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音樂 睽違7年的再臨佩特連科首度領軍訪台 柏林愛樂帶來3晚音樂盛宴
睽違7年，柏林愛樂管絃樂團將重返台北，由首席指揮基利爾．佩特連科（Kirill Petrenko）首度率團來台，在國家音樂廳帶來3場演出。這不僅是柏林愛樂第6度訪台，更是佩特連科上任以來首次領軍登上台灣舞台。 柏林愛樂與台灣的20年情誼 自2005年首度來台，柏林愛樂便與台灣樂迷建立深厚連結。當年兩廳院廣場聚集逾3萬人觀賞戶外轉播，轟動的場景促成了「數位音樂廳」的誕生。牛耳藝術行銷總監張懿之回憶：「2005年兩天晚上舉辦戶外轉播，第一次迎接柏林愛樂到來，當音樂會結束我走出音樂廳，看到廣場滿坑滿谷的人，他們發自內心的激動與吶喊的情景是我一輩子忘不了。也因為當下強烈感染力，讓拉圖爵士還有樂團覺得感動而催生了『數位音樂廳』。」 台灣蹦藝術協會理事長林仁斌則形容：「照武俠小說的說法，江湖上如果柏林愛樂謙稱自己是第二的話，那沒有什麼樂團可以擺第一位。在我的心中，他是全世界唯一首席天團。」
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焦點專題 Focus身體 X VR——從「不可見之感」出發的陰性敘事
在虛擬與現實的界線逐漸交融的今日，虛擬實境（Virtual Reality，VR）不僅是一種觀看的工具，更是一種觸動身體、延展感知的場域。本企畫「身體 X VR從〈不可見之感〉出發的陰性敘事」，從陰性視角出發，聚焦3組台灣藝術家的實踐，探索身體如何在 VR 中消散、重組、生成，並與情感、記憶與未知力量交織。 在疫情促使創作轉向的契機下，編舞家何曉玫以《林投姐，妳叫什麼名字？》透過女性鬼魂的凝視，將舞蹈、吟唱、米藝與 VR 融合，讓漂浮、裂解的身體在虛擬空間中得以延續，開啟觀看破口，讓潛伏於歷史陰影中的女性得以發聲。 另一方面，編舞家蘇文琪則延續10年的科學探索，從歐洲核子研究組織（CERN）走向宇宙深處，歷經《黑洞博物館+身體瀏覽器》，推出新作《暗宇之感》，深入創作的洞穴，嘗試以 VR 再現黑洞、暗物質等「不可見的存在」。在她的實踐中，科技不再是硬核的展示、不是創作的目的，而是透過陰性質地的敏感與柔韌，向不可知提問，體現不可言說的能量。 而由雙胞胎編舞家謝筱瑋、謝筱婷歷時7年醞釀的《The Awake》正邁向最後一哩路，以漸凍人的身體經驗為切口，轉化病友與家屬的幽微情緒與時間感，藉 VR 打開非線性、片段化的情感場域。觀眾不僅「觀看」作品，更被牽引著進入其中，在感受先於理解的過程裡，將自身生命經驗投射其中。 這3件作品有各自的核心關懷，卻在 VR 的延展裡相互呼應，指向身體作為感知載體的開放性，並透過敏銳凝視，觸及那些難以名狀、無法被符號化的「不可見之感」。這些創作不僅挑戰劇場與觀演的邊界，更以陰性敘事為方法，讓 VR 成為感官、情感與記憶交錯的場域。 她們共同展現的是陰性敘事的力量：不在於給出唯一的答案，而在於共感他者的生命經驗，打開更多感受與想像的可能。
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焦點專題 Focus 破碎無常，才是生命實相何曉玫《林投姐，妳叫什麼名字？》 在科技裡呈現人生情狀
