:::
电玩音乐
相关文章 8 篇
-
焦点专题 Focus电玩的音乐世界
电玩音乐，不仅仅是游戏的一部分，更是许多人童年与成长的重要陪伴。从红白机时代的简单旋律到现代游戏的交响乐规模，电玩音乐记录了每个世代玩家的回忆。那段通关《超级玛利兄弟》的激昂，那曲《萨尔达传说》的悠扬旋律，成为无数人生命中的背景音。 电玩音乐不仅呈现多样风格，更伴随玩家一同成长。对于许多人而言，这些音乐见证了从孩提时的好奇，到成年后的怀旧，甚至成为生活的一部分。如今，电玩音乐不仅停留在萤幕内，更走进音乐厅，成为文化舞台上的焦点。如同2014年起，全球最具影响力的电玩奖项典礼之一，被誉为「游戏界的奥斯卡」的The Game Awards（简称TGA），奖项即涵盖了最佳配乐和音乐奖、最佳声效设计、最佳演出及玩家之声等，在2023年典礼吸引了1.18亿人次收看，突显出音乐在游戏文化中的重要地位。 其中，日本作曲家则在这段历程中扮演关键角色，他们透过独特的创新性与情感深度，创作出既能触动玩家心弦，又能超越游戏的音乐作品。为此，我们将聚焦5位极具代表性的日本作曲家，了解他们如何用音乐为游戏增添灵魂，并深刻影响全球的音乐与游戏文化。 此外，电玩音乐的魅力不仅局限于游戏玩家。YouTuber 海牛（本名许崴）认为电子游戏逐渐成为一种新型态「整体艺术」，小提琴家曾宇谦谈及音乐与电玩的情缘，陈锐更分享了他的人生哲学与游戏体验，在在展现电玩如何超越娱乐，成为艺术与哲学的交集。在前述背景下，本专题将带领读者回顾电玩音乐的多样性，探索其如何与我们共同成长，并且打动我们的情感。 （本专题特别感谢编辑顾问Damon Li）
-
焦点专题 Focus 深度解析新型态的「整体艺术」？谈电子游戏中的音乐
音乐、绘画、舞蹈、文学、雕塑、建筑、戏剧是人类文明在数千年的发展中，孕育出来的个别艺术型态。而到了19世纪中，音乐戏剧巨擘华格纳（Richard Wagner）提出了「整体艺术」（Gesamtkunstwerk）的概念，将上述所有艺术统整了起来并融合进了第七大艺术「戏剧」之中，震撼了世界，也让人类艺术的发展迈入了全新阶段。 而到了19世纪末，伴随著科技的快速发展，第八大艺术「电影」也随之诞生。这种全新型态的艺术可说是「戏剧」的进一步扩展，透过摄影、剪接等等新科技，让各大种类的艺术以更水乳交融的方式统整起来：我们在《星际大战》中听到了如华格纳般的音乐手法、在宝莱坞电影中看到俏丽的舞蹈演出，而所有构图、场景的搭建，更是汇集了绘画、雕塑、建筑的结晶。自此，电影成为了更进阶型态的「整体艺术」，还有什么艺术形式能够超越电影呢？ 然而，随著计算机科学在20世纪的飞速发展，又再度有了全新的艺术型态诞生：「电子游戏」。虽然其发明之初因为高度的娱乐性质而受到艺文界的忽视，但经过无数创作者的努力，我们已经见证了游戏如何融合八大艺术的精华，成为超越电影存在的「第九艺术」。 回顾华格纳当初提出的整体艺术概念，我们能发现他相当强调「音乐」元素的独特性，因为在所有艺术型态中，唯独只有「音乐」能直接描绘人类最底层的情绪活动。而综观许多学术论文或坊间专书，我们虽然能够找到众多对於戏剧或电影中的音乐研究，但唯独电子游戏中的音乐鲜少被探讨。因此在本文中，我除了将会发挥音乐专业，更要「不务正业」地透过玩家视角，深入探讨音乐在游戏历史中的发展，以及游戏中的音乐如何构成「整体艺术」不可或缺的一部分？ 