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Phile Deprez
發表文章 10 篇
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藝號人物 People 比利時編舞家楊．馬騰斯 透過不同的身體 測試舞蹈的邊界（上 ）
比利時編舞家楊．馬騰斯（Jan Martens）今年將第三度來到台灣（註1），帶來重製版《再見狗日子》（THE DOG DAYS ARE OVER 2.0）。藉這次演出機會，我們回望他的創作軌跡從17歲上第一堂舞蹈課、19 歲踏入舞蹈學院、26 歲開始編舞，到如今成為國際舞壇備受矚目的名字，馬騰斯如何一步步建立自己的舞蹈觀？ 他的作品經常從概念出發，以舞者的身體作為對當代的回應語言。與其說他擁有一套可被辨識的風格，不如說他不斷透過不同的身體實驗舞蹈語彙，每一次都像是在測試舞蹈的邊界。 從房間裡隨意起舞的少年，到拆解舞蹈規訓的叛逆期，再到如今願意將經典視為工作箱重新開啟《再見狗日子》不只是一次重製，更像是他與自己的創作歷程之間一次誠實的對話。
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藝號人物 People 比利時編舞家楊．馬騰斯 透過不同的身體 測試舞蹈的邊界（下 ）
不同於威廉．佛塞或碧娜．鮑許的作品，動作辨識度高，馬騰斯的藝術語彙在於極簡地處理「透明度」和舞台上的「人」。這也是為什麼他再次搬演《再見狗日子》，「如果我在10年後放入不同的人，會如何改變這個作品？」對他而言，作品不只是重製，而是一次次讓身體重新打開，去回應當下所處的時代與現場。 靈感不是引用，而是一種燃料 談到靈感來源，或許與馬騰斯曾經對文學感興趣有關，閱讀對他而言成為非常具啟發性的藝術形式。儘管職涯發展順風順水，大量工作和巡演也讓他沒有足夠時間去畫廊或看電影（關於這點，他表示這真的需要被改變），於是他經常在火車上、飛機上、飯店房間裡進行大量閱讀，獲取創作想法。 像是《再見狗日子》來自美國攝影大師菲利普．哈爾斯曼（Philippe Halsman）關於跳躍的引言，《噪音之聲》（VOICE NOISE，2024）的靈感則來自安．卡森（Anne Carson）的〈聲音的性別〉。卡森提到古希臘女性的喊聲 「Ololygē」，那是一種介於快樂與痛苦之間的聲音。馬騰斯想著「好，讓我們創造屬於我們的『Ololygē』，我不知道它是什麼，但我和舞者們一起做研究。」文本的內容並不是被直接用於舞蹈作品中，而是作為創作起點。 舞蹈史、行為藝術作品等各類型的藝術形式，也是重要的工作箱。除了《汗流浹愛》以芭蕾雙人舞拆解而生，行為藝術家瑪莉娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramović）和烏雷（Ulay）經典作品中的主題，像是耐力、殘酷、時間，也都成為馬騰斯當時在編創中非常重要的工具。 談及如何在外部參照與直覺之間取得平衡時，馬騰斯說：「有些時候，我必須刻意放下靈感來源，讓直覺接管，否則作品會卡住。」就像《再見狗日子》以跳躍作為唯一語法，他為自己設定嚴格限制，但在發展過程中暫時鬆開限制，允許舞者帶入更多上半身與手臂動作，再回到概念本身做出取捨。「我相信事情終將步上正軌，最重要的是要信任自己的直覺。」他有時在首演前夕才突破瓶頸，或許相信直覺是藝術家必要的冒險，透過看似不合理的做法來找到最完美的呈現。
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舞蹈 楊．馬騰斯《任何搞分裂的企圖都將以粉身碎骨告終》直面政治 舞動對言論自由的諷刺與希望
「前陣子，我在fABULEUS（註）與13位年輕舞者合作的《通過貝克德爾測驗》（Passing the Bechedel Test），一部探索女性主義的演出，讓我徹底脫胎換骨。我現在比較敢公然地談論政治了。」曾於2019年來台演出雙舞作《三之律》（Rule of Three）與《嘗試》（Ode to the Attempt）的比利時編舞家楊．馬騰斯（Jan Martens），曾如此在訪談裡形容自己創作《任何搞分裂的企圖都將以粉身碎骨告終》（any attempt will end in crushed bodies and shattered bones，以下簡稱《粉身碎骨》）的心境。這句很長且具威脅意味的作品名稱，正來自中共領導人習近平對香港反送中運動者的嚴厲警吿，馬騰斯卻率17名來自各方的舞者，公然「搞分裂」。 熟悉馬騰斯作品的觀眾，大概會對他的強烈表達感到驚訝。這位即將奔四的編舞家，自2010年開始創作後，作品便備受矚目，並頻繁受到國際邀演；然而，在《粉身碎骨》、甚至《通過貝克德爾測驗》之前，馬騰斯並非熱愛談論政治的創作者，雖然觀眾可以在《嘗試》閱讀到他對溝通的渴望、在《三之律》體認到人在社會網絡中的持續運動，或從那曾令他聲名大噪的《SWEAT BABY SWEAT》、《凡人》（The Common People）、《維克多》（Victor）中，嗅聞到馬騰斯對於關係的高度敏銳。但相較政治，馬騰斯似乎更關注如何透過極簡和重複的動作，引動表演者的複雜狀態，並在細微的層次變化裡，不斷重塑、重用、重構已成慣習的動作語言。
