王世伟
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四界看表演 Stage Viewer
真迹与山寨的思辨
如何衡量一件艺术品的价值?它的真伪是否影响观者感知?复制品难道无法取代原创,只是缺少灵光的仿傚?波兰导演卢卡斯.塔沃柯夫斯基(Łukasz Twarkowski)的作品《Rohtko》运用字母调换、巧妙地冒名美国前卫派画家马克.罗斯科(Mark Rothko)(注1),以现场表演与即时影像相互交融的叙事手法,铺陈真迹与山寨的价值辩证,深入探讨当代艺术市场的矛盾与迷思。 真假难辨的艺术评价 刚迈入不惑之年的塔沃柯夫斯基曾是波兰剧场教父陆帕(Krystian Lupa)长期的合作伙伴。近年来,他以多媒体创作横跨东欧剧场圈与视觉艺术界,被誉为指日可待的新秀导演。他的作品善用影像科技,模糊现实与虚构的分野,营造表演者与观众相互交融的虚拟空间。 受哲学家韩秉哲著作《山寨:中国式解构》的启发,塔沃柯夫斯基质疑西方文明崇尚真品的迷思:「对中国人来说,真迹只是一种理念的痕迹或体现.中国艺术史上,常常出现摹本比原作更珍贵、更有价值的现象,因为后人觉得它的制作更精美、更忠于原作的理念。」(注2)姑且不论中国人如何实际评价真迹的可贵,塔沃柯夫斯基挪用韩秉哲的论述,用意在于批判西方艺术界追求独一无二性的物质迷恋:复制与原创相较,不但被认作一文不值,更有一种道德疑虑。 随著市场化发展,拜物主义在当代艺术圈急速加剧:艺术家化为行销名牌、作品成为交易商品、展览变作一种背离原创精神的商业化事件(注3)。最明显的例子,莫过于疫情期间曾引爆热潮的NFT加密艺术。然而,这种数位创作也撼动西方社会对艺术品的评价标准:创作的物质性逐渐被虚拟取代、失去价值。除了电子凭证,原作与复制品完全如出一辙,这种真伪莫辨的现象让人迷失方向。
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艺号人物 People 义大利剧场导演
卡士铁路奇 暗黑氛围里 一场道德的考验
继《美国民主》之后,义大利大师级导演罗密欧.卡士铁路奇(Romeo Castellucci)再度访台,邀请观众深入现实社会的矛盾核心。《兄弟们》(Bros)以警察为题,探索法律与道德的极限。透过繁复的意象与冲击的感官效果,突破剧场表演框架,营造出一场凌驾于语言、文化、理智之上的当代祭仪。 从执法力量深入律法矛盾 警察究竟是维护公共秩序的人民保母,还是威权统治的打手?执法者刚正不阿的形象是否让手无寸铁的民众感到渺小?卡士铁路奇以人类学的角度探讨律法的暴力,突显当代民主发展症结。「《兄弟们》的灵感源自我在巴黎的亲身体验。当时黄背心运动爆发,警方在四处巡逻。每每看到身穿制服的刑警,我心中不自觉扬起一股罪恶感,仿佛成为随时会被逮捕的嫌犯。但以警察作为主角并非要评论时事,而是引申人与法律之间的关系,也突显当代社会的黑暗面:从令如流,是否意味著缺乏意识、不用负任何责任?」 尽管卡士铁路奇的作品时常出现警察的形象(注1),但《兄弟们》是他首次以执法者为主体的创作。「我的创作承接希腊悲剧的脉络:希腊悲剧英雄以个人行动,挑战社会律法的正当性。而我想透过警察去揭露法律的黑暗本质:只要依法,任何人都可以使用暴力。这其实是一种相互矛盾的悖论。」卡士铁路奇这么说。 对导演而言,警察是20世纪初随电影艺术发展才登台的角色,戏剧史上几乎不存在类似的人物。但早期的警察形象并非冷峻严肃,反而带有幽默的喜感:「基顿(Buster Keaton)默片中的警察从荒谬的灾难中死里逃生,突显出人们需要秩序,但也有破坏它的欲望。大家都想要逃脱法律的框架,而警察变成众矢之的。我想延伸警察的复杂内涵,所以无法用便宜行事的批判手法。若是执法行为宛若一场游戏,反而会让人更加不安。」
