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Pichet Klunchun
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焦点专题 Focus传统，还能怎么跳？
身怀古老技艺，当代创作者该如何走出封存遗产的思维，在传统的基底上玩出新意？本专题深度追踪泰国皮歇．克朗淳舞团发起的「重绘传统」（Re-mapping Tradition）计划，详实记录这场邀集东南亚9国传统舞者、麻省理工学院（MIT）以及瑞士 Studio 44 MocapLab高手过招共同激荡的身体实验。 透过4篇深度采访与侧记，前进曼谷的工作坊现场，从编舞家皮歇．克朗淳（Pichet Klunchun）历时20年将泰国古典倥舞（Khon）解构为几何「图表」（Diagram）的No.60方法论切入，看东南亚各国舞者如何借助科技，剥除文化、政治外衣，将身体还原为动力学与空间知识；我们也专访即将来台演出的孔坎．朗莎旺（Kornkarn Rungsawang），看这名泰国新锐编舞家／舞者如何将民间还愿仪式转化为 AR／VR 数位神殿的《茉莉．献舞》；以及瑞士编舞家吉尔．乔宾（Gilles Jobin）与Studio 44 MocapLab又是如何透过动态捕捉技术，协助这群舞者抽丝剥茧自家传统，重新建造一套「解构自身实践的工具」。 传统如何塑造我们？而我们又该如何用当代的声音诉说自己的故事？这或许是当代创作者们都该扪心自问的问题。不论是将民间许愿转化为数位神殿，或是透过动态捕捉、AI技术将复杂传统拆解为可被辨识的知识体系，这群奠基传统的创作者们让古老舞蹈在数位疆域里重新找到了呼吸与再创造的可能，也点亮了亚洲身体知识自主定义未来的可能路径。
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焦点专题 Focus当东南亚舞蹈成为一张活的知识地图
2026年8月，笔者受皮歇．克朗淳舞团（Pichet Klunchun Dance Company，PKDC）邀请，以学者身分参与「Re-mapping Tradition: Embodied Knowledge of Southeast Asia」计划第2阶段「具身知识实验室」工作坊（编按），在曼谷象剧场（Chang Theatre）进行5天驻地观察，并于朱拉隆功大学的公开论坛担任与谈人。这篇文章是现场记录，也试图回答萦绕整个计划的核心问题：传统舞蹈是什么？
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焦点专题 Focus No. 60姿势之后皮歇．克朗淳的传统解构与数位创新
曼谷象剧场的排练室外墙上，挂著两帧黑白照片：一张是皮歇．克朗淳（Pichet Klunchun）的老师Master Chaiyot Khummanee ，另一张，是更资深的「老师的老师」Master Aram Intaranut。每天早晨，皮歇在这里开始练习，与这两位已故的师长「对话」，他说，作为艺术家，要持续下去不是一件容易的事；那两张脸孔，是他每天的问询对象继续，还是停下？ 这个由社群共同搭建起来的剧场空间椅子来自欧洲一间关闭的老戏院、冷气机是有人捐赠的、院里的树是观众一棵棵买来种下的坐落在曼谷市区，墙面打开后可以看见佛像与各式面具。皮歇说，他心里想的是：什么是亚洲的剧场？不是西方金字塔，而是庙宇，而每天的练习，就是一种供奉。
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焦点专题 Focus 作家颜讷：舞蹈是「有结构的出神」，我们在其中靠近自由
