台灣一步步走入超高齡社會，藝術在此時該如何回應？由國家兩廳院發起的「藝術出走2.0」計畫，有別於過往在廣場或廟口搭建大型舞台的戶外公演，選擇將藝術表演搬進現實生活中；這次攜手日本導演菅原直樹，推出跨國共創作品《夜路不怕黑》，帶著觀眾走進新北三峽和台北萬華的日照中心與社區店家，隨著劇情的「遊走」，看見失智症與高齡照護的議題。 隨著2025年的演出圓滿落幕，從前台到幕後的製作團隊在該年年底齊聚兩廳院，一同分享如何將《夜路不怕黑》從劇本大綱發展成屬於台灣的獨特演出，也藉此整理在地化遊走式演出的工作心法，作為之後有意延續此類表演形式的參考。
「2008年雲門大火後的一個月後，我的鼻子都還聞得到燒焦的煤炭味。」 舞評人陳品秀在「臺灣舞蹈記憶地圖」座談會上回憶起那場燒去許多珍貴文物的大火，談當年如何與雲門夥伴分秒必爭地從火場中搶救一張張因熱火黏糊在一起的老照片等各種文物，將眾人拉進了驚心動魄的歷史現場，也直接陳述了要保存稍縱即逝的舞蹈，是一項極度物理性、技術性，甚至是與時間賽跑、帶有災難搶救性質的文化工程，經不起任何意外與延宕。 在文化部「重建臺灣藝術史 2.0」政策支持下，2025「臺灣舞蹈記憶地圖」計畫正式於衛武營國家藝術文化中心啟動，4年計畫將從「舞蹈家口述歷史研究」、「人才培育與作品轉譯」、「線上及實體成果展示」、「大眾推廣與舞蹈欣賞」等4大面向，書寫、繪製、推廣台灣舞蹈記憶座標。藝術總監簡文彬表示，該計畫將以文建會時期的「台灣大百科舞蹈類詞條」、國藝會「臺灣當代舞蹈年表」，還有台灣舞蹈研究學會等中央與地方機構、民間團體的研究與發表為基礎，繼續進行台灣舞蹈家的口述歷史還有主題式研究，並「延伸為人才培育和推廣活動，活化台灣舞蹈歷史，讓舞蹈的故事、知識普及」。
陳雅萍指出，過去無論是文建會主導的舞蹈史研討會還是口述歷史出版物，多半是點狀的、單打獨鬥的，台灣至今缺乏像紐約公共圖書館表演藝術分館那樣具備系統性蒐集、分類、並能支援研究與教育的舞蹈專門檔案中心。她強調第一手資料的保存至關重要，呼籲台灣應開始思考並努力建構能夠讓舞蹈研究深耕、推廣的檔案機構，從歷史連結、形塑未來。
朱宗慶打擊樂團（以下稱朱團）明年1月即將邁向 40 周年，這無疑是值得慶賀的里程碑。然而回望過去，這段歷程並非一帆風順，而是經歷無數努力與奮鬥而來。作為一個民間團體，樂團甚至一度思考過存亡的問題。朱宗慶坦言，樂團的價值「不能以數字衡量，而應從歷程來看」。 回顧全球發展歷史，打擊樂團能延續至 40 年者極為罕見。朱宗慶指出：「從歷史法則來看，全世界的打擊樂團幾乎沒有超過 40 年的例子。」他回憶 2022 年赴美時，曾親眼見證過去極具代表性的阿馬丁達打擊樂團（Amadinda Percussion Group）在一場演出結束後，當場宣布解散。自此之後，除了已走過 63 年歷程的史特拉斯堡打擊樂團（Les Percussions de Strasbourg）之外，以職業型態運作超過 40 年仍持續運轉的團體，放眼全球也僅有史特拉斯堡打擊樂團與朱團。 3年疫情時期，朱宗慶打擊樂團同樣受到嚴苛的考驗。直到 2022 年赴美巡演時，他深受鼓舞：「那次演出共有5首作品，每一首都獲得全場起立鼓掌。那兩千位觀眾不是一般民眾，而是來自世界各地頂尖的打擊樂家。」然而回台不久後，樂團便遭遇火災。朱宗慶回憶：「當我們以為終於站上高峰時，一場火災發生，但我們第一個決定就是不打悲情牌，要勇敢活下去。」 