當人們買票進劇場時，會在意眼前看到的是真實還是虛構的嗎？這或許是比利時劇團「柏林」（BERLIN）（註）未曾想過卻被迫直面的命題。如同本劇故事主角看似是如今年邁的前柏林愛樂舞台經理弗里德里希．莫爾（Friedrich Mohr），卻在第一個一鏡到底的鏡頭就露了餡：鏡頭聚焦於老人，工作團隊卻不小心被暴露在鏡頭之中。 《柏林製造》以多螢幕影像、訪談片段與現場樂手的演奏，在團隊跟著莫爾走訪柏林街頭，跟著他一同追尋數十年來未能完成的心願：重建一場因為戰爭而未完成的音樂演出轉播。這部作品強烈、深沉、給人意猶未竟的好奇，也可能是憤怒。作品把歷史的裂縫、個人的遺憾與創作團隊的掙扎層層堆疊交織，讓觀眾不只看到記憶的再現，也透過作品反問自身，此刻在劇場裡觀看演出的我們，究竟真正想看到什麼？
馬里奧．貝努西的創作起點 今年27歲，1998年生於阿爾巴尼亞，五歲後移居希臘，2020年畢業於雅典音樂學院戲劇系（the Drama School of the Athens Conservatoire）導演馬里奧．貝努西（Mario Banushi），畢業後隨即以首部作品《妊娠紋》（Ragada）受到矚目，以母親為主角的初試啼聲，一方面讓他得到由希臘國家劇院委託製作第二部曲《再見，琳蒂塔》（Goodbye, Lindita）的機會，另一方面，也奠定了他在包含第三部曲的《仁慈小酒館》（Taverna Miresia：Mario, Bella, Anastasia）的「親情三部曲」）(Romance Familiare)，以他成長過程中圍繞在他身邊的女性，處理記憶與親情的母題。 其二部曲《再見，琳蒂塔》獲得塞爾維亞的貝爾格萊德戲劇節BITEF（Belgrade International Theater Festival）特別獎，評審盛讚作品交織於「生命與死亡、社群與獨處，以及世俗與崇高」之間。《仁慈小酒館》以同樣的美學手法，場上在不換景的視覺前提下，設定於四面無窗的浴室，場景在極寫實現場發生，例如浴室中再正常不過的淋浴，卻在敘事行進中，開始疊加出各種或以經驗、或是幻象的其他記憶從縫隙流竄出來，開始充滿空間，也重組浴室空間。眼前仍是浴室的場景，毫無違和地成為送別父親的哀悼之地、成為每一位親族成員最私密的悔恨告解處，也同時是親屬關係中最無法言語、也最不堪面對的衝突角落，每個人在獨處／共處的同一個空間裡，無力招架地接受所有的情願與不情願，進入彼此，再到最後以某種儀式性轉場，打開了也撫平了創傷的缺口。於是原本看似完整支撐、內縮與密不透風的空間，同步地在剝離、揭露、瓦解，不只前者的表象由後者同步構成，任何角色外在上的堅強也由種種脆弱拼組，貝努西毫無畏懼地將寫實主義推至盡頭，顯露其形式本體原初的荒蕪與最終必然觸及的綺想。也就是說，對我而言，與其說貝努西的美學交織於「生命與死亡、社群與獨處、世俗與崇高之間」，毋寧是透過識別前者單方面的限制，而推導至後者的共同現身。就形式上言，《仁慈小酒館》宛如遊走於寫實表演與身體劇場之間，但無疑地，這是一齣徹頭徹尾的寫實表演，只是導演以對親情極致的推敲與扣問，竟以一齣戲鍛鍊
