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本刊編輯部
發表文章 1959 篇
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焦點專題 Focus在舞台之外——關於團員的巡演日常與幕後
每一趟巡迴演出，對樂團而言，都是一場與時間競賽的旅程。從移動、排練到正式登台，每一個環節都緊湊而精準，忙碌與緊繃幾乎成了巡演的日常。然而，一場演出的成功，從來不只是指揮與獨奏家的光芒，更仰賴每一位團員默默累積的專業與默契。 在準備時間裡，團員們一踏上舞台，便迅速切換至最專注、最穩定的演出狀態；而當燈光之外、掌聲之前，他們也各自擁有屬於自己的巡演節奏與儀式：琵琶首席鄭聞欣帶著「阿毛」走天下；張舒然與蕭奕飛在自己的粉專分享足跡；郭珊如則帶著跑鞋在沒有人的清晨探索新環境這些看似平凡的小習慣，不僅陪伴他們走過一場又一場巡演，也構成了舞台背後最真實的人物風景。
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焦點專題 Focus從跨世代交鋒到全齡同樂，讓自由靈魂從小放飛
走過24個年頭，國家兩廳院的「夏日爵士派對」早已成為台灣樂迷在仲夏夜裡最期盼的隱形脈動。今年，這場盛會以「Play It Solid！」為核心主題，不僅呼應了早期爵士俚語中代表「極致出色、無懈可擊」的讚美語彙，更宣告了本屆大師雲集、堅定且極具分量的精采企畫。 本次專題將引領讀者深入探索本屆陣容的豐沛靈魂。首先，我們將傾聽甫獲葛萊美獎的「人聲瑞士刀」當代爵士巨星妮可．茱萊提斯（Nicole Zuraitis）如何以鋼鐵般的意志，從喧鬧酒吧的背景樂手一路逆襲。她以獨立音樂人之姿包辦創作與製作，將創傷煉化為詩意的爵士原創曲目，更將獲獎的商業收益全數傾注於流浪動物救援，展現柔性行動主義的動人力量 循著國家音樂廳的軌跡，我們將接著見證兩位跨世代大師的精采交鋒：當代薩克斯風天后雷琪夏．班傑明（Lakecia Benjamin）承襲約翰．柯川（John Coltrane）的精神，揉合放克與靈魂樂，吹奏出如烈火般燃燒的即興生命力；而見證半世紀融合爵士歷程的傳奇鼓王彼得．厄斯金（Peter Erskine），則帶著《Dr. Um》計畫的黃金班底登台，在風馳電掣的鼓點中再現歷經天團淬煉的純粹律動。兩人共同勾勒出爵士樂既向傳統致意、亦朝未知前行的壯闊風景 不僅國際名家璀璨，國內群英的匯聚更展現了島嶼爵士的成熟樣貌與大膽突破。邁入15周年的「兩廳院夏日爵士節慶樂團」，首度揉合狂放咆勃、熱情拉丁與精緻古典絃樂，向大師查理．帕克與克里夫．布朗致敬。為落實全齡參與，阿圖羅．奧法里爾（Arturo O'Farrill）領軍的「輕鬆自在場」《節奏千層麵》，更打破觀演界線邀觀眾共創律動。最終，這股能量將在戶外派對全面釋放，客家山歌、傳統民謠與台語流行輪番上陣，讓世界的爵士聲響裡，驕傲地鳴放著台灣專屬的混血生命力。
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焦點專題 Focus三大殿堂中的寶島拼圖：臺北市立國樂團2026年歐洲巡演