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艺号人物 People 法国艺术家
斐雅.美娜 从解构自我到转化世界
从杂技表演到跨领域创作、从物件操控到物质转化、从生理男性到女性认同,法国艺术家斐雅.美娜(Phia Mnard)超越身体与剧场形式的界线,透过自然元素的变化,创造出令人惊艳连连的观演关系,开启了对当代社会的深刻提问。 从杂耍到跨领域 受法国新马戏大师杰若.汤玛士(Jrme Thomas)启发,美娜20岁即踏上了学习杂技之途。无论是球、大环或棍棒,她透过高超的技巧操弄专业道具,让观众感到赞叹与惊奇,但她并不满足这种纯粹娱乐的表演,「我其实认为杂耍只展现了惊人的效果。我希望自己的创作能营造一种亲密的关系,可以让观众产生共感、进而感动,而非只是一种令人觉得新奇的表演。」她这么说。 1998年,27岁的美娜决定投入独立创作。她以拉丁谚语「Non nova, sed nove」为剧团命名,立志在创作上「跳脱推陈出新,力求另辟新径」。尽管团名表达出「没有创新」的意图,但它说明美娜的理念:「我希望透过不同视角重塑表演形式,以探究艺术与观众之间的关联。我的创作不须再强调精湛的技艺,反而要突显杂技表演的失败和不可能,这让我的作品更接近舞蹈、剧场或行为艺术。」 从物件到物质 2008年,她展开一系列名为「I.C.E.」的创作计划,持续探索「不可杂耍性」(Injonglabilit)。(注1) 她想挑战的不再是特殊的物件,而是具体又无法掌控、多变且有机的自然元素。无论是冰、水、风、蒸气,她透过物质变化,扩展想像空间,建立更亲密的观演关系。她说:「物质比物件更能触及人心.我一开始从冰展开实验。我把惯用的杂耍橡胶球换成冰球,这反而让观众有感触:『表演者究竟要忍受多低的温度、经历多少考验,才能完成这场演出?』我那时了解加工的物件会让人保持一段距离,而纯粹的物质却能连结所有人。自然物质是超越国族、文化、语言隔阂的共通语汇。尽管以物质出发的创作困难重重,但我和观众的关系不再只是崇拜,而是彼此分享著相同的体验.并构成一种对话。」 美娜创作路径的变化不仅出自她对杂耍的反思,也源于她人生的改变。「最初我在表演杂耍时,即便我呈现
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艺号人物 People 亚维侬艺术节新任艺术总监
提亚戈.罗提吉斯 洞鉴古今的人道主义艺术家
从表演到编导、从独立剧场人到国立剧院总监、从不被看好的戏剧系学生到惊艳欧陆剧坛的创作者,葡萄牙导演暨剧作家提亚戈.罗提吉斯(Tiago Rodrigues)以丰富的艺术涵养、谦虚的亲民态度、前瞻的文化愿景,征服法国艺文界,成为亚维侬艺术节76年来首位外国总监。 罗提吉斯透过丝丝入扣的感性笔触,重新唤起经典文学的当代灵魂,也用鞭辟入里的理性思维,映照现实世界的苦难。他跳脱以导演观点为主导的舞台诠释,反而引导演员发展集体创作。透过本次专访,将更深入了解他两出截然不同的作品《樱桃园》(La Cerisaie)和《不可能的边界》(Dans la mesure de l'impossible),并进一步窥探未来4年亚维侬艺术节的策展主轴。 