一群畫著兩撇鬍子的女生，在舞台上態度張狂、喜感爆裂，做起高難度技巧像個陽剛硬漢；刻意模仿典型白人直男的姿態，甚至以誇張的角度秀出褲襠的「份量」，引起台下觀眾的狂笑。 「創造焦點馬戲團」（下簡稱創造焦點）導演梅芷菱難忘第一次在社群媒體上看到YUCK Circus演出片段時的激動，她驚呼：「原來女子馬戲還可以長成這樣！」 我們一樣，卻又不完全一樣 同樣是女性、同樣面對性別與身體，來自西澳的全女馬戲團 YUCK風格輕鬆、粗鄙、帶著惡趣味，談議題的同時毫不犧牲幽默與快感，與台灣女子馬戲挖掘創傷與痛感的路徑，形成強烈對比。 2023年，創造焦點在愛丁堡藝穗節親眼目睹YUCK的演出，梅芷菱形容全團像迷妹一樣興奮：「因為終於發現有人在做跟我們一樣的事，但又不完全一樣。」 導演喬治亞．德瓜拉（Georgia DEGUARA）也注意到這群台灣觀眾：「我們看到一群女生一直來看，只覺得：哦，她們看起來很 punk、很酷。」 兩團一見如故，合作的想法就此落下，直到衛武營馬戲平台的牽線，才真正萌芽。那個「一樣卻又不完全一樣」的差距，形成跨國共創《Bed Trip》的奇妙張力。
編舞家莊國鑫從特殊的生命經歷出發，推出新作《Mihaay6432》，以此緬懷並撫慰台鐵普悠瑪6432號列車脫軌事故（註1）中的罹難者。 莊國鑫回憶，當時他與妻子、10位學生正在這班列車上，或許是祖靈的冥冥庇護，他們有驚無險地躲過一劫，此後卻深受創傷後壓力症候群（PTSD）之苦，7年來靠服用藥物維持生活。在這段灰色的日子裡，莊國鑫想起自身部落的傳統儀式Mihaay（慰靈祭），在族人歌舞中安放悲傷，並將其轉化為劇場語彙，為現代都市人帶來一份來自阿美族的古老慰藉。 Mihaay是目前全台灣阿美族部落中，僅太巴塱部落獨有的內部儀式。與開放的、慣習的ilisin（年祭）不同，Mihaay較為罕見，只有部落重要人士（頭目或祭師）逝世時才會舉辦，由亡者的家人與族人於半夜舉行，不對外開放。儀式過程中，男女族人分立棺材兩側，以歌舞的形式表達對亡者的哀思與懷念，氛圍莊重，是阿美族舞蹈中唯一男女族人不牽手的祭舞。「Mihaay最重要的核心不是哀傷，它提醒所有在世的人，在懷念亡者的同時要繼續勇敢地活下去。」莊國鑫說。
在劇場，勞動是隱形的。 當觀眾坐定、燈光亮起，眼前呈現的是一場精美的舞台成品。但在幕後，是一群黑衣人默默支撐這個系統運轉，從卸車、搬運、裝台、換景到拆台、撤場，這些隱身黑暗的勞動身體，共同構成藝術生產機制。 法國馬戲導演克萊蒙．達贊（Clment Dazin）的《勞動狂想》，選擇從這道縫隙切入，將後台推到前台，把衛武營國際藝術文化中心的卸貨口變成舞台，讓觀眾直視藝術場域本身就是一個勞動現場。 反思勞動的起點 達贊的創作取徑，與他早年的職場經驗緊密相關。在成為馬戲導演之前，他曾在客服與歐洲直升機公司（Eurocopter）任職，同時撰寫一篇關於「職場關係中的心理情感維度」的碩士論文。 「那時我訪談了公司很多同事，發現制度如何滲入身體。你會看到肩膀下垂、呼吸變淺、背部彎曲那是壓力留下的形狀。」他回憶說。 在他看來，現代企業的體制往往以「開發潛能」之名，實則削弱了個體的力量。這種對身體與意志的馴化，也延伸成他後來對舞台勞動的反思。
邁入第15年的「國際愛跳舞即興節」從「i．dance Taipei」到改名為「i．dance Taiwan」（後簡稱idt），見證了台灣接觸即興舞蹈社群的誕生、茁壯與變形。今年，創辦人古名伸交棒給中生代舞蹈家余彥芳，不僅象徵著世代傳承與觀點更新，亦是尋找接觸即興下一世代語言的時刻。對余彥芳而言，這是一場充滿珍惜與細膩的延續。「我本來以為會和古老師有些拉扯，沒想到順利到難以想像。」她笑著說。 余彥芳與古名伸的淵源可追溯至她的大學時代，從學生到舞團成員，之後離開成為獨立創作者。這段長達20年的歲月，給予余彥芳開闊視野的養分，也奠定回望的基礎。今年她以策展人身分回歸，以「點菜」作為策展隱喻，邀請所有即興的愛好者共赴一場「身體的盛宴」。