2026年6月，臺北市立國樂團（TCO，亦稱北市國）在團長鄭立彬的領軍下跨越重洋，歷史性地同時登上了德國柏林愛樂廳、萊比錫布商大廈音樂廳與奧地利維也納金色大廳。這不只象徵著台灣第一個同時征服歐洲三大頂級音樂殿堂的職業國樂團誕生，更是向世界傳達出屬於台灣獨特的聲音。面對西方古典音樂發展的最高殿堂，北市國深知唯有展現自身無可取代的文化主體性，才能讓世界留下深刻印象。因此，這趟巡演以全場台灣作曲家作品為核心，由台灣音樂家演繹台灣作品，用最自豪的「台北之聲」挑戰歐洲最挑剔的耳朵。 然而，每一趟盛大的巡演，對樂團而言，都是一場與時間與體力的極致競賽。從緊湊的移動、高壓的排練、與陌生的空間聲學進行音響試煉，到正式登台，每一個環節都不得怠慢。一場史詩級演出的成功，從來不只是指揮與獨奏家的個人光芒，更仰賴著每一位聲部團員默默累積的專業、默契與其不可或缺的核心力量。 值得珍惜的是，北市國團員之間不但擁有堅實的情感，在絢爛的燈光與掌聲之外，這群頂尖的演奏家，擁有著屬於自己的巡演節奏與生活儀式。有人在背包裝入絨毛娃娃陪伴，在孤獨與高壓的舞台角落尋找溫柔的寄託；有人將跑鞋放進行李箱，再用雙腳跑過的足跡，在世界地圖上蓋下專屬的印章；更有人將胡琴的「口傳心授」與數位短影音演算法相遇，開啟一場場跨越時空與粉絲的對話。 這不僅是一次歷史性的海外展演，更是一場關於東方絲竹樂器在西方聲響語彙的最高標準中，自我定位、尋找主體性的深沉思辨。當音樂響起，舞台前後的生命溫度、自律與熱情完美地交織。來自福爾摩沙的樂音，已在歐洲古典音樂的中心，拼貼出一幅璀璨的寶島文化地圖。
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焦點專題 Focus通靈？轉譯？ 當平面設計遇上表演藝術
無論是10數年前的紙本3件套DM、海報、節目冊，書店陳列的酷卡，或是現今網路世代的Banner，在走進劇場觀看表演之前，這些平面設計的成品是許多人接觸表演藝術的第一印象。 主視覺上的演出卡司與資訊，是吸引人買票的誘因；主視覺的用色、設計風格，則是表演團隊想要傳遞給觀眾的訊息，讓人在看到海報的同時，就能試著想像「這是一檔什麼樣的演出？」 而為了行銷需求，為作品設計主視覺的時間點，往往早於作品創作完成的階段。那對平面設計師來說，該如何觀看、理解，或接近表演藝術，才能進行設計呢？不同設計師有各自經驗累積，但可以確定的是，比起「平面設計有時候是在通靈」的說法，倒不如說，這份工作本來就得仰賴反覆溝通與聚焦，才能在創作、市場與業主需求之間找到平衡，交出一份過關的主視覺。 （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）
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焦點專題 Focus當編舞家走進馬戲帳篷
傳統馬戲總是在尋求超越極限，試圖掩飾重力的存在；但編舞家走進馬戲帳篷，他們追求的卻恰好相反他們要讓身體找回真實的重量，甚至學會「墜落」與「失敗」。 本專題聚焦近年表演藝術圈最生猛的混血：「舞蹈」與「馬戲」。我們特邀編舞家陳武康專訪雲門舞集創辦人林懷民，看這位宣告退休卻停不下腳步的編舞家如何走進FOCASA馬戲團的排練場，編創《幾米男孩的100次勇敢》不求絢麗奇觀，而是教導習慣憋氣的馬戲演員「呼吸」，要求他們在疊羅漢時「表演失敗」，並且在一次次的失敗練習中，長出直擊人心的勇敢。 在國際舞壇，我們則進一步盤點哈希德．烏蘭登（Rachid Ouramdane）、尤安．布喬亞（Yoann Bourgeois）、奧雷利安．博瑞（Aurlien Bory）、穆哈．莫蘇奇（Mourad Merzouki）和亞歷山大．凡托恩豪特（Alexander Vantournhout）等5位歐陸編舞家的創作路徑，看他們如何透過馬戲的極限風險與空間力學，以「編舞式馬戲」（Choreographic Circus）探索人類集體的恐懼、信任與生存隱喻，透過編舞重新丈量重力，並與馬戲特技碰撞出迷人火光。