兼具文学性与意象的集体创作 在里斯本艺术学院就读期间,罗提吉斯的表现并不优秀,甚至曾被老师劝退,要他放弃追寻剧场梦。直到参加比利时无.名剧团(tg STAN)(注1),20岁的他才对集体创作燃起热情:「那时我们由全体演员一起主导剧本架构、场面调度、灯光和舞台设计,这种打破阶级分工的创作模式,让我认知剧场是总体艺术.之后我回到里斯本,也渐渐发展了一套属于自己的创作手法,随著排练一边发展、一边书写,导演和编剧手法会因应创作过程而不断变化。」罗提吉斯的创作手法有点类似英国的「集体编创 」(Devised Theatre)(注2),他认为不应奉文本为圭臬,反而要透过漫谈式发展,延伸出更丰富的表演形式。 对罗提吉斯而言,传承是剧场的本质,经典的故事可以不停地传颂,衍生出千万种不同的诠释:「我喜欢在剧场重新描述传奇故事.尽管这些故事可能年代久远,或是平空杜撰,但仍可在它们身上寻找当代的影子、情感与回声。透过诠释,这些故事会涌现出崭新的角度,呼应了我们每个人所关怀的事。不管是导演、演员或剧作家,他们都用自己的观点去表达文本,让观者从文字脉络中发现眼前时代的模样。」无论是希腊悲剧、莎剧、小说、诗文,罗提吉斯用独特见解,挖掘出经典作品的当代精神。 近20多年来,意象美学始终都是当代剧场的主流,但罗提吉斯却超越视觉至上的原则,反而透过平易近人的文字
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艺号人物 People 乌帕塔舞蹈剧场总监
波赫士.夏玛兹 在繁复与幽寂间 扩延编舞的无限可能
延续90年代法国「新舞蹈」(Nouvelle danse franaise)的创新实验,夏玛兹(Boris Charmatz)透过解构手法与跨界合作,颠覆了大家对编舞的认知.2009年,他以黑马之姿入主雷恩国家舞蹈中心,成立「舞蹈博物馆」,扩延编舞创作的实践领域,建立了「无处不舞、与民共享」的文化典范。2年后,他的《孩子》(Enfant)震撼亚维侬艺术节,刷新了观众对身体的感知。近年来,他的作品游走于欧美各大剧院、美术馆、废弃空间、露天广场,重新定义舞蹈演出的可能。2022年,他承接碧娜.鲍许的未竟之业,试著带领乌帕塔舞蹈剧场(Tanztheater Wuppertal)超越经典、开创未来.今年3月,他将于台北表演艺术中心呈现两出新作《一万种姿态》(10000 Gestures)与《半醒》(SOMNOLE).截然不同的舞风体现了他变幻莫测的创作风格。
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话题追踪 Follow-ups
大功「毕」成 差强人意(上)
欧利维耶.毕(Olivier Py)于2022年7月底正式卸任亚维侬艺术节总监尽管挺过层出不穷的批评、与政客斡旋的角力、疫情冲击被迫取消和缩编的危机,毕领导之下的亚维侬艺术节并未开创新局,甚至得到褒贬不一的评价。近10年来,被誉为国际剧场创作先锋的亚维侬艺术节究竟发生了何种变化?
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话题追踪 Follow-ups
大功「毕」成 差强人意(下)
欧利维耶.毕(Olivier Py)于2022年7月底正式卸任亚维侬艺术节总监尽管挺过层出不穷的批评、与政客斡旋的角力、疫情冲击被迫取消和缩编的危机,毕领导之下的亚维侬艺术节并未开创新局,甚至得到褒贬不一的评价。近10年来,被誉为国际剧场创作先锋的亚维侬艺术节究竟发生了何种变化?