暌違10年，高雄市交響樂團（KSO）將到台北國家音樂廳，以一場劃時代的跨界之作宣告全新篇章。由指揮吳曜宇領軍，攜手爵士大樂團TPO Big Band演出的「無界搖擺 The Unbounded Swing」音樂會，從古典到爵士、從歐洲到美國，跨越地域、風格與世代的界線，不僅是一次聲響的融合，更是一場文化的對話開啟。 音樂會上半場將以兩首法國作曲家的作品揭開序幕。首先登場的是杜卡（Paul Dukas）的《仙女》（La Pri），以波斯神話為靈感的舞蹈詩，這次演出也是此曲台灣首演。 「大家都知道杜卡的《魔法師的學徒》，但其實《仙女》才是他的真正巔峰之作，連作曲家自己都這樣認為。」吳曜宇指出，這首作品以華麗的銅管與細膩的配器描繪出夢幻神秘的氛圍。 接續登場的則是拉威爾的《圓舞曲》（La Valse），原本是受俄羅斯最具影響力的藝術推動者與芭蕾製作人迪亞基列夫（Sergei Diaghilev）委託創作的作品，後來因理念不合而未被搬上舞台。吳曜宇說：「這兩首我將它們看成是樂團炫技的曲目，不論是單純的技術，還有音色、節奏與速度的轉換都是相當有可看性。」 下半場則帶來美國當代爵士大師溫頓．馬沙利斯（Wynton Marsalis）的《搖擺交響曲》（Swing Symphony），這將是該曲在亞洲的首度演出。
在通勤時段的捷運裡戴上假睫毛、塗好指甲油，夾緊專屬耳環，這是末路小花外送演出《來一客杯棉子》唯一的演員張棉棉進入陌生客廳solo前，邀請角色上身的固定流程。 從2021年的《來一客杯棉子》好命篇，一路到2024年底甫結束的《來一客杯棉子，好辣》，近5年來，末路小花團員張棉棉穿戴上杯棉子的肌膚，一台車帶著導演、演員與小幫手，奔向雙北市高樓或平房、豪宅或租屋處數十個大大小小不同的客廳、廚房及浴室私領域，以都會單身女子的生活切片視角，逆行居家與劇場空間定義，觀眾毋需走進劇場，反其道而行地讓表演者即興以觀者家裏的陳設作為舞台物件，透過戲劇，密縫起創作與真實人生的邊界。
長大後，許多人懷念兒時能用新奇、純粹的眼光看待世界。小孩被賦予多提問的權利與勇氣，但隨年紀漸長，被教導要提出有用的問題，並盡快找到正確解答。《十萬個為什麼》、搜尋引擎，甚至AI成了成長過程的指引。這樣的便利與目的導向，悄悄奪走提問的勇氣，也削弱了探索和接納多種回應的可能。 然而，在面對一連串看似天馬行空的問題時，詩人提供了另一種可能。智利詩人聶魯達（Pablo Neruda）的《疑問集》向宇宙、世界及生命提出316個包山包海、難以窮盡的疑問，台灣詩人夏夏則在《一隻貓會有多少問題？》中，以詩回應或再度發問，讓疑問成為開展更多可能的契機。 延續這份詩意，即將在臺南藝術節演出的《我，有一個問題？》（後簡稱《我》），策展人温慧玟以這兩部詩集為靈感，邀請洪千涵創作這部無語言的親子作品。《我》不是一本舞台版的百科全書，而是一首獻給兒童、曾是兒童的大人的舞台詩。導演洪千涵從詩集的提問中「打開一趟問問題的探險之旅，讓我們不要被標準答案給限縮或定義，記得自己還擁有提問的權利。」
