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秦大悲
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聚光灯下 In the Spotlight 演员王肇阳 表演，是我衍生出来的东西
「这里让我非常自在，可以放松地聊、自然地说出我想说的事情，有些场合我不行，会顾虑很多，在这里不会。」王肇阳坐在中和华新街的清真云南小吃店里，边啜饮著奶茶边说。一向喜欢小吃与路边摊的他，2023年结束马来西亚与台湾合制的《同栖时间》吉隆坡演出后，仍著迷于那里的食物风味与生活节奏。 王肇阳，彰化人，37岁天蝎座A型，母语台语，INFJ提倡者（编按）。自我介绍时会把职业定义为「自由演员」，不是剧场、影像，或是任何其他特定类型的表演者。「自由」听来无边无际，但认识他的人就知道，这两个字若发生在他身上，那就必然代表著深思熟虑后的选择。细数他的表演经历，若从2011年退伍后第一档正式售票演出《迷彩马戏团》开始，王肇阳在表演领域的资历已近14年。 追求有限度的自由，让表演成为一件工作 现在的王肇阳，似乎少了一种愤怒感，像是在某些转折后，来到职涯人生的另一种阶段。 「最近几年听到有人说，表演其实是一件很自私的事情，现在对我而言，好像比较是这样子，是一种自我追求，纯粹是我喜欢透过表演，得到一种很自由的感受。」他突然切换语速模式，兴奋地分享从日本旅行放风回来的见闻，那是一间在乐迷之间很热门的爵士俱乐部「Blue Note Tokyo」。讲起这个难忘的夜晚，他慵懒的身体瞬间充满能量。他与朋友是临时起意的造访，那晚的主要表演者是美国爵士钢琴家Billi Childs，搭配3位不同国籍的乐手演出。这是王肇阳第一次到专门的场地欣赏纯粹的爵士音乐表演，看完后激动得难以名状，感动不已。爵士乐由乐手的个人风格出发，同时探索乐曲的各种可能性，在台上表演者彼此有基础共识的状态下，游走在音乐的语境里，与同台伙伴靠近或比拼，没有过多的预设，却处处是专业。 这般带著规则却同时拥有无限自由的演奏方式，唤醒王肇阳心底对于表演理想的图像。「我坐在台下，默默觉得，能够这样跟自己视野、想法差不多的人一起演出，真的是好像在飞！这种机会真的太难得了，我好希望以后的合作都可以像这样，这是身为表演者应该都很想追求的事情。」 能够好好表述自己在职涯所追求的状态，当然也曾经迷惘过，在这个产业谁没有呢？刚入行不久，王肇阳便顺利接到国际大型制作的巡演，有资源的剧组把每
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新锐艺评 Review世事难料廖添丁
世事难料，廖添丁竟在百年后于舞台重出江湖；世事难料，曾经耳熟能详的姓名传到现在竟无人知晓。 廖添丁，疑似听过却有些陌生的姓名。这个世代对他的印象多半止于一位日治时期的义贼，关于他的故事则鲜少听闻。民俗文化与乡野奇谈在今日逐渐出现了断层，传统需要在现代社会重新找回它的脚步与价值，结合新时代的科技与文化延续其传承，以不致被迅速更迭的世代浪潮冲散。 《阮是廖添丁》这部作品透过改编廖添丁的故事，尝试找回散失的「台湾特色」，并以创新的编排为原先的故事内容加入新颖的色彩。此部歌舞剧以日治时期的台湾为背景，透过3位女子结义的故事重新诠释廖添丁这号人物，也反映女性在日治时期的社会体制下的限制。歌舞剧的演出形式搭配朗朗上口的歌曲，很快便让人沉浸于当年的时代氛围，戏剧与魔术、影像、武打的结合更是令人看得目不转睛。此外故事本身也有不少亮点，像是剧本中有出现多句结合时事的台词，或是配角管家突然拿起麦克风说唱。这些安排都让剧院宁静的气氛变得活泼热烈，也为这则经典故事增添了现代文化的趣味。 然而相较这些加入的元素，故事本身的编排和角色的塑造却略显单薄，不容易在角色身上看到他们行为的动机，感情和情绪的转折也有些过于突然。例如魔术师Crystal和高中生Yuli在戏中曾一度出现对情感与理想的挣扎，但随著剧情发展却戛然而止，让人看不到这些角色的更多面向。