2022 年 4 月 2 日，朱宗慶卸下國表藝董事長之職回到樂團，立下決心要陪伴團隊完成轉型與再生。他推動名為「動能循環」的計畫，花了半年時間，要求所有團隊成員每日撰寫公務日誌，從中徹底了解樂團內部運作狀況。朱宗慶坦言：「朱團表面看似良好，實際上包含基金會、教學總部等，加起來約兩、三百人，內部挑戰非常大，這對我而言是極大的考驗。」 在這樣的覺察中，他開始思考如何帶領樂團走向下一階段。於是誕生了所謂「倒數 1000 天」的行動計畫（編按：從40周年倒數），其核心是一次根本性、革命性、翻轉性的改變。不僅要翻轉朱團的歷史，也要翻轉整個系統，包括樂團、基金會與教學體系的全面革新。 創團以來，朱宗慶始終以「現代與本土、傳統與現代」為藝術核心理念，並認為唯有主動尋求與世界的交會與創新，才能推動藝術永續發展。他說：「我們的改變，就是想辦法從世界各地匯集、交流、創新。」因此，他們在多重事物的進行之中，以「奧德賽計畫」為名出發，
時間：2025/9/23 19:00-21:00 地點：台北 國家戲劇院四樓交誼廳 對談人：吳子敬、吳紫莖、陳弘洋、李桐豪 坐落在中山南、北路的兩頭，同樣出自建築師楊卓成之手的國家兩廳院與圓山大飯店，有著類似的中國宮殿式風格閃耀著橙黃光芒的屋瓦、一根根刷上大紅色的柱子；這些建築上的共通點，不僅連結起3座建築物，也串起兩廳院駐館藝術團隊「僻室」與《紅房子：圓山大飯店的當時與此刻》（以下簡稱：《紅房子》）作者李桐豪。 兩組人馬在9月底的雨夜，一齊來到兩廳院愛國東小聚場，以「在紅房子裡迷路：從歷史／記憶的裂縫找創作的門」為題，交流劇場工作者與作家兼記者的田野調查經驗，也討論如何將收集到的素材，轉換成創作。
2025世界劇場設計展（World Stage Design，WSD 2025）於10月18日至25日在中東文化之都沙迦（Sharjah）拉開帷幕。本屆展覽不僅是4年一度的全球劇場盛事，更是一場對劇場設計語言、科技趨勢與永續責任的深度審視。 趁此機會，本刊特地訪問到2025 WSD 世界劇場設計展專案總監賈姬．喬治（Jacqui Georg）。在訪問中，她說明了本屆WSD部分獎項調整的考量，也分享了在中東氣候下推動永續實踐的挑戰與承諾，以及如何透過與 Goumbook 合作種植紅樹林，將碳排放抵銷納入全球活動規劃中。面對強大的AI數位浪潮，她表示「當前表演設計界的科技變化既是禮物，也是挑戰。」而今年WSD的主題「明日的遺產」，「正是對這種張力的回應。」
繼今年8月中旬於臺北中山堂舉辦的「2025 Dance Now Asia舞蹈藝術節」（下簡稱DNA舞蹈節）推出「亞洲青年舞蹈創作演出Showcase」、「國際身體工作坊呈現」及「國際舞蹈論壇」後，DNA舞蹈節更是首度插旗海外，緊接著在韓國大邱舉辦「2025 Dance Now Asia in Daegu」舞蹈藝術節。期間除演出本年度主辦單位「大邱市立舞團」（Daegu City Dance Company）與韓國編舞家的作品外，本藝術節共同發起╱策畫團隊「MeimageDance」與「日本東京藝術」帶去的來自台灣與日本、共計10支舞作，也在大邱文化藝術中心（Daegu Culture and Arts Center）演出，展現出亞洲當代舞蹈豐富且多元的樣貌。