自2023年起，大鍵琴家許舒堯發起古樂節，從個人大鍵琴獨奏發展至去年庫普蘭誕辰400年主題的多面向策展。今年古樂節邁入第3屆，以「A Colpi di Tasto」為題，深入探討義大利音樂教育與鍵盤即興傳統。主打節目「雙琴爭鳴」由義大利與台灣鍵盤家攜手演出，並輔以座談、講座與教學示範，拓展古樂的教育性與當代表達力。 應邀共同演出的阿爾貝托．布塞蒂尼（Alberto Busettini）是歐洲知名的大鍵琴家與指揮，長期致力於巴洛克音樂的詮釋與教育，並曾與義大利多個古樂團合作錄製專輯。許舒堯說：「他對即興的理解非常深，我們的合作像是在對話，不只是合奏。」 解讀巴洛克密碼：Partimento即興演奏法 本場演出的核心是以雙大鍵琴呈現「帕蒂門托」（Partimento）。Partimento 源自義大利，是一種18世紀義大利特有的作曲與教學法，曾對巴赫（Bach）、韓德爾（Handel）及巴黎音樂院的教學及即興演奏方式產生深遠影響。許舒堯指出，Partimento 等於是作曲家僅提供結構設計（藍圖），讓演奏者在鍵盤上即興完成。雖然主題與曲式已載於手稿中，但最終的呈現全憑演奏者的想像力與解讀。 由於當時音樂家鮮少將這套即興法書面化，直到近10年，這些手稿的實際演奏方式仍是一大謎團。Partimento 訓練演奏者直觀的邏輯思維，曾盛行於18世紀的拿坡里，當地4所著名的孤兒院就是以此法培養街童，訓練他們成為專業音樂家與作曲家。 聚焦曲目：從雙帕蒂門托到熱情協奏曲 而古樂節不只是聆聽古老樂器的機會，更是一次關於創作與詮釋邊界的探問。正如許所言：「音樂有時候不需要太多，只要兩台大鍵琴，一段旋律，就能說完整個故事。」 音樂會上半場主要聚焦於義大利巴洛克作曲家伯納多．帕斯奎尼（Bernardo Pasquini）的《雙帕蒂門托奏鳴曲》，這是目前已知最早的雙大鍵琴曲目。許舒堯解釋，這套曲目的手稿只為兩部鍵盤樂器提供了兩條單一線條（通常是低音旋律）。旋律上會有數字，演奏者
辛奇與小熊軟糖，看似天差地遠的組合，很難想像它們怎麼被湊作堆，不管是在餐桌還是劇場。 辛奇，這個2021年才廣泛進入大眾視野的名詞，取代過往熟知的韓式泡菜，改採音譯「kimchi」，選字則兼顧「辛辣、新奇」的意涵。（註1）若說食物本就代表某個地方的風土民情，具有其歷史、地理與文化意義，那麼由韓國官方積極推動泡菜改名，延續申請世界文化遺產的企圖，欲與中式、日式泡菜作出區隔，選定漢字甚至未曾考量字詞本身在當地文化原有的文化連結（如台灣本就有知名電影導演名叫「辛奇」，如今意旨卻被韓式泡菜強行取代），則證明了「食物」如何可以成為文化影響力爭競之地。 相較辛奇與韓國強烈與直接的連結，小熊軟糖倒是「透明」許多。除非特地探究品牌起源，否則消費者很難第一時間將大批生產、包裝精美且全球隨處可得的軟糖，聯想為某種「德國風味」雖說小熊軟糖的出現，也與特定文化脈絡相關，如其造型其實源自於歐陸市集盛行的「跳舞熊」傳統（註2），自然也成為德語文化重要節慶娛樂之一，以此傳遞糖果帶來的美好體驗。不過，畢竟小熊軟糖並不是每個家庭可以自己在家裡製作料理、交流感情的食品，反而更令人意識到食物從生產到消費的資本推力。