只是一個起心動念想把當下的身體留下來，MeimageDance藝術總監何曉玫在評估該如何與觀眾對話的路徑裡，從舞蹈一路逛進了VR，並在時間的延展下，讓作品透過台灣傳奇女鬼林投姐的濾鏡，搭配月琴吟唱、米藝與舞作，長成了更為面向大眾的長銷式沉浸體驗。 2025年9月，何曉玫MeimageDance在故事工廠協力下，於西門紅樓駐地1個月，開出共90場的《林投姐，妳叫什麼名字？》沉浸式製作，演出以舞團2023年發表的VR作品《林相繽紛從肉身到虛擬的極相與無相輪迴》為基底，並安排有濃郁的儀式感前提，觀影環境也如2023年般充滿香氣與意象。觀眾一入場便會在無語言演員「NPC」的帶領下，逐步脫下鞋襪、交出名姓，踏進台灣民俗元素包裹下的中性無生滅世界，作品也在一層一層的觀看與多重小物件的暗示裡，試圖為傳說裡的厲鬼開啟一個別開生面的重生出口。
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焦點專題 Focus 用溫柔探觸，讓未知顯影蘇文琪《暗宇之感》 在暗物質中凝聚身體感知
天還沒亮。 蘇文琪與她的創作團隊等在洞口，反光背心、頭燈安全帽、雨鞋、急難小背包礦工似的全副武裝。 科學家駕著越野車來到，接了眾人，緩緩沿著隧道駛向地底一公里深處。半個多小時的車程，便有了體感的時差：地面上正值墨爾本的寒冬，地底下，卻彷彿回到台灣的夏天，潮溼燠熱。 隧道的彼端是斯托爾地下物理實驗室（SUPL），為了追索「暗物質」在宇宙成分中約占所有已知物質的5倍，我們浸泡其中、卻對它幾無所知的神秘粒子在廢棄礦坑中打造的探測基地。 對於《暗宇之感》創作團隊中的其他成員而言，這是第一次與真實的科學現場親密相接。他們終於可以親身感知，蘇文琪持續訴說了近10年、依然意猶未盡的衝擊體驗。
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焦點專題 Focus 放大幽微情緒，打開感知邊界謝筱瑋、謝筱婷《The Awake》 從女性視角重塑身體敘事
如果說劇場是一種探索與創造感官對話的藝術形式，那打破觀演界線的虛擬實境（Virtual Reality），無疑是近年最貼近觀眾身體、甚至最能引導觀眾「進入」作品的數位媒材之一。隨著許多跨領域創作者投入VR創作，台灣的VR作品也逐漸走出技術展示的層面，開啟多元的敘事；而愈來愈多劇場工作者的投入，也讓表演藝術的切角為作品帶來突破感官經驗的嘗試，重新定義表演與觀眾的界線。 在這之中，舞蹈工作者對身體的熟悉度，為VR的觀演帶來更豐富的體感；而女性創作者的視角與感官建立，更是透過VR的延展打開了身體敘事的可能性。由兩位女性編舞家謝筱瑋、謝筱婷組成的「InTW舞影工作室」，VR作品《The Awake》計畫從2018年啟動至今，從女性的視角切入漸凍人主題，也在認識漸凍人的過程中，同步摸索以VR重現體感的可能性，作品一磨7年，今年初終於完成最後的拍攝、進入後製，來到完成的最後一哩路。
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人間父子餐桌上的事
謙：說真的，我們家的餐桌還蠻無聊的吧？因為只有我們3個人，吃飯的時候也沒有什麼情調，尤其我們兩個人都是屬於「任務導向」，覺得對這餐飯最大的尊敬，就是把它好好吃完。所以，我們在餐桌上最常聽到的一句話，就是：「吃慢一點。」 真：「吃慢一點。」沒有錯（笑）。 還有一件事情，我已經跟你媽媽說好幾次了，我在寫劇本的時候沒辦法停下來，不要叫我去吃飯，我不用吃，可是她不會理會的啦，她也有她的規則。說是這樣說，如果沒有她，我大概連怎麼好好生活都會忘記吧？ 謙：因為我們家就是真的這麼不浪漫，我好像也很難想像，在歐洲那種晚上7、8點開吃，大家一路聊到深夜，還伴著紅酒繼續聊的感覺是什麼。 真：這種經驗我倒是有！某次去國外一位文化局長的家裡住一晚，那個局長的專業是電影方面，兒子是攝影師，家中是一個大穀倉、外面全是麥田，看出去非常寬闊。晚上他的太太張羅菜色，一整桌料理，光是起司就有10多種選擇，現場連蠟燭都點上了，非常講究氣氛。