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台中国家歌剧院
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PAR你不知道？！韩国催泪神作变身音乐剧 《如蝶翩翩》首度访台的必看亮点！
梦想，难道会因为岁月的流逝而超过保存期限吗？曾横扫影音平台排行榜、被观众封为「年度最催泪神作」的韩国知名IP《如蝶翩翩》（Navillera），将以音乐剧的崭新面貌首度登台！这部改编自人气网路漫画的经典，讲述70岁退休老者与23岁迷惘天才芭蕾少年的忘年之交，细腻描绘了现实与期盼的拉扯。在准备迎接这场梦幻且深刻的逐梦旅程前，「PAR你不知道」单元特别为你整理了结合社会现象与幕后秘辛的8个必看亮点，带你抢先了解这部充满魅力的动人佳作。 1. 《如蝶翩翩》到底有多红？为何被誉为「人生必看」？ 这部作品的改编版影集曾连续3周挤进Netflix台湾排行榜前10名，被观众形容为「年度最催泪」、「人生必看」之作。此外，其原著是在韩国知名网漫平台Kakao Page累积观看近90万次、长期维持近10颗星满分评价的超高人气连载，更曾荣获美国威尔．艾斯纳漫画产业奖（Will Eisner Comic Industry Awards）提名并入选「最佳网漫奖」，是具备全球认可的强大IP。
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音乐从都会角落到歌剧院 一趟城市里的声响之旅
如果说建筑是凝固的音乐，那么当音乐流淌进城市的血脉，城市本身是否也能成为一座巨大的乐器？要理解《浮声之城》（City of Floating Sounds）这部跨界巨作的独特美学，我们必须先走进作曲家黄若的创作世界。这位旅居纽约的华裔作曲家，被《纽约时报》盛赞为「风格独具的作曲家」，他的音乐语言活泼而富有创意，灵感汲取自中国古调与民俗乐、西方前卫与实验音乐、自然与处理声响、摇滚与爵士；其多元的曲风横跨管弦乐、室内乐、歌剧、剧场、舞蹈、跨界创作、声音装置、建筑装置、多媒体、实验即兴、民谣摇滚与电影等，以其融合东、西方文化元素的独特声响闻名。 黄若不愿仅被视为一位作曲家，他更将自己定义为概念艺术家（Conceptual Artist）。长期生活在西方的他，提出了一种第三文化的观点，它既不是纯粹的东方，也不是纯粹的西方，而是融合这两者产生的一种新的文化有机体。 这种融合风格衍生出他自创的「多维立体主义」（Dimensionalism）创作技法，强调声音的空间感与动态，这正是《浮声之城》的核心灵魂，让音乐不再平躺于乐谱，而是立体地生长于空间之中。
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焦点专题 Focus 澳洲名导莫辛斯基致敬电影大师费里尼威尔第《弄臣》 从经典到当代的对话
在歌剧史上，威尔第（Giuseppe Verdi）的《弄臣》（Rigoletto）一直被视为划时代的作品。它旋律优美，戏剧张力强烈，更因尖锐揭露人性与权力的黑暗面而广受关注。今年台中国家歌剧院将以《弄臣》揭开「遇见巨人系列」的序幕，带来已故澳洲名导伊莱亚．莫辛斯基（Elijah Moshinsky）的经典版本。这部作品自1991年于澳洲歌剧院首演后巡演逾30年，至今仍是国际舞台的常青树。而这一次，它将以崭新的角度，向义大利电影大师费里尼（Federico Fellini）致敬，并与现代观众展开深刻对话。 作为威尔第「中期三部曲」的第一部，它以强烈的戏剧冲突与细腻的音乐语言，探讨了爱与背叛、权力与人性的矛盾。台中国家歌剧院艺术总监邱瑗补充：「这次的版本，不只是19世纪末20世纪初的作品，他谈论的主题还是16、17世纪的题材，这么遥远得时空如何让现代人感受其中要讨论的价值观是什么？」她相信，透过莫辛斯基的重新诠释，《弄臣》不仅能唤起观众对经典的共鸣，更能引发对当代社会价值的思索。
