:::
電玩音樂
相關文章 8 篇
-
焦點專題 Focus電玩的音樂世界
電玩音樂，不僅僅是遊戲的一部分，更是許多人童年與成長的重要陪伴。從紅白機時代的簡單旋律到現代遊戲的交響樂規模，電玩音樂記錄了每個世代玩家的回憶。那段通關《超級瑪利兄弟》的激昂，那曲《薩爾達傳說》的悠揚旋律，成為無數人生命中的背景音。 電玩音樂不僅呈現多樣風格，更伴隨玩家一同成長。對於許多人而言，這些音樂見證了從孩提時的好奇，到成年後的懷舊，甚至成為生活的一部分。如今，電玩音樂不僅停留在螢幕內，更走進音樂廳，成為文化舞台上的焦點。如同2014年起，全球最具影響力的電玩獎項典禮之一，被譽為「遊戲界的奧斯卡」的The Game Awards（簡稱TGA），獎項即涵蓋了最佳配樂和音樂獎、最佳聲效設計、最佳演出及玩家之聲等，在2023年典禮吸引了1.18億人次收看，突顯出音樂在遊戲文化中的重要地位。 其中，日本作曲家則在這段歷程中扮演關鍵角色，他們透過獨特的創新性與情感深度，創作出既能觸動玩家心弦，又能超越遊戲的音樂作品。為此，我們將聚焦5位極具代表性的日本作曲家，了解他們如何用音樂為遊戲增添靈魂，並深刻影響全球的音樂與遊戲文化。 此外，電玩音樂的魅力不僅局限於遊戲玩家。YouTuber 海牛（本名許崴）認為電子遊戲逐漸成為一種新型態「整體藝術」，小提琴家曾宇謙談及音樂與電玩的情緣，陳銳更分享了他的人生哲學與遊戲體驗，在在展現電玩如何超越娛樂，成為藝術與哲學的交集。在前述背景下，本專題將帶領讀者回顧電玩音樂的多樣性，探索其如何與我們共同成長，並且打動我們的情感。 （本專題特別感謝編輯顧問Damon Li）
-
焦點專題 Focus 深度解析新型態的「整體藝術」？談電子遊戲中的音樂
音樂、繪畫、舞蹈、文學、雕塑、建築、戲劇是人類文明在數千年的發展中，孕育出來的個別藝術型態。而到了19世紀中，音樂戲劇巨擘華格納（Richard Wagner）提出了「整體藝術」（Gesamtkunstwerk）的概念，將上述所有藝術統整了起來並融合進了第七大藝術「戲劇」之中，震撼了世界，也讓人類藝術的發展邁入了全新階段。 而到了19世紀末，伴隨著科技的快速發展，第八大藝術「電影」也隨之誕生。這種全新型態的藝術可說是「戲劇」的進一步擴展，透過攝影、剪接等等新科技，讓各大種類的藝術以更水乳交融的方式統整起來：我們在《星際大戰》中聽到了如華格納般的音樂手法、在寶萊塢電影中看到俏麗的舞蹈演出，而所有構圖、場景的搭建，更是匯集了繪畫、雕塑、建築的結晶。自此，電影成為了更進階型態的「整體藝術」，還有什麼藝術形式能夠超越電影呢？ 然而，隨著計算機科學在20世紀的飛速發展，又再度有了全新的藝術型態誕生：「電子遊戲」。雖然其發明之初因為高度的娛樂性質而受到藝文界的忽視，但經過無數創作者的努力，我們已經見證了遊戲如何融合八大藝術的精華，成為超越電影存在的「第九藝術」。 回顧華格納當初提出的整體藝術概念，我們能發現他相當強調「音樂」元素的獨特性，因為在所有藝術型態中，唯獨只有「音樂」能直接描繪人類最底層的情緒活動。而綜觀許多學術論文或坊間專書，我們雖然能夠找到眾多對於戲劇或電影中的音樂研究，但唯獨電子遊戲中的音樂鮮少被探討。因此在本文中，我除了將會發揮音樂專業，更要「不務正業」地透過玩家視角，深入探討音樂在遊戲歷史中的發展，以及遊戲中的音樂如何構成「整體藝術」不可或缺的一部分？ 