PAR 表演藝術雜誌

運動，不只是力量與速度的角逐，它還是一種語言，訴說文化與群體的故事。在「關於運動，我說的其實是」專題中，我們嘗試跳進這場運動的跨界碰撞，從極限運動、走路、跑步、足球等運動形式出發，探索當代編舞家如何以這些運動為靈感，創作出打破常規、挑戰極限的作品。 此外，也深度解析法國編舞家哈希德．烏蘭登（Rachid Ouramdane）的《無涯之軀》與丹麥編舞家麥特．英格瓦森（Mette Ingvartsen）的《滑板場》，透過這兩件作品看編舞家如何帶給觀眾身體與運動的視覺衝擊，更提出了關於社會連結與個人突破的深刻思考。而台灣創作者╱表演者陳彥斌、陳履歡與張汶皓則從自身的運動經歷與創作出發，為我們拆解運動與舞蹈、劇場如何互動，並激發出獨特的藝術能量。這不僅是對身體極限的挑戰，更是對劇場本質的深刻探索。 這些創作者們透過不斷地實踐，訴說運動的真正意義，不僅是競技，更是對身體無窮可能的再發現你準備好與我們一起踏上這場身體冒險了嗎？

我長期參與冉而山劇場舉辦的「冉而山國際行為藝術節」（LIPAF），該藝術節場域多於戶外，曾在軍營碉堡而後發現為考古遺址的七七高地，展開與歷史、殖民對話的主題探討。特別令我感到壯麗的是「Kahemekan花蓮行為藝術展演」（2023）（註）在花蓮水璉牛山呼庭的海灘集體步行，行為者於壯闊的山海之間創作。 相較黑盒子內的觀看模式，觀者的身體在行為現場成為行動的本身，一起移動、行走，打開了觀者與行為者的關係，讓我想要和觀者一起去刺探日常、萃取生活現象，並跨域連結社會學與人類學分析視角，共同挖掘人與自然環境、文化議題等多面向之動態反思，激發更多可能性。 除了行為者，我也擔任藝術行政。因台灣藝文補助現況，行為藝術的小眾性質，容易陷入補助的非中心位置；行為藝術在表演藝術與視覺藝術關係之間的劃界與不劃界為何，我認為三方領域應共同繼續展開討論，如何思考當代台灣行為藝術的脈動與發展，在藝文計畫的支持體系乃至當代藝術市場邏輯中，堅韌保有行為藝術抵抗及批判性，是需要面對並處理的課題。

也許我最害怕的不是Yuli不在了，而是曾經那個在蘭嶼不畏他人眼光、想幫羊洗澡的自己，也一起消失在影像裡。這時祂告訴我：「你就看吧，這棵樹、這顆石頭、這個太陽、這片海，很美，大家都正在看。」《Hey Yuli!3》 我在《Hey Yuli!3》進場前刪除了劇本最後一段的文字，讓它始終保持空白，卻不由自主地說出這段話，一切彷彿是那隻在蘭嶼遇見、又消失的羊「Yuli」托我之口所說，也許這樣做是為了讓自己在這看似漫長、實則短促的Yuli三部曲最後，能有片刻的喘息空間，讓我有機會聽見祂的聲音。 我以新媒體藝術的學經歷待在劇場也即將屆滿7年，擺脫不了的是這標籤驅使我對於「新」的盲目默從。在這無奈中總是不禁投機地去好奇：科技藝術的終點迎來的究竟是什麼？ 《Hey Yuli!》是我唯一自發性提出的創作。從遊戲引擎再現3D虛擬羊開始，逐步加入動態捕捉、AI圖像╱文字生成，透過Yuli這些技術成為一種我去面對「新媒體」標籤的方法，以自己的肉身作為載體去體會表演。最後在這次的版本中，唯一保留下來的是一段在蘭嶼幫Yuli洗澡的影片，被再次投影在舞台上。那是2018年，19歲的我與牠最後一次一同在影像機器前的身影，隨著錄製按鈕的觸擊，化作像素、化作參數、化作光點。在舞台上反覆操演這個影片的過程中，曾有這麼一瞬間，我意識到人們透過影像機器所對抗的，始終是對自身可能會消逝的恐懼。回過頭梳理，發覺這並不是新媒體藝術家的自省，更是Z世代面對影像機器的必要認知。

