经历了四分之一世纪的历练，NSO即将跨出第廿六个乐季的脚步。接任音乐总监第三年，吕绍嘉不仅在几场重要的音乐会中，展现NSO的实力，搏得喝采，更为新乐季设计了难得一见的曲目。他如何思考音乐会的曲目安排？又有何用意？本刊特邀长期观察NSO的音乐学者罗基敏，提问访谈吕绍嘉，让乐迷们一窥两位音乐人对新乐季的思考。
罗：从你上任以来的乐季中，我发现一个很有意思的现象，就是你似乎都会在前一个乐季预告下个乐季的节目。例如这个乐季有几场有华格纳，下个乐季就排了华格纳的歌剧；这个乐季有俄国，下个乐季俄国就是主题。
吕：我觉得好的曲子很多，因此每个乐季，我都尝试找一个方向。前两年演马勒，并且在现代音乐方面也都有个主题，例如第一年是新维也纳乐派，第二年就选梅湘（Olivier Messiaen）、斯特拉温斯基（Igor Fedorovitch Stravinsky）。接下来的第三年，我认为该是沉淀的时刻，不再是演外表看起来那么大规模的、有效果性的、并且最后都是大声结束的乐曲。我认为，现在台湾的乐团演奏和听众聆听音乐的情形，在华人圈中算是比较精致的，所以我这次选择法国。像德布西（Achille-Claude Debussy）、拉威尔（Joseph-Maurice Ravel）等人的作品，在听觉上并非外显的，而是倾向一个细致度和对柔美的声音的要求，因此，大家将在音乐会中听到很多以极弱结束的留白，那种芳香与色彩，是比较轻的。
罗：这次选的曲子反映了十九世纪末到廿世纪初期，有很多作品又从希腊神话里面取材，但不是写歌剧，而是写管弦乐作品。
吕：「法兰西系列」的第一场，就是以「牧神与爱神」为标题，以德布西的《牧神午后》前奏曲开始，接著有法朗克（Cesar Franck）的《赛姬》；当然再加一个协奏曲，是免不了的，虽然《洛可可主题变奏曲》是柴科夫斯基的作品，但这首变奏曲很有法国味。原作写给大提琴，我们要演的是改编给小号的版本。最后结尾的拉威尔《达夫尼与克萝伊》第二号组曲，也是希腊故事的主题。所以在这场音乐会中，就可以看到法国音乐与这一两年完全不一样的美感世界，就像是在变魔术一样。
以《牧神午后》作为揭开系列的序幕，是因为布列兹（Pierre Boulez）说过，这首曲子是「现代音乐的开端」。这部作品代表著对德奥逻辑性创作的反抗，是一个值得大书特书的乐曲。短短十分钟，可是不管在和声的解放、还有在节拍上，整个音乐的气质与美感都清楚地表现出一种从未有过的神秘，对我来说，它像是一个「尝试摆脱地心引力」的音乐。
罗：我曾经在上通识课的时候，跟学生讲，这是在一天的某一个时光，你们仔细听，我等下会问。结果他们的答案是早上、中午、晚上都有。可是如果你跟他们说，这是牧神在睡午觉，每个人就都会认为，他真的在睡午觉。
吕：这音乐有点慵懒，介于睡跟醒之间的梦境一般，是一个你一听就会有的特殊感觉，是德布西成熟的第一个作品，他以后就是走这个路。这是一部很重要的作品，所以我摆在第一首。另外一位代表人物拉威尔，他们两人有很多类似的地方。
罗：我倒觉得他们两个音乐很不一样呢！
吕：那是你听多了啦（笑）！其实认真比较，还是有很多相同点，例如他们两个对西班牙很有兴趣，也都拥有法国特殊色彩。对我来讲，德布西是「仙」，拉威尔是「魔」。德布西的颜色，我想到是一种淡黄色，他的音乐很多留白，有神秘的氛围，因为用的音符比较少，所以乐谱是干干净净的，但即使他的和弦单纯，调性却是飘忽的。而拉威尔的管弦乐手法就像是一个魔术师，他的配器及和弦复杂很多，虽然很守调性、一定要到主调去，可是却会有很多的设计，我觉得他的音乐是那种深紫色的。
罗：我发现这次的独奏乐器上，钢琴占了很大的部分。