2025秋天藝術節 桑布伊專題對談：創作中的遷徙與記憶 講者：桑布伊 主持人：馬翊航（國立東華大學華文文學系助理教授） 時間：2025年9月3日 在2019年的台灣國際藝術節（TIFA）上，桑布伊帶著卡大地步部落（知本部落）的祖靈和音樂，站上兩廳院舞台，用他充滿傳統古調靈魂的嗓音，傳達原住民的文化與土地記憶。時隔6年，桑布伊重返兩廳院，在2025秋天藝術節的《無界的疆域》演出中，以歌為界、以聲為橋，吟唱出卑南族的信仰、遷徙與萬物世界觀。 演出之前，兩廳院邀請同為卑南族的作家馬翊航，與桑布伊一同對談彼此在土地、遷徙、語言與信仰上的感受與觀察，他們各自從文學與音樂的創作出發，卻又在卑南族的歷史裡，凝視出對傳統與當代的共鳴。 地名從來不只是地名，更是祖先的生活足跡 「我很喜歡《得力量》專輯裡〈一天的生活〉這首歌，歌詞裡寫著『去Kanaluvang那邊放牛／去Kinkuwangan那邊放牛。』有很多卑南族傳統領域的地名。」講座一開始，馬翊航就先分享這首來自桑布伊的創作，同時也帶出他的提問為什麼想要在音樂裡表達卑南族的土地與領域？ 桑布伊不假思索答道，雖然〈一天的生活〉聽起來輕鬆、快樂，但他的創作發想，源自於多年前家鄉卡大地布部落的光電開發案；一度被劃為光電場的區域，是桑布伊從小去放牛、捕魚、練習狩獵與認識植物的傳統領域，也正是他寫入歌中的幾個地名。 「300年前，荷蘭人沿著知本溪上岸，舉起槍就對梅花鹿開火，當時的祖先根本沒見過這把在大晴天也會發出雷聲與亮光的東西；後來卑南語的『槍』舊唸作Kuwan，而當時荷蘭人開槍的地方，叫做Kinkuwangan，意思就是『槍響之處』。」桑布伊說起部落的一處地名由來，而馬翊航則接口說起建和部落同樣也有類似例子，部落後山
德國導演瑪麗．施列夫（Marie Schleef）的創作以挖掘被忽視的女性敘事出發，逐步發展出融合美學與女性主義觀點的整體實踐。透過具體戲劇作品案例，深入討論「空缺」、「留白」、「不可見」、「未知」與「未被命名」等概念，如何成為她美學語言的核心，來回應所處的劇場生態與文化脈絡。目前正在京都歌德學院駐村的她，應台北歌德學院之邀於7月18日來台演講，主題是「空缺的美學」，趁此機會，PAR特別專訪施列夫，分享其對劇場的思考與創作方法。
共融路上你和我：藝術實踐的一千道風景主持人：魏琬容分享人：張可揚、許映琪、王珩時間：2025年7月29日地點：台北國家戲劇院4樓交誼廳 近年來，「共融」成為表演藝術領域中被頻繁討論的關鍵字。從無障礙設施、口述影像、情境字幕，到針對特定感官設計的舞台形式，這些做法的共同目標，是讓更多不同身體狀態與背景的人得以進入劇場。然而，「進來」並不等於「參與」，也不代表「被理解」，在創作現場，共融意味著更多的事它是與觀眾建立信任的過程，是在作品內部為不同感官開啟入口的設計，更是讓創作者反思自己與社會、與差異的關係。 在這場由魏琬容主持的「共融路上你和我：藝術實踐的一千道風景」分享會中，3位長期投入共融實踐的創作者張可揚、許映琪與王珩分享了他們的經驗、方法與挑戰。從視障觀眾的口述影像，到應用劇場的感官引導，再到聾人舞蹈與社群建構，他們帶來的不單是技術上的排練過程分享，更成為一種對藝術與公共性的重新想像。
2025年3月，鍾喬應亞洲民眾戲劇節協會（Asian Council for Peoples Culture）創辦人莫昭如以「民眾戲劇」的號召，率差事劇團、釜山空間劇場、ART GROUP C，以及日本魔幻大提琴師坂本弘道的《告別到南方去》製作團隊，前往尼泊爾加德滿都（Kathmandu），參與亞洲民眾戲劇節協會主辦的「國際民眾戲劇節」（International People Theatre Festival，IPTF）（註1）。此行不僅重返1990年代曾與「南方」劇場夥伴並肩奮戰的歷史現場，更在現今的後冷戰時代，於互為主體的狀態中，持續探尋左翼文化相互參照與串連的可能。回首這段歷程，自「亞洲民眾戲劇：訓練者之訓練工作坊」（Asian People Theatre: Trainers Training Workshop，下稱「訓練工作坊」）在南韓首爾舉辦以來，至今恰逢35周年。