時代快速變遷，Z世代或許正站在風口浪尖上。這一輩人，出生於數位科技與全球化的交匯點，他們的創作不僅限於傳統媒介，也擁抱虛擬世界、社交平台及互動體驗。對這群20歲出頭的藝術家來說，藝術不僅是表達自我的方式，更是探索世界的途徑。 我們邀請了9位來自不同背景的藝術新血，請他們各自從自己的作品出發，來看看他們對藝術的看法，以及他們如何在創作過程中摸索、實驗，嘗試與當代社會對話。究竟，這群Z世代的藝術家希望成為怎樣的創作者？他們的願景與行動，又將如何塑造未來的藝術版圖？從這群年輕人的真實處境與反思，讓我們一窺台灣表演藝術環境的變遷與挑戰。

表演藝術不重要，我認真的。 日復一日，我們如同社會牢籠裡跑圈圈的老鼠，不知道自己為何而跑，往哪裡奔跑，直到有一天跑累了，身體不行了，耗盡了，從輪子掉出來了，化為塵土，化為烏有；如果人生中曾經有的，感動也好，悲傷也好，快樂也好，都不會留下，那表演藝術的意義在哪裡？ 我沒有答案。我只知道生命當中那些難忘的點點滴滴：我記得那一年寒冷的倫敦冬天，我是怎樣孤單無助地走在熙熙攘攘的人群中，聽見街頭藝人唱〈Heal the World〉，站在路邊一邊哭一邊產生勇氣的瞬間；我也記得坐在自由廣場的地上，聽到帕華洛帝透過現場直播演唱〈公主徹夜未眠 Nessun Dorma〉，被他溫暖宏大的歌聲包圍，全世界彷彿只有我和他存在的美好片刻；還有在皇家亞伯廳第一次聽現場爵士音樂會，小亨利．康尼克（Harry Connick Jr.）性感而慵懶的嗓音帶著全場搖擺舞動的快樂時光；忘了是第幾次看音樂劇《悲慘世界》，卻每次都還是被尚．萬強高貴的情操和自我犧牲的精神感動，發誓要做一個更善良，更有同理心的人；每次看威爾第的《茶花女》，我都是如何被薇奧蕾塔的天真和純愛打動，看著她從花天酒地麻醉自己的歡場女子，成為為愛洗盡鉛華，最後死在病床的天使；或是看《波希米亞人》，看懷才不遇，貧困潦倒的一群青年，如何經歷生離死別，在愛人死去後，最後不得不面對現實的悽慘結局，然而浦契尼的音樂又是多麼溫柔甜美地安撫著觀眾，告訴大家，無論發生什麼事，明天永遠是有希望的。 即使是在最近，我也接連被表演舞台的魔幻時刻打動：鋼琴家皮耶絲的演奏，那個樸實美好的觸鍵，毫不矯飾的音樂詮釋，讓我彷彿回到最純真的年代，毫無預備地就淚流滿面，被純粹的樂音征服；或是看「春花的葬禮」，看布朗傑姊妹的人生，聽著他們的音樂作品，在當時那個年代努力生存，綻放人生的姊妹花，我也是在座位上默默流著眼淚。 這一切都在我的心裡留下不可抹滅的回憶。 你說表演藝術重要嗎？或說，這些體驗，這些回憶，重要嗎？身為表演藝術從業者，以實際角度來說，這份工作幫我付房租，讓我有得吃穿，不至於餓死，我不需要熱愛它，一樣可以工作，可以賺錢，是的，對我的職業而言，它有現實上的重要，然而，對於從事其他行業的人來說，也許真是可有可無。 現在是一個追求短小刺激的時代，網路影片的長度從20分