吕：我倒是没特别注意这这点。若有，也不见得是故意设计的，因为钢琴曲本就最多，所以占了大部分。我觉得最重要的，是好的演奏家及好的曲子。我们今年有很坚强的独奏阵容，钢琴独奏有邓泰山、巴佛杰（Jean-Efflam Bavouzet）、拉贝克姊妹（Katia & Marielle Labeque），还有我们很熟的白建宇，将会特别来开一场没有指挥，并且全部都是法国室内乐的音乐会，非常特别。第一次来台的钢琴家德杰．拉锡克（Dejan Lazić）、第一场的小号手瑟吉．纳卡里亚可夫（Sergei Nakariakov）都很有名，大提琴的卡普颂（Gautier Capuçon）也是大家喜爱的。
在法国系列中，除了德布西、拉威尔之外，想特别介绍的就是法朗克。他的交响曲不像其他人那么地被普遍认识，但却是能够看门道的内行人欣赏的一位人物。因为年代差不多，也有人将他比喻为法国的布鲁克纳。
罗：可以说，法国开始有管弦乐作品是法朗克这一代的，因为那时候大家都在写歌剧，义大利人写歌剧，法国人的主力其实也在歌剧上，华格纳的歌剧也受当时法国歌剧的影响。即使像白辽士，今日，大家都熟悉他的管弦乐作品，却很少人知道他也写了很多歌剧，在他的时代，法国人并不看重他的音乐。这就可以理解为什么那个时代的法国管弦乐作品会那么少，因为那时候管弦乐作品不是主流，也就可以看得到法朗克的特别。
吕：法朗克和布鲁克纳一样，是很好的管风琴家，也是宗教性很强的人。但是他的作品像是结合布鲁克纳的虔诚、华格纳的和声与转调、法国的芳香和他个人。他的交响曲是很特别很美的曲子。接下来一个重要的人是佛瑞（Gabriel Urbain Fauré），我很喜欢他的《安魂曲》，因为它跟别的《安魂曲》很不一样。
我们也会演威尔第的《安魂曲》，他的版本里，鬼哭神号，根本就是一部歌剧，比大声、比过瘾的。但佛瑞的《安魂曲》完全反其道而行，他要写一个安抚、让人听了不是害怕、甚至是一种喜悦的作品。我特别选了一个佛瑞在教堂里面演出的那种编制，小提琴只有一支，首席有一段独奏，中提琴与大提琴、低音大提琴，然后还有很少的管乐，就NSO这个大乐团来讲是蛮特别的。通常指挥会选大编制，但是我觉得佛瑞的《安魂曲》是倾向小而细致的，所以我选这个版本，我自己也很期待这美妙的音乐。
罗：另外我看到今年的「探索系列」主要是以浦罗柯菲夫（Sergey Prokofiev）为主。
吕：可以说是以浦罗柯菲夫为主的斯拉夫音乐。第一场的音乐会有哈察图量（A. Khachaturian），他是亚美尼亚人。李盖悌（György Sándor Ligeti）是匈牙利人，也可以说是大斯拉夫的一员。《罗马尼亚协奏曲》是他早期的作品，他小时候居住在罗马尼亚跟匈牙利边境，这首曲子是以这个地方为背景所写的。台湾还没有演过。因此，不要看到他的名字，就以为会很现代，它基本上是一个民族风的作品，尤其最后一个乐章，很狂野很精采，你将听到不一样的李盖悌。
我认为，廿世纪苏维埃最重要两位作曲家就是浦罗柯菲夫与萧斯塔可维奇。而我觉得浦罗柯菲夫处于萧斯塔可维奇的阴影下，不知道妳觉得如何？
罗：萧斯塔可维奇交响曲写很多，自然较常在音乐会被演出。我认为，在苏维埃时期，萧斯塔可维奇比较样板。浦罗柯菲夫没有写那么多的交响曲，所以比较会被忽略掉，其实他的管弦乐作品也很多。
吕：浦罗柯菲夫的悲剧性，是因为他早死，而且竟然跟史达林同一天死！史达林折磨他到同一天走，可能一个到天堂、一个到地狱（笑）。萧斯塔可维奇活到一九七五年，我觉得那个时代的政局变化，作曲家活得老一点，平反的机会会比较多。所以我想，浦罗柯菲夫一定吃这个亏。
另一个比较特别的是，浦罗柯菲夫受到西欧的影响比较多。萧斯塔可维奇从来没到国外留学过或住过，但浦罗柯菲夫是先到美国住了好几年，再到法国巴黎，前后在国外住了将近廿年，然后他选择在俄国开始风声鹤唳的时候回来。所以有人说他是天真、不知道政治。
他的音乐比较带有西欧的那种甜味，尤其是他的芭蕾作品。他晚期找到了一个很平易近人的作品风格，我觉得那是一种非常好听的现代音乐。像《罗密欧与茱丽叶》、《灰姑娘》，还有他的电影音乐，真的是大众一听就懂，可是又是很高品质的音乐。