觀眾還未入場坐定，8位赤腳、身著日常排練服的表演者已經在場上暖身，有人倒立、有人翻身落地，有人抱著肩膀喘氣，汗珠順著手臂滴在黑色地版。這裡既是排練場，也是舞台。演員身後，是一座巨大的 LED 時鐘，冷峻白光顯示著「10,000：00」的倒數起點。表演還沒正式開始，空間早就充滿能量。 這是來自澳洲阿德雷德（Adelaide）、最具代表性的當代馬戲團隊引力神話馬戲團（Gravity Other Myths，簡稱GOM）去年首演的最新作品《一萬小時》（Ten Thousand Hours）。此作接連拿下2024年阿德雷德藝穗節「最佳馬戲表演獎」（Best Circus Award）以及2025年「評論人協會獎」（Adelaide Critics Circle Award）。今年10月將應FOCASA馬戲藝術節之邀，來台演出。
2024 年是卡夫卡逝世100周年，世界各地以出版、展覽、演出等形式回望這位現代文學巨匠。對編舞家羅文瑾而言，這個時間點是一個契機。在 1990 年代，從她與台南人劇團合作的肢體設計開始，便持續在文學與舞蹈之間遊走。2006 年一次進書店偶然讀到《變形記》，讓她深受震撼：故事沒有頭也沒有尾，主角變成蟲，這種斷裂而荒謬的結構成為她心中的疑問，也逐漸發展成創作的底色。她開始思索卡夫卡的性格、存在主義與現代主義的關聯，並在 2018 年的作品《虫》中嘗試以舞蹈回應，一路上經歷補助失利與創作中斷，她在 2024 年重新整頓，與戲劇構作合作，終於完成這部三幕式舞作《有可能，但現在不行》，藉此重新釐清自己與卡夫卡的關係。
在樂迷翹首期盼下，指揮巨星古斯塔沃．杜達美（Gustavo Dudamel）在今年秋天將率領暌違31年的洛杉磯愛樂（Los Angeles Philharmonic），攜手歐美兩大殿堂級合唱團維也納金色大廳合唱團、洛杉磯大師合唱團來台，重返國家音樂廳。規模超過250人的龐大陣容，將以兩套曲目展開旅程，一晚屬於斯特拉溫斯基的火焰與節奏，一晚則是馬勒的生命與永恆。這樣的組合，世界僅此一場，而且是「台灣限定」。 斯特拉溫斯基與洛杉磯愛樂的不解之緣 1935年，斯特拉溫斯基首次與洛杉磯愛樂合作，演出後送給各聲部首席一個吻與一朵紅玫瑰。這份浪漫而深刻的舉動，開啟了他與樂團超過30年的情誼，後來更讓他選擇定居洛杉磯。 《春之祭》在洛杉磯愛樂的歷史上占有特殊地位，樂團105年歷史中演出已逾150次，既是樂團的傳統，更是每任音樂總監的試金石。2003年，這首作品更成為華特．迪士尼音樂廳啟用後的首張錄音，象徵著樂團與作曲家的深厚淵源。 《洛杉磯時報》評論杜達美對《春之祭》的詮釋：「既能釋放潛藏於我們體內不可抑制的毀滅能量，又能以精湛的音樂掌控力駕馭這股近乎超人的張力。」此次來台，他將以《春之祭》搭配色彩繽紛的《火鳥》組曲，帶來火焰般的節奏與詩意。 曾於洛杉磯求學的鋼琴家嚴俊傑直言：「第一場《火鳥》、《春之祭》很節奏型，樂曲等於洛杉磯愛樂的代表，為他們自己的慶典都是演這些曲子。此外第一場的第一首約翰・亞當斯（John Adams）的作品《狂熱》短篇交響曲（Frenzy: a short symphony）也是非常重要，因為那是他為了洛杉磯愛樂去年才寫的。」
為迎接明年朱宗慶打擊樂團40周年的到來，樂團將於9月起推出擊樂劇場《泥巴》全新版本。本作原為2019年、2021年推出的第2號擊樂劇場，描述「瓷林」創辦人林光清從苗栗蘆竹湳鄉間走向國際品牌的故事，在樂團40周年前夕的2025年，朱團再度重演《泥巴》，並以樂團4個世代的人脈，重新打造一個「徹底歸零、再出發」的版本。 藝術總監朱宗慶表示：「2022年底的倉庫火災，把前一版所有布景、道具和部分樂器都燒光了，讓我們這次一定得重新製作。再次檢視的同時，發現《泥巴》其實不只是林光清先生的故事，也很像是樂團即將邁入40周年『再燃鬥志』的心境。」
