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华格纳
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焦点专题 Focus超越生死的黑夜宣言
理查．华格纳的《崔斯坦与伊索德》（Tristan und Isolde）是音乐与歌剧史上重要的里程碑，不仅代表著他个人创作生涯的关键转捩点，更是对人类情感与潜意识的深层挖掘。作品最为人称道的和弦与动机紧密交织，打破了传统和声的疆界，营造出永无止境、无法获得满足的强烈渴望与不安定感。对华格纳而言，独特的和弦并非刻意的叛逆，而是他用以实践「过程的艺术」之核心工具，透过不著痕迹的和声转换与极致成熟的管弦乐混合声响，让难以言喻的爱与渴望在音乐舞台上得到完美升华。 为了引领乐迷深入这场极致的美学革命，本专题特别规划了双向视角的深度探索。专题前半部分著眼于历史与创作脉络：上篇将带您回到华格纳创作此剧时的人生际遇，探寻他内心的知性情愫与《威森董克之歌》的诞生渊源；下篇则深入剖析剧本对中古史诗的改编、主角几乎完全抽离现实并处于主观内心世界的独特剧本结构，以及其在调性与和声上的伟大美学成就。最后则将目光投向当代的舞台实践，聚焦于台北市立交响乐团即将在9月推出的年度歌剧盛事。我们抢先剖析这部德奥最具挑战性的巅峰巨作，探讨导演如何扬弃写实时空，以白昼与黑夜的深层隐喻，带领台湾观众见证超越生死的灵魂救赎与情感骇浪。
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焦点专题 Focus华格纳《崔斯坦与伊索德》 咫尺天涯的爱情宣言（上）
文学热爱者华格纳（Richard Wagner，1813-1883）的图书收藏里，与19世纪欧洲中古文学相关的著作占了一半以上，骑士崔斯坦自在其中。但相较于其他酝酿多年的写作计划，华格纳起心动念以其为核心写作歌剧，则相对地晚。在他的《崔斯坦与伊索德》（Tristan und Isolde，1865）（注1）之前，舞台作品使用「药酒之爱」的杰作，远有莎士比亚（William Shakespeare，1564-1616）的《仲夏夜之梦》（A Midsummer Night's Dream，1594-1596），近有董尼才悌（Gaetano Donizetti，1797-1848）的《爱情妙药》（Lelisir damore，1832），二者皆为喜剧，并且药酒之爱在全剧仅为插曲的功能。 在华格纳以崔斯坦为主角的作品里，药酒则跃居全剧核心，成为渴望爱情的同义字，映照著作曲家写作该剧时的人生际遇。华格纳于其中发展出的音乐戏剧语言，让该作品不仅为其个人创作的转捩点，更是音乐史与歌剧史上的里程碑。
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焦点专题 Focus华格纳《崔斯坦与伊索德》 咫尺天涯的爱情宣言（下）
华格纳《崔斯坦与伊索德》的源头为勾特弗利德（Gottfried von Straburg，约逝于1215前后）未写完的史诗《崔斯坦》（Tristan），由它衍生出众多不同语言的「崔斯坦」小说。文学里，恋爱中的男女不顾世间的道德规范，沉浸在自己的爱情中，那份执著直让世俗的道德观显得可笑，使19世纪德语文学界对它产生高度兴趣，而有许多译本和延伸之作；华格纳的图书馆里至少就有3个版本。相较于华格纳其他作品，会由不同来源取材重新编排，《崔斯坦》的情节皆出于「崔斯坦」文学，但聚焦于男女主角的爱情发展，骑士事功仅选择性地在背景呈现。 文学里，崔斯坦生命里有3个伊索德：他为马可王迎娶的少女伊索德、她的母亲以及因战功被赐婚的伊索德。