818.59萬人次，同期相比增長10.41%。相對於紐約百老匯目前正面臨著的製作成本大漲，招牌依舊閃亮，後台卻精算著每一分錢。中國音樂劇市場則在2025年初顯不可抑制的爆發之勢。 音樂劇一直是中國演出市場中增長最快的領域之一，2025年原版引進劇碼和中國原創劇目的票房已相當接近（前者近10億元，後者則達8.79億元），顯示這幾年正處於中國原創音樂劇發展的關鍵時刻。2025年中國音樂劇市場確實熱鬧無比，引進的原版音樂劇都是經典之作，《莫里哀》（法語）、《劇院魅影》（英語，台譯《歌劇魅影》）以及《巴黎聖母院》（法語，台譯《鐘樓怪人》）位列場次前三；《劇院魅影》、《悲慘世界》（英語）40周年紀念版音樂會，以及《搖滾紅與黑》（法語）位列票房前三。中文原創音樂劇的市場則隨著演藝新空間（即非劇場演出空間）在各地興起，沉浸式體驗需求提升，促使駐場沉浸式音樂劇新劇不斷，《辛吉路的畫材店》、《桑塔露琪亞》和《怪物》列演出場次前三，《受到召喚．敦煌》、《錦衣衛之刀與花》和《她對此感到厭煩》則列票房收入前三。如同其他類型演出，北京和上海兩地的音樂劇市場仍占全國票房的60%以及近一半的演出場次，吸引了全國超過六成的觀眾。 這次盛典同時舉行了高峰對話，對談者為倫敦尼可爾娛樂公司聯合創始人Nick Brook與原韓國音樂劇協會會長劉禧聲，內容非常精準地針對中國音樂劇市場亟需構建的生態。倫敦西區的戲劇產業高度成熟，而且西區不僅僅有戲劇與劇場，更是文化與經濟的「生態系統」；劉禧聲則提出「音樂劇必須本土化，才能讓亞洲的音樂劇作品在世界舞台上占有一席之地」的呼籲，他以榮獲6項東尼獎的《也許是美好結局》（Maybe Happy Ending）為例，剖析「韓式音樂劇」是一個由版權引進、本土化、粉絲經濟驅動、國際聯合製作構成的多元化產業體系。了解紐約百老匯的商業模式、倫敦西區的生態系統與「韓式音樂劇」的產業體系，對中國音樂劇產業未來的發展無疑地有著非常深刻的警示
預計於2027年11月1日正式開館的「港區立港藝術中心m～m（むーむ）」，於2025年11月30日在東京都港區的日生會館舉辦「開館倒數兩年前導活動」。這是m~m首次舉辦的大型公開活動，吸引約1200名民眾參與，讓市民提前認識這座即將誕生的藝術新據點。 本次活動以論壇與跨領域表演為主軸，內容包括鋼琴演奏與即興繪畫的跨界演出，以及多項可親身參與的藝術體驗。現場也規劃了VR展示、戲劇工作坊、樂高積木創作、城市散步企畫與交流空間，讓不同年齡層的參與者都可以從多元角度接觸藝術。 在論壇中，港區區長清家愛表示，藝術文化在快速變動的社會當中，具有連結人與人、促進相互理解的重要力量，期盼m～m能夠成為共享感動與創造喜悅的空間。創意總監箭內道彥則指出「m～m」這個暱稱本身，就鼓勵大家都可以用自己的感受去理解，也正是藝術體驗最珍貴的價值。 擔任本次前導活動主持、同時也是立港藝術中心開館準備室節目總監的相馬千秋，分享了她對劇場與共生概念的想法。她表示，透過過去的討論與實踐，逐漸認為理想的共生狀態應該像「沙灘」一樣，讓所有人都可以按照自己的生活節奏自由地進出。她也指出，劇場是一個能讓人把自己的想像力帶往不同地方、連結不同他人的空間，同時也能成為某些人的「容身之處」。 港區立港藝術中心m～m位於山手線浜松町站直結位置，未來將整合約600席座位的劇場、具有移動式觀眾席的多功能空間，以及工作室、排練場與交流空間，作為港區文化藝術新的核心據點，推動市民參與、創作與交流。而劇場的暱稱「m～m」則是由公開徵選產生，象徵「港」（minato）與「我」（me）的連結，也代表從「無」中孕育出無限可能的創造力。而符號「m」與「～」分別代表手與海浪，描繪出港區人們與海邊共生的意象。