斷連：新加坡民眾戲劇的缺席 儘管亞洲民眾戲劇的連帶網絡自1990年代逐步擴展，新加坡的身影卻始終缺席，這一直是郭慶亮心中的一道困惑。對此，鍾喬坦言，當年曾與菲律賓亞洲民眾文化協會（Asian Council for Peoples Culture，下稱ACPC）的導演Al Santos期待邀請由郭寶崑率領的實踐話劇團參與。然而，考量新加坡政治環境的敏感性，尤其郭寶崑曾於1976年在人民行動黨的左翼清洗行動中，因《內部安全法》與一大批華語劇場工作者一同遭拘禁，這使鍾喬與ACPC選擇審慎以對，最終錯失了促成這場交流的契機。 回溯新加坡華語劇場的發展脈絡，不難看出其與政治壓迫歷史之間的糾葛。自中國五四運動以來，左翼進步思想長期影響本地劇場風氣，尤其華語戲劇作品最為鮮明。儘管新加坡作為冷戰反共陣營的一支，戲劇卻仍積極介入底層的社會運動，不僅回應時代處境、批判時局，也深化了劇場作為公共論述平台與政治動員的社會功能。然而，隨著新加坡政府對華語文化與馬克思主義思潮的打壓日趨強硬，劇場的公共性逐漸被噤聲，曾經強而有力的政治表述空間亦被大幅限縮。甚至在1994年，論壇劇場方法曾被視為危害公共秩序的藝術形式而不予補助；直到2003年，經由郭慶亮與戲劇盒的協商，才最終促使其正式「解禁」。 長期以來，新加坡的文化治理模式與其全面推動的資本主義國家發展戰略緊密相扣。英語主導的語言政策、以商業效益為核心的藝術價值體系，使得英語及市場導向的戲劇作品逐漸成為舞台主流，更體現於藝術審查制度以及對藝術社會功能的界定與收編之中。這包含新加坡為向高度發達城市看齊，於2000年頒布<a href="https://par.npac-ntch.org/tw/article/doc/D99EPH3LJI" target="_bla
「小粒」是台灣編劇簡莉穎，「RAY」是旅美影像設計孫瑞鴻，兩人透過一場老友間的專業閒聊，有問有答心得滿滿地解密百老匯除了有RAY今年「初登場」就榮獲東尼獎、戲劇桌獎入圍肯定的驚奇過程，還有這個劇場之都商業經營與運作的幕後種種藉著文字，也讓讀者沉浸感受「劇場產業」是怎麼一回事。
「小粒」是台灣編劇簡莉穎，「RAY」是旅美影像設計孫瑞鴻，兩人透過一場老友間的專業閒聊，有問有答心得滿滿地解密百老匯除了有RAY今年「初登場」就榮獲東尼獎、戲劇桌獎入圍肯定的驚奇過程，還有這個劇場之都商業經營與運作的幕後種種藉著文字，也讓讀者沉浸感受「劇場產業」是怎麼一回事。
「小粒」是台灣編劇簡莉穎，「RAY」是旅美影像設計孫瑞鴻，兩人透過一場老友間的專業閒聊，有問有答心得滿滿地解密百老匯除了有RAY今年「初登場」就榮獲東尼獎、戲劇桌獎入圍肯定的驚奇過程，還有這個劇場之都商業經營與運作的幕後種種藉著文字，也讓讀者沉浸感受「劇場產業」是怎麼一回事。
「小粒」是台灣編劇簡莉穎，「RAY」是旅美影像設計孫瑞鴻，兩人透過一場老友間的專業閒聊，有問有答心得滿滿地解密百老匯除了有RAY今年「初登場」就榮獲東尼獎、戲劇桌獎入圍肯定的驚奇過程，還有這個劇場之都商業經營與運作的幕後種種藉著文字，也讓讀者沉浸感受「劇場產業」是怎麼一回事。