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音乐卸除具象情境 用音乐看见内心画面
剧场理论课总是会提到这么一段：「Theatre」（剧场）字根来自希腊文「theatron」，意指「观看的地方」。究竟怎么会有演出在开演前，发给观众一人一副眼罩，要大家闭上眼睛观看呢？ 这是台中国家歌剧院2025 Arts Nova推出，由樱井弘二担任作曲与音乐总监、郑咏珊导演与编剧的《湖底之鬼》，以7名演员加上6位乐手分奏琵琶、木琴、大提琴、二胡与钢琴的编制，改编《聊斋志异》中的〈王六郎〉这则描写渔夫与水鬼「人鬼跨界」情谊的故事。行销文案以「音乐说故事剧场」（Storytelling Theatre）为定位，看似融合说书（storytelling）与音乐剧场，实则难以明确定义因无前例可循，自然也无类似作品可以类比。
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关於戏剧的五四三与家人看戏
还是围绕著吃食讨论更无伤大雅些：「要在台中吃？」「回员林吃？叫外送？或者直接在家热菜好了喔对了舞台很漂亮耶」。 或者聊聊交通方式吧：「骑脚踏车？」「台中捷运通车了呢我们都没搭过」「会搭台铁区间车回员林」「啊对，歌剧院之前有一家新加坡菜，倒了吗」「黑天鹅那个舞者跳得很有力一点也不娘，很帅。」 这时候我聆听。 不擅长聊天的家庭多半会为了食衣住行以外的话题困窘，离开台中国家歌剧院《天鹅湖》的播映现场，多少普通日常的台中家庭这样闲聊著，我也是其一。 过年期间，台中歌剧院的「NTT放映室」做了一系列春节特映：《灰姑娘》、《天鹅湖》、《睡美人》、《奥菲斯与尤丽蒂切》、《巴黎生活》等。免费放映，适合过年期间扶老携幼前往，挑选适合家人一起看的剧目太艰难了，猜测两个姪子可能的喜好，先排除歌剧，最后因应家人们的时间，挑中了马修．伯恩（Matthew Bourne）版的《天鹅湖》（Swan Lake）。 1995年的作品，2019年於伦敦沙德勒之井剧院录制，东尼奖得奖作品，美学较现代，又不至于去掉故事线到让青少年看不懂，黑天鹅改由男舞者饰演，我不认为做任何事都需要带来启发，但至少分享给孩子们更多不同的人的样子。 芭蕾舞剧开演，王子在床上挣扎恶梦，醒来后日常的行礼如仪，明显取材自英国皇室，皇家不自由的生活与皇后的混乱情感成为王子的日常困境，王子一跃而起灯光转换打在家人的眼镜有反光呢。自觉陪家人看舞剧真不是件容易的事，即便在男女舞者跳舞时那芭蕾的抱、靠、张力，我都些微紧张，何况剧情推演到王子在湖畔遇到黑天鹅，展开一连串的双人舞，那些亲密、依偎与拉扯，感受到暧昧，我的脚趾不由自主紧抓地板，有点害羞与赤裸，毕竟在老家完全不可能看各种男性与男性、如此亲密又汗水密合的贴身舞蹈，尚未剧终，已思考著如何自然开启话题。 后方一直传来小孩的声音跟大笑，「王子怎么这么难过？」「王子要去哪里？」，穿著猪肝红羽绒衣的中老年人在某些时刻离去，开门、脚步声、滑手机的人群，我从「看戏」，渐渐转而注视著「看著群众穿梭观众席的剧场」。 演出结束后，与亲戚走出剧院，各自去上厕所，陷入短暂沉默。 亲戚先反应：那个佛朗明哥跳得
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焦点专题 Focus刘璧慈：生命转过几个弯，但没有一次放下相机
