打击乐器种类众多，材质音色各有特色。作曲家不断尝试新音色的使用，并企图将各地传统打击素材融入作品中。近年来更结合不同表演元素，加入剧场元素，形成击乐剧场新趋势。演奏者与作曲家相互激荡创作，加上观众的欣赏和互动，三者的合作无间，让音乐展现出无限可能，在求新求变的时代下，击乐创新，岂止是简单的你写我演而已！
打击乐可以算是最早的音乐起源之一，但在西洋音乐的发展中，却到了廿世纪初才逐渐独立发展。在这短短的一百多年间，打击乐在演奏形式上从管弦乐团中的一个声部，独立发展出独奏和合奏的独立表演形式；在乐器的发展上，不论是定音鼓运用踏板调音的设备，还是木琴的共鸣管装置，或是大家熟知的爵士鼓组，都是在这段时间发展出来的；而演奏技巧上，小鼓的不同握棒方式，或是木琴从两棒到现在六棒的技巧，也都在这段时间内产生。
打击乐器和弦乐及管乐器不同，它的乐器种类众多，不同的乐器有著不同的音色、演奏技巧和演奏工具，还会因为乐器不同的材质，发出不一样的共鸣与声响。正因为如此丰富多变的特性，让作曲家除了可以借由打击乐演奏出不同的音色外，更可以运用打击乐「创造」出更多不同的音色。
运用「非乐器」 创造新音色
打击乐在廿世纪快速发展，其中最重要的因素，就是在演奏者和作曲家努力下，共同开发出「新的乐器」，运用「新的音色」及「新的演奏方式」，创作出无数经典的打击乐作品。话虽如此，作曲家却对打击乐又爱又恨。它丰富的音色，可以让创作上有更多的运用，不同的演奏方法，更可以在作品中融合不同的表演形式，这些都是让作曲家爱上打击乐的原因；然而创作打击乐曲，不但要对每个乐器的音色、演奏方法、演奏工具、乐器音量都要有清楚的了解外，还需要依照不同的乐器，运用不同的记谱方式创作，这对于作曲家来说，实在是一个很大的挑战。
因为有上述的特性，所以在创作手法上，有著更丰富的变化；不同的创作手法，在发展的年代上并没有确切的时间，作曲家会依照不同的作品，选择不同的创作方式来呈现。
「新音色的使用」是作曲家创作打击乐作品时，最常使用的创作手法之一，他们运用新的乐器、新的演奏方式、新的演奏工具等来谱曲。其中运用「新的乐器演奏」，并不完全是指发明新的乐器，而是运用一些「非乐器」来演奏，例如运用石头、酒瓶、碗、汽车喇叭等，运用日常生活中的物品来创作音乐。早在一九二九年作曲家瓦瑞兹（Edgard Varèse）的作品《电离》中就有运用到「警报器」（sirens）作为乐器使用。在历届台湾国际打击乐节邀请来的团队中，不难发现运用此种创作手法呈现的打击乐作品。例如在第一届国际打击乐节，瑞典克罗玛塔打击乐团（The Kroumata Ensemble）所演奏的《构造三》Third Construction，是知名作曲家约翰．凯吉的作品，其中就运用到铁罐（Tin cans）来演奏。
同样的，台湾作曲家钱南章的作品《击鼓》，也不遑多让，他认为：「放弃运用一些可以演奏音阶的打击乐器创作，就做不成旋律，因此没有旋律重叠而造成的和声，所以去掉许多风格上的困扰，可以运用打击乐畅所欲言。」因此碗、哨子、瓶子、石头和小朋友的玩具槌，都成了舞台上令人惊喜的材料。
融入地方传统特色 赋予声音丰富色彩
作曲家「将各地传统打击素材融入作品」，是第二个常见的创作手法。不同的国家、不同的地区有著不同的文化背景、不同的音乐，例如非洲的鼓乐、京剧的锣鼓乐、日本的太鼓音乐，及大溪地的音乐等，在这些不同地区的音乐当中，包含了许多精采的打击乐音色和丰富的节奏变化。作曲家运用其节奏、乐器的音色、音乐的架构等不同元素融入现代打击乐作品中，便让这些传统元素赋予作品不一样的色彩。