每年台新藝術獎揭獎前後，皆會安排當屆國際決選評審在台辦理公眾講座。第23屆台新藝術獎禮聘法國重要編舞家瑪蒂德．莫尼葉（Mathilde Monnier）、韓國藝術家與影像導演朴贊景（Park Chan-kyong），以及熟悉台灣藝術生態的新加坡策展人鄧富權（Tang Fu Kuen）擔任決審委員，首場講座由瑪蒂德．莫尼葉打頭陣，以「挺立在話語的邊緣我和我的舞蹈」為題，同台3位曾獲得台新藝術獎的重要女性編舞家：何曉玫、葉名樺與李貞葳，以對談形式，聊聊舞蹈作為創作媒介，每一位創作人如何透過作品與社會對話。 莫尼葉對台灣並不陌生，早在2012年關渡藝術節就曾帶來與視覺藝術家 Dominique Figarella合作的《肥皂歌劇》（Soapéra），也在跨國串連計畫的亞洲舞蹈營裡，與台灣策展人、藝術家群體多有接觸，去（2024）年更曾帶討論性別暴力作品《黑暗之光》參與臺北藝術節盛會。本次對談邀請與莫尼葉相識多年、曾翻譯莫尼葉與尚-路克．南希（Jean-Luc Nancy）合著書籍《疊韻：讓邊界消失，一場哲學家與舞蹈家的思辨之旅》（ALLITRATIONS : CONVERSATIONS SUR LA DANSE）的劇評人郭亮廷主持，由於問答環節時間較緊湊，大多數的亮點落在4位與談人的創作概述中。
2025年6月4日晚間，國家交響樂團（NSO）於東京歌劇城音樂廳舉行日本巡演「來自臺灣」的最終場，為橫跨熊本、大阪與東京的5日行程劃下完美句點。音樂總監準．馬寇爾（Jun Mrkl）擔綱指揮，曲目涵蓋台灣原創作品與歐洲經典，充分展現台灣音樂實力與文化厚度。 台灣原創與歐洲經典並陳 展現音樂實力與文化厚度 音樂會上半場回到日巡前兩場由台灣作曲家蕭泰然的《來自福爾摩沙的天使》作為開場，向觀眾呈現源自台灣這片土地的濃厚音樂情感。隨後布魯赫的E小調雙重協奏曲原訂由小提琴家黃俊文及中提琴家今井信子擔任，但後者在日巡前因健康因素臨時取消上場，NSO隨即在極短時間內隨即安排邀請德國中提琴家維特．赫譚斯坦（Veit Hertenstein）接替登台。赫譚斯坦是一位活躍於國際音樂界的德國中提琴家，1985年出生於德國奧格斯堡（Augsburg）。他以精湛的技巧、深沉的音色和細膩的音樂詮釋著稱，活躍於獨奏、室內樂和教學領域，現在所使用的義大利名琴是製造師阿瑪蒂在1616年製造的中提琴。2015年起接續今井信子擔任德國德特莫爾德音樂學院（Musikhochschule Detmold）的中提琴教授，並自2016年起5年間起擔任英國曼徹斯特皇家北方音樂學院（Royal Northern College of Music）的客座教授。兩年前加入國際上知名的德國「舒曼四重奏」（Schumann Quartet）的美國經紀公司，恰巧在2年前也簽進了黃俊文在美國多年的經紀公司AMG。 雖然臨危授命，卻已與黃俊文是多年舊識。黃俊文回憶：「跟他認識，是兩人同時在2011