大学一年级时，刘璧慈用存下的零用钱买了一台单眼相机，「是座桃红色的、那个年代妹仔很爱买的相机唷，一台差不多3万块。」说到这里，她爽朗大笑。当时到底在想什么呢？是向往文青的生活、还是妹仔的青春？大概以上皆是。不过，那台相机当然也意味著她第一次正视自己对摄影的喜爱。 「我很喜欢透过镜头看著人细微的表情。」刘璧慈说，过去也曾经听闻有些摄影师擅长将自己藏在镜头之后，不过聊及自己的看法，她倒不觉得自己在躲藏，「特别是拿起相机的时候，我就不害怕跟人靠近了。」 从剧照师到剧场摄影师 高中的时候，刘璧慈曾经模糊地期望自己能够成为战地摄影师，那或许是她第一次萌生能以摄影为职业的开端。 「不过当时的情怀多是浪漫的憧憬，我当然知道实际上并不如此。仔细想想，我真正向往的应该是极具震撼、故事性的照片吧？」 倒是没想到，这个向往后来先在影视产业得到回应。 刘璧慈的摄影路径听来有趣，不从报社、也非自杂志起家，几乎可说是初入行就直面繁琐的影视剧照工作。「其实是因为有亲戚也在相关产业工作，这个圈子不大，介绍起来主要还是看人脉。我当时什么都想尝试，就直接答应去拍了。」 自电视剧起头，乃至后来的电影、MV，无论长片短片她都拍过。这条路得强迫自己无师自通，很多眉角都是她后来发现的。「在拍摄现场，摄影师是看哪里有往好位置，就往那个洞去钻，可是第一目标还是不可以干扰镜头，等于是你要四处卡位，适时询问：有哪些场合有没有机会为了拍摄再Run一次？只不过影视圈里，其实要很小心判断位阶关系，如果拍摄氛围不对，我们也没有权力多向导演提议什么。」 总而言之，拍摄剧照是一场高压的马拉松，她得时时刻刻卡在摄影机旁，早晚轮班不定，「可以说是演员拍多久，我们就要跟多久。这样长时间等待重要画面出现，时间的控管也不自由，长期下来，我的身体出现了一点状况。」 于是，她决定让自己转一个弯。不是不拍照了，而是转而拍摄表演艺术领域。
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音乐 威尔第最后巨作 「歌唱的莎士比亚喜剧」《法斯塔夫》 多重卡司带来笑声与深思
台中国家歌剧院将于2024年10月底推出威尔第晚年巅峰之作《法斯塔夫》，这出笑看人生的歌剧改编自莎士比亚《温莎的风流妇人》，以自负又贪婪的法斯塔夫为中心，描绘了一个愚蠢骑士如何自以为能骗取两位贵妇的财富，结果却反被玩弄，笑料百出。这次制的作由东京新国立剧院原版搬演，从舞台设计到道具，皆细致还原17世纪的英国风情。 台中国家歌剧院艺术总监邱瑗指出，威尔第一生创作了28出歌剧，但《法斯塔夫》是他少数的喜剧作品。这部歌剧大胆颠覆了传统歌剧公式，不再依赖咏叹调和大合唱，而是以类似莎士比亚戏剧的形式，强调角色之间的对话和情节推动。邱瑗表示：「《法斯塔夫》可以说是『歌唱的莎士比亚喜剧』，其中的音乐性与戏剧性相辅相成，并且影响了后来浦契尼的《波希米亚人》。」正是这些崭新的创作手法，让《法斯塔夫》成为歌剧史上经典的幽默巨作。 多重卡司阵容值得期待 这次演出的重点之一是多重卡司阵容，特别是法斯塔夫和福特的双角色安排。义大利男中音路奇欧．盖洛（Lucio Gallo）来台演出过两部歌剧，杰出的表现，让他在台湾已有很多粉丝。盖洛曾多次在国际舞台上演绎法斯塔夫，经验可说是相当丰富，他幽默地指出，法斯塔夫这角色离不开自己那圆滚滚的肚子：「近年来一些导演认为法斯塔夫不需要假肚子，但他的滑稽点就是他的体型，所以我需要那个肚子。」另一位法斯塔夫扮演者塞吉奥．维塔莱（Sergio Vitale）也分享，减重40公斤后他第一次需要装上假肚子，这种反差让他觉得角色更加滑稽。 除了法斯塔夫，福特这个角色同样具有挑战性。福特在剧中是个嫉妒心强且不苟言笑的人物，饰演者陈翰威与丁一宪则表示，如何在幽默的背景中保持这样严肃的形象，对他们是个全新的挑战。饰演艾莉绮一角的则是来自不同文化背景的森野美咲（Misaki Morino）与林慈音，两位女高音将以各自的经历和风格诠释这位灵动的角色，让每场演出都充满独特的魅力。