例如在第二届国际打击乐节中，澳洲辛奈极打击乐团（Synergy percussion）所演奏的《猴舞》Lemurian Dance，作曲家迈克．阿斯基（Michael Askill）在作品中使用了中国的锣、日本的鼓、菲律宾的竹子等乐器创作，也运用定音鼓演奏滑奏来模仿北印度Bayan的声音。而日本冈田知之打击乐团（Percussion ensemble Okada of Japan）所演奏的《面具》Persona中，作曲家田中利光运用日本新泻县能登半岛御神乘太鼓中，多数人演奏同一颗太鼓的方法，和马林巴木琴对抗演奏构成此曲，除了演奏形式和节奏外，也融入了当地民间的故事色彩。
融合多元表演元素 击乐剧场逐渐成形
近年不同表演节目常看到的一种创作和表演形式，就是「结合不同表演元素」的创作手法。也就是说创作者将不同的表演元素融入自己的作品，以增加作品的变化性。当然这个范围非常的广，小到融合简单的「走位、灯光」等元素，大到融合「舞蹈、戏剧、各种电子设备」等现代剧场的各种素材，都可以算是此种创作手法。有些演奏者和作曲家会直接称这类音乐作品为「音乐剧场」，泛指融合不同剧场元素的音乐表演；其中运用的剧场元素很多，包含「表演元素」如身体、动作、声音、语言等，「舞台元素」如舞台、灯光、服装、音乐等，「导演设计」如走位、道具、观众等；这些都经由设计，融入作品中。
就如第三届国际打击乐节中，朱宗庆打击乐团演奏作曲家马克．福特（Mark Ford）作品《鼓话》Head talk，除了运用「鼓皮」作为乐器外，亦在团员巧思下，加入简单的戏剧成分，让整个作品更为生动。而同届邀请的美国辛辛那提打击乐团（Percussion group Cincinnati）所演奏的《客厅音乐》Living room music，由约翰．凯吉所作，运用了各种出现在客厅的物品作为演奏乐器，如电话、杂志、名片、地板、窗户的窗框等，让整个作品和演奏的场域结合，不同的道具除了演奏出不同声响外，也让观众在视觉上有著不同的感受。
除了上述三种打击乐创作和呈现的方式外，亦有许多不同的创作手法持续被运用在打击乐作品中；例如节奏架构（Rhythm structure）、声音序列、古典改编、十二音列、拼贴等，都不难在打击乐作品和演出中发现。
演奏者与作曲家相互激荡 展现无限可能
比起其他乐器，打击乐演奏者有更多的机会和作曲家一同讨论创作，许多开创性的作品都是在两者相互激荡下完成；演奏者提出委托的想法给作曲家，作曲家则发挥创意，在无数次的试验下，新作品才能诞生。笔者有幸受许多打击乐演奏者委托创作，在二○一一年为演奏家吴珮菁所作的《半兽人》中，演奏者除了希望挑战木琴六支棒子不同的技巧外，还希望可以加入不同的演奏元素，所以笔者在此曲中加入效果循环器，让演奏者可以「即时录音」，并和自己所演奏的音乐片段做合奏。演奏者除了要不间断地演奏外，还要抓准时间运用双脚踩踏录音键和拨放键，整首作品对于演奏者是一个非常大的挑战。
身为一位打击乐演奏者，很庆幸看见如此多的新作品，让演奏者不断地尝试和挑战，并在舞台上带给观众不同的打击乐感受；身为一位作曲者，很感谢打击乐有如此丰富的素材，可以让作曲家尽情地运用发挥，实现自己的创作理念；身为一位打击乐的观众，很高兴不同的打击乐演奏，每每带来不同的感官刺激。一个作品除了创作者和演奏者的紧密结合外，更重要的，就是希望有观众的欣赏和互动，作品的演出才能算是完整。三者的合作无间，让音乐展现出了无限可能，在求新求变的时代下，击乐创新，岂止是简单的你写我演而已！
