PAR 表演藝術雜誌

Q：伍斯特劇團已進入第四個十年，如孔子所言，四十而不惑，您的劇團正值壯年，想必標的清晰，請問劇團作為前衛劇場的領頭羊，如何不斷更新、保持青春，不斷站在前衛最前端？還是這根本不重要？站在前衛尖端需要付出何種代價？

A：這問題讓我想到了兩句格言，一句是「舊的總會翻新」，另一句是 「死亡乃是永恆的刺激來源」。我至少能夠說繼續做劇場的慾望絕對還在。本團持續吸引年輕新血，帶進新的想法新與技巧。這也算是種回春吧。永遠保持在前衛的前緣並沒有讓我們付出高昂的代價，至少在前衛浪頭居於領先並非我們在藝術上追尋的目標。即便在當下的環境，連維持劇團的生計都困難重重，尤其在開源方面。

Q：伍斯特劇團的成立與謝喜納的表演劇團關係密切，而謝喜納與紐約大學 Tisch藝術學院關係深厚，你本身就是傑出校友。請問學院理論對於戲劇創作是助力或阻力？八○年代風起雲湧的解構理論是否對於伍斯特解構改編經典名作，例如《哈姆雷特》與《小鎮風光》有所影響？

A：我們的確從理論獲得發想。理論其實唾手可得，我們並不會特別偏重學院理論來求指引。我們汲取理論，就如同我們吸收所有其他任何啟發我們的管道一樣：新聞、電視、電影、音樂等。每齣戲都花相當長時間研究，來吸納各種題材，最終發展出集體理論。理論是種工具，而非學院派的應用。

Q：你的劇團以破除禁忌而聲名大噪，甚至聲名狼藉，這包括挑戰政治正確。妳個人演出歐尼爾的《瓊斯皇帝》就是跨界性別與種族的典範，性別跨界屬政治正確，跨種族黑臉辦非裔卻引起廣大爭議，尤其在卅年前就已經因為ROUTE 1 & 9引發白人扮黑臉的爭議。請你談談卅年來的改變。所謂的前衛劇場經常被視為在形式上高度實驗性，妳認為這與擁抱特定議題或社運有無背道而馳呢？

A：種族議題造成美國文化相當大的鴻溝，也擠壓出源源不絕的題材。這是不容忽視的。在我們的社群，我們支持各式各樣的藝術家，並且透過我們已成立廿年的學校及暑期班，培育了許多有色人種的年輕人。我們的作品探索過像電視這種媒體，將其與黑人喜劇演員馬克漢姆著名的綜藝秀笑料並置。在此事件之後，我們嘗試探討白人創作者 「書寫」黑人應扮演的道德角色，例如探討亞瑟．米勒（Arthur Miller）以史實沙林鎮獵巫審判來批判白色恐怖的《熔爐》裡的黑僕角色提圖巴，我們就在L.S.D. (…JUST THE HIGH POINTS…) 深入探究。《瓊斯皇帝》的黑人角色扮演算是高度美學化，運用日本能劇與歌舞伎的面具。我將其看作劇團多年來以面具來探討種族問題的集大成總結。而今THE B-SIDE的題材是由黑人藝術家帶入，由我們作為回應方，雙方合作，期待火花。 

Q：即將在台北首演的新戲THE B-SIDE是以唱片錄音為本的創作，請談談音樂及其他媒介對於伍斯特創作的影響。你們在十餘年前巴洛克歌劇演出才剛重新起步時，就大膽演出了十七世紀卡瓦里的義大利歌劇《狄多女王》LA DIDONE（2009），也請一併介紹。

A：音樂及其他各種媒體都在我們的戲劇創作扮演重要角色。這齣戲的關鍵點就在於真人實況演出所傳達給觀眾的，以及預錄的聲音所傳達給現場觀眾的，這兩者之間的辯證。我們劇場想探討的是文獻、文物，與遺物的戲劇，如何與當下此地的現場表演有所互動。我們運用所有的紀錄媒介，包括唱片、錄像、影片及錄音談話等，在不同個表演都有不同的功用。表演風格也從表演素材中應運而生。

巴洛克歌劇是由藝術節所委託製作，以卡瓦利（Francesco Cavalli）的歌劇搭配巴瓦（Mario Bava）一九六四年的電影《吸血鬼星球》Planet of the Vampires。我們從開始就跟專業歌劇演唱家與音樂家密切合作，他們完全現場演出，跟伍斯特劇團演員同時表演，並運用錄音與錄影資料。

將在台北演出的THE B-SIDE我們特地採用不同的手法，吾人稱之為「唱片詮釋」，之前就用於《早期震教徒靈歌》。這兩齣戲都用唱片作為組織準繩，表演者運用耳機裝置對嘴模仿唱片歌者演唱，唱片的解說及其他附帶文本也都會用到。

Q：不少人對於伍斯特劇團集體創作的方法深感興趣。導演伊莉莎白．勒坎特是否掌舵所有製作？其他團員如何加入己見？你們的製作會議是否有些獨到之處可以對外透露的？

A：伊莉莎白．勒坎特長久以來一直領導整個團及所有創作。每一位團員都可在排練室盡情發表意見，基本上每個人都算是戲劇顧問。我跟莉莎（勒坎特）的工作夥伴關係最久，也獲益良多。她對我非常信任，甚至讓我當導演，指導《早期震教徒靈歌》。THE B-SIDE也是我當導演，她擔任舞台設計，關係完全對等。

Q：接著以上提問，雖然伍斯特劇團人才輩出，每個創團團員都可獨當一面，值得專書研究。請問個人自尊是否會影響集體創作？或者遵循布萊希特式的集體利益壓倒個人意志？

A：個人團結在工作下。導演勒坎特說了算，因為大家都信任她的獨到眼光。透過這樣的信任，我們都願意「信心大躍進」來跨越鴻溝。而且不同人會在不同創作案裡，找到屬於自己的情操與精神核心，依據不同的文本，一旦抓到這核心，即可超越個人自尊，讓大家為了創作而產生向心力。

Q：我個人於九四年在美國加州大學聖塔芭芭拉校區求學時，曾經觀賞斯伯汀．葛雷（按：已不幸於○四年自殺身亡）的單人表演《格雷氏解剖學》Gray’s Anatomy感到相當震撼。雖然我倆生活經驗毫無交集，但除了所謂人性共通處外，表演時有股莫以名之的特殊魅力令人折服。作為表演者妳是否有類似體驗可分享？即將來台演出的作品，有其特定的美國文化脈絡，在海外演出時，你會特別考量文化障礙嘛？有特別希冀與國際觀眾達成的對話與交流嗎？

A：你所謂的「莫以名之」（je ne sais quoi）特質我相信是源自於導演莉莎（勒坎特）的指導，她有能耐找出演員的真實樣貌，探其所欲、竭其所能，使其更上層樓……想辦法框出演員最真善美的一面。接著她會微調自己的編導策略技巧，旨在引出演員最明澈、超越的向度。她對葛雷就用這套。他開發自己的單人表演時就是透過莉莎的指導。她把我們全體都帶進新的藝術境地。

至於你問到在海外演出文化障礙的問題，我認為語言是首要障礙。不過學習如何在不同的文化語境演出特定作品，也恰好是我們進一步了解這異質文化的方式。作品會得到不同的反響，這不同的經驗當然也就因而會改變了這齣戲。我們熱切期待在台北所有正式與非正式的交流。能在臺北藝術節演出，我們備感榮幸。