睽違7年，柏林愛樂管絃樂團將重返台北，由首席指揮基利爾．佩特連科（Kirill Petrenko）首度率團來台，在國家音樂廳帶來3場演出。這不僅是柏林愛樂第6度訪台，更是佩特連科上任以來首次領軍登上台灣舞台。 柏林愛樂與台灣的20年情誼 自2005年首度來台，柏林愛樂便與台灣樂迷建立深厚連結。當年兩廳院廣場聚集逾3萬人觀賞戶外轉播，轟動的場景促成了「數位音樂廳」的誕生。牛耳藝術行銷總監張懿之回憶：「2005年兩天晚上舉辦戶外轉播，第一次迎接柏林愛樂到來，當音樂會結束我走出音樂廳，看到廣場滿坑滿谷的人，他們發自內心的激動與吶喊的情景是我一輩子忘不了。也因為當下強烈感染力，讓拉圖爵士還有樂團覺得感動而催生了『數位音樂廳』。」 台灣蹦藝術協會理事長林仁斌則形容：「照武俠小說的說法，江湖上如果柏林愛樂謙稱自己是第二的話，那沒有什麼樂團可以擺第一位。在我的心中，他是全世界唯一首席天團。」
在馬水龍（1939-2015）逝世10周年之際，國立傳統藝術中心臺灣音樂館與國家交響樂團（NSO）攜手呈獻「孕育於山海之間」音樂會，邀觀眾一同走進這位台灣音樂巨擘的心靈世界，感受他筆下山海交織的情感與音符。 音樂會將於 9 月 11 日晚間在國家音樂廳呈現，演出陣容堅強，由指揮張佳韻領軍NSO，鋼琴家辛幸純與梆笛演奏家賴苡鈞擔任獨奏，並由台北愛樂合唱團與朗誦者雅柏甦詠．博伊哲努、邱文隆共同演出，主持人為顏綠芬。 馬水龍是台灣音樂史上相當具代表性的作曲家與教育家，其作品融合西方現代技法與台灣本土情感，展現出獨特的音樂語言，也是第一位在美國紐約林肯藝術中心以整場形式發表個人作品的台灣作曲家。他曾連任亞洲作曲家聯盟總會5位執行委員之一，擔任過亞洲作曲家聯盟中華民國總會暨中華民國作曲家協會理事長，以及亞洲作曲家聯盟副主席等。作為國立臺北藝術大學音樂系的創系主任與前校長，他在課程架構與教育理念的規劃上，深深影響了一代又一代的音樂人。此外，他創辦了「春秋樂集」，鼓勵同儕與年輕人創作，並積極參與文化政策與國際交流，為台灣音樂界帶來深遠的影響。因其非凡貢獻，亦獲中華民國總統府頒授二等景星勳章。 紀念音樂會中，將演出4首具有代表性的馬水龍作品，涵蓋其創作的中期與晚期，展現他音樂語言的多樣性與深度。首先為《梆笛協奏曲》，此曲應中國廣播公司委託創作，首演於1981年；全曲採用連樂章形式，融合梆笛的清麗音色與管絃樂團的豐富音響，展現出台灣音樂的獨特風貌。管絃樂曲《孔雀東南飛》以中國古代詩詞為基礎，融合西方管絃樂技法，呈現出濃厚的台灣情感。《關渡狂想曲》鋼琴與管絃樂以關渡地區的自然景觀為靈感，鋼琴與管絃樂的對話展現出馬水龍對故鄉的深情。《無形的神殿》男聲合唱與管絃樂結合李魁賢的詩作，表達對台灣土地與文化的敬意，音樂語言深刻而感人。 這些作品不僅是馬水龍音樂創作的精髓，也是台灣音樂史上的重要篇章。在同一場音樂會中，觀眾將有機會一同聆聽這些經典之作，感受馬水龍對音樂、對故鄉、對土地的深厚情感。