那天因為有翻譯隨同的關係，一來一往的對話進行得比較慢，也因此讓晚餐吃得更久。 我一直覺得那頓晚餐好像是電影畫面走進真實場景一樣，很不現實，非常夢幻。 維繫情感，又或者是衝突現場？ 謙：在我們家好像就不會發生這種事情齁？ 我們家的媽媽就會因為太過在乎餐桌上所有人的舒適程度，反而常常不在位置上。一下去熱菜、一下又要去張羅小菜。所有人都快吃完以後，她還趕著要去切水果。若真的無菜可熱，她也會忙著先去洗鍋子、清理廚房。 倒是，話又說回來，從餐桌上的關係好像就可以看出每個家庭的相處方式，而且不可否認，餐桌就是家庭的社交所，如果氣氛好的話情感就愈好，但反之，餐桌也有可能變成一個衝突現場。 真：所以，我很早就說過，吃飯的時候不要帶著太多負面情緒上桌。 謙：可是真的好難喔。以我兒子來說，他的嘴巴是拿來講話的，不是用來吃飯的。我以前還會擔心他
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澳門嬰幼兒藝術節「Cute Fest」將登場 澳門兒童劇場更趨近以兒童為中心
緊接官方主辦的「第二屆澳門國際兒童節」之後，由「大老鼠兒童戲劇團」舉辦、澳門嬰幼兒藝術創新網絡協會協辦的「Cute Fest」嬰幼兒藝術節，將於9月4日至14日舉行，來自澳門、新加坡、澳洲、波蘭等地的嬰幼兒劇場團體、導師將在澳門密集舉行演出、講座及工作坊。該藝術節延伸自「大老鼠」自2020年底開展之「推廣及發展嬰幼兒劇場計畫」，原預計於2023年舉行，由於疫情及政府資助條例的限制，延至今年發生。主辦單位除推出本地創作的《親親．媽咪．大Tummy》外，也邀請了波蘭亞杜飛劇團的幼兒音樂劇場《紙先生Satie》及新加坡The Artground的嬰幼兒舞蹈劇場《跳進繽紛畫室》到澳門演出。此外亦將舉辦多場分別為家長、幼教工作者和劇場工作者而設的分享講座及工作坊，雖然首次舉辦但已具相當規模及國際化，也是澳門各個民辦藝術節、戲劇節中，唯一以兒童、嬰幼兒為對象的。
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腦海裡的旋律敬畏經驗與生命的奇妙恩典
這個暑假，我帶著兩個外甥在歐洲到處旅行：先沿著法國羅亞爾河沿岸騎了100多公里的單車，接受大自然洗禮。回到義大利之後，我們在豔陽高照的托斯卡尼居遊，除了拜訪文藝復興發源地佛羅倫斯，也參加一年一度的浦契尼音樂節（Festival Puccini）：在大師生前最愛的塔湖別墅（Villa Puccini, Torre del Lago）附近舉辦；歌劇演出舞台面向著幽靜的湖，四周環繞翠綠的山，沁涼如水的夜色裡，我們聆聽浦契尼生前最後一部作品《杜蘭朵》。 和3千多個觀眾一起聆聽浦契尼的作品，真的是一生難得的經驗：「怎麼這麼好聽？」大外甥聽完最經典的詠歎調〈今夜無人能睡 Nessun dorma〉（編按：或譯為「公主徹夜未眠」），忍不住讚嘆；小外甥則是聽到《杜蘭朵》中的〈茉莉花〉旋律，感到十分親切。音樂會結束後已是深夜，隔天我們說起外甥們第一次聽全本歌劇的經驗，而且是在浦契尼最喜歡的別墅旁，依著山光水色和靛藍夜幕觀賞大師的作品，最令人印象深刻的點，絕對是演出進行到第3幕 卡拉富王子抱著一顆勇敢的心和滿腔熱情，知道自己絕對能融化杜蘭朵公主冰冷的心 美國男高音Gregory Kunde飆嗓唱到 all'alba vincer（黎明到來時，我將得勝），餘音未止，全場掌聲響起，那種集體的感動經驗讓人久久難忘。 「女高音和男高音都好會唱啊！」外甥衷心讚嘆，演出過程中，我看著高掛的上弦月，不禁想到在羅亞爾河河岸騎車時，我們穿過一片古老森林，涼風習習，林中有清新的芬多精，我們大喊好舒服、好舒服藝術和大自然果然是人一生最好的朋友，在與美和天地親近的過程中，孩子們深刻得到所謂的「敬畏經驗」（awe experience）。 大腦科學家透過實驗發現，擁有敬畏經驗可以緩解負面情緒，減低生活和工作壓力，進而提升日常幸福感：參加一場大型音樂會而得到心靈感動；在森林或曠野建行身心得到舒展；見是巨大的美麗卻找不到言語來形容；抬頭看銀河忽然覺得自己宛若浩瀚時空中的一粒小灰塵；看到剛出生的小嬰兒嚎啕大哭展現生命力，又或在告別式上領悟到肉身雖遠去精神卻長存這些都是敬