华格纳的遗产 在华格纳的整体艺术概念中，之所以能够将音乐与戏剧高度整合，即是因为他开创的「主导动机」手法，也就是用特定音乐片段来指涉戏剧中特定的人、物、事件、概念。而这样的手法到了20世纪也被大量运用在电影产业中，例如在约翰．威廉斯谱曲的《星际大战》中，每一个重要角色或概念都有著属于自己的主题曲，例如：安纳金的主题、原力的主题、帝国的主题等等。 这些在戏剧、电影领域中建立起的音乐手法，不可避免地深深影响了早期的游戏配乐，像是《勇者斗恶龙》、《最终幻想》、或是《战神》，都大量运用
-
焦点专题 Focus 资深玩家现身生活中的调剂品：曾宇谦的音乐与电玩情缘
对小提琴家曾宇谦而言，电玩不仅仅是一种娱乐，更是生活中的放松与能量补充的来源。「现在年轻人，不用电玩的也可能会有Switch或Xbox之类的游戏机，就算什么都不玩的，至少也有用手机可以玩游戏。」就像他自己，从童年时的一台掌上游戏机，到如今国际舞台的聚光灯下，电玩始终伴随在他的音乐旅程中，成为一段快乐与愉悦的寄托。 「我很小就接触到游戏，最初常常去亲戚家跟著一起玩。」他回忆道，但真正让他印象深刻的，是小学时的一个特别奖励，「有次比赛成绩不错，伴奏的钢琴老师送了我一台Game Boy，那是我人生中的第一台掌上型游戏机，里面的游戏丰富又好玩，从那时起我便爱上了游戏。」 不久，家里添购了电脑，他便开始接触一些经典游戏，其中最有印象的就是《枫之谷》了。他认为：「《枫之谷》的音乐真的很好听，每个场景都有不同的配乐，从登入游戏开始，到探索村庄的过程，音乐与画面完美结合，让人沉浸其中。」这段经历，让他意识到音乐在游戏中扮演了相当重要的角色，并且增添了对游戏本身的喜爱程度。 电玩是调剂，音乐与画面共鸣 随著年龄增长，学业和音乐训练变得更繁忙，游戏时间也逐渐减少，但对曾宇谦而言，电玩始终是忙碌生活里，能够充分纾压的一部分。「每个人的休息方式都不一样，有些人喜欢看书、运动，而我偶尔会玩游戏放松一下。当然，玩电玩对拉琴不会有直接帮助，但心情开心的时候，音乐自然会表现得更好。」 他也笑著提到，学音乐背景的人，通常在游戏中都不会令人失望。「经过训练，手指和脑袋的枫应都很快、专注度也够，所以玩游戏不会太差。」他认为，只要适度地享受游戏，学生既能找到乐趣，家长也不必过于担心。 虽然对游戏充满热情，但曾宇谦并不热中追逐最新的设备。「小时候总觉得什么都想要，但长大后发现时间有限。也许是跟我个性相关，我就是喜欢一种游戏，就会花比较多时间玩同一种，真的要玩到很腻了才会换。就像我有了Switch后，买了几款游戏，但最后常玩的还是那两、三种。有些甚至买回来到现在都没打开过。」他笑著说，比起设备的更新，他更重视游戏带来的情感与放松的感觉。
-
焦点专题 Focus 资深玩家现身电玩是我的Life style：陈锐的人生与游戏哲学
即使旅行在全球各大音乐厅中，小提琴家陈锐离乐迷却很近，因为他在闲暇的时间经常以幽默的短片分享他的演奏生活。于是社交媒体的互动，已经吸引了超过52万订阅者，平台上也累积了超过9,000万次的观看。尤其在疫情期间，他为习乐人提供虚拟练习室以及认识练习伙伴的应用程式Tonic联合创始人，造福不少学子。这些成就，不仅证明了他在音乐上的才华，还显示了他对创新与跨界合作，尤其是电玩， 作为知名游戏《英雄联盟》（League of Legends）的长年顾问，在游戏的衍伸动画《奥术》（Arcane）之中也有陈锐的身影。