「所謂的英雄，或者是所謂的『被崇拜的人物』，好像不能是成功的。」義興閣掌中劇團主演王凱生這麼說：「不能成功，革命才會延續下去，他也才有可能會被視為一個有血有淚的英雄。」 這句話，恰恰回應了今（2025）年由國立傳統藝術中心主辦之「戲曲夢工場」的策展主題「乙巳革命」中的「革命」一詞。 於是，義興閣掌中劇團決定從古巴革命核心人物之一的切．格瓦拉（Ernesto "Che" Guevara）入手；但身為一個充滿叛逆靈魂與中二精神的「搖滾」布袋戲團，義興閣掌中劇團並不打算循著之前《GG冒險野郎》（改編自西班牙作家賽萬提斯的經典著作《唐吉訶德》）的成功轉譯經驗，僅把切．格瓦拉與他著名的回憶錄《摩托車日記》（Diarios de motocicleta）作為取材靈感，重點則放在切．格瓦拉「成為英雄」的「製造」過程，也就是劇名英雄製造。
國立傳統藝術中心於去（2024）年推出「歌仔戲旗艦展演補助計畫」，鼓勵歌仔戲團隊製作精緻劇場作品，透過節目製作達成維護傳統經典、銜接當代創意、探索未來趨勢等目標，可以說是歷來最具規模的歌仔戲製作補助計畫。首部作品《愛。相隨？》由財團法人廖瓊枝歌仔戲文教基金會製作，將於今（2025）年七夕情人節正式首演。 《愛。相隨？》的旗艦規格不只體現在演出時長，分成3天、4個場次才完成整個故事，同時也集結了台灣不同劇團、不同地區的「五年級」歌仔戲天王、天后，如許亞芬、郭春美、陳昭香、張秀琴、莊金梅、石惠君等演員，出演不同場次的重要角色，寄託了創作團隊對於歌仔戲濃濃的愛，相隨在作品裡頭。
如果有一天我們需要向外星文明解釋人類為何物，或許「雙手製造」（Made By Hands）舞團創團作《從指尖開始》（Du Bout Des Doigts）是絕佳的選擇。 全劇以舞蹈史為切面，透過即時攝影、肢體、空間與音效的相互對話與讓位，在嚴謹的形式使用和畫面選擇下，以童趣的手指舞蹈與輕巧的敘事節奏，在1小時的時間裡，帶領觀眾從已知用火的千百萬年前，隨著時光之河漫流回到當下劇場內部的肉身彼此；而在口語近乎缺席的狀態下，重新觀看地球歷史與人類的記憶如何被記載與傳承。
無論是來自紐約百老匯或倫敦西區，音樂劇向來以引人入勝的劇情、動人的旋律與充滿張力的演出形式深受觀眾喜愛。許多經典作品如《歌劇魅影》、《悲慘世界》與《西貢小姐》等，不僅在全球各地巡演無數場，也留下了琅琅上口的名曲，為樂迷所熟知與珍藏。但倘若能在一場音樂會中一次聆聽多部經典劇作的代表曲目，對許多音樂劇愛好者而言，無疑是一場難得的盛宴。如今，這樣的願望即將實現「重聚（The Reunion）」音樂劇明星演唱會即將登場，匯聚來自倫敦西區與百老匯的主唱群，將多部知名劇作中的精選樂曲搬上台北流行音樂中心。 「重聚」音樂劇明星演唱會將於9月中舉行3場演出，匯集來自倫敦西區與百老匯主唱群，由知名音樂劇演員拉敏．卡利姆盧（Ramin Karimloo）策劃與領銜演出，帶來跨越劇目與時代的音樂劇選粹。卡利姆盧曾在《歌劇魅影》中飾演魅影，是該劇歷史上最年輕的飾演者之一，也被譽為「情感最飽滿、最搖滾感」的魅影之一。隨後他並在續作《愛無止盡》中擔任全球首演的男主角。他的詮釋贏得來自觀眾與評論界的廣泛肯定，曾多次於倫敦皇家阿爾伯特音樂廳演出，擁有豐富的舞台與錄音經歷。
亞洲舞蹈界年度盛事「Dance Now Asia 舞蹈藝術節」（下簡稱DNA舞蹈節）將於 8 月中旬熱力登場，並於8月下旬首次由韓國大邱市立舞團（Daegu City Dance Company）響應，於大邱藝術中心（Daegu Art Center）舉辦。 為迎接這場跨國交流盛宴，主辦單位臺北市中山堂將於8月11至17日於台北辦理「2025 Dance Now Asia 舞蹈藝術節」， 8月16日與17日推出亞洲青年舞蹈創作演出（Showcase）與國際身體工作坊呈現，邀集來自台灣、新加坡、馬來西亞、韓國、東京、印尼的17位舞者，共創嶄新的身體語彙。大邱市立舞團則接續於8月20至24日在大邱辦理「2025 Dance Now Asia in Daegu」舞蹈藝術節，期間何曉玫Meimage Dance舞團將帶來《極相林序曲》，與韓國、東京舞團同台交流；另有台灣青年舞者的兩齣作品《搏筊》與《Dans labme》同時亮相，展現台灣新生代的創作能量。