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四界看表演 Stage Viewer一場從失敗出發的家族哀歌與告別旅程
從紐約到東京：《鼻血》的追尋旅程 「你認識你父親嗎？」這是《鼻血》（The Nosebleed）的核心提問，也是活躍於紐約劇場的日裔美籍創作者小川彩（Aya Ogawa）在此自傳式作品中，拋向觀眾也拋向自己的困惑。這部作品，近年來在紐約劇場界激起廣泛共鳴，以直率的手法、幽默的基調且深具實驗性的文本書寫，引導觀眾直視由家庭記憶、自我認同與跨國族文化所共織而成的複雜課題。今年11月，《鼻血》將於日本東京新國立劇場上演（註），不僅對這部作品來說，是種國際巡演的里程碑，對這位日裔美籍的創作者而言，無疑也是某種文化意義上的回返與對話。 語言與文化之間：小川彩的劇場世界 小川彩是一位橫跨劇本創作、導演與表演的跨界劇場藝術家，出生於東京，成長於紐約，作品常圍繞身分、語言、性別與家庭等主題。在展演形式上，她經常以集體創作的方式與演員、設計師共同發展作品，關注的不只是語言與文本，也包括身體性、音樂性與觀眾的互動關係，風格兼具形式解構與深層情感，富饒豐沛多層且爆發性的表演能量，持續打破劇場的第四面牆，並挑戰傳統敘事結構。她獨特的敘事手法與蓬勃的創作能量，備受紐約劇場關注，曾與林肯中心（Lincoln Center）、The Play Company、Soho Rep、Bushwick Starr等紐約重要劇場機構合作。 作為雙語創作者，小川彩擅長在英語與日語之間穿梭，將語言的轉換作為思考文化與權力結構的一種方式，而其多語能力與跨文化思考，不僅展現在創作上，也實踐於日本劇作的譯介。她不僅曾翻譯岡田利規、前川知大、市原佐都子、神里雄大等多位知名日本劇作家的作品，同時也是日本劇作家協會所推動的劇本英譯刊物《演劇：日本劇場在新千禧年》（ENGEKI: Japanese Theatre in the New Millennium）的御用翻譯，並為該刊物的選書委員。著名雜誌《Time Out》評其譯作為「毫不費力、語感道地的翻譯」，而《Village Voice》則稱之為「一場語感轉譯的奇蹟」。
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新銳藝評 Review《日落大道》中的聲音裂縫：莎拉．布萊曼的「解構式聲響實驗」
音樂劇作曲家安德魯．洛伊．韋伯（Andrew Lloyd Webber）曾表示，《日落大道》（Sunset Boulevard）中的多首曲目，是以其前妻莎拉．布萊曼（Sarah Brightman）的聲音為靈感創作。距此劇1993年首演至今已逾30年，如今年過六旬的莎拉終於親自演出再製版中的女主角諾瑪．戴斯蒙（Norma Desmond），她會如何化身這位執迷過往，且深陷妄想的過氣影星？ 事實上，莎拉早在1995與2005年的個人專輯中便曾演唱該劇選曲，包括以歌劇式唱腔詮釋的〈Guardami〉（義大利文版的〈With One Look〉）、甜美輕柔風的〈The Perfect Year〉，以及與約翰．巴洛曼（John Barrowman）合唱，採典型音樂劇唱法的〈Too Much Love to Care〉。