歌剧的剧情虽集中在少女伊索德上，其他两位也留下了痕迹：文学里治好崔斯坦伤势的是母亲伊索德，歌剧里转给少女伊索德；文学里的舅舅莫洛（Morold）在歌剧里成了未婚夫。文学里，崔斯坦因致命伤势，少女伊索德是最后的希望，在见到搭载她的船只踪影时，赐婚但不被爱的伊索德告诉濒死的骑士，是黑旗，崔斯坦绝望逝去；少女伊索德上岸后，躺在崔斯坦尸体旁，亦离世。华格纳1854年12月16日给李斯特的信中写著：「我好想以全剧结束时飘动著的黑旗盖著我自己，并且就这样地死去」，即是影射文学原作。歌剧第3幕里，最终则仅留下了男主角问「那旗？那旗？」（Die Flagge? Die Flagge?）。
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焦点专题 FocusTSO汇集当代名家，挑战会「吃掉歌手」的《崔斯坦与伊索德》
在音乐史上，理查．华格纳有著突破传统、颠覆音乐史的定位，而他所创作的《崔斯坦与伊索德》，无疑是这场美学革命中最具代表性的里程碑。这部作品不仅打破了传统和声的疆界，更是对人类情感与潜意识最赤裸、最深邃的挖掘。 今年9月，台北市立交响乐团（TSO）将推出这部德奥歌剧最具挑战性的巅峰之作。这也是 TSO 首席指挥亚历山大．里柏瑞契（Alexander Liebreich）首度率领乐团制作歌剧，在他的引领下，结合国际一流的华格纳歌手与国际知名歌剧导演克里斯蒂安．雷特（Christian Rth），带领台湾乐迷一同走进这场震撼心灵的作品。 挑战歌唱极限，与死亡擦身的「歌手吞噬者」 演出长达4个小时、充满极端情感张力与高密度管弦乐声响的《崔斯坦与伊索德》，至今仍被公认是歌剧史上最具挑战性的作品之一。对所有歌者而言，这部作品都是体力与精神的极限挑战；其中饰演崔斯坦的男高音，更被公认是歌剧界最艰巨的角色之一。尤其在第3幕中，几乎全由崔斯坦主导，他必须在濒死、恍惚的状态下，几乎独力支撑起近一个小时的演出。正是因为如此超乎常人的体能与情感负荷，无怪乎歌剧世界里长期流传著一句话：《崔斯坦与伊索德》是一部会「吃掉歌手」的作品！ 回顾历史，此剧的诞生过程确实充满了近乎神秘的悲剧色彩。1862年华格纳完成此作后，维也纳宫廷歌剧院展开首演准备。然而，面对前所未见的调性模糊、庞大的背谱负担与乐团演奏难度，在历经两年、多达77次的排练后，维也纳宫廷歌剧院最终宣布这部作品「无法演出」，首演计划也因而被迫取消。当时参与排练的男高音安德（Alois Ander），甚至因长期排练与巨大压力而身心俱疲，在公开表示作品「无法演唱」后，也在首演计划取消后不久辞世，为这部作品添染上了悲剧况味。 即便后来在巴伐利亚国王路德维希二世的全力支持下，觅得有传奇「施诺尔夫妻档」（Das Ehepaar Schnorr von Carolsfeld ）之称的男高音路德维希（Ludwig Schnorr von Carolsfeld）及女高音玛尔维娜（Malvina Schnorr von Carolsfeld） ，首演之路依旧波折不断。虽然饰演伊索德的玛尔维娜在首演前夕突然失声，导致演出延期3周，
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音乐NSO《女武神》 解构神话，凝视当代
理查．华格纳（Richard Wagner）的歌剧巨作始终是音乐殿堂里巍峨的高峰，回顾国家交响乐团（NSO）近年来的演出，从指挥简文彬 2002 年选定《女武神》（Die Walkre）第三幕作为乐团「歌剧系列」的跨越性尝试，为 2006 年的全本《指环》歌剧演出奠定了关键基础，到吕绍嘉在2013年至2017年间领军演出的《女武神》，这部经典已在此舞台激荡出多种面貌的诠释。2026年盛夏，《女武神》的乐声将再次响起，由现任音乐总监准．马寇尔（Jun Mrkl ）领军，带来备受瞩目的半舞台（Semi-staged）形式音乐会。此次制作在剧场导演涂也斐的操刀下，以截然不同的视角剥开北欧神话的厚重外衣，引领观者走入一场关于权力、爱与自我觉醒的深刻叩问。