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四界看表演 Stage Viewer
超越视听幻觉 通往虚实边界
表演艺术结合数位科技已经成为当代剧场创作的先锋趋势。无论是「扩增实境」(Augmented Reality)、「虚拟实境」(Virtual Reality)、人工智慧演算等,许多创作者企图打破时空和肉身的局限,营造独一无二的互动或沉浸体验。然而,除了感官刺激,这类型的作品是否能跨越形式与内容、艺术创作和科技研发的分野,延伸更意味深长的感知思索?《WHIST》中,AE舞团结合舞蹈表演、剧场叙事、数位影像、数据分析,带领观众游走在意识与潜意识、真实与虚构、实境与虚拟之间的暧昧边际。
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四界看表演 Stage Viewer
剧场与恶的距离
压迫人心的暗黑氛围、扫射全场的冷冽光束、震撼磅礡的听觉效果、谜样象征的陈列与重组、暴力姿态的重复与演练,义大利导演罗密欧.卡士铁路奇(Romeo Castellucci)在《兄弟》(Bros)中,体现何谓钢铁纪律下的「平庸之恶」,带领观众省思存于现世的原罪与救赎。
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巴黎
文化事业沦为政治酬庸?法国新任文化部长引爆争议
1月初,马克宏政府为了挽救岌岌可危的民调,进行内阁改组,宣布由右派政治明星哈希妲.达狄(Rachida Dati)入主文化部。此举不但震撼法国政治界,也引爆文化圈的一片挞伐。 现任巴黎第7区区长的达狄曾是法国首位北非裔的司法部部长。窈窕美艳的外表、野心勃勃的行事态度、敢战敢言的政治风格,使她成为法国政坛的话题性人物。而且,她从政后引爆的争议也从未停歇,无论是感情绯闻、生下私生女、煽动言论、涉嫌挪用公款等等。 上任首日,达狄表明文化部并非她决定入阁的首选,她更想要深入权力核心,随即又宣布将投入2026年巴黎市长的选举。此番引人非议的言论仿佛证实马克宏政府将文化部视为政治酬庸,掀起媒体界一片哗然。但总统强调,选择达狄担任文化部部长,是因为她的媒体声量和政治行动力足以突破艺文界的菁英思维。尽管如此,记者仍臆测这是马克宏在政治角力下的一步险棋。他想利用达狄顽强的战斗力拉拢右派选民,并扰乱长期由左派势力支配的艺文圈。 无论推行巴黎奥运的文化活动、圣母院重启、古迹修缮、庞毕度中心整修引爆的罢工运动、国家媒体续存所有人都期盼在时尚圈比在文化界有名的达狄该优先处理哪个问题。然而,她上任后宣布全力投入乡村文化平权,却没有提出任何配套措施。 以艺文产业为荣的法国似乎也落入选举角力的陷阱,让文化部成为政客迈向权力的跳板。全媒体时代下,艺文事业有没有可能跳脱边缘化的社会地位、明星化的趋势、意识形态和政治盘算的干预,成为一种全民共识?这个问题值得众人深思。
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巴黎
不想坐好看戏?请上台解放身体!
疫情过后,欧陆表演艺术界一扫社交距离的阴霾,邀请民众与表演者共享舞台体验。今年秋天在巴黎演出的3部作品以不同方式,让观众选择被动观看或主动参与,营造出多元且丰富的观演关系。 法国新锐导演戈瑟兰(Julien Gosselin)的新作《灭绝》(Exitinction),一开场就让人觉得误闯夜店。舞台中央的DJ播放著节奏强烈的电子音乐,侧台也供应免费啤酒,观众可以自由穿梭台上、台下,像是游走于舞池与包厢之间.经历了长达半小时的锐舞派对,观众才从硕大的萤幕上看到表演者跻身于热舞群众之中,揭开这场末日寓言的序幕。戈瑟兰巧妙地把参与观众化为背景,形塑作品要传达的堕落感与电影美学。 德国女导演苏珊娜.甘迺迪(Susanne Kennedy)则邀请观众一同挑战半世纪前的经典歌剧《沙滩上的爱因斯坦》(Einstein on the beach)。