疫情對娛樂產業造成的衝擊已不是新鮮話題。當我們討論如何「找回」流失的觀眾時，可能更需要的是面對現實：「我們回不去了」。娛樂產業全球化改變人們對作品的選擇，更瓜分了觀眾的休閒時間、提高消費者對作品品質的要求。 在票房普遍艱辛的2024年，我們仍能看到一開賣就銷售一空的話題作品。由此可見，符合市場需求的作品消費者依然買單，關鍵在於如何找到這些作品。若將視野放遠至百老匯、西區、首爾等成熟的音樂劇市場，會發現作品開發並非一蹴而就。從讀劇、工作坊、音樂會形式的試演會，到較大規模的城外預演，每個階段都有其商業定位與功能。這層層推進的過程，都是為了最終能與廣大觀眾群體產生深刻的共鳴。 回顧2024年的台灣音樂劇市場，新製作相較前兩年少了許多，取而代之的是各種形式的讀劇演出。由製作團隊自發舉辦的有：《不親愛家人》EP.1、《三個不結婚的女人》、《老男孩》、《投胎新手必看指南天堂倒計時》、《台北莉莉絲》、《聲生不息》、《忘川》、《日晷》、《One Two Punch痛感擊》。由機構舉辦的包括：「新北市生音藝術節」《懸日》、《半面向左，半面向右》；「讀劇匯音樂劇創投媒合平台」《媽的地獄之旅》、《還在路上》、《三胞胎的我在完成夢想之前死掉了（還好我有兩個兄弟）》、《極道繼承人》、《HOME RUNing》、《爬上頂樓看月亮》、《偷吃？好吃！》、《阿媽的比基尼》（註）；以及「NTT+音樂劇人才培育工程」《無驚》、《Planet》、《愛的小部五曲》、《夜奔》、《美的生存遊戲》。 這是個值得欣慰的現象。愈來愈多的製作團隊逐漸意識到，要成就具備商業化條件的作品，需要經歷完整的開發過程。為了讓作品能在龐雜的市場中突圍而出，團隊必須具備相當的競爭力。我們也需要更專業的製作人，製作人不僅要具備產製管理及資源整合能力，更需擁有能兼顧市場及創意的精準眼光，並將其應用在各開發階段的目標策略擬定與決策中。 讀劇的執行層面也有許多專業知識值得鑽研。例如，檢視文本時，哪些步驟絕對不該忽視？應該與哪些觀眾溝通？用什麼樣的方式，才能取得最真實的回饋？行銷又應該在何時介入？讀劇之後，能否果斷地

在串流可隨時切換、短影音鋪天蓋地，內容氾濫、速食又方便的年代，誰還進劇院看表演？ 對許多人而言，表演藝術或許僅是娛樂或消遣的選項之一；但對於創作者而言，這或許是一個更直擊靈魂的叩問：「現今，我為何還看╱做表演？」在本期特刊中，我們嘗試從2024巴黎奧運開幕式以豐厚的底蘊讓世人驚豔的法國出發，看這個文化大國在表演藝術領域所面臨的挑戰與可能性：從國際借鏡中，我們進一步回望台灣現場，看中央、地方政府、文化機構如何思考表演藝術存在的必要性與可能性。 到底，市場為何需要表演藝術？這些需要又衍生出何種對「表演藝術」的想像？另一方面，在市場紛紛喊著「表演藝術出大事了！」的同時，這些在各自領域上勤懇開發內容的人們，又是如何積極主動創造需要？面對產業存續的種種困境，他們如何找到平衡，強化「進劇院看表演」的價值？年輕世代又是如何看待這門看似手工且老派的藝術，從中找到自處之道？ 透過不同世代、不同工作現場、不同領域的表演藝術創作者、機構、贊助單位與募資平台的實踐與思考，我們嘗試找到回答以上問題的可能答案，與更多進劇場的理由。