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四界看表演 Stage Viewer绘画与音乐交织共振 再现艺术革命年代
色彩是琴键，眼睛是琴槌，而灵魂则是拥有众多琴弦的钢琴。 康丁斯基 去年（2025）10月，巴黎爱乐音乐博物馆（Le Muse de la musique Philharmonie de Paris）与庞毕度中心（le Centre Pompidou）合作，推出「康丁斯基：色彩的音乐」（Kandinsky - La musique des couleurs）特展，展出20世纪俄罗斯抽象画大师康丁斯基（Vassily Kandinsky，1866-1944）的200件作品。有别于传统的静态展览，这次的展览透过灯光、投影、影像与立体动态舞台，让整体的展示呈现出动态感。此外，也让每位参观者配备智慧型耳机，随著观展动线，耳机会自动拨放出对应的音乐、人声或环境音，带领观者走进一种沉浸式的声响体验，领略康丁斯基的艺术世界。
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焦点专题 Focus 导演的魔法听歌剧与看歌剧——以《弄臣》为例
相较于之前300年的发展，20世纪歌剧创作与演出的情形明显有两大相异点，一为新歌剧创作的数量锐减，一为歌剧演出剧目主要为既有歌剧，至今依然。不仅如此，20世纪以降，歌剧演出扮演的重要角色在歌剧史上前所未见，甚至列入新创歌剧的考量，作曲家与歌剧导演、舞台设计携手，共同规划作品的世界首演，几成常态；精采的首演制作也能遮掩作品本质的不足，是否能被一再演出，进入常演剧目行列，还是取决于音乐。随著歌剧制作日益重要，歌剧导演亦走向专业化。 「歌剧导演」一词源自德文Opernregisseur，意指主控歌剧整体制作的人，严格而言，系20世纪以后才有的名词。在此之前，歌剧演出并无专业导演，系由歌者依剧本的内容自行发挥，或依著剧本中写明的场景及动作来演出。19世纪最后30年里，华格纳（Richard Wagner，1813-1883）藉其创立的「拜鲁特音乐节」，以其自身的作品付诸实验，展现人声、乐团与舞台合一的剧场作品理念，其中，音乐为主要的推动力。20世纪初，受到话剧剧场革命的影响，歌剧创作在叙事手法及戏剧结构上，都有相当大的改变，歌剧不再只是以人声唱出一个剧情的方式，「音乐剧场」的雏形隐然可见，也挑战传统的歌剧演出方式。另一方面，亦是20世纪初，马勒（Gustav Mahler，1860-1911）在维也纳歌剧院进行诸多改革，与舞台设计罗勒（Alfred Roller，1864-1935）的合作是亮点之一；理查．史特劳斯（Richard Strauss，1864-1949）与霍夫曼斯塔（Hugo von Hofmannsthal，1874-1929）借助剧场奇才莱因哈特（Max Reinhardt，1873-1943）之力，确保《玫瑰骑士》（Der Rosenkavalier，1911）成功首演，都显示指挥家、作曲家对舞台演出的重视。（注1）
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焦点专题 Focus 卫武营歌剧里程碑跨越传统与现代的桥梁 《罗恩格林》首现台湾舞台