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特別企畫 Feature舞蹈如何構作？
近幾年，「構作」（dramaturg）儼然成為台灣當代舞蹈的演職人員標配。然而，這門隱形的技藝究竟在「構作」什麼？追溯其歷史流變，18 世紀德國劇作家萊辛（Gotthold Ephraim Lessing）在漢堡國家劇院確立了「戲劇構作」文本結構與外部審視的職能；在20世紀末，歐陸當代舞蹈浪潮崛起，碧娜．鮑許（Pina Bausch）聘請了原為記者的萊蒙．霍格（Raimund Hoghe）為戲劇顧問，並讓這個職務在舞蹈界廣為人知之前，這雙「外部之眼」的概念與實踐，其實早已潛伏於不同國家與不同藝術家的創作歷程中。（註） 這股思潮在台灣著陸後，又產生何種轉變？ 本專題試圖穿越排練室那堵隱形的牆，特邀評論人／構作樊香君從工作現場拆解「舞蹈構作」的技藝，回探近10年舞蹈構作在台灣的發展；並從謝杰樺與樊香君、莊博翔與林人中等不同世代的編舞家與舞蹈構作的合作關係、國家兩廳院節目企劃部經理賴依莉的場館製作的人才培育／市場觀察、2026德國舞蹈三年展聯合藝術總監張欣怡、Monica Gillette、編舞家Katerina Andreou與戲劇構作Costas Kekis等人的國際觀點，深入台灣在地的生產機制，剖析排練室裡的對話與角力，解碼構作在創作、製作等不同層面所扮演的角色與創作生態現況。 註：詳情請參考：卡塔琳．特蓮雀妮著，陳佾均譯，《戲劇顧問：連結理論與創作的實作手冊》（國家表演藝術中心國家兩廳院，2016），第九章。
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焦點專題 Focus從兩廳院出發，解鎖他們的好奇旅程
多年來，國家兩廳院持續拓寬台灣與全球的對話路徑，將跨國網絡轉化為台灣創作者的孵化皿。透過海外駐村計畫，許多藝術家得以追尋自身的好奇心，帶著對世界、對自身的提問，將自己拋入陌生的文化腹地，展開一場場向外探索、向內挖掘的旅程。 今（2026）年開春，編舞家劉奕伶、郭爵愷與編劇吳明倫即率先前往希臘、澳洲與西班牙駐地參訪。本專題將跟隨3位創作者的腳步，一窺他們如何踏查異國現場。 編舞家劉奕伶帶著對「身體規訓」的探問，潛入希臘歐納西斯基金會，在雅典娜的神話隱喻與古雕像姿態裡，拆解當代舞者隨時備戰的生存法則。編舞家郭爵愷則前往澳洲伯斯藝術節實驗室，在語言未能成為有效的溝通工具時，他放大感官，試圖鑿出微觀的「窺探孔」，讓私人的生命經驗跨越文化，開拓寬廣的對話空間。編劇吳明倫則在西班牙馬德里國家戲劇中心展開一場無跡可尋的田野調查，於宗教與政治交織的歷史縫隙中，追尋一位50年代台灣女學者的離散命運。 出走，是為了摘下自身的文化濾鏡，拓寬可能的觀看的方式。這些散落於海外的踏查軌跡，帶回的從來不是標準答案，而是劇場裡無可取代的生猛養分。讓我們跟著藝術家與兩廳院一同繪製的世界地圖，看看這些充滿未知的碰撞，如何澆灌出令人期待的創作宇宙。
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焦點專題 Focus在TIPC遇見來自世界的擊樂力量