輝達創辦人黃仁勳最近有一則與公司市值、晶片要不要賣給中國、亞洲總部在哪裡、或者他又去吃了哪家小吃都無關的新聞，卻是與加州表演藝術息息相關，那就是他和太太捐了一大筆錢給舊金山歌劇院（San Francisco Opera）。 或者不該說是只有一筆，新聞是說黃仁勳夫婦從今年開始，在未來「數年」內，每年捐贈500萬美元，錢除了用在歌劇製作上，也可以用來培育年輕藝術家、社區外展、開發數位資源等，很有彈性。這筆捐款的第1個受益者，是秋季大戲《猴王悟空》（The Monkey King）。這是一部由來過台灣很多次的作曲家黃若和劇作家黃哲倫合作的新歌劇，講孫悟空誕生、修法、大鬧天宮、到被佛陀壓在五指山下的故事，11月演出時，票房口碑皆長紅，《紐約時報》盛讚是「歌劇可以在大規模上成功的明證。」 舊金山是華人在美國落地生根的起點，舊金山歌劇院這幾年來努力拓展與當地華人的關係，2022年首演過盛宗亮創作、賴聲川導演的《紅樓夢》，《猴王悟空》再接再厲，成績更上一層樓，黃仁勳夫婦也是專為這齣戲設立的委員會的共同主席。
香港的表演場地不少是由政府管理，最晚落成的已經是在2014年開幕、較集中搬演戲曲作品的高山劇場新翼；近年隨著如西九文化區和大館等具個性和節目定位的場地落成，官方的場地方面，在面對設施和觀眾拓展方面的老化與滯緩、疫情後特別針對科技與藝術結合的方向下，終於迎來了政府醞釀多年，亦暖場多時，最近終於正式揭幕的「東九文化中心」。 座落在港鐵站附近，鄰近多個大型商場和住宅社區的東九文化中心，周邊的經濟活動相當活躍，其觀眾拓展的對象也是面向大眾的。中心大樓由香港知名建築師嚴迅奇及其團隊設計，其中包括「一個高滲透度、無縫地接連周邊人流匯點的架空藝術回廊」，整體採光良好的設計吸引很多人流聚集。目前場館內不少展覽是免費入場，如在「樂隊表演、擴音音樂會及錄音理想場地」的樂館進行的跨媒體藝術家王志勇《時間的潮汐》是一個沉浸的互動展覽裝置，週末要等待約1小時才有機會入場．但仍然有不少觀眾靜候參觀。亦有其他專屬的教育空間引入科技互動元素以吸引兒少族群，讓這個座落民居之間的場地更貼近大眾，讓文化藝術得以融入生活。 除了樂館，中心還有劇院、劇場、創館和形館4個場地．其中「可供全牆投影，配備折合式座椅和彈跳板」的形館，「人．舞團」的舞蹈作品《熟悉的陌生》就在這裡上演。作品由新加坡郭瑞文編舞，參與者包括新、馬和港澳藝術家。作為以推動科技與藝術為焦點的場地，作品當然利用了配置的全息投影和讓舞者罈之卓以虛擬方式進入敘事，在演後座談時創作人也有進行介紹，讓觀眾更清楚技術的運用。
澳門政府在11月中推出了「澳門國際綜合旅遊文化區」的公眾意見收集，根據政府新聞稿的介紹：「文化區的建設旨在進一步深化澳門『世界旅遊休閒中心』的內涵，推進『以中華文化為主流、多元文化共存的交流合作基地』的建設，落實『文化澳門』的發展願景。項目計劃於合適選址，規劃建設3項文化設施及配套功能空間，包括澳門國博文化館、澳門國際表演藝術中心及國際當代美術館（暫名）。」 1999年「澳門回歸」以後一直沒有建設新的官方表演藝術場地，其實早在規劃澳門文化中心之初，除了兩個開幕時就存在的鏡框舞台外，另有一個黑盒劇場在整體構思當中，但沒有付諸實行；一直到了2023年6月底「臨時活化」的舊法院黑盒劇場關閉後，文化中心黑盒劇場才正式建成啟用。自此澳門的表演場地便完全集中在同一棟建築、同一個管理部門。 其實，近10年來關於澳門官方表演場地與城市規劃之間的討論也時有出現。2015年澳門特區政府進行「澳門新城區總體規劃」第3階段公眾諮詢，當時諮詢文本中已清楚標示新城中的「城市級文化設施」及「社區級文化設施」，然而在5年後的《澳門特別行政區城市總體規劃（2020至2040）》草案（下稱「草案」）中，文化設施被歸入「公用設施」，文化設施的概念、分類與比例均變得含糊不清。文本中只強調「新城A區南端建設城市級地標性文化設施」及「外港區2的文化中心附近以及路環區的荔枝碗船廠片區規劃城市級文化設施」，而社區級文化設施則並未提及。該草案於2020年10月提出後，不少藝文工作者反映了意見，主要指出「草案」缺乏對文化設施承諾未明確提出各區公共設施的覆蓋率，尤其缺少表演場地、展覽空間等文化設施的指標，導致文化願景流於口號。而社區文化被邊緣化，偏重地標建設，草案中雖提及衛生、教育、圖書館等設施，但文化設施未被列入重點，反而強調「文化地標」。這可能增加居民接觸文化的成本，並造成地區「貴族化」現象。亦有本地文化團體及劇場工作者指出，文化應植根社區而非僅依附旅遊或地標。若缺乏政策支持，居民的文化權利難以落實，文化發展恐受限。