今年9月，台灣樂壇將迎來一場令人期待的首次交會。柴科夫斯基國際音樂大賽得主曾宇謙與長榮交響樂團駐團藝術家梵志登（Jaap van Zweden）攜手，詮釋布拉姆斯D大調小提琴協奏曲。這場演出不僅是兩位音樂家首度合作，更標誌著曾宇謙睽違5年、重新演繹這首協奏曲的重要時刻。此外，樂團也即將演出貝多芬的《艾格蒙》序曲及布拉姆斯c小調第一號交響曲，以饗樂迷。 選擇布拉姆斯小提琴協奏曲作為合作首演，對曾宇謙而言別具意義。即使從少年時期即已開始演奏這首樂曲，但為了維持樂曲的品質，他刻意將曲目封存沉澱。此次將它重新拿出來演奏，掐指一算已經5年，一上手，他便感到自己「有進步」。他坦言：「這幾年透過演奏布拉姆斯的其他作品，包括獨奏會、室內樂等，讓我對他的音樂有更深入的理解。」所以現在覺得可以將這首曲子重新拿回來演出了。曾宇謙認為：「真正的進步，是透過時間與生活經驗的累積。放下一段時間再回來，或經歷更多布拉姆斯作品的演奏，都讓我對這首曲子有更深的理解與詮釋。」如今再度回歸，他不但重新思考結構與運弓方式，在詮釋與技術之間取得新的平衡，也對整體樂句的理解、細節的處理有更多想法。 布拉姆斯小提琴協奏曲以其龐大編制與高強度的演奏需求聞名。曾宇謙認為，真正的挑戰在於如何於樂曲進行中維持體力與音樂的張力。「這是一首需要維持40分鐘爆發力的曲子，要避免聲音太衝、太粗糙，同時又要與樂團融合、交織。」為了應對演出所需的體能，他平時透過游泳、慢跑與核心訓練保持狀態，並注意避免對手部造成過多負擔。
近年老戲新編與翻玩經典雙頭並進的布袋戲團「不貳偶劇」，即將於農曆7月前夕，於臺中國家歌劇院搬演台、日志怪偶戲《牡丹燈籠》。團長郭建甫從燈籠與鬼魂雙生雙映意象出發，提取布袋戲形式，放大於操偶師與真人演員身上，並細緻拼貼南管梨園戲、布袋戲、能樂等多樣傳統表演元素，編織出當代鬼怪故事的嶄新滋味。在炎日夏日裡，即將為觀眾帶來無比清涼、且感官豐沛的鬼故事新體驗。
「夏日音樂漫步」作為TSO自2024年起推出的夏季系列活動，透過輕鬆、跨界的編排設計，為樂季與暑假之間注入清新氣質。這個8月，現任德國波鴻交響樂團音樂總監莊東杰將率領台北市立交響樂團（TSO）於中山堂，呈現兩場風格輕快、戲劇感十足的夏日音樂會。 首先，莊東杰將由李姆斯基‑柯薩科夫《沙皇的新娘》序曲拉開序幕，隨後由張凱閔演譯蕭邦《E小調第一號鋼琴協奏曲》；這位入圍蕭邦國際鋼琴大賽的年輕鋼琴家，目前是樂迷眾所期盼的選手，在今年賽事前夕的演出不但展現他的優秀琴藝，也能藉此累積更多與樂團合作的經驗。下半場為TSO本樂季紀念蕭斯塔可維奇逝世50年的節目重點之一，即將演出作曲家為劇場樂團而作的組曲。莊東杰解釋：「這是一首少見地將手風琴、吉他與薩克斯風融入交響樂團中，營造出接近小型劇場的作品，總共8首組曲，全曲有25分鐘，但加了這幾個樂器，就會出現讓樂團出現小酒館的聲響質地。」
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