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戏剧从「沉浸式剧场」到「剧场里的沉浸式」（上）
需要写在最前面的是，近年由大型场馆或艺术节主导，并于专业剧场空间发生的「沉浸式」展演，大体可以分成：一、主打扩充实境（AR）或混合实境（MR）科技，以穿戴式装置为载体打造数位化的沉浸式体验；二、不倚赖前述设备，单纯以空间调度、舞美设计及声音影像达到沉浸效果的展演制作。本文主要讨论之案例为《侦探学》（2022）及《Sucks in the Middle》（2024），其范畴属后者。 沉浸式展演约莫在2015年前后逐步进入观众视野，这些展演大多采高单价、多场次、少人数的销售策略，主打结合餐饮、互动游戏、游走式参与的复合式体验。同时多以餐酒馆、高级旅店、咖啡厅等非典型场地作为演出空间，既可让观众身历其境地感受整个作品，又能摆脱繁冗的剧场规范。同时，这些非典型空间所带来的亲密感、话题性、甚至是异业合作的潜力，都让沉浸式展演近年在艺文市场占上一隅，成为表演艺术一个新形态（重点是有效）的营运模式。 近几年，大型场馆也开始试著打造独家限定的沉浸式展演，从发生在剧场外建筑空间（例如国家两厅院《神不在的小镇》、台湾戏曲中心《和合梦》），到发生在剧场空间内，但不使用原有的舞台镜框及观众席的沉浸式展演（如台中国家歌剧院主办，本文主要探讨的对象《侦探学》、《Sucks in the Middle》），虽然数量尚不算多，但演前演后也确实收获了不少回响及讨论。 从主事者和创作方的角度出发，这样的制作趋势或许反映了艺文场馆对于节目的多元、场地的实验及受众的开拓，所展现的积极与实践。但同时令人好奇的是， 一个从成形到成功都在剧场外的非典型展演空间里的关键字，是为了什么原因会让我们试著把它放在剧场里？而观众和创作者又希望从一个发生在剧场里的沉浸式展演获得什么？
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戏剧从「沉浸式剧场」到「剧场里的沉浸式」（下）
拆掉观众席，然后呢？沉浸式展演制作对剧场本位的意义 「打破镜框」对于剧场来说早已不是新命题，如果单纯讨论观演距离的试探或是场地结构的改装，那其实还有更多、更久的作品应该被提到。表演工作坊的《如梦之梦》（2005）、当代传奇剧场的《水浒108Ｉ上梁山》都曾对国家戏剧院加以改造，将表演区延伸到观众席内。但在「沉浸式」一词定义成型的今日，《侦探学》、《Sucks in the Middle》所打破的不只是作品之外的镜框，而是作品之内的第四面墙；也因此，所谓的「沉浸」才得以成立。 回到本文开头的提问，当艺术家大费周章地让观众席从剧场里消失、将前后台空间打掉重练，把剧场费心改造成适合演出的结构，那使用「剧场空间」作为场地的用意是什么？而就剧场本位出发，这样的作品对剧场的意义又在哪里？ 这里我想再拉进来一个作品，是与《Sucks in the Middle》同一周于台中国家歌剧院小剧场演出的《感觉的边界》。这是台中国家歌剧院2024年新艺计划甄选的两件作品之一，由新兴数位艺术团队SYNZR（吴秉圣、邱俊霖、刘承杰）呈现。《感觉的边界》是一个音像艺术作品，观众与表演者被数公尺高的数位屏幕和多声道音响环绕，辅以剧场灯光设计及动态捕捉技术建构出奇幻的视听体验。 观看《感觉的边界》的过程，一定程度上也有某种沉浸式的效果，它同样没有明确的观看区与观看方向、观演距离极近，同样有种整个空间都被作品填满的感觉。