莎翁以语言的精准度，显示了再多的形容面对神秘也嫌不足，但同时，他的语言也创造了听觉和画面。这也许是所有人面对莎剧时，都能感受到的无以全面掌握与魅惑。而对非英语系国家的剧场演员与导演来说，更要面对语言转译后如何呈现莎剧精要内涵的问题；而透过剧场形式的巧创，重置语言的呈现方法，也铺展了剧场更多可能，转化文本的象征，以剧场演绎剧场的隐喻和想像。
《演员与标靶》一书中，唐纳伦对于剧本语言有个有趣的看法。他认为，薄弱的词语永远也无法表达广大的情感，而莎士比亚正因为知道「那些想说出口的事，永远不可能真正被听见」，而写出了词语和内在的差距。从此观点看莎剧，可延伸几层解读。莎剧最为人熟知的繁复特色、大量堆砌的比喻意象，有如语言迷宫，必须以高度条理，辨识其中阐述人性与命运不可解的玄奥。也因为这些对话或独白，既切中角色性格与转折，又迂回地埋下严谨的线索，语言和动作辩证的力量由此而生。莎翁以语言的精准度，显示了再多的形容面对神秘也嫌不足，但同时，他的语言也创造了听觉和画面。这也许是所有人面对莎剧时，都能感受到的无以全面掌握与魅惑。
莎剧语言如此重要，加上其剧本是当时的演出本，英语系文类及伊莉莎白时代剧场的背景，更让今人搬演莎剧，势必要面临经典诠释的挑战。台湾的莎剧制作并不多，搬演频率为何如此之少，令人好奇。但莎剧作为功夫底子，在教育体系里却从未缺席。
雄厚大胆的人性布局与内在心理
老师级的演员金士杰，于二○○八年和李立群合演果陀剧场制作、改编自《奥赛罗》的《针锋对决》，诠释伊阿苟一角。「莎士比亚的文本虽然很复杂，但不应该被他诗化的语言吓到。反而要解剖台词，回到句子里生活的层面。」强调「找到动作」，金士杰从一连串的听信、抗拒、说服等大主题动作，寻找背后的动机与强烈情感，由此连结莎剧和生活共通的逻辑。「我觉得他非常懂心理学。剧本里那些关于人性的布局，是一波接一波，迷宫般的铺展，但结构非常清楚。」钦佩于莎翁对人性雄厚的描述，金士杰演来十分过瘾：「剧作家若是愈往危险的地方写去，便愈容易暴露缺点。但莎士比亚非常大胆，写尽了疯狂、邪恶，却毫不含糊，相反地，准确得淋漓尽致。」
同样赞叹于莎翁堆叠角色心理状态的力量，吕柏伸认为：「二流作家只写过程，而莎士比亚著重角色面对事情的内在感受。像马克白夫人从教唆、等待到杀人后的犯罪心理，文本完全透视。」自二○○三年，吕柏伸带领台南人剧团制作「莎士比亚不插电」系列，翻新形式和趣味。例如，以台语诠释莎剧台词，增添抑扬顿挫和动感；《罗密欧与茱丽叶》的摇滚元素象征年轻世代的叛逆；《哈姆雷》将主角置换于影像充斥的现代，表达日常与幻象的拉扯焦虑。用意即在于向年轻观众介绍经典、鼓励原创。今年五月为台大戏剧系制作、由彭镜禧翻译的《量．度》Measure for Measure一剧。吕柏伸移植环球剧院的舞台形式，让观众和演员在「游荡区」相遇互动。
和吕柏伸合作莎剧系列的蔡柏璋，感到最大挑战即是将长串念白以属于中文演员的方式演出。过去，蔡柏璋总会试图找回英文的韵律感，「诠释原文时，最令人惊艳的便是，只要跟随莎士比亚巧夺天工的韵脚，就会制造出戏剧张力。」但翻译后的剧本已是另一文体，演员的挑战转为寻找专属中文的音韵。「我深觉莎剧是训练演员的最佳武器，演员必须要让观众能在听觉中，理解蕴含在字里行间的魅力。尤其当我们身处一个含糊其辞、对话简短的世代。」蔡柏璋说。
语言造就剧场的听觉力量与想像
徐堰铃也认为莎剧文本的翻译和诠释，是演员的首要挑战，却也是演莎剧的乐趣。从翻译版本的考量便已进入文本的探究，而翻译上的疏离对演员的冲击，则造就了一次语言重新学习的过程。「莎剧的旁白、独白，创造许多不停转移的表达方式」，徐堰铃觉得这是莎翁很独特的创作产物，「一出莎剧可以看出演员对语言的拿捏和掌握，以及他是否拥有诗的唇舌。」徐堰铃莎剧接触经验是参与北艺大教授马汀尼在校执导的《仲夏夜梦》（1999），马汀尼以露天环境剧场，贴切表现夜梦的自然魔幻。安排徐堰铃同时扮演精灵帕克和掌戏乐之官的费劳斯瘁，模糊但灵巧的中性气质，反倒加深此剧的女性意识。马汀尼以工作坊带领学生琢磨文本；进行台湾工地秀的考察，作为工匠们戏中戏的参照，区分阶级语言。「航行于韵文和散文之间，」徐堰铃参演莎剧领略到，「语言自谱的丰富意涵，这是演员了解诗的基础。」