不同于罗伯.威尔森(Robert Wilson)融合复古风格与超现实意象,导演与视觉艺术家Markus Selg营造出横越远古社会和未来文明的仪式.长达3个半小时的演出中,观众可以任意登上旋转舞台,近距离欣赏歌队表演和投影装置,沉浸在真实与虚拟交融的宇宙。导演透过人工化的美学创造出炫目又迷幻的感官效果,带领大家迈入人类世的不确定感。 以《优雅的印度诸国》(Les Indes galantes)闻名的街舞编舞家Bintou Dembl在《G.R.O.O.V.E.》中带领观众游走于庞毕度美术馆,透过吟唱、电影、装置、街舞的多元交融,体现跨文化的魅力。剧末,舞者请观众一起上台、重复相同的姿态与律动。演出不仅瞬间成为嘻哈派对,更宛如一场集体的街头运动.Bintou Dembl透过鼓动的节奏勾勒出群体狂欢的气氛,建构出集体行动的壮观场面与震撼能量。
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焦点人物
罗密欧.卡士铁路奇:打造让人体会平庸之恶的当代仪式
继2018年的《美国 民主》,义大利导演卡士铁路奇再度造访台中国家歌剧院,这次带来的是《兄弟们》(Bros),讲述一群征募而来的男性演员,必须签署协定,严格遵守远端下达的指令参与演出,他们在舞台上穿著警察制服,呈现藉法律之名行使的暴力。卡士铁路奇因2018年法国「黄背心运动」时,在巴黎每日看到警察在门前巡逻而发展出这个作品,透过繁复意象与冲击的感官效果,他想让观众体验的是「平庸之恶」。
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巴黎
巴黎秋天艺术节9月启动,2档限地演出为奥运暖身
巴黎秋天艺术节于9月初正式启动.去年甫上任的总监可和娜(Francesca Corona)特别策划2档免费的限地演出,成功结合表演艺术与城市空间,邀请民众为明年的奥运盛会提前暖身。 来自巴赛隆纳的双人团体El Conde de Torrefiel于露天公园呈现《超虚构计划一号》(Ultraficcin nr. 1),在夕阳与夜幕交替之际,观众透过12 X 6米硕大银幕上的文字投影及撼动音效,深入时空交错的故事情节:巴黎恐攻、难民渡海、坠机事故、公园内女子狂欢失足的意外。尽管整体演出让人有置身蚊子电影院的错觉,但现场不时出现呼应叙事内容的行动与场面:引领羊群穿越群众、摇晃树丛、扬长而去的车辆。El Conde de Torrefiel营造出徘徊在真实与虚幻间的剧场感,以理性阅读及感官接收,扩延观者的想像与感知。 义大利编舞家Alessandro Sciarroni则在20世纪初兴建的公共泳池,为巴黎奥运揭开序幕。《IRIS》融合游泳竞赛和阿卡贝拉合唱,让编舞从身体扩延至声音与空间。对编舞家来说,这座泳池宛若一种特殊仪式的场域,它让市民放松、重生、挑战体能极限,而且建筑结构可以产生如大教堂的回音,使人暂时放下城市烦嚣,徜徉在超越时空的神圣氛围。《IRIS》的表演者除了12位演唱中世纪宗教音乐的合唱者,还包含7位青壮年泳者,其中4名还是残疾人士。这并非Alessandro Sciarroni首次与身障者合作,2015年的《曙光》(Aurora),他已彰显「盲人门球」的舞动魅力.他从幼年起就被唐氏症阿姨照料,体会身障者即使能力或体力有所限制,但他们比一般人更想要超越自我。透过竞赛和演唱,Alessandro Sciarroni呈现出奋斗不懈的体育精神,体现奥运的荣耀价值。
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日内瓦
剧场大师陆帕与日内瓦剧院冲突,导致新作《移民》取消演出