但它并没有《侦探学》或《Sucks in the Middle》那般，将剧场空间改造成另一种场景的企图，也没有前述二者所具有的、类似限地创作（site-specific）的理念、为特定表演空间量身打造它的内容，这个作品在其他场所（暂且不论设备条件或是技术规模）同样可以成立。 我想要特别指出的，是创作团队在演后座谈中的一句发言。当创作团队被问到，如果这个作品在美术馆或是其他多功能、非典型场地也能演出，「那么剧场空间对这个作品的意义是什么」？而创作团队表示，相对于音像艺术过往以户外空间或视觉艺术展场作为展演场地，剧场提供了相对专业、弹性、多元的技术条件及设备环境。更重要的，剧场本身是一个具独立性的空间，可以避免作品受其他环境因素譬如声音、光线（可能来自于场地外部环境，或是同
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音乐 马斯内的歌剧版台湾首演华美仙境降落台中 台湾歌手为《灰姑娘》献艺
《灰姑娘》是一个家喻户晓的童话故事，在流传至世界各国的版本中，不仅有必备的王子和公主，还有神仙教母及可爱的小动物，最重要的是，美好的结局也显示了善良最终战胜邪恶的道理。这样的一段传说，在世界各地已经以文字、绘画、动画、戏剧、音乐剧等各种形式呈现，音乐学者焦元溥说：「根据100年前的童话故事研究，关于《灰姑娘》的原型就有500多种版本。而到现在，音乐剧名家安德鲁．洛伊．韦伯还有新作《灰姑娘》推出。」可见这个受人喜爱的传奇，至今仍在发酵中。 「在西洋古典音乐中，至今还可以看得到的《灰姑娘》歌剧有两部。」焦元溥说：「一是义大利作曲家罗西尼的，另一就是法国作曲家马斯内。」两个版本的差异在于，前者虽然是很厉害的作曲家，但版本较为写实；而后者则是商请剧作家将原本的故事改写成充满梦幻的版本。
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特别企画 Feature 资深音乐工作者吕岱卫 国内乐季演出5大推荐
各大乐团开季音乐会 一览国内各大交响乐团的新乐季节目，首先要推荐的就是各大交响乐团的开季音乐会。开季音乐会的曲目选择往往是乐团总监或首席指挥为新乐季展现新风貌的代表作，而且乐团在经过两个月的修整后，也势必以最佳状态迎接新乐季的到来。因此若时间允许，我会推荐乐迷朋友将各大乐团的开季音乐会都听过一轮，这绝对是内行人的最佳选择。试想：从NSO开季带来的两首理查．史特劳斯交响诗《唐璜》及《死与变容》、NTSO的马勒第1号交响曲再到TSO的萧斯塔科维契第12号交响曲，每一首乐曲都是脍炙人口的经典之作，同时也是考验乐团技术水准的试金石。只要走进音乐厅，相信我们都能感受到乐团摩拳擦掌、想要为乐迷朋友献上完美演出的企图心。 TSO与卫武营歌剧院年度旗舰歌剧《魔弹射手》 很开心又再次能看到TSO推出一年一度的歌剧制作，而这档与卫武营国家艺术文化中心合作推出的韦伯经典名作《魔弹射手》，采用的是茵斯布鲁克剧院2020年的崭新制作，并由简文彬率领TSO与国内一线声乐家担纲演出。《魔弹射手》在歌剧史上的划时代地位无可撼动，无论是韦伯新颖的音乐手法、流畅的叙事方式与浓郁的民族风格都是这出歌剧的迷人之处。而TSO在去年恢复歌剧制作后所缔造的好口碑，让他们再接再厉，于今年再度推出制作精良的《魔弹射手》，相信绝对能让喜爱歌剧的乐迷朋友带来耳目一新的精采飨宴。
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特别企画 Feature 资深乐评人林伯杰 国内乐季演出5大推荐