在我们习以为常沉浸的歌剧中，华丽的咏叹调、明确的分幕与耳熟能详的旋律，构筑出义大利歌剧的魅力与亲切。然而，当一座剧院历经10年耕耘，累积了观众的欣赏品味与艺术实力之后，是否能勇敢地踏出熟悉的范畴，迎接一位被视为不容易认识透彻，却又极具深度的作曲家？2025年夏天，卫武营国家艺术文化中心（以下简称卫武营）将用行动作出回答透过一部从德国莱茵歌剧院引进、风格大胆、设计深刻的《罗恩格林》（Lohengrin），开启一场穿越古今、横跨现实与神话的美学对话。 10年磨一剑，15部剧作铺路而来 卫武营自2015年成立推动小组促成与德国莱茵歌剧院及美国林肯艺术中心的合作以来，卫武营便将「歌剧共制」纳入长远蓝图。从2018年开馆至今，15出义大利经典与现代诠释的歌剧已陆续登场。涵盖《创世纪》、《惊园》、《杜兰朵》等国际共制，也包括全本的《茶花女》、《诺玛》、《魔弹射手》，《费黛里欧》、《尤金．奥涅金》、《憨第德》等音乐会形式，更有当代歌剧《天中杀》及前卫歌剧《创世纪》等作品，参与团队横跨全球多达 20 个剧院与团队。 一一数来，艺术总监简文彬与团队发现：「大家可能对义大利风格的歌剧作品比较熟悉，经过这些之后我们想，现在好像可以和观众一起挑战一个更具重量的作品。」 回望与前行：《罗恩格林》的时代意义 「事实上，如果搜寻史料，就会发现《罗恩格林》在华格纳所有作品中，是最有义大利风格的一部。」简文彬总监指出，这部1850年首演的歌剧，在音乐风格与戏剧结构上，仍保留著传统义大利歌剧的特质。反过来说，《罗恩格林》对其他作曲家的影响也不可忽视。「威尔第自己也说过，包括《罗恩格林》里的配器，在他自己的作品里也可以找到几乎是平行的对照。」简文彬说，这样的影响在《阿依达》开场的序曲特别明显，甚至可以说那段音乐逻辑与《罗恩格林》的序曲几乎如出一辙。这样的观点也突显出华格纳与威尔第这两位19世纪歌剧巨擘之间潜藏的相互对话。 此外《罗恩格林》更是华格纳风格转变的分水岭。「这是华格纳最后一出以『歌剧』来称呼的作品，之后他就全面转向『乐剧』。」简文彬认为，相较于《指环》这类庞大乐剧，《罗恩格林》既具备可辨识的段落结构
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焦点专题 Focus「在那远方，你们走不到之处」：华格纳的《罗恩格林》（上）
在华格纳（Richard Wagner，1813-1883）的整体歌剧创作中，《罗恩格林》（Lohengrin）有著承先启后的地位。虽然它一般被视为作曲家最后一部浪漫歌剧，但在音乐结构上，如同其后的作品，《罗恩格林》已是很清楚地以一幕、一景为单元写成；在戏剧层面上，大量的群众场景、人物的互动则依旧不脱19世纪法语大歌剧（Grand opra）的样态。另一方面，写作《罗恩格林》到首演期间，华格纳由德勒斯登宫廷乐长到流亡他乡，是其人生的一大转捩点。 从构想到首演：历史与命运的交错 应在1841╱42年间，华格纳已接触「罗恩格林」相关题材。在完成《唐怀瑟》（Tannhuser，1845年首演）后，他于1845年夏天开始写作剧本，于1848年4月28日完成总谱。1848年9月22日，为庆祝德勒斯登宫廷乐团成立300年，华格纳在宫廷剧院音乐会安排演出《罗恩格林》选曲，为第1幕由传令官宣布决斗开始至该幕结束，由其亲自指挥。全剧原计划于德勒斯登首演，准备工作都在进行中，却因华格纳同情革命的行动，为避免被捕，他于1849年5月9日离开德勒斯登；一周后通缉令发布，《罗恩格林》首演计划自然付诸流水。1850年4月，华格纳写信给在威玛的李斯特（Franz Liszt，1811-1886），请求他设法安排该剧演出。李斯特一本大力支持华格纳的立场，于同年8月28日，歌德（Johann Wolfgang von Goethe，1749-1832）101岁生日当天，在威玛指挥该剧首演，并撰文大力推荐这部作品。（注1）华格纳自然想亲身参与首演，但被李斯特郑重警告并严厉拒绝。华格纳未能在场体验作品成功的首演，是他生命里的一大憾事。1871年11月1日，《罗恩格林》在波隆那（Bologna）演出，是华格纳第一部在义大利被演出的作品，相当轰动，不仅掀起年轻一代义大利作曲家的华格纳风潮，也影响了威尔第（Giuseppe Verdi，1813-1901）之后的创作。次年，华格纳获颁该市荣誉市民的头衔。