戏后阅读演出介绍才得知这些角色是依循田野调查所构筑的，亦即这些角色的形塑都有真实人物作为参考。但问题可能就在编写的过程中进行了过度深入的调查，以致忘记除了编剧外，大部分观众都完全不晓得这些人的故事和经历。因此在呈现中省略了太多该让观众知道的背景知识，反而让人感觉在这些角色在故事里被压平，缺少更多刻画和描绘，而他们的感情与想法也只有蜻蜓点水般地带过。 此部作品在叙事和角色塑造上有些过于浅薄，加上使用歌舞剧的演出形式，不容易让观众了解该时代女性所受到的待遇，也难以呈现台湾人在文化认同上的冲突与矛盾。但它就民俗文化的传承而言具有其意义，因为它所讲述的是快被这个世代所遗忘的人物和故事。而它同时也是一次有趣的尝试，将许多现代的元素融入表演，如果能在人物与情节上多加著墨，相信观众会对这则传奇有更多的想像和认识。
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戏剧 改变理解的惯性，体验装置艺术的完成《脱壳》 用龙虾连结未知的感受与经验
「《脱壳》可以让你感受到⋯⋯」在导演陈煜典还在犹豫用词的时候，装置艺术家范承宗接著说：「会让你脱壳。」这是《脱壳》两位主创者描述这个作品能够带来的感受。 如此抽象。 抽象可能是作品最后的样态，但也是起点。《脱壳》来自于陈煜典收到台北艺术节的邀请，从「非人类中心」为讨论起点，然后选择「龙虾」为主题，接著回应自己希望做没有语言、也没有明显情节与角色的作品毕竟要用龙虾写一出戏，或要某位演员演只龙虾，听起来都很荒谬，而必须瞄准其他表达相对强烈的元素或方向切入。于是，这与常观看剧场作品的范承宗曾于IG限时动态，希望能有剧场邀约，以及陈煜典翻阅到范承宗以海洋生物为主题的「龙宫」系列作品，既是巧合也是契合，促成合作不用语言的机缘，碰撞出不想使用语言的媒合，也是如此抽象。 这样的合作契机，进一步造成两种主体（剧场与装置艺术）必须改变彼此的运作方式，更提供观众不同的观看视角。
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新锐艺评 Review再不换气就缺氧
《呼吸》（Lungs）为英国剧作家邓肯．麦克米伦（Duncan Macmillan）的作品，于2011年在美国华盛顿首演后获得热烈回响，并翻译成不同语言在世界各地上演。本次在台北表演艺术中心蓝盒子的演出为四把椅子剧团进行「在地转译」后所搬演的华语版本，并邀请到剧场出身、现活跃于台湾影剧圈的演员情侣档刘冠廷、孙可芳担任男女主角。 《呼吸》借由一对年轻中产阶级情侣的对话，探讨「要不要生小孩？」的议题。故事始于一个再日常不过的场景，两人正在逛IKEA家具店一个作为「成家」的鲜明象征的场所，光是身处于其中就足以令人产生「家」的错觉来自男子（M，刘冠廷饰）试探性的提问，始料未及的像是触动了禁忌的开关，令接下来所发生的一切偏离安静恬淡的日常，毫无方向的乱撞猛冲。两人之间的对谈，从人生心愿到资格论，从个人上升至社会级别的问题意识，像是从大数据库把对此议题的所有可能性与价值取向都召唤出来，浓缩在两人没完没了的「讨论」里。 本剧运用巨量的言语来传递焦躁纷乱的思绪，浮动的立场、跳跃式的思考、荒谬的发言，彰显两人对未知的茫然以及对决策的迟疑，在此之前的所有认知与价值中心再也不是那么的坚不可撼；中途一不小心就发表出极端言论，以如今政治正确的时代氛围下，「越界」的实话与真心话究竟能不能被允许诉说？剧作家更透过取消舞台的转场、灯光变化、背景音乐等，让演员担负起表现剧情转折的重责大任，而观众也必须直面共享在场演员╱角色的焦虑与压力，全程感受无尽的消磨与折磨。
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新锐艺评 Review
致那些在时间里褪色，复兴无望的「芭乐」