TSO与卫武营歌剧院年度旗舰歌剧《魔弹射手》 身为一位歌剧控，不可错过9月即将在高雄卫武营与台北表演艺术中心上演的韦伯《魔弹射手》。这出改编自以灵魂交换百发百中魔弹的民间传说，被誉为「德国浪漫歌剧」的里程碑，好看好听又重要，所以得大力推荐。 近年来，卫武营的旗舰歌剧计划，多采用国外歌剧院的制作授权方式上阵，诸如莫札特《魔笛》、威尔第《唐卡洛》，已深获台湾乐迷好评。此次《魔弹射手》是来自奥地利茵斯布鲁克剧院的制作，新旧元素融合在舞台上，我特别期待狼谷铸弹场景将会如何呈现。 简文彬总监挑选此版的另一因素，乃是原本《魔弹射手》为歌唱与口白交错的「说唱剧」，但采用白辽士后来将对白改写为宣叙调的版本，让全剧的音乐性更加流畅。这次卡司主要皆是台湾青壮世代的优秀声乐家，他们多年练功，唱作俱佳，早已让我们放心享受。 台中国家歌剧院 X NSO 马斯内歌剧《灰姑娘》 如今歌剧的卖点不单只是演出卡司，舞台呈现更是诱人的关键，马斯内的歌剧《灰姑娘》，严格来说，只算得上作曲家的二线作品，但法国名导罗杭．佩利2011的鬼才制作，让这出歌剧成为各大剧院争相邀演的版本。 这部1899年首演的法语歌剧，遵守佩罗的原始童话故事来推动剧情，不像前辈罗西尼1817年的《灰姑娘》那般「去魔法」的乱编，更不像音乐剧大师韦伯的2022年新作《灰姑娘》这样「强调政治正确」的魔改。而音乐风格揉合了卢利的法式喜歌剧、华格纳的主导动机、罗西尼的美声唱法，构筑成诙谐又巧妙的童话歌剧。 此次台中国家歌剧院除了制作面原装呈现佩利名演之外，由林勤超指挥国家交响乐团，分为两组演出卡司，我个人较推荐旅德次女高音石易巧扮演灰姑娘之场次。
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音乐室内乐编制的《唐怀瑟》 小巧精美的华格纳体验
华格纳，19世纪德国作曲家，一位影响力不输贝多芬的音乐巨人，他的理念和创作对整个艺术音乐世界产生极其深远的影响，彻底地改变了音乐史的发展方向。然而，对许多喜爱艺术音乐的乐友来说，华格纳，是个让人又敬又怕的名字：是啦，我们都知道华格纳超厉害、超重要，但他的歌剧总是那么长、那么满、那么多内心戏，实在很难让人不害怕。正因为实在不容易亲近，华格纳的歌剧虽然名声响亮，上演的频率却相对不高，在台湾更是如此。根据头号华格纳迷詹益昌医师的查核：如果不计音乐会形式或半舞台演出，华格纳10部成熟作品中，在台湾有过完整舞台制作的竟只有《唐怀瑟》（1976）和《尼贝龙指环》（2016-2019）而已！ 尽管推出华格纳歌剧的演出通常吃力不讨好，台中国家歌剧院仍在去年推出《唐怀瑟》的制作，且意外地受到热烈回响，赞叹这精简的制作究竟是蕴藏著怎样的魔法。因此今年再度上演，以慰向隅观众。 此档《唐怀瑟》是室内乐编制的本地制作，令人好奇的是，华格纳歌剧向来以宏大深厚著称，选在中剧院演出，该如何使作品变得小巧精美？音乐方面，指挥张尹芳亲自将原本写给大型管弦乐团的总谱，改写成为给12、13位演奏家的室内乐团，同时也删减小部分音乐。编制大幅缩减的乐团，不但让音乐变得更加灵活鲜明，更让台上的声乐家得以尽情发挥，不用太过担心声音会被乐团吃掉。此制作原设定为「歌剧音乐会」，但在参与者的热情合作下，竟逐渐发展成为相当完整的舞台制作，虽因经费限制，没有华丽繁复的设计，但不论是灯光、舞台、道具、影像、造型或表演，该有的都有，且和音乐一样，小巧精美、效果卓越。
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音乐 罗西尼经典台中上场 黑白默片风超喜感
《塞维亚理发师》陪您欢度圣诞
拨散疫情阴霾，迎来欢乐圣诞，台中国家歌剧院特地推出喜感满分的义大利作曲家罗西尼经典《塞维亚理发师》，由丹麦哥本哈根皇家歌剧院授权重制，服装、布景、道具皆从丹麦直送，饰演男主角费加洛的丁一宪与女主角罗西娜的翁若珮，将在导演马丁．林博的黑白默片风格中飙速歌唱；歌剧院也同步推出「罗西尼套餐」，让观众一举体验作曲家对美声与美食的独到品味。