當鼓槌敲響重音，2026年的台灣再次激起跨國節奏。朱宗慶打擊樂團第12屆臺灣國際打擊樂節（TIPC）盛大登場，自1993年起來秉持「台灣走出去，世界走進來」的初衷，直到今日，已讓這片土地成為國際擊樂的平台與重鎮。 本專題將帶您走入這場時光紀事：從本屆團隊濃縮為5天密集展演的創舉、直擊10國155位音樂家的多元節目，到回顧當年如何建立無微不至的高接待標準等珍貴過往。 33年過去，這場跌跌撞撞的青春狂想未曾停歇；他們依然用每一記純粹的敲擊，將台灣的溫度深刻進世界的記憶裡。
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焦點專題 Focus解碼謝克特
出身以色列、長年在倫敦發展的編舞家侯非胥．謝克特（Hofesh Shechter），兼具舞者與音樂創作者的背景，擅長將打擊樂、電子聲響與群體動作緊密結合以低重心、持續震動的身體，與強烈節拍交織，構成一種帶有原始能量與集體感的舞台景觀，在國際舞壇上形塑出辨識度極高的創作語彙。 進入謝克特的作品，我們往往是先被聲響與節奏擊中，才意識到身體正不由自主回應。也因此，本專題除了深入解析謝克特的音樂與身體語彙的深刻關聯，回顧他的成長背景與藝術軌跡，理解音樂訓練、以色列社會經驗與舞團發展如何形塑其創作視野；接著從舞蹈與聲響的關係出發，分析他如何以節奏、噪音與聲響拼貼驅動身體，建立舞蹈與音樂同步生成的創作模式；最後，熱愛看舞的小說家何曼莊則以謝克特的最新作品《潛夢劇場》為例，觀察其劇場語言如何結合夢境敘事、舞台機制與近似Rave的群體能量，形塑一種強調感官參與的觀看經驗。 透過本專題，我們嘗試多面向解碼謝克特舞作中的幾個關鍵：聲音如何成為動作的引擎，群體身體如何在節奏中形成秩序與衝突，以及劇場如何被轉化為一場強烈的身體與感官體驗現場以此為起點，潛入他的劇場夢。
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焦點專題 Focus一唱一鼓的傳統聲光搖滾
想像一種古老的說唱藝術，僅靠歌者伴著鼓手，就能勾勒出一個綺麗的世界並引起震撼共鳴。這就是韓國傳統的說唱藝術「盤索里」（판소리）。本專題將帶領讀者走進這門深具魅力的聲音表現，並一窺它如何在當代劇場中解構重組，爆發出跨越語言隔閡的全新生命力。 首先，在〈關於盤索里的天才10問〉中，特別邀請到IPKOASON的盤索里歌者李勝熙，為讀者揭開這門藝術的神秘面紗。透過10個深入淺出的提問，帶您了解「盤索里」的真實意涵、探究演出，並解析歌者的獨特呼喊式唱腔。為您建構紮實的文化基礎，明白盤索里不僅是一人演繹的獨角戲，更是一個仰賴歌者、鼓手與觀眾高度互動的「聲音場」。 奠基於對傳統的理解，第2篇文章則將目光轉向今年5月於臺灣戲曲藝術即將登場的當代巨作《看．見沈清》。這部由跨界團隊MUTO與盤索里團隊IPKOASON聯手打造的作品，大膽顛覆了經典《沈清歌》中強調孝道犧牲的傳統敘事，改從盲父沈學奎的視角出發，重新探索「看見」與「看不見」的生命掙扎。文章將深入解析這場沉浸式科技藝術實驗，看團隊如何將盤索里飽滿的靈魂與語言韻律，與大型 LED 影像、雷射光束、玄琴及電子合成樂完美交融，將傳統說唱擴充為一場前衛的感官饗宴。 無論您是對韓國古老文化感到好奇，還是熱中於當代科技藝術的創新，就讓我們透過這兩篇文章，走進盤索里交織著傳統底蘊與未來聲光的迷人世界吧！
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焦點專題 Focus相遇．原作與重銓——克里斯多福．魯賓 X 蔡柏璋