导演与剧作家虽然正视爱情故事与华语情歌的浅薄和庸俗，高度后设地将庸俗内容加以串起，试图借助情歌的音符使其流动。但本戏场面调度对大剧场的适应不良，加上剧本中的流行情歌只能存在于特定时代同辈⼈的集体记忆里，使得创作者试图在「芭乐」中寻找光影、增添厚度的努力显得徒劳。
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特别企画 Feature 艺术家请回答：重演？不重演？这是个值得考虑的问题娩娩工作室：没有放弃过说好一个真正的悲剧
重制一个作品一直是很困难的，在市场的接受度上，议题敏感程度左右著大众娱乐性，且主宰著观众话题与购票趋势。 《死死免了米》是娩娩首次入围台新艺术奖第16届决选，同时也是极少数娩娩重制过的中大型作品，内容环绕长照、劳工、底层女性为主，所创作出的视觉、听觉美学，以及与导表演、剧本再创的火花，十足刺激且令人战栗，首轮演出后隔年受邀至「关渡艺术节」加演。但《死死免了米》虽叫好却非常不叫座，无论是首演或加演票房都相当不佳，也是娩娩制作史上亏本最大的一出戏。 在2023年11月份的《PAR表演艺术》杂志中，纪蔚然老师的〈「悲剧」缺货〉正正打入剧团的心，在悲剧缺货的年代，我们从来没有放弃过说好一个真正的悲剧，期盼来年有机会，能够再次将此制作重燃，让微弱且坚毅的火光再现。
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特别企画 Feature 艺术家回应林祐如、田孝慈：学习打破原有知识范畴
过往作品多以肢体表达内在情绪与幽微张力的编舞家林祐如、田孝慈，首度合作是在2022年两厅院35周年系列活动「2057：给35年后的活存演习」（后简称「2057」）的《只能看见部分的折叠的绿洲喝空运动的酒瓶与婴儿》（后简称《只》）想像35年后的未知；一年后，她们在2023台北艺术节「万物运动」交出续作《SUPER》，思考极端时代中的「人」究竟是什么样的存在，已于8月首演。两作的幕后推手都是策展人林人中。 策展提出框架，但不是命题作文 「『2057』人中提出的概念，正是我们在经历的事情，离我们并不遥远，我们都在关注、感受、预备，这件事对我并不困难。」林祐如回忆一年前对策展主题的理解，而这次「万物运动」思考在后疫情时代，如何跳脱人类本位主义，转而从万物的角度来看人类社会与自然生态的关系，与她们在《只》之后进一步思考「人是什么？」又玄妙地搭上线。于是在林人中的二度邀约后，她们才毫不犹豫地接下邀请。 田孝慈认为，参与策展主题的创作模式，并不像被命题作文，而是透过策展人回应世界现状的观察，「某种程度先收束了无边无际的创作母题，让我们在这样的框架中投射自己的想法。」但她们也明白议题先行的框架限制，容易让作品落入说教的窠臼，因而在两作中都刻意用中性的表达，不刻意引导观众「往太绝对、特定角度的方向思考」。 田孝慈也表示，《只》与《SUPER》因有林人中的策展框架，成为她「向外看」的一大契机。她反思：「过去创作很个人，不会放太多注意力在外部的世界，有人中这样的角色，帮助我打开视角去观看。」
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特别企画 Feature 1987-2022台湾音乐剧新浪潮来袭
「我不是在剧场，就在前往观赏音乐剧的路上。」上述这种想像中的情景，应是台湾音乐剧创作者多年期待。没想到2022年，台湾原创音乐剧发展迈入35年的当下，美梦似乎已成真，整年都有表演上档。单就4月，全台逼近15出原创音乐剧轮番上演，加上国外IP授权及直接引进的制作，2022年3至6月的演出数量，相当于2018一整年，而2018年几乎可被视为台湾原创音乐剧首度大爆发的一年（注1）。
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特别企画 Feature台湾音乐剧产业的想像与实践
如果说歌剧是艺术导向、流行音乐是商业导向，那么「音乐剧」究竟是商业或艺术呢？