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PAR你不知道？！关于《飞行的荷兰人》的8个不可不知
在华格纳浩瀚而深邃的创作宇宙中，《飞行的荷兰人》是一座关键的转折灯塔，这部早期代表作不仅奠定了他迈向「乐剧」理想的基石，更以极富戏剧张力的传说题材，探问爱、命运与救赎的永恒课题。从幽灵船的漂泊寓言，到主导动机的初试身手，再到结尾版本的多重诠释，本篇文章将引领读者从历史、音乐与剧场角度，全面认识这部被誉为「华格纳最佳入门砖」的经典之作。
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音乐室内乐编制的《唐怀瑟》 小巧精美的华格纳体验
华格纳，19世纪德国作曲家，一位影响力不输贝多芬的音乐巨人，他的理念和创作对整个艺术音乐世界产生极其深远的影响，彻底地改变了音乐史的发展方向。然而，对许多喜爱艺术音乐的乐友来说，华格纳，是个让人又敬又怕的名字：是啦，我们都知道华格纳超厉害、超重要，但他的歌剧总是那么长、那么满、那么多内心戏，实在很难让人不害怕。正因为实在不容易亲近，华格纳的歌剧虽然名声响亮，上演的频率却相对不高，在台湾更是如此。根据头号华格纳迷詹益昌医师的查核：如果不计音乐会形式或半舞台演出，华格纳10部成熟作品中，在台湾有过完整舞台制作的竟只有《唐怀瑟》（1976）和《尼贝龙指环》（2016-2019）而已！ 尽管推出华格纳歌剧的演出通常吃力不讨好，台中国家歌剧院仍在去年推出《唐怀瑟》的制作，且意外地受到热烈回响，赞叹这精简的制作究竟是蕴藏著怎样的魔法。因此今年再度上演，以慰向隅观众。 此档《唐怀瑟》是室内乐编制的本地制作，令人好奇的是，华格纳歌剧向来以宏大深厚著称，选在中剧院演出，该如何使作品变得小巧精美？音乐方面，指挥张尹芳亲自将原本写给大型管弦乐团的总谱，改写成为给12、13位演奏家的室内乐团，同时也删减小部分音乐。编制大幅缩减的乐团，不但让音乐变得更加灵活鲜明，更让台上的声乐家得以尽情发挥，不用太过担心声音会被乐团吃掉。此制作原设定为「歌剧音乐会」，但在参与者的热情合作下，竟逐渐发展成为相当完整的舞台制作，虽因经费限制，没有华丽繁复的设计，但不论是灯光、舞台、道具、影像、造型或表演，该有的都有，且和音乐一样，小巧精美、效果卓越。
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音乐三场音乐会 为NSO乐季尾声点亮烟火
在疫情持续威胁起伏下，各乐团节目安排与国际音乐家往来依旧不易，但在2021/22乐季进入尾声的此时，NSO国家交响乐团音乐总监准．马寇尔则找到了解决之道，他在记者会中表示，将以音乐节的模式为乐季收尾，「要在这个时刻，以3场音乐会点亮烟火！」 作为「音乐节」的开场，7月16日首先登场的是「准．马寇尔与NSO理查．史特劳斯之夜」音乐会。这场音乐会一开始，将有乐团与北艺大合作选出来的两首「一分钟交响曲作曲计划」作品的世界首演；随后的主题以法国号为重点，重头戏是由NSO乐团法国号首席刘宜欣带来理查．史特劳斯的第一号法国号协奏曲，而另两首韦伯《奥伯龙》序曲及理查．史特劳斯的《唐璜》及《狄尔的恶作剧》则非常炫技，在乐曲中，法国号不仅能演奏自己的音乐，也像是与乐团对话，或作为管弦乐团的一分子，展现了各种面向。 原订在季末压轴的歌剧《崔斯坦与伊索德》因疫情延宕了两年，然马寇尔仍希望带领大家进入华格纳的音乐世界，因此规划了以华格纳为主题的两场音乐会。