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台中国家歌剧院「音乐剧产业国际论坛」 汇聚国际能量共探台湾音乐剧未来
台中国家歌剧院音乐剧平台（MORE, Musical Orchard: Research Exchange）两年一度的「音乐剧产业国际论坛」，今年以「音乐剧生态系的建构与未来」为主题，于9月5、6日汇聚来自英国、韩国、日本、中国及台湾第一线业界人士，从创作、制作、人才培育、跨文化转译、国际发展到AI应用等面向展开对话，透过不同产业位置与国际经验的彼此交会，拓展对于台湾音乐剧生态系的想像。
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瑶池金母驾临歌剧院 《怪美妖仙传》展现唯我独美的自信力量
当「金光闪闪，瑞气千条」的传统布袋戏，遇上「艳冠群伦、颠倒众生」的变装皇后秀，台中国家歌剧院今年「夏日放／FUN时光」系列最狂放、最妖媚的作品《怪美妖仙传》即将在8月7日至9日登场。20日在台北举办媒体记者会，邀请知名变装皇后Sandra Hoe主持，与参与演出的8位皇后同台，现场有如一场「怪美」嘉年华。
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宫本亚门执导桑坦《COMPANY》台中国家歌剧院独家版 演完恐成绝响
音乐剧大师史蒂芬．桑坦横扫6项东尼奖的巨作《COMPANY》，即将首度在台湾完整授权重制演出，7月10日至12日在台中国家歌剧院独家演出4场，这次请来日本名导宫本亚门执导，携手韩国舞蹈设计金到厚、台湾音乐总监张玉玫，以及台、港14名顶尖演员，排练现场开启4声道密集讨论，宛如迷你联合国。活性界面制作制作人吴筱荔表示，「真的只有4场，不会再演，这是这辈子一定要看一次的作品。」
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歌剧院艺术好朋友齐聚 6团夏日接力绽放剧场魅力
台中国家歌剧院「夏日放／FUN时光」系列将于7月至9月登场，6组艺术好朋友也同步带来风格多元的精采演出，从深情动人的合唱、横跨古典与现代的弦乐、丝竹、优雅与诗意兼具的芭蕾到充满激情的探戈及超人气魔术现场，为夏天注入丰沛艺术能量。
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梦幻亲子舞剧《小花国王》7月到台中 回响热烈加开场次
长年活跃于欧洲各大艺术节的义大利光影生活剧场，首度与享誉国际的罗马芭蕾舞团携手，隆重呈献结合舞蹈、光影与音乐的亲子跨域舞剧《小花国王》，受邀到台中国家歌剧院「夏日放／FUN时光」系列演出，7月11日、12日在小剧场登场。开卖后原订4场演出票券近乎完售，为回应观众期待，歌剧院宣布加开7月11日19:30场次，并于6月25日中午12:00正式启售，邀请更多亲子走进剧场，一同与小花国王追寻幸福。
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台中国家歌剧院「夏日放／FUN时光」6大强档登场
随著热浪袭来，2026年台中国家歌剧院「夏日放／FUN时光」系列正式起跑。夏天就是要去台中听音乐剧！歌剧院今年共推出6出国内外精采好戏，有百老汇经典与韩流人气国际级制作，有与土地深度连结的台湾感性，更少不了源于台中「嚎哮式」的狂放谐趣。7月到9月，不妨安排一趟台中小旅行，在舒适的剧院内，展开一场沁凉的心流体验。