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特别企画 Feature2021 Par 年度最佳＿＿奖
您在2021年看过最棒的演出是哪一场呢？ 端著这个问题，我们邀请了各领域的10位评审，点选他们所喜爱的年度创作。 2021，是异常艰困，也是充满各种新的可能性的一年。这年，台湾迎来疫情第二波高峰，我们所喜爱的表演艺术因现实挑战而出现危机，但表演艺术工作者们仍积极地以实际创作行动，改变回应世界的方式，彰显其所信仰的创作价值。 我们观察，当年度的亮眼作品皆包含（但不限于）以下特点：它们积极打破舞台的第四面墙，创造崭新的连结，打开艺术与观者对话、互动的新场域；它们在非常规演出空间，充分因应该空间特质发挥表演性；它们有效使用数位工具，创造虚实整合的崭新剧场体验；或在数位加速度的两年间，它们不炫技，依然在剧院空间中专注于表演、舞台本质。 这年的演出依然有著不逊色于往年的创作能量，首届「Par年度最佳＿＿奖」尝试用10件强劲的作品，勾勒动荡时代的轮廓，也希望邀请您回顾您的2021年，并提出属于您的年度最佳＿＿之作。 编按：10件年度最佳＿＿奖依演出时间╱推荐人观赏场次之顺序排列。
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戏剧
打破参与式戏剧观演关系
若把「参与式戏剧」、「沉浸式戏剧」、「环境剧场」等表演类型共同视为光谱中的一区，则其艺术手法主要诉求或可大致分为两点：第一，对非典型空间的转化与利用；第二，打破传统观演关系，制造观众更主动、独特、或者私密的观看经验。本文接著将以后者为重点，简述该价值在历史中的流变与转化，以及《好事清单》在其中所起的作用与锚定的位置。
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焦点专题 Focus 瘟疫关上剧场之门 继续生存的大哉问
表演艺术产业，疫情下如何度难关？（上）
十七年前的SARS，重创过台湾的表演艺术产业，但表演团队挺了过来，而当下正热烧蔓延的武汉肺炎，在时空条件变换之下，为表演艺术带来的是更严峻的寒冬，我们又将如何应对？在演出延期、停演的现实中，虽有文化部与各场馆的纾困方案与协助，与除了有与其他行业面临的相似困境外，表演艺术产业更有其本质性的脆弱体质，如何活下来，继续让人们可以享有艺术的动人力量，是所有从业者必须面对与思考的严肃课题。
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戏剧
现实问题在有与没有之间
这名始终站在「炎性」事发地点旁，以宛如播报员口吻说明事由的人，也为剧本带来前后一致的冷调性。然而这份「冷」，最后却成为贯穿整出作品的主轴。三位主角乘载的议题与痛苦从原先膨涨、饱和、塞满的处境，被转化成宛如幽灵穿梭于不同场景，若有似无的形象。
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ARTalks
插进现实的一把匕首
敏锐的声音效果、真实的口语腔调、简约却紧扣现实的舞台设计。这出戏一开场就出手不凡，令你眼睛一亮是的，这就是久违了的剧场感，剧场不是故事的容器，不是故事的附庸，不是话剧的精致化，剧场就是剧场，剧场就是主体，它既涵纳故事，同时也用属于自己独一无二的美学形式，不一味依赖口语表达的叙事逻辑，而直接用全感官的觉受表露丰富的感性与意义。
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戏剧
鬼影变身，阴魂不散
综观来看，《群鬼》从原剧到改写，已然是两种脉络不同的产物，后者以更直接而充满讽刺的调性召唤出前者的时代精神，成功地呈现、呼应了台湾语境，与原剧旧魂的牵绊达到了一个有趣的平衡。此剧亦可说是简莉颖继《服妖之鉴》、《叛徒马密可能的回忆录》之后，将真实与谎言的命题推到最极致的一部作品。