華格納的遺產 在華格納的整體藝術概念中，之所以能夠將音樂與戲劇高度整合，即是因為他開創的「主導動機」手法，也就是用特定音樂片段來指涉戲劇中特定的人、物、事件、概念。而這樣的手法到了20世紀也被大量運用在電影產業中，例如在約翰．威廉斯譜曲的《星際大戰》中，每一個重要角色或概念都有著屬於自己的主題曲，例如：安納金的主題、原力的主題、帝國的主題等等。 這些在戲劇、電影領域中建立起的音樂手法，不可避免地深深影響了早期的遊戲配樂，像是《勇者鬥惡龍》、《最終幻想》、或是《戰神》，都大量運用
-
焦點專題 Focus 資深玩家現身生活中的調劑品：曾宇謙的音樂與電玩情緣
對小提琴家曾宇謙而言，電玩不僅僅是一種娛樂，更是生活中的放鬆與能量補充的來源。「現在年輕人，不用電玩的也可能會有Switch或Xbox之類的遊戲機，就算什麼都不玩的，至少也有用手機可以玩遊戲。」就像他自己，從童年時的一台掌上遊戲機，到如今國際舞台的聚光燈下，電玩始終伴隨在他的音樂旅程中，成為一段快樂與愉悅的寄託。 「我很小就接觸到遊戲，最初常常去親戚家跟著一起玩。」他回憶道，但真正讓他印象深刻的，是小學時的一個特別獎勵，「有次比賽成績不錯，伴奏的鋼琴老師送了我一台Game Boy，那是我人生中的第一台掌上型遊戲機，裡面的遊戲豐富又好玩，從那時起我便愛上了遊戲。」 不久，家裡添購了電腦，他便開始接觸一些經典遊戲，其中最有印象的就是《楓之谷》了。他認為：「《楓之谷》的音樂真的很好聽，每個場景都有不同的配樂，從登入遊戲開始，到探索村莊的過程，音樂與畫面完美結合，讓人沉浸其中。」這段經歷，讓他意識到音樂在遊戲中扮演了相當重要的角色，並且增添了對遊戲本身的喜愛程度。 電玩是調劑，音樂與畫面共鳴 隨著年齡增長，學業和音樂訓練變得更繁忙，遊戲時間也逐漸減少，但對曾宇謙而言，電玩始終是忙碌生活裡，能夠充分紓壓的一部分。「每個人的休息方式都不一樣，有些人喜歡看書、運動，而我偶爾會玩遊戲放鬆一下。當然，玩電玩對拉琴不會有直接幫助，但心情開心的時候，音樂自然會表現得更好。」 他也笑著提到，學音樂背景的人，通常在遊戲中都不會令人失望。「經過訓練，手指和腦袋的楓應都很快、專注度也夠，所以玩遊戲不會太差。」他認為，只要適度地享受遊戲，學生既能找到樂趣，家長也不必過於擔心。 雖然對遊戲充滿熱情，但曾宇謙並不熱中追逐最新的設備。「小時候總覺得什麼都想要，但長大後發現時間有限。也許是跟我個性相關，我就是喜歡一種遊戲，就會花比較多時間玩同一種，真的要玩到很膩了才會換。就像我有了Switch後，買了幾款遊戲，但最後常玩的還是那兩、三種。有些甚至買回來到現在都沒打開過。」他笑著說，比起設備的更新，他更重視遊戲帶來的情感與放鬆的感覺。
-
焦點專題 Focus 資深玩家現身電玩是我的Life style：陳銳的人生與遊戲哲學
即使旅行在全球各大音樂廳中，小提琴家陳銳離樂迷卻很近，因為他在閒暇的時間經常以幽默的短片分享他的演奏生活。於是社交媒體的互動，已經吸引了超過52萬訂閱者，平台上也累積了超過9,000萬次的觀看。尤其在疫情期間，他為習樂人提供虛擬練習室以及認識練習夥伴的應用程式Tonic聯合創始人，造福不少學子。這些成就，不僅證明了他在音樂上的才華，還顯示了他對創新與跨界合作，尤其是電玩， 作為知名遊戲《英雄聯盟》（League of Legends）的長年顧問，在遊戲的衍伸動畫《奧術》（Arcane）之中也有陳銳的身影。