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特別企畫 Feature

年度人物 PAR PEOPLE OF THE YEAR 2023（一）

米雪 持續深造技藝 打造更精采的一人千面

米雪，是台灣頗具知名度的歌仔戲演員、導演與編劇。出身於歌仔戲世家（新協興歌劇團），後加入秀琴歌劇團，成為劇團的黃金三角之一。被譽為「編導才女」的她，成名甚早，粉絲無數，更是不可多得的生、旦、丑兼演的表演者，角色切換自如，表演豐滿且聲音充滿情感與彈性。可貴的是，不滿足於個人的技藝水準與知名度，於2021年正式拜師小咪及王金櫻兩位藝師，追求更深厚、更細膩的歌仔戲表演，並且開發自身更多元的演員面向，以歌仔戲傳承為己任，將個人表演、創作生涯推向另一個高峰。 注目焦點一： 秀琴歌劇團於2023年推出《鳳凰變》，不僅是臺灣戲曲中心該年度的旗艦製作，更是劇團自《安平追想曲》之後規格、編制最大的創作，藉由台灣歷史中的重要一頁，透過女性視角，重新以當代歌仔戲劇場的方式來詮釋歷史與文學，接合精緻藝術、大眾通俗的表現。米雪於其中擔綱「董太夫人」一角，充分詮釋出女人在時代洪流下的無奈與堅強、宏觀與自私，替鄭氏王朝的歷史提供另種陰性視角，突顯女性人物的重要性。 注目焦點二： 早已成名的米雪，近年拜小咪及王金櫻兩位藝師為師，並潛心修藝、兢兢業業、孜孜不倦，藉此打磨更為精緻、細膩的表演身段與唱腔詮釋。已有資歷的演員願意繼續進修，甚至是拜師，實屬不易，特別是在民戲、藝文場公演等演出活動塞滿行程的歌仔戲團隊裡，米雪更加體現她為追求更高技藝的渴求，以及實際作為，並已在她近期的演出裡看見更高一層的表演狀態。特別是她以王金櫻修編賣藥團歌仔冊的《油罈記》（2022），首度入圍第34屆傳藝金曲獎「最佳演員獎」，可見她現階段成就再次被肯定的證明。 注目焦點三： 米雪在2023年的演出，除《鳳凰變》外，亦參與雞屎藤舞蹈劇場《他們的生活 In Sing-uh》、古路歌仔戲《白賊七》等演出，既展現她遊走於不同演出形式的能力，更呈現她擁有截然不同的行當、角色詮釋與魅力。米雪所參與的演出，不一定擔綱主角，卻往往可在出場時獲得注目，讓自己隨時都能夠成為整齣戲最耀眼的角色，並豐富作品的精采度。期待未來，米雪能在演出的打磨裡，繼續打造更豐滿、多元的「一人千面」。
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感覺亞洲｜在南方（二）

阿道．巴辣夫．冉而山 X 瓦旦． 督喜

身行未知的複數差異，交換無盡的神話與歌（上）

探究台灣身體表演，無法忽視當代原住民藝術。歷經多重殖民與遷移的過往，具原民背景的藝術家在創作之始，面對的往往不只媒材與主題，而總是觸及生活環境、族群政治、身分建構和自我認同下，現實及幽靈相互糾纏的生存狀態。 近年，「亞洲」成為新一波策展潮流，具原民背景的藝術家似乎也被推上浪頭。阿道．巴辣夫．冉而山（Adaw Palaf Langasan）與瓦旦．督喜（Watan Tusi）兩位不同世代的創作者，都在成長階段自部落來到台北，於90年代先後加入「原舞者」舞團，其後各自開展饒富哲思與隱喻的身體實踐。 在他們身上，亞洲不僅不是一道理所當然的命題，亞洲概念對他們個人和創作的作用力，更突顯了其處境之殊異。阿道從寫作出發，投身揉合樂舞、行為、神話與劇場的道路；瓦旦以田野記錄「腳譜」，在重構土地與身體的關係中挖掘樂舞創作的可能。他們的經驗與思索，也許是能帶我們穿越亞洲迷障的引路之火。
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感覺亞洲｜在南方（一）