但2025年我於台北國家戲劇院觀賞她現場演出時，發現她並未試圖重現過往的聲音榮光（或許出於生理條件的限制），而是選擇一種近乎挑釁的姿態，以不尋常、破碎、古怪、誇張且時而過度雕琢的演唱方式，使她過去的輝煌只能如同殘影一般呈現。 女主角登場的第一首代表曲〈With One Look〉，莎拉即定調將使用歌劇式聲腔為基底；然而，和1995年的版本之張力非常不同，她的聲音孱弱且沙啞，咬字時而不清，有些部分虛到幾乎快要聽不見，舞台上的男主角和觀眾們似乎不可能聽了這樣的「陳述」，會在理性上認為諾瑪有可能東山再起，但她又如此滔滔不絕，自信滿滿。第二幕的名曲〈As If We Never Said Goodbye〉，也承襲如此演唱風格，不過，應著劇情的發展，此刻的諾瑪來到派拉蒙（Paramount）片場，並且天真地以為將主演自編的電影《莎樂美》（Salom），聲音相較更柔順與飽滿，展現些許「希望」感，但依舊無法擺脫滄桑。可以說，莎拉是用音色演繹已「失去光澤」，卻自我陶醉的諾瑪。
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特別企畫 Feature2025╱2026 樂季最前線：國際篇
2025╱26年樂季即將展開，世界主要樂團的節目策劃無不在兼顧地緣文化、藝術傳承與當代關懷之間取平衡。從亞洲日益壯大的策展自信、法國的跨域融合、德奧的重磅經典到英美的策展風格，這一季的國際音樂場景不僅延續了熟悉的傳統，更處處展現未來的企圖心。 亞洲的表現不容小覷，在穩健迎接國際音樂家之餘，也以更清晰的在地立場、文化自覺與年輕策展人聲音，回應全球藝術語境的快速演變。法國則以跨界與當代藝術語彙為導向，將音樂會轉化為文化事件，模糊舞台與生活的界線，邀請觀眾進入一場多感官的藝術對話。 德奧地區仍以深耕經典作品為本，並逐步將新聲音融入老架構中，在厚重歷史與未來視野之間找尋當代聆聽的位置。英美樂團則將策展意識推至前沿，從獨立主題到大型跨年度專案，演出不只是「演什麼」，更是「怎麼說」。在這種架構中，曲目與語境並重，樂迷的體驗被有意識地導向更深層的敘事。 國際樂季不再只是輸出與輸入的線性關係，而是一張立體交織的網絡。透過這國際樂季脈動的觀察，我們得以先行一窺全球古典音樂的節奏、語言與價值，如何在此刻被重新定義。
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特別企畫 Feature 德國、奧地利「作品周年」「女性」成焦點 多樣策劃吸引樂迷興趣
過去幾年的新冠疫情，造成音樂會演出的長時間停擺，重創了古典音樂市場。在龐大虧損的壓力下，德奧各大樂團使出渾身解數，設計各式各樣的樂季節目亮點，以吸引觀眾的興趣。 柏林愛樂 主打「作品周年」 有別於過去聚焦「作曲家周年」的主題設計，柏林愛樂（Berliner Philharmoniker）在2025╱2026新樂季改以「慶祝作品周年」作為節目亮點，一口氣推出了華格納《尼貝龍指環》系列（首演150周年）、布拉姆斯第1號交響曲（首演150周年）、比才《卡門》（首演150周年）、史克里亞賓第3號交響曲（首演120周年）、舒曼a小調鋼琴協奏曲（首演180周年）、巴爾托克《奇異的滿洲人》（首演100周年）等曲目，全部由首席指揮佩特連科（Kirill Petrenko）率團演出。
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特別企畫 Feature 美國、英國美國建國250周年 交響樂界響應多但仍偏票房導向