7月22日「准．马寇尔的指环旅程」音乐会由马寇尔率领曾任德国Ulm剧院驻院独唱歌手、并获德国《西南日报》选为2016年度歌手的次女高音石易巧，演唱《崔斯坦与伊索德》的〈前奏曲〉及〈爱之死〉。「第二首《威森东克之歌》也跟《崔斯坦与伊索德》有很强的连结。」马寇尔认为：「（这首是）当我们在研读崔斯坦时，必不可缺的作品，因为不管在崔斯坦的和声架构、音色，已经在此先预习过了。」第3首的歌剧《指环》之旅，则是由马寇尔将华格纳最伟大的作品、长达16小时的《指环》浓缩至50分钟以内的作品；此曲是他15年前所做的改编，如今正巧能与台湾观众分享。 他相当自豪在这个浓缩版乐曲中并未删除任何音符，而关于改编的模式，马寇尔则透露：「最重要的是尊重顺序，并非跳跃式地更动。当然改编无法包括所有，但每一部作品的精华与元素都存在。不同的段落中有空档，但我将它巧妙地连接。」此外他更表示：「精华版的好处是，能够在一个钟头内，体会华格纳4部作品，长达15、16年创作过程中，管弦乐法与和声的演进过程。」 7月24日的压轴为NSO歌剧音乐会《唐怀瑟纽伦堡名歌手》选粹，两部作品聚焦在华格纳如何将合唱这个元素发挥得淋漓尽致的关键。由将由马寇尔总监携手声乐家群：女高音
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焦点专题（二） Focus
塩田千春的舞台设计
塩田千春的装置艺术予人强烈的「剧场感」，走进她的作品宛如走上一座舞台，擦身而过或停留驻足的观众，就像一个个走动的表演者，在此时交会片刻。当她将这些创作元素打造成舞台艺术时，那些日常物件在剧场的舞台上营造出超现实的异视感，那些「不在中的存在」不仅赋予舞台表演更丰富的诠释观点，也提供观众探问生命本质更多重的想像。
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特别企画 Feature黄亚中：登上华格纳圣殿，以声乐实力站稳国际舞台
台湾旅德男高音黄亚中以迅速的崛起之姿，已成为当代最受瞩目的诙谐男高音之一。他于柏林德意志歌剧院（Deutsche Oper Berlin）展开职业生涯，并从 2018 年至 2024 年间担任该院的驻院独唱歌⼿。曾被评为「声音典雅，歌唱技巧成熟端正，音乐处理完整，为一相当优秀抒情男高音」。 2024 年对他而言是关键的一年。在结束7年的驻唱合约后，他主动决定成为自由歌⼿，随即活跃于世界各大顶尖剧院舞台。他重返了音乐家视为毕生心愿的拜鲁特⾳乐节（Bayreuth Festival），成为首位站上该歌剧院舞台的台湾声乐家，堪称台湾之光。近期在欧洲各地的客席演出地点众多，为国际争相邀约的歌手，尤以今年10月份在台中国家歌剧院《弄臣》饰演曼托瓦公爵一角，表现出色。无论是驻歌剧院歌手、或是在国际舞台上开拓华人声乐家的新局，黄亚中都展现了卓越的年度人物风范。 注目焦点一 黄亚中在柏林德意志歌剧院担任驻院独唱歌手期间（2018-2024），累积了丰富的剧院经验，曾在全新制作的歌剧中首度诠释了多个重要角色，例如在《纽伦堡的名歌⼿》（Die Meistersinger von Nrnberg）中首演了大卫（David）；也在《尼克森在中国》（Nixon in China）中首度诠释⽑泽东（Mao Tse-tung）。 他亦参与多部作品演出，扮演过众多重要歌剧角色，包括《后宫诱逃》中的佩德⾥罗（Pedrillo）、《蝴蝶夫⼈》（Madama Butterfly）中的五郎（Goro），以及《杜兰朵》中的彭（Pong）等。近期，他更于荷兰国家歌剧院全新制作的《鲍⾥斯．⼽多诺夫》（Boris Godunov）中⾸度饰演舒伊斯基公爵。 注目焦点二 黄亚中在国际舞台上最引人注目的成就之一，是他站上了被誉为华格纳圣殿的拜鲁特⾳乐节。他是第1位在该音乐节歌剧院舞台演出的台湾声乐家，也通过拜鲁特音乐节总监、作曲家华格纳的曾孙女卡塔琳娜．华格纳（Katharina Wagner）的亲自面试。 因其歌唱的特质，黄亚中得以在竞争激烈的国际歌剧界站稳脚跟。他在 2024和2025年都安排了演出《尼贝龙指环》（Der
