PAR 表演艺术杂志

比利时编舞家戴米恩．雅勒（Damien Jalet）早年于布鲁塞尔国家高等表演艺术暨传播学院（INSAS）研读戏剧，主修导演，赴纽约后转而学习当代舞蹈。九○年代末，他展开舞者生涯，曾参与比利时终极现代舞团（Ultima Vez）和比利时当代舞团（Ballet de C de la B）的演出。

二○○○年，雅勒加入西迪．拉比（Sidi Larbi Cherkaoui）的创作团队「东方人」（Eastman），不仅担任他的舞者，也参与场面调度、戏剧构作和音乐编排。两人的合作开启了雅勒的创作生涯，逐渐让他在欧陆表演艺术圈崭露头角。

近十年来，雅勒受到许多国际知名舞团的邀请。Transaquania是他与冰岛当代舞团（Iceland Dance Company）在二○○九年共创的「沉浸式」演出：在蓝湖（Blue Lagoon）中，观众一边泡著温泉，一边欣赏表演者如何运用肢体表现生命的起源。二○一三年，他率领卅位舞者在罗浮宫展开了一场移动式演出，《美杜莎》Les Médusées为古典雕塑注入活灵活现的生命力，带领观众历经一场穿越时空的旅程。二○一四年，在苏格兰舞蹈剧场（Scottish Dance Theatre）的邀请下，雅勒运用动感十足的服装材质，创造出独树一格的Yama。隔年，他与冰岛编舞家Erna Omarsdottir再次合作，完成《黑曜石碎片》Obsidian pieces，这出舞作透过堆叠的肢体，营造出恐怖的末日意象。二○一七年，他与黑森邦立威斯巴登歌剧院（Hessiches Staatballet）合作的Thr(o)ugh，以庞大圆柱滚轮和舞者之间的相互倾轧，突显出肉身的脆弱。二○一九年，他则与瑞典哥德堡剧院舞团（Gothenburg Dance company）一同在SKID中挑战地心引力，倾斜四十五度角的巨型舞台平面不仅考验舞者的体力，也营造出目眩神迷的光影效果。

雅勒勇于尝试跨界创作，作品横跨视觉艺术、流行音乐、剧场及时尚等各种领域。除了与西迪．拉比和行为艺术家教母玛莉娜．阿布拉莫维奇（Marina Abramović）共同执导当代舞剧《波丽露》Boléro（2013）和歌剧《佩利雅与梅丽桑德》Pelléas et Mélisande（2018），他也参与义大利导演卡格达戈尼诺（Luca Guadagnino）《窒息》Suspiria的编舞，甚至还为碧玉（Björk）、汤姆．约克（Thom Yorke）的MV与玛丹娜二○一九世界巡回演唱会“Madame X Tour”担任编舞。

在他与日本雕塑家名和晃平合作的《器》Vessel来台演出前夕，本刊独家专访这位不断挑战形式的界限的创作者，一窥他无法被定义的编舞风格、多重材质的实验、探询灵性的仪式、文明与自然的冲突，将如何在《器》中呈现——

Q：您的编舞创作横跨各个领域，也经常与不同的艺术家合作。跨领域是否为您的创作关键？

A：我的工作方式一直建立在对话上。创作的本质，就是让不同的陌生人相遇，彼此寻找相互合作的方法。从我在比利时当代舞团担任舞者时，就受到集体创作的启发。离开舞团之后，我也与西迪．拉比共同展开编舞创作。对我来说，舞蹈就像是一种汇集各种艺术形式的媒材。当然，这也与我的学习背景有关。我大学在戏剧学校主修导演。九○年代初期，比利时的戏剧界仍循规蹈矩，显得极为保守。不像编舞家已经开始融合不同形式，超越各种局限。这让我想转换跑道，尝试跨领域创作。我认为，与不同领域的人相遇，会迸发出更多创意，能开创全新的艺术形式。

Q：戏剧背景为您日后的编舞创作带来何种影响？

A：学习戏剧给我最大的启发就是创作结构：如何发展作品的一致性？怎么让舞台意象维持暧昧，延伸想像空间？要是我当时没选择跳舞，我可能会成为一位戏剧构作。不同于舞蹈强调抽象、写意的动作，戏剧著重条理分明的架构。它也让我认知到观点的重要。不同视角会衍生出相异的诠释。即使没有任何文本，观众都可以自行解读作品的意义。然而，无论是戏剧或舞蹈，身体还是表演艺术的本质。

Q：您如何与造型艺术家一起工作？

A：造型艺术家从空间去构思作品，如同我习惯用结构去发展创作。我们共同形塑五维空间的变化，改变它的体积大小，寻找如何让作品更为精简、浓缩，表现出它深刻的涵义。对我而言，跟造型艺术家一起工作，最重要的是如何标出一种范围，让彼此有默契地在同一个框架之中，发挥自己的创意，探索更多的可能，进而找到最精确的表现方式。这样才能带领观众从凝视外在进入内在思索，让他们参与创作，找到属于自己的诠释。