從近期剛出版的《頭號玩家》（Player 1）的專輯封面中可看出，4格畫面有演奏家的他、社交軟體做影片的他、建立Tonic練琴app的他，當然不能錯過的，還有平日玩電玩的他。 音樂和電玩相輔相成 對電玩音樂的熱情可以追溯到他的童年。陳銳透露，年僅5、6歲時，便開始與父親一同沉浸於像《快打旋風》和《超級馬利歐兄弟》等經典遊戲中。隨著遊戲的發展，他逐漸從父親轉向與妹妹共享這些娛樂時光。「但有次在玩Game Boy的聲音太大了，被要求把聲音關小一點。」他回憶道：「但聲音一沒有就沒有那麼好玩，也無法那麼投入了！」這發現讓他瞬間明白音樂對電玩的重要性：「玩的人喜歡將音樂開很大聲，是因為螢幕再大也只有在你面前，可是音樂是充滿整個空間，那會讓你身處在情境裡面。」 後來自己玩的就像是任天堂公司出的《寶可夢》，還有任天堂64（簡稱「N64」）出來的時候，會玩「明星大亂鬥」系列（super smash bros）可以當各種不同的角色，也有很可愛的打架比賽遊戲，是他在等待上課時美好的時光。 他的遊戲跟練琴不衝突，他回想小時候父母有一套策略，可能會規定2：1，也就是練一個小時可以玩半個小時電玩。「這對我超有用的！」陳銳從中體認：「遊戲是什麼？就是你做一樣東西，可以得到另一個東西！」這樣的理解不僅適用於遊戲，對他的人生哲學也有著深刻的影響。他把人生看作是一場「遊戲」，每做一件事情，都可能會得到不同的回報，無論是人情、金錢還是知識。他也分享自己的經歷：「我爸媽不會在我小時候說『你就去練琴，將來你會懂。』這對小孩來說就不好玩，因為他看不到那個能夠得到的東西。但如果可以讓小孩很清楚地知道也許有零
-
焦點專題 Focus 從8位元到3A的超進化一次搞懂橫跨半世紀的電玩音樂設計簡史
你還記得你上一次打電動是什麼時候嗎？ 隨著電腦技術的日益進步，電玩成為大眾娛樂的主流選項，已經不是新鮮事。今年，因為中國品牌「遊戲科學」創作出的《黑神話：悟空》，再度掀起了針對電玩產業的討論熱潮。也讓更多人認識到，創作出一款暢銷賣座、且富含深度的遊戲作品，必然要集結龐大的美學與技術能力，而「音樂」，更是一款遊戲中不可或缺的成分。 與影視戲劇的配樂邏輯不同，遊戲的配樂模式是極富彈性的。在一部固定長度的電影中，音樂的出現是按照劇情推進的順序決定的；而遊戲在推進關卡、劇情的時機卻是不固定的，因應無法預測的玩家指令，在戰鬥、劇情演繹或對話時，都需要植入不同的音樂，便讓遊戲中的音樂設計，需要更功能化也更多變的思考。 由此可見，遊戲配樂的誕生，是很不同於戲劇影視等領域的。而談論電玩音樂的各種類型與脈絡，不免俗地就要談到遊戲機發展的歷史，也就必然要回到世界上第一款商業遊戲的誕生。 Game Start：大型電玩與8bit 音樂 從1971年，第一台大型電玩機台「Computer Space」問世以後，人們的娛樂，多了一項跨時代的選項。當時的機台技術並不發達，只能以簡易的音效晶片來發出單音音效，模擬敵人被擊中時爆炸的聲音。到了1980年代中期，配樂才出現在電玩中，以音樂來豐富玩家的遊玩體驗。 早期街機電玩，配樂的設計，多半是為了場景與關卡設計。如1991年上市的《Captain Commando》（台譯：《上尉密令》），其第一關與第二關，分別是街頭與博物館的場景，背景配便採用了當時美國電視主題曲的風格，而到了第三關「忍者之屋」，配樂在此便將節奏樂器的聲響，更換成了日式的手鼓，而旋律的選擇也更接近東方小調五聲音階，藉此在聲音上建立起對日本風格的想像。 而隨著遊戲產業興起，許多大型電玩作品，也隨之移植到體積較小、方便在家娛樂的主機上，電玩配樂自然也從街機廳，演奏進了家庭的電視機前。主機遊戲的類型，基本上是與街機相同的橫向動作遊戲，音樂也就延續了「一關一曲」的設計邏輯。然而，礙於硬體技術限制，當時的家用主機，僅能搭載8位元的運算系統，音樂也只能透過算力更小的音樂晶片輸出。