2025年6月2日晚間，國家交響樂團（NSO）首度登上日本最具指標性、享譽國際的東京三得利音樂廳（Suntory Hall），以一場充滿「台灣味」的音樂會向日本觀眾展現台灣文化的深度與多元。這場曲目橫跨古典與當代、貫穿多元文化記憶的音樂會，不但呈現出台灣在地記憶與國際語彙交織的聲響風貌，更是一次以音樂為橋梁，深情傳遞台灣故事與價值的文化之旅。 本場音樂會隱含著許多的「第一次」：NSO首次登上三得利音樂廳、作曲家陳可嘉合唱新作《家的呼喚》首演，以及金希文第五號交響曲向李登輝總統致敬第三、四樂章首次於日本公開演出。從貝多芬《D大調小提琴協奏曲》到當代台灣原創作品，加上安可曲演出前輩作曲家蕭泰然《來自福爾摩沙的天使》，3個世代作曲家的作品並列舞台，象徵著台灣音樂文化的延續與傳承。 名人齊聚 見證台灣音樂力量 音樂會吸引眾多日本政界、藝術界、文化界人士，且包括超過10位的日本國會議員及多國駐日大使館代表雲集，充分體現NSO的國際影響力與音樂的跨界魅力。特別的是前首相安倍晉三夫人安倍昭惠及前總統李登輝的女兒李安妮也雙雙出席。 節目由貝多芬《D大調小提琴協奏曲》揭開序幕。擔任獨奏的是旅美小提琴家黃俊文，他的演奏展現極高的音樂素養與細膩詮釋，以清澈圓潤的音色，精準掌握旋律線條的流動與層次轉折，讓這首經典作品在溫暖與張力之間取得絕妙平衡。黃俊文透露，這首曲子看似龐大，實則蘊含室內樂般的對話與精緻感，而追求最貼近作曲家意圖的詮釋後，精湛演出深獲現場樂迷與專業觀眾一致讚賞。 他分享，這首貝多芬《D大調小提琴
2025年6月1日，國家交響樂團（NSO）的日本巡演第二站來到大阪，於著名的大阪交響音樂廳（The Symphony Hall）獻上精采演出。延續首場曲目，由音樂總監準．馬寇爾（Jun Mrkl）指揮，攜手小提琴家黃俊文與日本知名女高音森麻季，以豐富深刻的曲目與精湛演出，讓大阪觀眾深受感動。
2025年5月31日下午，熊本縣立劇場音樂廳迎來了一場極具歷史意義的盛會國家交響樂團（NSO）日本巡演首站音樂會「來自臺灣」。在台積電於熊本落腳、掀起台日經濟合作新篇章的當下，這場音樂會不僅是文化的展演，更象徵著台灣軟實力與產業實力雙雙進駐九州重鎮。 作為九州歷史文化與現代科技交匯地帶的熊本縣，隨著台積電（TSMC）熊本廠的設立與運轉，已成為台日關係的焦點城市之一。台積電的進駐不僅帶動當地經濟與就業，更促進人文交流與台灣社群在地扎根，台積電文教基金會執行長許峻郎舉例：「如贊助當地籃球隊及地震後毀損的古蹟修復等等。」NSO選擇熊本作為本次日本巡演首站，在這樣的時空背景下，具有象徵性與橋梁性意義，傳遞出台灣不僅輸出技術也輸出文化，將「來自福爾摩沙」的音樂帶進當地人民的生活。 在正式演出之前（5月29日），由台積電文教基金會支持的黃俊文小提琴大師班率先登場，臺南市市長黃偉哲也特別蒞臨現場，為同樣出身台南的小提琴家黃俊文加油打氣。大師班的幾位學生在黃俊文因材施教的指導下獲得相當的收穫，更有接受指導的學生當場表示願意來台受教於黃俊文。
第23屆台新藝術獎於2025年5月24日舉行頒獎典禮，年度大獎由張立人作品《戰鬥之城．終》獲得，表演藝術獎和視覺藝術獎得主則分別為末路小花 X許芃《睡在風景畫旁勤儉打呼的鼠婆太，但實際上沒有風景畫！（白蘿蔔、釘牙、她的雞、（以及她的後人））》，與倪祥《大家都來看你了倪祥個展》。決選委員會主席高千惠以「溫柔的堅持，理性的聆聽」形容本屆如戰鬥般激烈、卻同時保持開放自由的評選過程，表示入圍的15件作品無論規模大小、著眼美學高度或是文化探討，都讓決審團對巨大的藝術創作能量深深有感。