波兰剧场教父陆帕(Krystian Lupa)遭遇创作生涯40年来的最大挫折。他的新作《移民》(Les migrants)在首演前一周突然喊卡,制作方日内瓦剧院因艺术团队与技术人员之间的冲突,决定撤资,导致亚维侬艺术节不得不取消整档演出。 将迈入耄耋之年的陆帕可说是欧陆当代剧场最重要的大师级导演,他不仅重视作品的文学性,也擅长在舞台上营造幽微的时间感。他多次挑战艰涩的长篇小说,透过演员的即兴表演,深入语言无法表述的感性氛围,建构出长达5、6个小时的演出内容。 技术人员指出,《移民》创作期间,陆帕不仅完全没有准备,数次提出超越原定计划及预算的不合理要求,也用辱骂和讪笑的语言调侃工作伙伴,让排练陷入紧绷的气氛。首演前,他不断更换技术需求,让团队陷入兵荒马乱的窘境,甚至大声斥责长期合作的翻译伙伴,导致她精神崩溃。团队强调,即使陆帕贵为闻名国际的剧场大师,但无人能忍受这种狂妄又失格的工作态度。 风波之后,陆帕在法国媒体上表示歉意,说明自己因确诊出现健康危机,在压力下无法维持身心灵的平衡。但他也控诉日内瓦剧院完全不尊重受邀艺术家,对他集体霸凌;技术团队墨守成规,无法适应他的工作方法,而且不顾演员的努力与意愿,持续施压馆方,导致无法挽回的下场。 这场风暴突显出不同世代剧场人对于艺术价值与工作认知的差异:「为艺术牺牲」是否成为压榨劳动力的借口?排练工作是否能跳脱伦理束缚和权力结构,促成平等共创的局面?馆方如何协调艺术团队与技术人员,让双方齐力合作?都是亟待解决的难题。
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里昂
剧院补助遭删,经济危机波及「文化分权」政策
受COVID-19疫情与乌俄战争影响,通货膨涨、能源价格高涨冲击法国表演艺术界,加上右倾政客删减文化补助,使剧场人陷入存亡之秋.这场危机让业界人士开始反省「文化免议」的原则是否造成作品过度生产?从1950年代开始推行的「文化分权」(dcentralisation culturelle)政策是否面临僵局? 4月底,奥罗阿大区(Auvergne-Rhne-Alpes)文化委员会以「沟通不良」为由,删除「新世代剧院」(Thtre Nouvelle Gnration)的年度补助,让这座42年来致力发展青少年剧场的里昂戏剧中心陷入财务危机.这场风波其实源自剧院总监Joris Mathieu,他公开批评当地右派政府以恐怖手段干预文化事务:缺乏专业协商、以区域平衡为借口任意删减补助金、文化预算分配不符合人口比例等。此举重挫法国引以为傲的文化分权政策,使剧场成为政府节省预算的刀俎。 事实上,新世代剧院并非唯一的受害者,里昂歌剧院和民众剧院(Thtre National Populaire de Villeurbanne)的补助款也遭删减,使两个国立场馆不得不樽节营运,被迫暂时闭馆或取消演出。据民众剧院副总监Florence Guinard表示,当前的窘境让所有人必须面对公立剧场发展的僵局,它为何如同私立剧院,要承担盈利、效率、明星化的问题?我们该如何实践它服务民众的价值? 目前,法国表演艺术界面临产量过剩的难题。根据统计,2019年文化部委托的700出舞蹈创作,有24%只演过一次,而2.3%才能巡演超过5年。市场萎缩、补助樽节等问题让各大场馆必须放弃独家制作的专利,采取共制、「健康负成长」的永续经营模式.艺术家也必须思索如何拉长时间,创作出精致且优良的小型作品,而非一味地贪图炫目且烧钱的大型制作。
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亚维侬
亚维侬艺术节新任总监首发,带领观众深入流动的世界观