从近期刚出版的《头号玩家》（Player 1）的专辑封面中可看出，4格画面有演奏家的他、社交软体做影片的他、建立Tonic练琴app的他，当然不能错过的，还有平日玩电玩的他。 音乐和电玩相辅相成 对电玩音乐的热情可以追溯到他的童年。陈锐透露，年仅5、6岁时，便开始与父亲一同沉浸于像《快打旋风》和《超级马利欧兄弟》等经典游戏中。随著游戏的发展，他逐渐从父亲转向与妹妹共享这些娱乐时光。「但有次在玩Game Boy的声音太大了，被要求把声音关小一点。」他回忆道：「但声音一没有就没有那么好玩，也无法那么投入了！」这发现让他瞬间明白音乐对电玩的重要性：「玩的人喜欢将音乐开很大声，是因为萤幕再大也只有在你面前，可是音乐是充满整个空间，那会让你身处在情境里面。」 后来自己玩的就像是任天堂公司出的《宝可梦》，还有任天堂64（简称「N64」）出来的时候，会玩「明星大乱斗」系列（super smash bros）可以当各种不同的角色，也有很可爱的打架比赛游戏，是他在等待上课时美好的时光。 他的游戏跟练琴不冲突，他回想小时候父母有一套策略，可能会规定2：1，也就是练一个小时可以玩半个小时电玩。「这对我超有用的！」陈锐从中体认：「游戏是什么？就是你做一样东西，可以得到另一个东西！」这样的理解不仅适用于游戏，对他的人生哲学也有著深刻的影响。他把人生看作是一场「游戏」，每做一件事情，都可能会得到不同的回报，无论是人情、金钱还是知识。他也分享自己的经历：「我爸妈不会在我小时候说『你就去练琴，将来你会懂。』这对小孩来说就不好玩，因为他看不到那个能够得到的东西。但如果可以让小孩很清楚地知道也许有零
-
焦点专题 Focus 从8位元到3A的超进化一次搞懂横跨半世纪的电玩音乐设计简史
你还记得你上一次打电动是什么时候吗？ 随著电脑技术的日益进步，电玩成为大众娱乐的主流选项，已经不是新鲜事。今年，因为中国品牌「游戏科学」创作出的《黑神话：悟空》，再度掀起了针对电玩产业的讨论热潮。也让更多人认识到，创作出一款畅销卖座、且富含深度的游戏作品，必然要集结庞大的美学与技术能力，而「音乐」，更是一款游戏中不可或缺的成分。 与影视戏剧的配乐逻辑不同，游戏的配乐模式是极富弹性的。在一部固定长度的电影中，音乐的出现是按照剧情推进的顺序决定的；而游戏在推进关卡、剧情的时机却是不固定的，因应无法预测的玩家指令，在战斗、剧情演绎或对话时，都需要植入不同的音乐，便让游戏中的音乐设计，需要更功能化也更多变的思考。 由此可见，游戏配乐的诞生，是很不同於戏剧影视等领域的。而谈论电玩音乐的各种类型与脉络，不免俗地就要谈到游戏机发展的历史，也就必然要回到世界上第一款商业游戏的诞生。 Game Start：大型电玩与8bit 音乐 从1971年，第一台大型电玩机台「Computer Space」问世以后，人们的娱乐，多了一项跨时代的选项。当时的机台技术并不发达，只能以简易的音效晶片来发出单音音效，模拟敌人被击中时爆炸的声音。到了1980年代中期，配乐才出现在电玩中，以音乐来丰富玩家的游玩体验。 早期街机电玩，配乐的设计，多半是为了场景与关卡设计。如1991年上市的《Captain Commando》（台译：《上尉密令》），其第一关与第二关，分别是街头与博物馆的场景，背景配便采用了当时美国电视主题曲的风格，而到了第三关「忍者之屋」，配乐在此便将节奏乐器的声响，更换成了日式的手鼓，而旋律的选择也更接近东方小调五声音阶，借此在声音上建立起对日本风格的想像。 而随著游戏产业兴起，许多大型电玩作品，也随之移植到体积较小、方便在家娱乐的主机上，电玩配乐自然也从街机厅，演奏进了家庭的电视机前。主机游戏的类型，基本上是与街机相同的横向动作游戏，音乐也就延续了「一关一曲」的设计逻辑。然而，碍于硬体技术限制，当时的家用主机，仅能搭载8位元的运算系统，音乐也只能透过算力更小的音乐晶片输出。