受文学哺育滋养长大，现担任东华大学华文系的助理教授颜讷，每一次谈起跳舞，都有一股热切夹杂其中，即便从年幼开始的学舞期间，她所遭遇到的挫折总是比成就感还要多一些。 比方说，台湾某一时期家家户户都流行送小孩去上芭蕾舞课，「我也去了，当时跟其他小朋友一起摆『小天鹅』的姿势，整个人要弯起来、想办法让脚趾头碰到头部，我大概是全场唯一、无论如何都无法让头碰到脚趾头的小孩子，看起来就像一条鱿鱼。」 她甚至在台北上过林丝缎开的舞蹈课，但记忆中，那是「所有小朋友都记得要穿裤袜，只有我光腿穿著高衩舞衣跳舞，光是用看得都觉得羞耻。」诸如此类的例子，颜讷一口气就可以抖出好几个，虽然说，即便如此她仍然觉得自己喜欢跳舞。 「因为，跳舞应该算是一种，我们最难从自身逃离的表达形式吧？」她说。 她一直离舞蹈不远。长大的时候开始自行接触街舞，走进音乐，感受自己身体的样子，颜讷形容，跳舞是一种非常纯粹的快乐，虽然她难免还是会有一双抽离的眼睛，且不断以那双眼睛审视自己够不够美、够不够好。说到这里，她分享：「这样的状况，一直到我去纽约上GAGA People的时候才有所翻转。」
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聚光灯下 In the Spotlight 灯光、空间设计与剧场创作者曾睿琁 在光影交叠处，剪裁平等的真实
光，不仅为了服务表演而存在，同时乃平行于创作者的一个角色。 曾睿琁的创作思维，正立基于这样的概念去发散。作为灯光设计，过去她习惯在暗处凝视，捕捉在光影消长间被忽略的质地。然而，出身自北艺大的实作磨练，到纽约疫情期间的生存自省，再到泰国街头的文化观察，曾睿琁的创作路径始终在处理一个核心命题：平等。 至于，所谓平等，或许可以这么解释：一种试图消解创作者与技术、神圣与庶民、乃至人与机器之间界限的温柔实践。
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曼谷曼谷国际表演艺术集会 展现东南亚艺术家的多样与关怀
2025年3月12日到16日，曼谷迎来了年度文化盛事「曼谷国际表演艺术集会」（Bangkok International Performing Arts Meeting，BIPAM），这是一场聚焦于创新剧场、舞蹈及跨界表演的国际艺术盛会。 今年的BIPAM有来自泰国、越南、菲律宾和寮国等国的艺术家，透过这些艺术家的创作，展示了东南亚的艺术形式多样性，这些作品也呈现出各自国家的文化特质，关注当地社会、环境及政治问题，呈现出东南亚艺术家对当前世界的深刻反思。 例如来自菲律宾的伊萨．江森（Eisa Jocson）创作与演出的《Maelstrom》，以一个被摧毁的城市景象为背景，探索灾后环境中，人的身体如何在极端困境下寻求生存与再生的机会，表演没有对话，只有舞者利用肢体语言进行沟通，舞者的每一个动作都像是与城市共同命运的挣扎，既显示了个人生命的脆弱，也象征著人类在自然灾害面前的渺小与无助。
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特别企画 Feature 年度现象08跨国交流取径转向，当代舞蹈圈持续「南向」
2023年舞蹈圈持续发生的「南向」国际交流仍方兴未艾，各项作品、计划、交流的能量都愈来愈丰沛。 作品方面有陈武康与泰国编舞家皮歇・克朗淳（Pichet Klunchun）的《野台罗摩》，他们于2017年展开一段为期2年至柬埔寨、缅甸、泰国、印尼4国拜师学舞的旅程，又因疫情之故，演出几经延宕与变化，作品历经7年漫长的酝酿，最终在今年完成首演；而持续发展中的，有王宇光与印尼舞蹈家Danang Pamungkas的《去你的岛》，本作于2022年台湾舞蹈平台演出阶段性发展版本后，创作团队受英国舞蹈剧院The Place艺术总监Eddie Nixon之邀，于今年至英国进行移地创作、持续发展该作，完整作品预计在2024年秋天于台湾首演；此外，林宜瑾也因2024年的新作发展，除了与团队走访国内移工社群外，也前往印尼日惹进行田调；另外，蒂摩尔古薪舞集则举办「艺术生活节」与「南岛当代乐舞与身体踏查交流」计划，前者带入泰国、印尼、印度等身体工作坊，后者则菲律宾多个舞团合作，由彼此舞团的舞者互相给予工作坊，进行文化交流与身体练习等。
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特别企画 Feature 2024 进行中台湾舞者钟长宏参与皮歇．克朗淳新作《泰．未来》