罗：所以你的用意是要告诉大家，俄国廿世纪作曲家写乐团作品的，其实不只萧斯塔可维奇，浦罗柯菲夫也写了很多管弦乐作品，也很精采。是吗？
吕：是的，我们会演他的第一号，这是他最普及的交响曲。他早期作品有种叛逆的风格，有点像在跟古典开玩笑，可是他用一种比较严谨的手法，他的奏鸣曲式都完全照著古典来，只是故意弄一个错音进去，像在开玩笑。他说他想像海顿活到我们这时候，可能也会这样写。
我们还会演他的《第五号交响曲》，他总共有七首交响曲，《第五号交响曲》是他中期以后，就是他已经回到俄国比较接近大众的作品。有人说它是最代表性的作品，因为里面包含一个很深的类似人文关怀，有一点类似萧斯塔可维奇交响曲的内容特色，不只是叛逆或是不协和，里面有一个伟大性在。
比较特别的是，我们会演他的《第三号交响曲》，在他比较叛逆的时候写的，语言很尖锐。这个交响曲大部分的主题是从他的一部歌剧《火焰天使》The Fiery Angel，我个人认为这是他最精采的一部歌剧，题材很离经叛道。《第三号交响曲》很少被演出，但不少人认为这是他最棒的交响曲，比较需要一点耐心去听。
罗：你在前面的两个乐季里，系列跟系列间其实是有交叉的。
吕：系列有系列的好处，也有限制。演同一位作曲家的作品，全部集中在一起，有时候会觉得好像被框住。我不会地毯式地演，例如说，第一号、第二号、第三号连著演，我是以一种混合的方式，想办法让每一场音乐会有个别的诉求，如此一来 ，音乐会彼此间还是有一点关联。这关联也没有一定模式，有时候是同时代，有时候是气氛类似，或者甚至是对比。这中间可以发现很多巧合。或许下个乐季不要有系列，也不一定。
这个乐季不得不注意的，就是威尔第和华格纳，因为他们同样在明年将是两百年诞生纪念，全欧洲已经开始以他们为主题庆祝，当然我们也演出他们的作品。跨年音乐会将演全场的威尔第歌剧选曲，上半场有《奥泰罗》的二重唱、《命运之力》的序曲、《游唱诗人》等；下半场则是完整的《阿依达》第二幕，我们请了一流的独唱家一同演出。至于华格纳，那就是《女武神》了。
罗：这是你们自己的制作，是吗？
吕：对！这场不是音乐会形式，而是全新的制作，我们请了德国导演汉斯-彼得．雷曼（Hans-Peter Lehmann），他是完完全全的华格纳专家，也已经来过台湾。我不倾向找新锐导演，制作一些搞怪的东西。德国剧院这么做，是因为他们看过很多华格纳，想要推陈出新。但我觉得，台湾目前的情形是，大部分人从来都没有听过现场演出，很需要这样的人，来跟大家讲述道地的华格纳。
罗：你会选《女武神》的原因，是它最温暖、里面的爱最多？
吕：我觉得它效果最好！
罗：《莱茵黄金》效果也很好？！
吕：《莱茵黄金》只是个序奏，对我来讲，如果只能挑一部的话，总不能只演序奏。我也考虑过《齐格飞》，后来还是决定《女武神》。为什么？因为《齐格飞》全部都需要从国外找歌手，并且，角色也很少。我觉得，《女武神》可以让比较多台湾歌手上台！这次的八位女武神都要从台湾找，这很重要！
罗：刚刚为什么说《女武神》里面的爱最多，因为我觉得那里面有父女的爱、父子的爱、兄妹的爱、男女情爱等等，人间各式各样的爱，都在其中。
跟前面两个乐季比较起来，下个月季感觉是比较缤纷的。
吕：我比较不去注重外表的效果，就像我一开始讲的，我预期我们大家的水准都变高了，所以就排一些感觉很fine的音乐。马勒的交响曲一结束，大家自然都会哇地拍起手来，但《牧神午后》结束，几乎是大家都听不到的那种声音，这也是一种尝试。选择比较容易的路的话，通常还是会选择效果，柴科夫斯基、贝多芬交响曲等等都常见，但我想，在台湾还没有一个乐季排那么多法国音乐，要这的样做，还是要有一点胆量。
罗：我觉得，提升观众品味和扩大曲目是要长期去做的，慢慢累积之后，就会有固定的听众，而且对乐团来说，也可以测试它的弹性多大。
吕：我永远都觉得自己要跟票房有点距离！虽然这么说，但终究还是会关心。我们用心设计的节目非常难得，我还是希望能够吸引大家来听音乐，并且获得共鸣。