-
焦点专题 Focus 焦点人物5位不可不知的日本电玩音乐作曲家
电玩游戏产业发展至今，俨然成为一种重要通俗文化，其配乐内容也随著软硬体进步而日渐充实，艺术价值愈来愈受到重视，作曲家地位随之提升。比起电影配乐，电玩音乐更重视互动性，需要更即时反应游戏当下情境，才能为游玩体验加分。在这样的前提下，想要成为一位优秀的电玩音乐作曲家，就是要能兼顾动听与游玩体验，如果能让玩家自动把音乐与画面、甚至操控动作连结起来，事后还不忘旋律想继续聆听，那就成功了吧！由于日本的电玩音乐以其独特的创新性和情感深度，不仅为游戏本身增添魅力，也深刻影响了全球音乐与游戏文化的发展，因此以下简略介绍5位日本极具代表性的电玩作曲家，看看他们的经历与创作特色： 近藤浩治 X《玛利欧》《萨尔达传说》 首先要介绍这一位，你或许不熟悉他的大名，但一定听过他的作品，那就是任天堂（Nitendo）游戏公司配乐第一把交椅，《超级玛利欧兄弟》与《萨尔达传说》系列的作曲家近藤浩治（Kondo Koji）。他1961年出生于爱知县，自小学习电子琴，中学参加过翻唱乐团，而后就读大阪艺术大学艺术学系艺术计划科，累积音乐、音效方面的专业知识，并使用当时尚未普及的个人电脑制作音效。1984年，近藤大学毕业准备求职之际，刚好遇上任天堂招募专职音乐人才，基于对游戏与合成器音效的热爱，他投下了人生唯一一份履历，一举成功进入梦想的公司就职，开启电玩音乐作曲家之路，而且一待就40年，现在仍是进行式！近藤初入游戏界，正值任天堂红白机开始转为畅销，他先以出道作《恶魔世界》崭露头角，接著又为《超级玛利欧兄弟》、《萨尔达传说》谱曲。在那个游戏主机8位元、卡匣容量很小、音乐也只能用合成器制作、声部最多三轨的古早年代，近藤巧妙运用简单好记的旋律、明确的节奏，加上配合场景及角色动作的音效，超越硬体限制，谱出丰富有趣的乐曲。随著游戏在全世界大受欢迎，近藤的音乐也跨越国界、成为人人耳熟能详的超级经典。其中《超级玛利欧兄弟》地上关卡主题（Ground Theme）更在2023年获选为美国国会图书馆收藏的第一首电玩配乐，写下电玩音乐史的新页。现阶段近藤浩治较少直接投入音乐创作，主要担任音乐统筹、监制等职务。 椙山浩
-
艺活志 Behind Curtain
林奕泛 热血沸腾 表演共振
从机械单音的「小蜜蜂」、「超级玛利欧」，到今日气势磅礡、百人乐团加持的交响乐曲，电玩音乐早已超越你我的想像，跟著电玩玩家人数日益庞大，电玩音乐也成为最夯的音乐会曲目，这一波热潮，出身古典乐的钢琴家林奕泛因缘际会赶上，成为波士顿电玩交响乐团VGO的班底。他因此与摇滚结缘，爱上摇滚乐演出时台上台下共振交流的热烈氛围。
-
焦点专题 Focus
音乐，本来就是拿来play的！
随著「VGL电玩音乐会」与「太空战士音乐会」接连来台，霎时间，台湾的音乐表演似乎充满了游戏风，近年来炒得沸沸扬扬的「宅经济」，似乎也降临到表演艺术的领域里。到底在家里玩game，与到音乐会现场与大批群众一起体验声光俱佳的现场演奏，有什么差别？为什么这些宅男宅女愿意为音乐会走出家门？