對美國來說，2026年是美國發表獨立宣言，建國250周年，有不少樂團藉這名義宣傳，但似乎除了少數樂季開幕音樂會，整體仍然是票房導向。 舊金山交響：布隆姆斯泰特99歲指揮馬勒第9 舊金山交響樂團（San Francisco Symphony）新樂季最重點，在於搶到近3年最熱門機會，2026年將99歲的布隆斯泰特（Herbert Blomstedt）指揮馬勒第9號交響曲。 布隆斯泰特屬於老一輩指揮，他在NHK的馬勒9號現場錄音，被票選為樂季最佳演出，成為2022年贊助會員的免費贈品CD，日本二手市場已經瘋狂飆漲破台幣萬元雖然，他之前有 與巴伐利亞的班貝格交響合作錄音，並且透過商業發行（2019），但二手市場的非理性，也說明了能現場聽這位老指揮的機會珍貴。如果能在舊金山現場欣賞，絕不要放棄以他的年紀，每一場都可能是告別演出。
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特別企畫 Feature 亞洲四大旗艦樂團布局新樂季 凝聚在地特色走向國際舞台
在亞洲，古典音樂的環境一直有著與歐陸不太一樣的風貌。幾十年來，亞洲早已成為音樂家巡演的重要安排，不同城市樂團雖常見交集的曲目與客席名單，如何展現獨到特色，無疑紮實反映了策劃與品牌策略的能力與心力。香港管弦樂團、NHK交響樂團、上海交響樂團與新加坡交響樂團這4個亞洲頂尖樂團，正各自處在即將翻開下一章的關鍵時期。其於2025╱26年樂季的節目設計，將宣告著他們各自將如何走出新的音樂個性，對樂迷與業內人士而言，均格外值得期待。 多元策展與品牌實力並重 亞洲樂團開啟新章 香港管弦樂團（簡稱港樂）邁入的第52個樂季，在迎接下個樂季上任的候任音樂總監貝托祺（Tarmo Peltokoski）之前，即為其安排了3個精采節目，樂季手冊封面亦以其為主體，並一如往昔，在手冊中為樂迷特別介紹了其中文譯名的字義，滿溢著眾人的期待。當然，社會不可能只投注對年輕指揮感到的驚豔與新鮮，而沒有質疑或考驗，這一切將在接下來的音樂會現場中，由所有觀眾與樂手共同見證。 貝托祺在3個節目中均安排了其恩師、也是今年港樂駐團作曲家沙隆年（Esa-Pekka Salonen）的作品，包括取材希臘神話雙子座中角色的《卡斯托》（Castor），另一場則指揮雙子中另一個角色的《波路克斯》（Pollux），以及沙隆年的小提琴協奏曲。首場除了前述作品外，將與鋼琴家郎朗合作葛利格的a小調鋼琴協奏曲，以及西貝流士以北歐神話英雄為本的《雷明凱能》組曲（Lemminkainen）。可說為樂迷再次隆重地作出了宛如自介的致意。4月與喬瑟芙維琪（Leila Josefowicz）演出的沙隆年小提琴協奏曲是作曲家唯一的小提琴協奏曲，據沙隆年自述其為「試圖將擔任樂團音樂總監這些年的所學所感濃縮於此」的作品，作品中可見對聲響色彩的追求、節奏與結構的掌握，或是對管絃樂團演奏可能性的理解，均淋漓盡致。沙隆年曾表示這闋作品的誕生自2008年6月動筆至2009年3月止，恰好9個月，他認為這是「美麗的巧合」，是一個如同生命孕育般的過程，而這也是沙隆年對當時對前一段職業生涯的小結，與貝托祺在港樂新的開始對照，別具意義。而樂季的壓軸，則將帶來佛漢．威廉士（Vaughan Williams）的《海之交響曲》（A Sea Symphony），與女高音睿思（Ch
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特別企畫 Feature 法國巴黎歌劇院150年面臨挑戰 里昂歌劇院節目新穎亮點繽紛
在新的樂季，巴黎歌劇院（包含加尼葉與巴士底歌劇院）與里昂歌劇院，推出的劇碼各有千秋。由於杜達美（Gustavo Dudamel）請辭之後，巴黎歌劇院音樂總監仍懸而未決，但今年適逢歌劇院150周年，只能由行政總監亞歷山大．尼夫（Alexander Neef）帶領行政團隊挑起這個重擔，音樂節目也從活躍的新生代與中生代指揮中挑選。反觀里昂歌劇院，目標明確，以現代歌劇與新製作的創新，展現新風貌與新氣象，頗有崛起之勢。