勞動、遷徙與歌唱

《多過必要》的日常縫隙

2021年11月，為了半年後將在台北當代藝術館舉行的《非遊記》發想新作，策展人帶我們到東協廣場進行場勘，當時我們對新作的想法還非常模糊。 中午我們在一間附設卡拉OK的泰國餐廳用餐，遇見聲嘶力竭歌唱著的泰國移工蘇塔，他的桌上已經擺滿了酒瓶。不禁多看了幾眼。傍晚透過策展人關係，體驗了樓上的泰國夜店。夜不夠深，人還不多，我們窩在牆邊的位置，觀察著可能成為題材的各種現象，又得勉強配合電音擺動著觀光客的身體。 突然間又遇見蘇塔，爛醉的他走上舞池，以獨創又怪異的舞步，成為夜店的中心。我們向爛醉的他搭訕，要了他的臉書。 後來陸續在線上接觸了幾次，約好在4月，也是宋干節（編按）的一個週末，再次到東協廣場開拍。拍攝內容和場勘那天見到的差不多，只是這趟玩樂多了劇組，蘇塔則會拿到一筆演出費。拍攝過程中，蘇塔問翻譯，這部影片會在哪裡播放？當他知道了是當代館以後，很誠懇地表示了他的困惑：「會有人來看嗎？」 蘇塔的臉書上有許多自彈自唱的影片，其中有一首歌我們覺得特別好聽，並且請他在片中唱了兩次。這首歌叫做〈เกินความจำเป็น〉，用Google直翻是More than necessary，中文應該翻作「不必要」，但是若直翻成「多過必要」，好像就為這些享樂的日常體會，給出了一個位置。 （編按）宋干節（Songkran；วันสงกรานต์），俗稱潑水節，為泰國的傳統新年。
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感覺亞洲｜路徑03：機構現場

國家兩廳院：成為連結歐亞的藝術樞紐

2017年，國家兩廳院在30周年之際進行組織調整，在節目企劃部下單獨設立了國際發展組，此舉對應著兩廳院對自身成為「亞洲場館」的定位期待與發展策略：作為台灣最老牌藝文場館，兩廳院長久以來與歐美表演藝術界的關係深厚，並引進了不同的演出與創新概念，卻對亞洲的創作發展與交流十分陌生，也因此開始思考其中發展失衡的成因。 重訂國際發展策略，直面失衡的亞際交流 在此思考之下，兩廳院先於2019年舉辦了兩日的Asia connection論壇，邀請來自日本、韓國、柬埔寨的藝術機構策展人，從他們自身與亞洲藝術家的策展合作經驗，分享對於「亞洲連結」的經驗與看法，相互激盪產生連結的可能形式。論壇中，與會者從製作面與各國文化政治生態開啟認識，卻也發現其實亞洲場館間的相互連結與作品邀請不多， 整體的創作品味更是偏向西方。 國家兩廳院副藝術總監施馨媛表示，19世紀開始的西方現代主義為「當代藝術」創造了一個分水嶺，不在現代主義的角度下發展的當地藝術，都被稱為傳統藝術，而成為所謂的「傳統戲曲」：「所有的當代，不論是舞蹈、戲劇、文本都是以西方的脈絡發展為基礎並作為學習對象，反而因此忽略了亞洲的脈絡。」除了彼此對亞洲藝術家與創作狀態缺乏認知之外，在論壇討論中，兩廳院也發現亞洲缺乏共製的生態系統，無法像歐洲一樣經由共製進行資源串連和發展巡演。為求平衡表演藝術美學的東西方失衡，也希望透過有策略的計畫發展亞洲的共製生態系統，並形成一個交流平台，協助形塑亞洲觀點的作品，因而產生了「亞洲連結：製作人工作坊」（Asia Connection: Producers Camp，ACPC）3年計畫。