塩田千春的装置艺术予人强烈的「剧场感」，走进她的作品宛如走上一座舞台，擦身而过或停留驻足的观众，就像一个个走动的表演者，在此时交会片刻。当她将这些创作元素打造成舞台艺术时，那些日常物件在剧场的舞台上营造出超现实的异视感，那些「不在中的存在」不仅赋予舞台表演更丰富的诠释观点，也提供观众探问生命本质更多重的想像。
《塩田千春：颤动的灵魂》──5/15起暂停开放
2021/5/1－10/17，台北市立美术馆 一楼1A、1B展览室
现于台北市立美术馆展出的「颤动的灵魂」，堪称塩田千春25年创作生涯最完整的大型个展，由东京森美术馆策画并于2019年首展之后展开海外巡回。塩田千春以色线交织构筑的空间装置为人所知，作品具现无形的幻境、寂静与不安……触动人们深层的情感。除了艺术创作，塩田也参与舞台设计工作，「颤动的灵魂」另辟专区，以数位输出、纪录片、模型和手稿来介绍，观众亦可对照她个人的创作及舞台设计的关联性。
自2003年起，塩田千春陆续为9部戏剧和歌剧表演担任舞台设计，其中尤以华格纳的歌剧《崔斯坦与伊索德》（2014）、《尼贝龙根的指环：齐格弗里德》（2017）、《尼贝龙根的指环：诸神的黄昏》（2018），以及日本作曲家细川俊夫与德国编舞家莎夏．瓦兹（Sasha Waltz）合作、以日本能剧为本编导的《松风》（2011），在舞台上筑起一座跨距14公尺、高10公尺的巨型黑网装置，格外受到瞩目。
「非常塩田」的舞台设计
塩田的舞台设计辨识度极高，一眼就能「看见」她惯用的创作元素：编织的线网、船、洋装、古董家具等，能将风格如此强烈的装置艺术收拢成为舞台的设计，同时又能和戏剧表演相得益彰，塩田接受专访时表示：「在剧场，若要说有艺术脑袋的，应该就是导演了。」
塩田与导演卡拉塞克（Daniel Karasek）合作多次，华格纳歌剧之外，还有改编自莎士比亚的《冬天的故事》（2016），均于德国基尔歌剧院（Oper Kiel）演出。谈起合作的过程，塩田说，卡拉塞克主动向她提出邀约，「『不在中的存在』向来是我创作的大主题，我的作品里头没有人，但又曾经有人的存在，这样的情境，让导演很容易想像怎么放他的演员，以及配置在舞台上会是什么样的效果。」
塩田打造的华格纳舞台视觉低限而冷静，她认为，华格纳的作品探讨生命的宏大与黑暗，和自己创作一直在探索的问题相近，「探讨人生都会综归到生死，虽然我的舞台设计不见得华丽，但是核心课题与华格纳的精神应该是契合的，这应该也是导演之所以挑选我的作品，作为舞台设计的主要原因。」
塩田不讳言，华格纳歌剧是她至今认为最困难的制作，一是涵盖的元素多：有戏剧、舞蹈、歌唱等，另一是华格纳歌剧的时间长度，「很难想像观众盯著我的作品5个小时，这是很困难的事情吧？观众在美术馆是自由的，要花多久时间看作品全凭个人喜好，但最久也不会超过5个小时，所以，一开始我的想法是准备很多套景，可以不断更换。但是导演告诉我：千万不要这样做。」
「导演希望我维持『塩田千春』应该有的风格，但是别把舞台当成展览来做。他说，舞台还有灯光、演员、音乐和其他技术来协助场景做变化，不是只靠舞台设计，这才让我转变观念。对我来说，跟舞台剧导演合作是很好的学习。」回想接案之初，塩田对华格纳的作品其实无感，「我很喜欢音乐，也常去柏林爱乐听音乐会，但一开始跟不上华格纳的旋律，也没办法进入，直到父亲过世后再聆听，发现心境转变了，似乎可以理解华格纳作品中的浩瀚、伟大与黑暗。」
塩田也透露，目前正紧锣密鼓筹备中的新作，是今年7月在慕尼黑一场为华格纳举办的艺术节活动，她受托制作一件户外装置，邀请单位希望她以在《诸神的黄昏》里的舞台设计为意象，进行创作。
2011年在比利时布鲁塞尔皇家铸币局剧院（le Théâtre Royal de la Monnaie）首演的《松风》，塩田打造一座舞台正常开口（14mx10m）的巨型黑网装置，舞者在绵密的织网线络中攀爬、漂浮，视觉创造的穿透性，也为这出改编自鬼魂为主角的「梦幻能」德语歌剧，在浓重的死亡气息之外，又有浪漫的言情诗意。
《松风》由莎夏．瓦兹编导，细川俊夫作曲，塩田和瓦兹是同住在柏林、结识20年的老友，因为细川俊夫希望舞台由日本人来设计，瓦兹找上塩田帮忙，「本来导演希望做个跟房间差不多的装置，我说平常做的东西比这个大多了，没想到她把这句话放在心上，最后找个更大的场地，做出这么大的装置，一层一层织得非常细密，舞者可以在里头表演。」塩田原以为不可能实现的构想，在技术专业的协助下，完成这座可折叠、可移动的装置系统，现由柏林国立剧场买下。