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書信體雙溪大年的夢
YC， 昨晚做了個夢，夢中又繞回老家雙溪大年。我沿著從吉隆坡北上的南北大道走，疾步如飛，沿途經過岩石山嶺環繞的地帶，就知道路程過了一半，怡保到了，曾是主要生產錫礦的地方，早年有華人移工從廣東、廣西過來討生活，客家人居多。小時候對怡保的印象，是有很多神秘的山洞廟宇，佛像在鐘乳石的奇觀間聳立，洞穴有風，吹拂著信仰的閃閃微光。我繼續快步大走，到了可以拐彎到檳威大橋的路段，兩側皆是國際電子工廠，大橋兩端覆蓋著半導體產業地區，有「東方矽谷」之稱的科技園區。老家有很多老朋友都在大橋另一端，檳島的電子工廠上班。為了避免上下班的塞車時間，每天會提早兩小時出發，開不到1小時的車程，到了公司，然後再晚兩個小時下班回家，因為準時下班，也會在路程中塞車兩小時，倒不如坐在冷氣房，讓時間渡過。 我繼續往北走，腳程加速，仿若蜻蜓點水般，腳尖輕輕一踩就往前，終於來到雙溪大年的南邊出口，我順著熟悉的方向前進，經過了峇甲亞蘭工業區，興盛的當年，曾經一度為地方的人們帶來許多憧憬，相信這個鄉鎮即將跨越現代的門檻，搖身一變成都市。老朋友們畢業後原本都在這裡上班，幾年後卻發現國際電子廠紛紛往競爭力更強的檳島遷移，他們毫不猶豫跟了過去，我問過他們：「在這裡工作不是更方便嗎？靠近家，上下班都省時間。」他們笑笑：「一樣的工作，一樣的責任，薪水卻有兩倍差異，怎麼不跑呢？為什麼不跑呢？」我望向灰撲撲的工業區，不見往日光鮮璀璨，我明白，命運早就揮手往他方。 經過了大街的兩排雙層店屋，我來到了十字路口，不遠處就是雙溪大年的地標性建築，12米高的時鐘樓，是當年華人商家林連登資助，以紀念英國國王佐治五世在1910年至1936年的統治。據聞時鐘樓下方曾有中英文銅牌，但在好幾年前被偷走。我轉向火車站走去，過去有條平交道，隔開了新街場和老街場，大街和二街等組成了繁華的新街場和市中心，我老家就在老街場。後來因為塞車問題日趨嚴峻，市政府在平交道上方蓋了人行天橋，地面路段不再開放車輛通行，老街場和新街場無法直線往返，得從左右兩側拐彎再拐彎再拐彎才能抵達。有這麼風水一說，原本如日中天的市鎮自此掉頭轉向，新街場人流漸少，反倒是老街場熱鬧起來。而人行天橋因為蓋得相當曲折，有不少死角，反倒讓搶匪有機可乘，在那裡待著當攔路虎。<
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檳城《中陰身》結合民俗與搖滾 一場跨越禁忌的另類喪禮
來自檳城的高永杰是獨立音樂場景中的一個傳奇，他除了是搖滾樂隊的鼓手，本身也是一名繼承家族事業的紙紮師，平日亦擔任華人喪禮的禮儀師。年輕時組團參與各類音樂場景，從Swearwood、灰色地帶、COMA演變到如今的䰱樂隊，20多年來初心不變。他從麵包師回歸家傳的紙紮店，白天忙工作晚上練團，一有機會就接演出，兩年前應舞蹈家李瑞強邀請參與《曇花堂：非典型之旅》的正念劇場演出時，首次把本身對生死輪迴的觀念實踐在創作上，於是便有了《中陰身》的雛形。 「中陰身」是佛教觀念，指人的意識離開肉身後至投胎之前的一個狀態，沒有實體但感受強烈。可以瞬間移動，最終會受到生前業力的牽引，投生到六道輪迴中的其中一道。了解中陰身，可以幫助人們更加理解生死輪迴的意義。䰱樂隊的「䰱」是一個古漢字，是指古代一種人面獸身的神明，䰱樂隊擅長後搖（Post-rock）、龐克、迷幻和死亡金屬等暗黑音樂風格，完全契合中陰身脫離肉身的撕裂氛圍。