4月初,葡萄牙导演罗提吉斯(Tiago Rodrigues)揭晓第今年亚维侬艺术节的神秘面纱.在首任外国总监的策划下,这场具有77年历史的艺术盛会不仅承接了前人树立的文化典范与价值,也开创出深具前瞻性的全新风貌。 在罗提吉斯的主导下,今年的艺术节跳脱了国家种族与美学形式的分野,以「英文」作为策展主题.他希望带领观众深入流动的世界观,以审视近代殖民史的复杂脉络、文化的多元性与人类的共通价值。在44档节目中,共计有33出全新创作,其中一半是世界首演。受邀创作者里,75%是首次造访亚维侬艺术节的新面孔,更有55%是女性。黛丽克(Julie Deliquet)是继莫虚金之后,史上第二位荣登教皇宫的女性导演,她将改编美国纪录片大师怀斯曼(Frederick Wiseman)的作品《福利》(Welfare),探讨现代社会的机制失调。 「人类的脆弱」仿佛是今年艺术节大多数节目的共同主题。无论是波兰导演陆帕探讨流亡创痛的《移民》(Les migrants)、法国导演戈瑟兰描绘存在虚无的《灭绝》(Extinction)、米洛.劳突显政府非法侵占农民与原住民土地的《亚马逊的安蒂冈尼》(Antigone in the Amazon)、巴西艺术家Carolina Bianchi和Cara de Cavalo控诉迫害女性的《新娘╱晚安,灰姑娘》(A Noiva e o Boa Noite Cinderela),这些作品都直指当代社会的矛盾核心,展现出「弱」的力量。 今年亚维侬的亮点还包括非典型剧场空间的开发。肯恩的新作《人间乐园》(Le Jardin des dlices)将重返久违7年的波旁采石场(Carrire de Boulbon),透过交织复古和科幻的风格一探荷兰经典画作。里米尼纪录剧团导演凯吉则与6位跨领域艺术家,将带领观众在森林中经历一趟长达7小时的《共享风景》(Paysages partags)。
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巴黎
巴黎市立剧院与夏特雷剧院迎来新气象
位于塞纳河畔的巴黎市立剧院(Thtre de la Ville-Paris)与夏特雷剧院(Thtre du Chatelet)拥有160年的悠久历史。今年春天,这两间剧院分别将修缮完成与确认新任总监。它们的重振旗鼓不仅为巴黎带来崭新的文化风气,也透过表演艺术的光芒,提前点燃明年的奥运圣火。 2016年,市立剧院闭馆整修。距离上次修缮已长达半世纪,市立剧院亟需处理建筑结构的铅污染。但原本预计为期3年的工程延宕至7年,让迁址卡登艺术空间(Espace Pierre Cardin)的行政团队不得不与其他场馆共享大型演出。工程拖延的原因除了因应技术工会要求、将手动灯杆更换成电动悬吊系统,2019年在工地演出的沉浸式剧场《Dau》也严重破坏剧院墙面与地板,必须修复;加上疫情影响,市政府又追加剧院外观拉皮工程,整修总金额比原先预算增长1.4倍(注)。今年9月剧院终将重新开幕,并更名为「莎拉.伯恩哈特市立剧院」(Thtre de la Ville Sarah-Bernhardt),以纪念这位逝世百年的传奇女演员。 以轻歌剧为主的夏特雷剧院在2019年整修后,由麦肯锡(Ruth Mackenzie)担任总监,但她专断独行的作风引爆管理危机,又陆续推动大型制作,导致剧院亏损连连。隔年麦肯锡被迫辞职,剧院陷入无主窘境。尽管去年剧院卖座率高达95%,但节目取向青黄不接,遭致批评。2月初,前任亚维侬艺术节总监欧利维耶.毕(Olivier Py)正式入主夏特雷剧院,巴黎市政府希望借助他歌剧导演的专长和经营场馆的经验,扭转剧院颓势,开拓全新前景。 趁著两间剧院的汰旧换新,巴黎市政府也预计将分隔它们的广场打造成无车的人行步道,让表演艺术的能量注入巴黎市中心,向前来欣赏奥运的世界观众展现法国的文化风范。 注:整修预算从2,600万增加至3,600万欧元,约是新台币11亿7,000万元。
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焦点人物
波赫士.夏玛兹:引领乌帕塔舞蹈剧场迈入新纪元
