「大剧院时代」真的有来吗？场地变大之余，创作如何跟著变「大」？台湾需要的一直都是更多的中型剧院。要做到大剧院规模的演出，要更高的成本，也必须要找到更多的观众。在国外观剧，比较多七、八百人甚至以下的中型剧场，一方面可能因为戏剧演出不像歌剧，戏剧有其适合的场地大小。我认为创作者从小剧场到中剧场再到大剧场，中间的创作成本需求会是个难以跨越的鸿沟。再者，也不是所有人都想做「大」。
台湾的艺文人口相当有限，台北每周的演出量，票也不是这么好卖。那么到了台中、高雄，该如何把作品推广给年轻上班族？学生？教育很重要，毕竟表演艺术不是「粉丝狂热型」消费而是「理智型」消费。现在看台中的观众消费状况可能还不准确，现在精采的国际节目，能吸引许多外地观众包括我过去看，如果要推国际线，配套的交通住宿跟观光拉力很重要，但又多少人可以一直负担这样的消费模式？
除此之外，剧院的定位也很重要，在场馆节目的制作与规划中，究竟要打的是国际牌？自制节目？国内演出？节目的选择上又有点「菁英品味」，这样真的能够和在地观众有所连结吗？另外，场地变大了，但钱没有变大，那么，这些剧院应该要找谁来演出、创作，又或是找哪里的资本去制作、支持这些节目？平常在台北的团队，南下演出时无法有效经营与宣传，也是一个问题。
这几年表演艺术让我感觉最有活力的，也能与世界对话的，是年轻创作者纷纷开始找回自己居住的这块土地的连结，想要找到属于我们自身的文化，及这混杂的文化与世界的关联。这不特别指涉哪个节目，而是集体的感受，而正是因为国际政治、文化的边陲位置，让我们一直关注台湾文化的独特性与共通性。
在剧院与创作者、观众的理想关系上，我觉得剧院之于创作者不应只有场地租借的功能，更应该做的是直接经营整部作品的制作过程与呈现，让团队在演出前能够在场馆内排练，避免掉排练场的不同导致进场需要再一次修正等问题；对观众而言，剧院一定要变成观众生活的一部分，现在的观众对剧院的想像有点太过高雅了，有点像博物馆，剧院里甚至不能喝水、卖酒，但国外不是这样的。如果观众没有把看表演当作生活的一部分，自然不会想走进来。
大剧院时代对我的影响其实没这么大，不过邀约的可能大概是会变多吧。还有，就是会多花点钱南下看演出。如果说要给年轻剧场工作者建议，其实跟什么时代无关，就是好好对待身边的朋友和人吧，毕竟剧场是关乎人的艺术。只在作品中谈论人，现实却践踏人，看过太多这样的例子，希望我们都不要变成这样的人。