克里斯多福．魯賓（Christopher Rping，1985－）是當代德語劇場最具影響力的德國導演之一，曾五度入選柏林戲劇盛會（Theatertreffen），其代表作之一《夜半鼓聲》曾於2019年來台演出，提供了兩個版本，而兩種截然不同的結局在劇場裡交替上演，帶來無限可能。PAR特別在克里斯多福．魯賓即將帶來2021年入選柏林戲劇盛會的作品《不過就是世界末日》來台演出前夕，邀請目前旅居德國的台灣編導蔡柏璋，在他搶先看過此作後，與克里斯多福．魯賓展開一場別開生面的對話，替《不過就是世界末日》寫下無法定義的註腳。
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焦點專題 Focus時間揉出的紙，關係摺出的舞
2020年，編舞家王宇光與舞者李尹櫻以一張宣紙為載體，創作出探討雙人關係的舞作《捺撇》。後來，這支舞多次受邀前往世界各國演出，紙張在呼吸與汗水中反覆被踩踏、拉扯甚至撕裂，那些不可控的變數，恰好成為關係最真實的隱喻。7年後，《捺撇》終於回到台灣，王宇光更不安於現狀地開啟了新的實驗《捺撇duo》。 有別於舞蹈圈邀請年輕舞者的慣性，王宇光力邀其恩師蘇安莉與古名伸加入，用兩具充滿歲月痕跡與智慧的成熟身體，與原版形成相互映照的「二重奏」。 本專題將透過兩篇深度訪談，分別走進這兩組雙人舞的排練場。同一張紙，同一組提問，卻折射出截然不同的生命風景。對王宇光、李尹櫻而言，紙是測試信任與失衡的試劑；對古名伸、蘇安莉來說，紙則是時間的皺摺與共存的局限。透過4位舞者猶如4張不同質地的紙般的答覆，我們看見《捺撇》如何在時間的流動中，持續進化成一支會呼吸的舞。
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話題追蹤 Follow-ups對創傷，如何在「共情」與「抽離」之間拿捏觀演距離？
主持人：白斐嵐（獨立評論人） 與談人：黃思農（再拒劇團導演、當代藝術家）、彭子玲（烏犬劇場藝術總監） 台灣社會於2023年迎來一波#MeToo巨浪，動盪雖只維持數月，後續影響可說是「餘波盪漾」──正如關係人、受害者往往得用更長時間與之共處，尋求出路，生態環境亦然，劇場也不能例外。#MeToo運動興起的口號「在做藝術家前先是一個人」（Youre a human before youre an artist），似乎暗示著藝術創作有時會讓人忘記人性，犧牲自我或他人，以成就所謂崇高的「藝術」。於是，一連串的事件，讓我們有機會重新審視環境，建立新的平衡。 延續2024年台灣劇評人協會年度論壇選擇直面創作倫理、性別議題以及評論之間角色，今年度更將關注面向擴大涵蓋不同形式的「創傷」。第一場前導工作坊「記憶與撫慰：碰觸創傷與記憶的力道」，於是邀請烏犬劇場彭子玲與再拒劇團黃思農參與對談，並由獨立評論人白斐嵐擔任主持。前者分享多年陪伴高風險青少年，並以此推出創作《麻嗨猴》與《低．俗．畫本》的經歷；後者則以單一觀眾形式演出的《感傷之旅》，聚焦「觀看」的權力關係。 彭子玲提到她在創作時，總是會不斷審視「自己究竟只把這些經歷當作故事題材，還是有進一步探索與實踐的可能」。確保動機出於後者，始終是最重要的事。她以劇團10年來陪伴觸法青年、青少年的經驗，分享「此時此刻與我們平行，但依然在發生」的另一個世界。這些人的成長經歷，因原生家庭、外在環境之形塑，自然而然得用截然不同的方式生存與生活。在「成為人」的同時，意識到另個世界的不同，才能真正認識彼此。