國家兩廳院實踐永續與共融理念近10年時間，自2022與文化部共同舉辦「永續場館．共融年會」以來，今年已來到第4年，儼然成為藝文界與國際對接的重要平台。今年也是國家兩廳院參與的國際組織歐洲STAGES永續劇場聯盟（Sustainable Theatre Alliance for a Green Environmental Shift）計畫最終年，身為亞洲唯一會員，肩負STAGES壓軸論壇任務，國家兩廳院傾力落實細節在會場的各處：餐食的選擇、講者的多元背景、線上線下包含手語與即時聽打的多語服務，各種設身處地的體貼，成為國家兩廳院總監劉怡汝致詞裡「永續就是一種選擇」的最好背書。總監也表示，一路走來並不輕鬆，但有了夥伴並肩，才能走得更遠。年會呈現了4年來各地多姿多彩的執行成果與收穫，同時也在豐厚的實戰經驗交流裡，看見下一階段的永續目標與可能。 內容紮實緊湊的論壇分三部分進行：「文化場館的發想與執行」、「創作團隊與永續的互利共生」及「社會擴散與共感」，由內而外的講題安排也扣合全球藝文產業在永續目標上面的共識，希望透過藝術與創意的途徑，打開大眾共好意識。論壇中最精華的部分在於問答Q＆A段落，線上與現場發問極為踴躍，顯示永續議題經過官方與民間4年積累發酵，已然不再小眾。
在體驗兩廳院真摯的易讀服務與手語導覽後，下半場會議邀請長期陪伴國家兩廳院共融永續計畫的藝術顧問施馨媛擔任主持，由甫結束兩年駐館的無獨有偶工作室劇團總監鄭嘉音開場。 為未來劇場指路 一向對商業感到手足無措的鄭嘉音，終於在永續裡找到與企業對話的橋梁。兩年駐館期間的永續製作嘗試，加上深入田調眾多台灣劇團現況，無獨有偶劇團將經驗彙整成為給所有劇場從業者的《綠色工坊指南》，已於2025年1月問世。手冊透過簡單的提問與選項，引導讀者重新思考藝術生產流程，翻轉既有觀念。鄭嘉音簡報裡充滿細節的各種實務分享，像是一幀幀照片記錄著劇團執行永續過程裡的成就與快樂。像是在製作後回收材料的收納上，先將二手物件放在最容易取得的外層，從工作使用習慣著眼；或是因碳排比不上大型企業，因此由人權方面相手，提高團員福利、會議以多語進行等，又或者在劇場週進出時思考如何以節約空間的方式打包大小道具，減少貨車趟數等，團隊也參考聯合國全球盟約組織「SDG Compass」，寫出溫柔珍惜偶生的「戲偶價值鏈」，期待每一個偶都能從搖籃到搖籃（cradle to cradle），避免一次性搖籃到墳墓（cradle to grave）的結局。
許多年以前，我們一群戲劇、教育界的師生，在波瓦工作坊的休息時間圍著他提問。那是個沒有AI、就連維基百科都還不風行的年代。我問波瓦，「為什麼你的任何一本書都沒有提到你的生日？我翻遍了好多的文獻資料才找到」。大家七嘴八舌的討論著，是啊，的確都沒提到，到底是哪一天？他邊喝著咖啡邊笑著對我說，那你現在知道了嗎？我很驕傲而大聲地回他：3月 16日！ 1931年3月 16日是提出「被壓迫者劇場」理論體系的劇作家兼導演波瓦（Augusto Boal，1931-2009）的生日，2017年12月 21日，巴西政府正式簽署法令，明定3月16日為國定「被壓迫者劇場日」（Dia Nacional do Teatro do Oprimido），以紀念這位在戲劇界奉獻超過半個世紀的巴西劇場巨擘。曾與波瓦共同創辦「里約被壓迫者劇場中心」（CTO-Rio）的杜爾勒（Licko Turle），近幾年為了在學院推廣被壓迫者劇場，成立「被壓迫者劇場學會」（GESTO），今年正逢《被壓迫者劇場》一書以葡文在巴西出版 50周年，於是學會成員於3、4月間，在全巴西各地自動發起慶祝波瓦生日暨「被壓迫者劇場紀念日」系列活動。
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