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特別企畫 Feature
在極簡與理性中 測量創作的溫度
從二○一○年開始創作的比利時編舞家楊．馬騰斯，作品多是關於人在社會網絡中的肖像與關係，及身體如何透過自身在空間的運動，與表演者在執行動作時的狀態，提供一非戲劇性的敘事、但具有辨識度的視覺景觀，勾出觀眾的想像與詮釋。這次訪台的《嘗試》與《三之律》，前者透過跳舞、寫作與語言，如解剖學般剖析創作的步驟；後者則透過組合動作、音樂與燈光，在重複且規律的時間推衍下，將舞者的個人性與表演性逐漸抹去，舞者身體的真實、敏感與荒蕪，得以浮現。
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紐約
舞台上的兒童角色 誰來演出費思量
兒童演員或許是票房保證，但他們上台呈現寫實演出是否適宜？近期有幾齣戲劇都由成人演出兒童角色，因為劇情採回溯架構，所以成人演員能在回溯段落扮演兒時自己，不用改換裝扮聲音，時間的距離提供不同的看法，而這段距離就從演員的相貌與他們所代表的角色年齡差異表現出來。但也有作品直接讓兒童演員上台演出，呈現不同效果，但怎麼用才能安全過關，也令人頗費思量。
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特別企畫 Feature
「我們能做什麼？」 以藝術揭露殘酷真實
深受左派思想影響的瑞士導演米洛．勞，在東歐、俄國共產體制解體後，仍不斷思考著：當左派知識分子不再從這些革命家的角度觀看世界、不再自詡為工人階級的代表之後，還能做些什麼？於是他從社會學的批判角度出發、從社會運動的方法切入，探討各種禁忌議題。他的創作題材總是圍繞在歷史上的暴力事件，也因此他備受爭議，米洛．勞說，他用看似激進的方式處理敏感題材，是希望透過在劇場中重現暴力，透過各種形式來挑戰觀演經驗的極端邊界，反思人性的本質。
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特別企畫 Feature 瑞士劇場導演
米洛．勞 劇場裡有意義的事，在於傾聽與同理
年輕時曾說過自己的人生志願是：社會學家、藝術家、戰地記者，現在身為劇場導演的米洛．勞，透過劇場工作，他與人一起創作、觀察社會現象，還到戰地研究調查，似乎可說是三個願望一次滿足了。劇場對他而言，有意義的事情在於傾聽、存在、理解、同理、在那一刻升起的情感、帶著反思的觀看，「在過程中，或許是排練或許是演出，如果有那麼一個短暫片刻讓任何一個人感動，讓任何一個人了解一些什麼，或許僅僅只是走進劇場的意義，那對我來說一切就值得了。」
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四界看表演 Stage Viewer
走在禁忌的鋼索上
瑞士導演米羅．勞認為，現今人們每天接受新聞傳播「刺激反應」的制約，終致麻木，劇場創作者的工作就是要喚醒我們的感官，強化道德與智性的敏感神經。他的演出除了內容取材真實事件，所挑選合作的演員也和所要表達議題相關，如《五篇簡易小品》找來七個小孩演繹震驚比利時社會的連環殺童案，靈感來自帕索里尼電影的《索多瑪一百廿天》更與身心障礙的演員合作，將驚世駭俗的情色電影搬上舞台。
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四界看表演 Stage Viewer
和諧樂聲中，提點生命差異的雜音
在今年愛丁堡藝術節演出的《向前，走！》，是比利時當代舞團編舞家亞蘭．布拉德勒與導演法朗克．范萊克合作的作品，從一個軍樂隊的彩排開始，透過微觀一名老人與樂團的衝突、角力與合奏，突顯群體與個體之別。比利時演員溫．歐普茹克在劇中演出齊整的銅管樂隊的「他者」，透過對樂隊成員插科打諢的質詢，在同質的樂隊中讓個人的異質性逐漸顯露，他們私密的慾望、愛、苦痛與脆弱。
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戲劇
在劇場，我們思辨
一個從MSN、電子郵件往返，一路延燒到劇場的辯論戰局，也即將燒到台北的舞台《樂觀主義精選集》是兩個作家親上火線的思辨劇場，包含了演講、蘇格拉底式的哲思對話，和觀眾的互動。這部作品探索了批判性樂觀的概念，也企圖揭示樂觀主義者在當下社會脈絡的角色。從二○○九年演出以來，劇場的演出融入了來自許多人士多元的辯論觀點，這回台北演出，當然也加入了本地觀眾的意見。