睽违5年,法国重量级编舞家波赫士.夏玛兹(Boris Charmatz)将再度访台,于本月带来新作《一万种姿态》(10000 gestures)与《半醒》(SOMNOLE)。近年来,擅长解构编舞语汇的他游走于欧美各大剧院与美术馆,备受注目。自2022年9月接手乌帕塔舞蹈剧场(Tanztheater Wuppertal)艺术总监以来,他能否承袭鲍许(Pina Bausch)的创新精神,发展出超越舞蹈剧场的表演型态,亦成欧陆舞蹈圈关注焦点。
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巴黎
姬尔美可《森林》首度尝试以经典绘画为灵感之作
随著舞者流动,漫步于罗浮宫,透过绘画与体态开启经典与当代的对话比利时编舞家姬尔美可(Anne Teresa De Keersmaeker)与新锐艺术家Nmo Flouret应巴黎秋天艺术节邀请,创造出独一无二的现地表演《森林》(Fort)。 今年初冬,舞蹈为入夜闭馆后的罗浮宫注入了一股前所未有的活力.当游客人潮散去,500名观众依照不同路线,分批走进占地5,000平方公尺的德农馆(Denon).在11位舞者的带领之下,游历30幅旷世巨作,共享一场跨越绘画与肉身、静态与动态、永恒与刹那的体验。 《蒙娜丽莎》、《自由领导人民》、《梅杜莎之筏》这座《森林》不只林立著闻名遐迩的古典绘画,风华正茂的舞者也穿梭其中.他们透过姿态,揣摩画中人物的动作、姿态及神情,并运用动作扩延画作的空间、线条与细节,打开观众的视野与感官。 姬尔美可并非首次在美术馆空间呈现舞蹈作品,但《森林》却是她第一个以绘画为灵感的创作.面对德农馆H型的建筑结构,她特别邀请近年致力挑战非典型空间演出的Nmo Flouret设计观众与舞者的动线,制造出构图、景深、视角等多层次的变化.对他们来说,舞蹈与绘画的连结不仅使画作中的凝结场景与情境变得更生动,更同时提供宏观与微观的视角,激发各种赏析作品的方式. 除了姬尔美可,许多法国艺术家近期都纷纷走出黑盒子,在各式各样的非典型场地实验编舞创作的全新可能,无论是剧院的回廊、后台、展场的地下室、大楼的停车场等.他们试图运用空间变化及沉浸体验,消弭舞台与观众的隔阂,营造出更直接纯粹、更针锋相对的观演关系。
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巴黎
2024巴黎奥运盛典由剧场人揭幕
9月21日,巴黎奥运暨帕奥筹备委员会(Cojop)宣布由托马.乔利(Thomas Jolly)担任开闭幕式总导演。继2004年希腊编舞家帕派约安努(Dimitris Papaioannou)之后,张罗4年一度普世庆典的责任终于再度由剧场人主导。这位迈入不惑之年的后起之秀,2年后能否创办一连串融合体育精神、城市特色、文化风采、时代趋势的艺术飨宴,撼动全球观众的目光? 乔利以马拉松式的莎剧改编惊艳法国剧坛。他不仅热爱经典文本,数次挑战许多人认为不可能搬演的「案头剧」,也善用丰富的视觉与声光效果,获得不少年轻观众的青睐。近4年来,他以青年导演之姿企图征服亚维侬教皇宫,又入主昂热河岸戏剧中心(Quai Angers),成为法国戏剧界最受人瞩目的耀眼新星。 从2021年春天开始,巴黎奥运筹委会就开始遴选负责开闭幕式的导演,乔利从70多位表演艺术、电影界、时尚圈等专业人士中脱颖而出。筹委会赞许乔利捍卫法国剧场的传统价值,又贴近主流文化,完全符合2024巴黎奥运突显脉络相承、兼容并蓄的目标,主席Tony Estanguet强调:「乔利导演上的非凡成就证明他熟知如何打破形式分野,将艺术提升到最高层次。」 历经恐怖攻击、圣母院大火等种种磨难,巴黎奥运筹委会希望借由2年后的体育盛事让全体国民感到骄傲与团结。总预算目前高达约42亿新台币的巴黎奥运开闭幕式将以塞纳河作为策画主题与叙事轴线。一连串节目将从体育场出走,沿著贯穿城市的12公里河岸铺展开来,一步步回溯法国文明的发展历程。对乔利而言,怎么发展流动性的叙事景观、如何化名胜古迹为舞台场景、要创造出何种动人又充满诗意的视觉效果等,都是他跃跃欲试的挑战。