PAR 表演艺术杂志

YiLab一当代舞团小档案

• 2005年成立，艺术家苏文琪为负责人，致力于科技与表演的结合。
• 团队理念：一个作品中没有导演，只有相同的概念，每个参与的艺术家皆是一个独立的个体，皆可独立创作。
• 作品包括2009年于牿岭街国际剧场艺术节发表的《Loop Me》；2010年《ReMove Me》，同年受邀参与广艺科技表演艺术节科技表演剧场《万有引力的下午》肢体设计，比利时STUK当代艺术中心Monsoon欧亚洲艺术家交流平台纪录片制作；2011年发表《W.A.V.E.—城市微幅》。

 

凡看过由编舞者苏文琪主导的YiLab一当代舞团最新制作《W.A.V.E.—城市微幅》的观众，大概第一眼就会被布满舞台上方的上百个小黑盒装置惊艳；接著，演出期间机械装置的运动、光影及声音设计，还有那好长时间几乎紧贴地面的舞者，缓慢蜷曲移动，忽地又充满张力的肌肉与身体……无论观众对于整体画面与气氛有著如何不同的感受与观点，不可否认的是，都留下十足深刻的印象。《W.A.V.E.—城市微幅》是由苏文琪编舞、声音艺术家张永达负责声音设计、何理互动设计叶彦伯负责装置，共同实验的一个作品。

接近或离开地面的过程

一切要从一片反光舞蹈地板的样本说起。访问那天请创作者们带上各自创作时必要的物件，苏文琪第一个拿出来的，是一片黑色反光舞蹈地板样本。这就是《W.A.V.E.—城市微幅》的舞台地板，像上了层油般滑亮，舞者舞动的身体和装置移动状态全被映射在这片黑色反光地板中。

问及为什么使用反光地板，苏文琪从电脑找出一张参照图片，是卡拉瓦乔（Caravaggio）的《纳西斯》Narcissus画作。画中纳西斯被黑暗包围，有的仅是他看著水中自身的倒影，就像进入深邃黑洞中，「和自己的形象成为封闭循回的状态。」苏文琪说，希望借由地板的镜射讨论镜像的封闭状态。

她提到，「新媒体」的论述中谈及网路空间某种程度而言是身体的延伸，看得更远、了解更多。人类以为在没有限制的空间状态，其实是自身的一种投射，某种欲望的延伸。或许存在于网路空间的我们，都在与自身的映像对话，重复不止。

另外她说道，新媒体的诞生或科技的工具都是人类离开地面的过程。譬如乘坐火车、飞机时，身体都是离开地板的，此时人就脱离了时空脉络，遗忘了过去与未来，仅存在某种理性的当下。米兰．昆德拉的《缓慢》一书中，就提到慢跑者和机车骑士身体状态的不同。慢跑过程中，脚接触地板，观照的是自己身体的状况，包括疲累、喘息等，人在此时存在于自己的时间支流中；但机车骑士急驶前进时，思考到的不是身体的状态，加速中遗忘身体与地板的连结，忽略了周遭环境与身体的存在，反而是思考某些理性的事件，像是：待会儿要做什么？而苏文琪企图回到与地面连结、某种动物生存本能的状态：「我在探索过程中，很多时间是靠近地板的，专注的空间主要向内，当人的身分性别被抹灭，只剩下这个状态本身的样子。」

透过表演反思科技新媒体

苏文琪二○○九年开始就读台北艺术大学新媒体研究所，新媒体理论中研讨的哲学观、世界观与时间观深深影响她的创作，「进去以后发现新媒体也在探讨身体的概念，我对『身体』这两个字特别敏感，但发现新媒体的定义和我的不同，所以也一直在摸索他们所谓的身体是什么？」当然，不是舞者所指的肉体之身体，她认为新媒体指涉的是空间的存在、物件的体质。

因此，从第一个作品到现在，苏文琪都在探讨一种科技进步、人类「离开地面的过程」。二○○九年《Loop Me》欲探讨影像的存在、真实与虚拟性；二○一○年的《ReMove Me》里则探讨何谓真实？何谓虚拟世界？到了二○一一年，《W.A.V.E.—城市微幅》一样从新媒体理论的思索角度出发，针对进步、身体、消失等概念提出质疑。