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焦點專題 Focus藝術家的農曆年：牽著紅色的圓滿，定義自己的團圓
對某些人來說，農曆年可能是一套預設好的劇本：固定的開場、重複的問候，無法逃避的家族秩序，難能想到如何翻轉，簡直像是每年固定上演的一場戲碼然而，對於劇場人來說，台上的劇本可以排練，台下的生活往往真正在流動中才顯現真實。本次專題，我們邀請了3位不同背景的藝術家，在各自的生命場景裡，談談他們如何從傳統的框架中，長出屬於自己的年節姿態。 明華園天字團的當家小生陳昭香在鑼鼓聲中撐起家族榮光，窮劇場藝術總監高俊耀從南洋的甜湯裡回味故鄉，劇作家李屏瑤則一再從台北的違章建築中尋找光。他們手中的紅氣球，輕盈漂浮，拉著他們與傳統對話，建立生活秩序，用自己想像的方式，決定他們想過的年。 （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）
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焦點專題 Focus舞台之外，生活之中
如果說劇場是藝術家精心搭建的異度空間，那麼那些散落在排練場、餐桌上、甚至是營火邊的思考與日常對話，便是支撐創造的真實血肉。 國家兩廳院每年秋天舉行的「秋天藝術節」，以豐富、含金量高的周邊活動著稱，深入藝術家的創作脈絡與關懷，帶領觀眾用不同的角度來認識或接近作品，從而開啟對話的可能。本專題透過2025秋天藝術節「在裂縫中重組我們」的4場活動側記，嘗試穿越不同感官的維度：在首篇與第2篇文章中，我們從視覺與記憶出發，看區秀詒、瓦旦．督喜與桑布伊如何從遷徙的生命史中提煉藝術，並進一步在「降靈會」般的劇場考古中，跟隨區秀詒與陳侑汝深入探索光影、歷史與觀看的權力結構。 接著，我們將感官轉向味覺與身體。第3篇鍾適芳、樊夏與陳啟明的餐桌旅行，揭示了奶茶、甜味與豌豆粉背後的政治疆界與身分認同；而最後一篇的「烤火會」，則深入TAI身體劇場的花蓮「工寮」與台北河畔橋下現場，靠近瓦旦．督喜的身體勞動感知，以此重新縫合人與土地的斷裂。 從吉隆坡的老戲院到緬甸街的茶館，從19世紀的幻燈秀到花蓮工寮的火堆旁，跟隨藝術家的洞見，讓我們鑽進世界的裂縫，重組感官，與作品對話。
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焦點專題 Focus從台北出發：TSO亞洲巡演的五重樂章
暌違6年，臺北市立交響樂團（TSO）再度啟程，踏上跨越國界的音樂旅程。從日本到韓國，這趟亞洲巡演不僅是樂團藝術實力的展現，更是一場文化交流的深度對話。本專題首篇文章帶領讀者走進舞台核心，直擊巡演節目在韓國富山音樂廳舉辦的亞洲文化推展聯盟（FACP）年會的特別演出；隨後透過團長視角，探索樂團經營與對未來音圖中心的藍圖。兩位首席、法國號與小號手「兩大門神」以台上觀點分享表演現場，而富山音樂廳節目企劃部經理則從專業角度分享城市與場館的經營智慧。最終，我們將以團員的視角與足跡，串起這趟巡演中每座音樂廳的獨特風景。5篇報導，構築出一場從台北啟航、與亞洲共鳴的交響篇章。
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焦點專題 Focus當代馬戲在柏林