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特别企画 Feature艺术家的读书术
艺术家如何读书？读什么书？这些书带给他们创作上什么启发？编辑室精选7组古今中外的艺术大师，一窥他们的书单如何作为一盏盏路灯，点亮其创作与生命旅途。
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企画特辑 Special
华格纳的复杂心志 当代人类的自毁寓言
华格纳的《尼贝龙指环》是他在长年流亡生涯中酝酿而出的作品，透过日耳曼神话的重新诠释，处处隐藏著华格纳心中无法言说的复杂情感。由台中国家歌剧院推出的「指环四年计划」最终章《诸神黄昏》将在十月初隆重登场，西班牙拉夫拉前卫剧团导演以自然界中自我毁灭性的掠杀、人类自我认同危机作为注解，除了建构视觉色彩的冲击感外，亦引发观众对于剧本再现、筛选与展示上的议题讨论，呈现当代剧场展演实践之能量。
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音乐 NSO「大地之歌」
马勒「最个人的」作品 真实体验其独特伟大
这次「大地之歌」音乐会中，NSO将演出华格纳《齐格飞牧歌》和马勒《大地之歌》，前者是华格纳献给爱妻的放闪之作，但《大地之歌》虽传说是因其妻送了一本《中国笛》给马勒而启发之作，但实际并非如此，真相是由友人波拉克博士所赠。马勒说《大地之歌》是他「最个人的」作品；也因此，唯有正确认识马勒的人生转折与创作心境，才有可能更深刻地体会这部作品的独特与伟大。
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特别企画（二） Feature
随著《帕西法尔》，拥抱华格纳
为了专演自己的作品，华格纳在拜鲁特亲手打造了一个圣殿。 而唯一在此首演的《帕西法尔》，不但为实践庆典剧院的音响，更是他一辈子对音乐极致的想像。 即使称为「剧院圣仪庆典剧」，但作为华格纳的天鹅之歌，他在此终结了一生的理念，将自己对于信仰、创作、艺术哲思包括对天地万物的崇敬完全浓缩在歌剧之中。 从他创作的终点，作为理解他的起点。在台湾首度上演此剧之际，我们跟著《帕西法尔》的点点滴滴，一步步更靠近作曲家深不可测的神圣之地。 绘图｜李升洋
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特别企画（二） Feature
从骑士文学到剧院圣仪庆典剧
源于英国亚瑟王传奇的中古骑士文学，对德国作曲家华格纳的歌剧创作影响深远，如《罗恩格林》与《帕西法尔》都是，而后者更费了华格纳卅多年时间的酝酿，藉著中古的圣杯传奇与天主教仪式，华格纳写出他的「剧院圣仪庆典剧」，用意不在于宣扬基督宗教，而在于传达自己的艺术宗教理念。
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特别企画（二） Feature
剧院「圣殿」之中 动人的音乐仪典
《帕西法尔》是华格纳在拜鲁特庆典剧院启用后唯一完成的作品，对华格纳而言，拜鲁特剧院是「剧院圣仪」进行处所，有如弥撒在教堂里进行。《帕西法尔》若于他处演出，无异将与其他「歌剧」般地世俗化。《帕西法尔》将传奇与宗教写入歌剧中，将宗教艺术化，亦将艺术宗教化，但这个宗教并非基督宗教信仰，华格纳只是借助他自己熟悉的仪式与氛围，表达自己的艺术理念。