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音樂 紀念馬水龍逝世10周年「孕育於山海之間」 重現台灣音樂巨擘的經典與深情
在馬水龍（1939-2015）逝世10周年之際，國立傳統藝術中心臺灣音樂館與國家交響樂團（NSO）攜手呈獻「孕育於山海之間」音樂會，邀觀眾一同走進這位台灣音樂巨擘的心靈世界，感受他筆下山海交織的情感與音符。 音樂會將於 9 月 11 日晚間在國家音樂廳呈現，演出陣容堅強，由指揮張佳韻領軍NSO，鋼琴家辛幸純與梆笛演奏家賴苡鈞擔任獨奏，並由台北愛樂合唱團與朗誦者雅柏甦詠．博伊哲努、邱文隆共同演出，主持人為顏綠芬。 馬水龍是台灣音樂史上相當具代表性的作曲家與教育家，其作品融合西方現代技法與台灣本土情感，展現出獨特的音樂語言，也是第一位在美國紐約林肯藝術中心以整場形式發表個人作品的台灣作曲家。他曾連任亞洲作曲家聯盟總會5位執行委員之一，擔任過亞洲作曲家聯盟中華民國總會暨中華民國作曲家協會理事長，以及亞洲作曲家聯盟副主席等。作為國立臺北藝術大學音樂系的創系主任與前校長，他在課程架構與教育理念的規劃上，深深影響了一代又一代的音樂人。此外，他創辦了「春秋樂集」，鼓勵同儕與年輕人創作，並積極參與文化政策與國際交流，為台灣音樂界帶來深遠的影響。因其非凡貢獻，亦獲中華民國總統府頒授二等景星勳章。 紀念音樂會中，將演出4首具有代表性的馬水龍作品，涵蓋其創作的中期與晚期，展現他音樂語言的多樣性與深度。首先為《梆笛協奏曲》，此曲應中國廣播公司委託創作，首演於1981年；全曲採用連樂章形式，融合梆笛的清麗音色與管絃樂團的豐富音響，展現出台灣音樂的獨特風貌。管絃樂曲《孔雀東南飛》以中國古代詩詞為基礎，融合西方管絃樂技法，呈現出濃厚的台灣情感。《關渡狂想曲》鋼琴與管絃樂以關渡地區的自然景觀為靈感，鋼琴與管絃樂的對話展現出馬水龍對故鄉的深情。《無形的神殿》男聲合唱與管絃樂結合李魁賢的詩作，表達對台灣土地與文化的敬意，音樂語言深刻而感人。 這些作品不僅是馬水龍音樂創作的精髓，也是台灣音樂史上的重要篇章。在同一場音樂會中，觀眾將有機會一同聆聽這些經典之作，感受馬水龍對音樂、對故鄉、對土地的深厚情感。
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日常素描請問有鬼肯給問嗎
尋鬼之旅走遍各處，發現人比鬼累、人比鬼難，人的各色煩惱琳瑯滿目，走到極致，人其實比鬼更加可怕，所以我們的鬼片是否應該聚焦「鬼的原材料」，也就是人的身上？我們興奮覺得，這就是答案。然而現實的諄諄教訓很快就來，比人更加可怕的，是錢。
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戲曲 切．格瓦拉留下的那隻「手」義興閣《英雄製造》 重組自己的英雄
「所謂的英雄，或者是所謂的『被崇拜的人物』，好像不能是成功的。」義興閣掌中劇團主演王凱生這麼說：「不能成功，革命才會延續下去，他也才有可能會被視為一個有血有淚的英雄。」 這句話，恰恰回應了今（2025）年由國立傳統藝術中心主辦之「戲曲夢工場」的策展主題「乙巳革命」中的「革命」一詞。 於是，義興閣掌中劇團決定從古巴革命核心人物之一的切．格瓦拉（Ernesto "Che" Guevara）入手；但身為一個充滿叛逆靈魂與中二精神的「搖滾」布袋戲團，義興閣掌中劇團並不打算循著之前《GG冒險野郎》（改編自西班牙作家賽萬提斯的經典著作《唐吉訶德》）的成功轉譯經驗，僅把切．格瓦拉與他著名的回憶錄《摩托車日記》（Diarios de motocicleta）作為取材靈感，重點則放在切．格瓦拉「成為英雄」的「製造」過程，也就是劇名英雄製造。