2023年諾貝爾文學獎得主約恩．福瑟（Jon Fosse）的作品席捲今年秋天的巴黎舞台。這位挪威當代劇作家以極簡的筆觸、如音樂般的重複話語、欲言又止的沉默，為難以言喻之物賦予了一種聲音。由法蘭西劇院（Comdie Franaise）及熱納維利爾劇院（Thtre de Gennevilliers）推出的2部作品分別以不同角度，勾勒出他筆下的「無聲之聲」。在政治與社會議題喧囂的當代劇場，這2部作品重新叩問身在人世的疑惑，將我們帶往介於等待、失落、哀悼與時間的裂縫。
2025年11月，跨文化戲劇學院（Intercultural Theatre Institute，ITI）邀請了香港劇場導演鄧樹榮為其畢業生執導畢業製作《奧賽羅》（Othello）。 這一版本的《奧賽羅》延續了鄧樹榮一貫的「從身體出發的簡約美學」，每場戲都像畫，舞台設計僅有幾張椅子、或幾個平台，通過不同的擺放和移位，時而表示不同場景、時而彰顯人物之間的關係、時而突顯人物的內心掙扎。每場戲都像視覺藝術作品，舞台設計也成了「說故事」的「角色」。 演員們一人分飾幾角，僅僅通過服裝和形體表達呈現他們扮演的角色，同時也讓演員們反串表演。於是觀眾始有體會，人人皆有可能是奧賽羅、或伊阿古、或凱西奧、或黛絲德莫娜成功帶出莎士比亞劇本的普世性。
「在整齣作品之中，我不會說任何一句話，因為複雜到無法言喻。」周書毅在舞作開場之際，用麥克筆在空白圖畫本上寫給觀眾看。這是聚合舞（Polymer DMT）最新作品《當水落下》（The Seas Between Us）的開場，開宗明義地表明此作處理的議題具有極高的複雜性。此作由旅德台灣編舞家羅芳芸引領編創、並由台灣舞者周書毅與新加坡舞者李文偉 （Lee Mun Wai）共同演出。在前期研究兩年多後，於今年10月底在德勒斯登赫勒勞歐洲藝術中心（HELLERAU - European Centre for the Art ）首演，緊接著前往萊比錫euro-scene Leipzig藝術節進行巡演。 讓周書毅感到複雜得無法言喻的議題，可以從銘刻在台灣舞者身上的中國舞印痕說起。他以錄音和字幕講述了童年時期的學舞經驗，是從中國民間舞、民族舞、武功身段還有「京芭體」的身體訓練學起的。與此同時，周書毅在把杆上示範當年的練習動作，展現了中國民族舞蹈在系統化過程中受到的芭蕾巨幅影響。周書毅在舞蹈教室的學舞過程中，毫無障礙地扮演不同的民族，跳不同民族的舞蹈。長大後的他，逐漸察覺這些舞蹈與他成長於台灣土地的身體經驗之間存在極大的距離。這個自我叩問追溯回他的學舞經歷：為什麼一個台灣小孩去舞蹈教室學舞，學出來的是一套由中西混合舞蹈建構出來的中國式想像？而這個虛構的想像究竟是屬於誰的？於是，長大後的他，選擇不再跳這些不屬於他身體的舞蹈。
檳城資深劇場人張曉晶今年邁入知天命的50歲，卻毅然決定挑戰從未演過的獨角戲，把活了半個世紀的女人心得帶到舞台上分享。為了做好第一次，她除了身兼演員和製作人，還特地找了3位在不同階段合作過的編導一起拆解女人的一生，再交由她拼貼成完整的演出。 張曉晶在中學時期便代表學校參與戲劇比賽，畢業後第一份正式工作就遠赴新加坡「實踐劇場」當全職演員，參演過創辦人郭寶崑老師的代表作《鄭和的後代》；接著再到香港演藝學院進修表演系，學成後加入當地以兒童劇為主的「明日劇團」，以及喜劇泰斗詹瑞文的「劇場組合」。在香港旅居7年後才回歸檳城接手家族生意，在商場打拼之餘仍然參與戲劇表演，兩次奪得馬來西亞「戲炬獎」最佳女主角，擔任Noise劇團的執行顧問，喬治市藝術節的策劃人，不斷嘗試不同的劇場身分，這一次終於迎來人生第一部獨角戲《一枝獨秀》。
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