曾演出马汀尼的《仲夏夜梦》和王嘉明的《泰特斯》，面对经典，徐华谦诉求的并非翻新，「既然无法回避文化和历史的差异，那么应探讨的是，如何以准确的调度，同时保持与打破这个距离。」韵文的格式犹如旋律，徐华谦觉得演员因此承载了音乐性，「怎么决定语言的密度、听觉上的对比，相对地，肢体的演绎性也更广。」徐华谦观察自己参与的两出制作，导演实验的形式大相异趣，却绝对不脱基本的语言处理，「演员的驾驭，可以帮助观众辨认莎士比亚特意安排的消长，以及时间历练的语言落差。并且在不同的文化属性里，感受差异中的共同性。」
莎翁的剧本是演出本，对王嘉明是很重要的前提：「这意味，莎剧是建立在流动的关系上：观众与演员间，声符节奏与语言意义间；他以声音的形式重击观众的耳膜。所以当我导或改编莎剧时，我必须成为莎士比亚，想像字词奔驰的速度。」文字在剧场里成为声音的力量，传达强烈的感染力，王嘉明认为这正是莎剧的魅力所在，「剧场本来就是想像的空间，他在其中却创造了『真实』。」也因此，王嘉明的《泰特斯》便十分强调剧场性，透过偶人化表演和那卡西歌队两相应照，阐述宫廷斗争、演员扮演乃至权力体制的连锁操纵结构。「莎剧剧本提供的是一个蓝图、一场赌局。需要面对现在的观众，去活化当初流动的作用力。」
尽管莎剧语言别致如意象的百科全书、文体格式令人望之生畏，却是成为剧场最佳练功秘笈的原因。如何诠释念白、为角色寻找专属的声音和动作，从语言到情感、到视觉、到人性和命运，如何深刻地具体在舞台上，都是对表导演的挑战。而即便是经过再一层的翻译和转化，我们仍可从精密的结构中，感受到莎士比亚布下、互为隐喻的并行层次。莎剧的故事和角色，仿佛已成了心理分析和创作架构的原型；而戏中戏和人生的巧妙呼应，以及台词里经常出现人物的扮演意识与比喻，更说明了莎翁以剧场创作谈论剧场本质的意图。也许当代面对莎剧的重要课题之一，是将历史幽灵的魅惑，召唤为剧场里自由的灵魂。
莎剧便是剧场的隐喻
正如莎翁文本里精用的戏中戏形式，揉杂的文体混合了崇高与卑微、严肃历史剧和滑稽笑闹剧，将地理大发现时代所产生的多层次透视意识，翻转为剧场形式的探索。一九八○年代初，莫虚金自行翻译莎翁剧本，强调语言音乐性，以《理查二世》、《亨利四世》和《第十二夜》作为莎士比亚系列。莫虚金巧妙结合莎翁历史剧和东方剧场，玩的也是形式和隐喻的关联，因而创造新的史诗剧场语汇，在仪式与民俗、神秘与距离间，实验跨文化剧场的自由度。
虽非英语系国家，法国的莎剧改编向来活力十足，各路导演无不将莎剧视为必修课，并有意识地探寻莎剧之于剧场的隐喻为何。导演席伐地耶（Jean-François Sivadier）曾在亚维侬新诠《李尔王》（2007）：移动的舞台板块气势磅薄；壮年演员裸身扮演老年疯狂的李尔王，生猛展示王的躯体，和女演员反串的丑角一搭一唱地耍宝，带出贝克特式的荒谬喜感。回首伊莉莎白时代的环球剧场，从贵族到妓女，各阶级齐聚一堂看戏的混杂，带有民众剧场的味道，席伐地耶也善用视觉效果和丑角与观众互动，形成神圣与粗俗的暧昧流动。
而以冷冽美学导莎剧闻名的拉弗丹（Georges Lavaudant），则在去年的《暴风雨...》La Tempête...做了大胆改编，以戏中戏形式演出《仲夏夜之梦》，将莎翁两出最著名的「魔法」之戏合而为一。空台的灯光游戏，演员跳接于各类型的表演之间，默剧、义大利即兴喜剧、电影等等，让两出戏像对方的剧场，角色则互为彼此的镜像和梦幻。拉弗丹以此「扮演的魔法」回溯莎剧创作的中心：剧场的形成，本身就是想像的魔法。一如莫虚金所言，莎剧演的就是我们的历史和剧场。莎剧的魅力，不分国籍，都在转化文本的象征，以剧场演绎剧场的隐喻和想像。（周伶芝）