-
焦點專題 Focus 焦點人物5位不可不知的日本電玩音樂作曲家
電玩遊戲產業發展至今，儼然成為一種重要通俗文化，其配樂內容也隨著軟硬體進步而日漸充實，藝術價值愈來愈受到重視，作曲家地位隨之提升。比起電影配樂，電玩音樂更重視互動性，需要更即時反應遊戲當下情境，才能為遊玩體驗加分。在這樣的前提下，想要成為一位優秀的電玩音樂作曲家，就是要能兼顧動聽與遊玩體驗，如果能讓玩家自動把音樂與畫面、甚至操控動作連結起來，事後還不忘旋律想繼續聆聽，那就成功了吧！由於日本的電玩音樂以其獨特的創新性和情感深度，不僅為遊戲本身增添魅力，也深刻影響了全球音樂與遊戲文化的發展，因此以下簡略介紹5位日本極具代表性的電玩作曲家，看看他們的經歷與創作特色： 近藤浩治 X《瑪利歐》《薩爾達傳說》 首先要介紹這一位，你或許不熟悉他的大名，但一定聽過他的作品，那就是任天堂（Nitendo）遊戲公司配樂第一把交椅，《超級瑪利歐兄弟》與《薩爾達傳說》系列的作曲家近藤浩治（Kondo Koji）。他1961年出生於愛知縣，自小學習電子琴，中學參加過翻唱樂團，而後就讀大阪藝術大學藝術學系藝術計畫科，累積音樂、音效方面的專業知識，並使用當時尚未普及的個人電腦製作音效。1984年，近藤大學畢業準備求職之際，剛好遇上任天堂招募專職音樂人才，基於對遊戲與合成器音效的熱愛，他投下了人生唯一一份履歷，一舉成功進入夢想的公司就職，開啟電玩音樂作曲家之路，而且一待就40年，現在仍是進行式！近藤初入遊戲界，正值任天堂紅白機開始轉為暢銷，他先以出道作《惡魔世界》嶄露頭角，接著又為《超級瑪利歐兄弟》、《薩爾達傳說》譜曲。在那個遊戲主機8位元、卡匣容量很小、音樂也只能用合成器製作、聲部最多三軌的古早年代，近藤巧妙運用簡單好記的旋律、明確的節奏，加上配合場景及角色動作的音效，超越硬體限制，譜出豐富有趣的樂曲。隨著遊戲在全世界大受歡迎，近藤的音樂也跨越國界、成為人人耳熟能詳的超級經典。其中《超級瑪利歐兄弟》地上關卡主題（Ground Theme）更在2023年獲選為美國國會圖書館收藏的第一首電玩配樂，寫下電玩音樂史的新頁。現階段近藤浩治較少直接投入音樂創作，主要擔任音樂統籌、監製等職務。 椙山浩
-
藝活誌 Behind Curtain
林奕汎 熱血沸騰 表演共振
從機械單音的「小蜜蜂」、「超級瑪利歐」，到今日氣勢磅礡、百人樂團加持的交響樂曲，電玩音樂早已超越你我的想像，跟著電玩玩家人數日益龐大，電玩音樂也成為最夯的音樂會曲目，這一波熱潮，出身古典樂的鋼琴家林奕汎因緣際會趕上，成為波士頓電玩交響樂團VGO的班底。他因此與搖滾結緣，愛上搖滾樂演出時台上台下共振交流的熱烈氛圍。
-
焦點專題 Focus
音樂，本來就是拿來play的！
隨著「VGL電玩音樂會」與「太空戰士音樂會」接連來台，霎時間，台灣的音樂表演似乎充滿了遊戲風，近年來炒得沸沸揚揚的「宅經濟」，似乎也降臨到表演藝術的領域裡。到底在家裡玩game，與到音樂會現場與大批群眾一起體驗聲光俱佳的現場演奏，有什麼差別？為什麼這些宅男宅女願意為音樂會走出家門？