才刚结束《野台罗摩》，皮歇．克朗淳（Pichet Klunchun）又即将于2024年TIFA推出新作《泰．未来》（Cyber Subin）。 按克朗淳的说法，本作是《No.60》（2020）的「下一章」。《No.60》是他长年研究泰国传统舞蹈箜舞（khon）的成果，在该作中，他用力学分析出箜舞动作体系与六大元素，包含能量、圆圈和曲线、轴点、同步肢体、外部身体空间和转移关系；在《泰．未来》中，他进一步结合「模控学」（注）的概念，舞者将透过与AI所习得的「60号原则」进行「对话」互动，尝试更专注于自身舞蹈技术的感应与挖掘，从中探问传统、舞蹈与科技共存的未来性与创新可能。 克朗淳延续过去几年与台湾舞蹈圈的深度交流，《泰．未来》除了有来自四面八方的制作团队（包含美国MIT AI艺术家Pat Pataranutaporn、新加坡舞蹈构作、台湾灯光设计、亚洲声响音乐家）之外，4名跨国组成的表演者中，其中一名即是台湾舞者钟长宏。 1988年次的钟长宏，曾担任美国StateStreet Ballet舞团、希腊Greek National Opera Ballet舞团舞者。自幼学舞的他，舞蹈养成体系来自与箜舞截然不同的街舞与芭蕾，但在2023年7月至泰国象剧场的首度实体工作中，皮歇告诉他「没有要跟每个不一样舞者合作都做箜舞，希望从舞者身上找到他们本来就有的东西」，这让钟长宏在合作过程中「感觉可以做自己，可以尝试自己想要的东西」。 钟长宏回忆，他第一次看克朗淳演出是在2016年混种现场艺术祭，与骉舞剧场陈武康进行「身体的传统：交流计划」于宝藏岩绿野地进行的公开展演，接著几年，他也陆续听闻陈武康分享他们去东南亚等国学习传统舞蹈的旅程。钟长宏观察到皮歇是一个开放的创作者，「有很强大的基底，但又不断吸收不一样的东西，是一个不断进化的艺术家。」 本次合作，也让钟长宏对舞蹈的理解产生巨大冲击。他回忆象剧场舞者给的一堂暖身课，做了箜舞相关练习，「他们对于下盘的稳定、末梢的掌控、手指线条路径的乾净度要求非常高，跟我所学的系统有非常大的差异，比如芭蕾的Pli（蹲）是动态，但我在那次暖身练习中，认识到他们的身体像是『种』在那里，这跟我习惯的动态非常不一样。」 作为一名与各类型的编舞家合
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曼谷当代舞大师皮歇．克朗淳参与曼谷双年展实验短片演出
曼谷双年展基金会（Bangkok Art Biennale Foundation）和泰国酿酒（ThaiBev）携手合作打造实验短片《The Spirits of Maritime Crossing》，这部片在8月31日到9月3日之间于瑞士的圣莫里兹电影节（St. Moritz Art Film Festival）播映。 剧情描述由知名的行为艺术家玛莉娜．阿布拉莫维奇（Marina Abramovic）饰演的一位表演艺术家不知道自己已经去世，她的灵魂到处游荡，从威尼斯到曼谷，一路寻找庇护和心灵的平静，这个鬼魂拜访了许多代表性的人物和神圣的地方，透过各种仪式、相遇和教诲，鬼魂终于明白了自己已离开肉身，因此获得了解放。 这部短片由曼谷双年展的艺术总监阿皮南（Apinan Poshyananda）撰写剧本，阿皮南选择以威尼斯作为起点，是因为威尼斯在中世纪曾经是黑死病肆虐的地区，映照前世界面对的COVID-19疫情和俄乌战争带来的死亡，把历史结合当代世界的情势，对人类社会的发展进行反思。 这部短片邀请到泰国当代舞大师皮歇．克朗淳（Pichet Klunchun）和他的舞团参与演出，由皮歇设计电影中的舞码，他将泰国传统舞蹈融入现代元素，透过肢体表演，以现代的观点呈现古老的哲学思想和信仰，同时传递出编剧和导演对生命的反思。
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台、马、泰舞蹈名家 从传统中淬新生
去年底于台北艺术大学举办的「传统的超越※老灵魂新声音亚太当代舞蹈大师讲座及工作坊」，邀到三位舞蹈大师泰国的Pichet Klunchun、马来西亚的Ramli Ibrahim与台湾的林丽珍，举行大师讲座与工作坊，并同台座谈，分享各自在传统与当代之间，自省并以身体实践的创作历程。而无论「传统」指涉的是土地记忆、既有结构或者集体意识，对于在地脉络的尊重与理解，是三位舞蹈大师一致的态度。