苏文琪以对新媒体的反思作为其创作主轴，科技媒体的应用成为作品中不可或缺的要素。她以舞者的身体与科技装置对话、互动，企图从中呈现并反刍整个思考历程。在此前提下，灯光装置、声音、舞蹈是同等重要的。如苏文琪所言：「这些元素不是一种整体演出的操作而已。将非物质东西视为一种存在的时候，某种程度就回到与整个环境相映的原始感官状态。」某种程度而言，一当代舞团这三年来的作品本就不是纯粹的舞蹈作品，反倒像是透过表演研讨新媒体的过程。因而，每个作品概念拟定后，苏文琪与合作伙伴便从不同的专业角度出发，探索、诠释相同的主题，进而重新产生创作交集。

声光舞动，表现文明进化

以《W.A.V.E.—城市微幅》而言，作品结构上，起初苏文琪从人类进化和都市兴衰的过程中建构，拟定了四个关键字：都市、文化、进步、物质性。由此著手，慢慢去发展、建构其内涵。而后又延展出一个关键字：消失。苏文琪说，消失对应的是空间里透明的存在，譬如Wifi、云端技术等；这些网路空间以透明的姿态重新架构社会的权力结构，影响人们情绪转变。

拟定大方向后，又从人类进化和都市兴衰过程的概念，建构出各自独立的段落，如森林、城市梦游、机械城市、洞穴……等。不过，这些命名都不只是字面上的意义，有更深刻的引伸义。舞蹈素材和动作的选择就在这些概念之下慢慢形成，同时间苏文琪也和张永达与叶彦伯讨论概念，再各自回去搜集材料与发想。

声音创作方面，张永达先从概念去思考声音的调性，例如细碎的、片状的、堆叠到饱满而巨大的……等。举例来说，「人工自然」的声音是一种非自然但似曾相识的声音，譬如听起来像昆虫的声音，其实是电子或机械产生的。「城市」的声音，不是交通或任何具象声音，而是一种氛围。张永达说：「我印象很深刻是刚到北艺大的时候，晚上可以看见整个台北市和关渡平原，其实在当下是非常安静的，却感觉城市有点闷和轰的声响，是一种大气的氛围，低频的声音。」

一百个手工黑盒

张永达这次创造的声音环境，除了从明显可见的四支喇叭、四声道传送出来之外，还从舞台上那一百个小黑盒中发声。大多数观众可能只注意到黑盒中的灯，却未听见黑盒也发出声音。甚而，一百个小黑盒就有一百个独立的声音频道——这一百个可移动的灯光／声音黑盒装置，让许多国外数位艺术节策展人和国内剧场技术人员惊呼：「你们是怎么办到的？」

这些内含喇叭和LED灯的压克力盒子，所有带动机械转动的轮盘和小黑盒中的线材、喇叭等，几乎都只是机械玩具的素材成本，却造就有如高科技精密装置的演出，且完全是手工制成。小黑盒中所有的线材和螺丝钉，都是工作团队一个个銲接出来的。

负责装置设计的叶彦伯，小时候读美术班，大学念资讯工程系，拥有撰写程式的实力，难能的却是他的应变能力。无论是黑盒的设计、接线、控制程式，或面对紧急突发状况，都运用了巧思让事情变得容易点。叶彦伯说：「其实这些程式都不是从基层写起，没有什么很厉害的程式，但若会运用工具，便可以重新组合套用。未来还需要将程式模组化，以方便携带出国演出。」

张永达和叶彦伯各自以图像化程式模拟、控制声音及灯光的流动、范围或形状大小。黑盒掌控的灯光部分，是借由光的移动架构出舞蹈区域来，舞者则试图在光域的范围限制中，重新找到身体自由和打开的空间；声音部分，从小黑盒发出的声音多与机械声音有所呼应，例如有一段声音其实是碎CD片的声音，经由调变后形成像是机械升降的声音，那段就仅从小黑盒中的喇叭出声。

张永达说，混淆观众的听觉是他这次想做的事之一，原本的四声道音响系统加上舞台上一百支小喇叭，他考虑到声音在空间中如何流动，并将作品段落间的特性和元素，穿插在不同地方，让某些细节在不同段落中重复出现。他想同时带给观众「有方向和没有方向的声音」，透过多声道让观众聚焦在声音的细微变化上。张永达从《Loop Me》开始与苏文琪合作至今，两人有一定的默契。苏文琪说，张永达这次的声音让作品的层次更丰富了；张永达则笑言，这是他们合作以来，他修改次数最少的一次。