相較於法國自1970 年代就因「新馬戲」運動而蓬勃發展，當代馬戲在柏林起步甚晚，2000年之前，幾乎是一片荒原。 直到2004年，圍牆倒塌後的自由氛圍裡誕生的變色龍劇院，才從綜藝娛樂逐步轉向當代馬戲，成為最早為這種新型態表演搭建舞台的地方。 時間快轉到10年後，柏林馬戲節在廢棄機場草坪上扎根，把看似「不合時宜」的帳篷節慶培養成固定藝文選項，並推動文化政策承認馬戲為獨立藝術門類，逐步改善了馬戲的生態環境。 這兩條路線，一個深耕於室內劇院，一個拓展於戶外場域，共同塑造了當今柏林的馬戲樣貌。從曾經的邊陲娛樂到今日的多元繁花，這20年來的發展，見證了馬戲藝術如何在裂縫中茁壯，並逐漸成為城市文化不可或缺的一環。
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話題追蹤 Follow-ups與時俱進、實踐永續 創造「明日的遺產」
2025世界劇場設計展（World Stage Design，WSD 2025）於10月18日至25日在中東文化之都沙迦（Sharjah）拉開帷幕。本屆展覽不僅是4年一度的全球劇場盛事，更是一場對劇場設計語言、科技趨勢與永續責任的深度審視。 趁此機會，本刊特地訪問到2025 WSD 世界劇場設計展專案總監賈姬．喬治（Jacqui Georg）。在訪問中，她說明了本屆WSD部分獎項調整的考量，也分享了在中東氣候下推動永續實踐的挑戰與承諾，以及如何透過與 Goumbook 合作種植紅樹林，將碳排放抵銷納入全球活動規劃中。面對強大的AI數位浪潮，她表示「當前表演設計界的科技變化既是禮物，也是挑戰。」而今年WSD的主題「明日的遺產」，「正是對這種張力的回應。」
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焦點專題 Focus台北愛樂40年的文化實踐
成立40年的台北愛樂管弦樂團（TPO），以民間力量譜寫台灣交響的新高度。近年來，樂團透過國際巡演與藝術輸出，讓「台灣之聲」在世界舞台上愈發清晰。今年9月，首席弦樂四重奏攜手華洲園布袋戲團登上大阪世博舞台，連續3天上演融合台灣民謠與布袋戲的交響樂《挪吒鬧東海》，以西方古典結構交織在地故事與傳統技藝，吸引數千觀眾駐足讚嘆。演出後，樂團飛抵東京，將台灣民謠與柴科夫斯基第1號絃樂四重奏的感動延伸至海外聽眾心中。 不止於演奏，台北愛樂管弦樂團更舉辦第4屆「東亞樂派論壇」，推動跨國學術交流與原創創作，累積深厚的文化能量。本專題將從多個角度，帶領讀者走進樂團的國際舞台實踐、跨界創作理念與東亞樂派的學術探索，呈現台北愛樂如何從土地出發，將台灣音樂文化推向世界。
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焦點專題 Focus首爾如何進化為看表演的旅遊新地標？
今（2025）年可說是韓國表演藝術大放光彩的一年，除了音樂劇《也許是美好結局》（Maybe Happy Ending）橫掃美國東尼獎，韓國表演藝術市場營收也創下新紀錄，產業規模以驚人速度進化，正逐步形塑出一個能與觀光、流行文化並行的生態系統。而首爾正是引爆這場文化浪潮的起點，不僅是繼紐約、倫敦、東京之後，全球旅人看表演的新地標，也是觀測K-content的風向站。 本系列深度報導從3個面向切入：第1篇前進2025「Welcome 大學路」藝術節現場，看韓國政府與業界如何擴大國內外市場，創造多元節點，奠基擴大觀眾群的基礎；第2篇則聚焦粉絲經濟，看韓國表演藝術製作團隊如何吸納K-pop、K-drama等「K」流量，以及其中的隱憂；最後，則聚焦在2025「Welcome 大學路」藝術節B2B市場展的參展作品，觀察韓國製作人與創作者如何超越「韓國性」的框架，從人的情感與選擇出發，講述能在全球引發共振的故事。