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無獨有偶工作室劇團
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特別企畫 Feature跨！偶七十二變╱創作者現身說法
如果說無獨有偶工作室劇團創立的1999年是台灣現代偶戲的重要起點，在約莫四分之一世紀的發展過程中，除了陸續有作品翻新我們的視野外，更重要的或許是站在作品、戲偶背後的創作者，如何在不同場域、時代、背景裡頭看見偶戲的可能。於是，我們邀請了漂浪於國際的兩位偶戲前輩楊輝與Noriyuki SAWA（沢則行）、同樣悠遊於布袋戲與現代偶戲的劇場工作者邱安忱與劉毓真、非科班出身卻踏入偶戲世界的年輕創作者陳敬皓，分享他們如何跨、又如何走在屬於自己的偶戲創作道路上。
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特別企畫 FeatureNoriyuki SAWA沢則行：偶師、戲偶與觀眾，是不可或缺的三角關係
「我已經操偶、做偶60年了。」曾為東京奧運設計大偶，62歲的Noriyuki SAWA（後簡稱Nori）這麼說。 這是因為他有個和服設計師媽媽，從小就和各式各樣美麗布料一起長大，用布料做偶。早期日本沒有偶戲學校，Nori於是唸了美術，主修油畫，畢業後跟著朋友進入職業偶戲團，同時在高中擔任美術老師。1991年，Nori在某次工作坊認識了捷克傳奇偶戲大師Josef Krofta，決議辭掉在日本的教職，追隨Josef遠赴歐洲，才讓他真正走向偶戲這條道路。 結合真人演員與戲偶，看見偶戲敘事的可能性 過去在日本沒有現代偶戲的學院訓練（只有國立劇院提供傳統文樂教學課程），有志於此的偶戲愛好者、表演者必須從做中學，Nori也不例外。他是到了偶戲重鎮布拉格，才發現操偶與舞台表演的另一個世界。捷克偶戲自1950-60年代開始發展，學校裡人戲表演與操偶並重，以「人偶同台」的角度，更加仔細處理操偶師在台上的存在，而非如過去在日本「只是被看到而已」。「如果我在台上要被看見，就必須要設計一個角色。」Nori強調：「操偶不能是被看見的藉口」。 諸如此般結合真人演員與戲偶的表演美學，讓Nori看見偶戲敘事的不同可能性。他回憶當初參與Josef帶領的第一個製作，是法國與捷克合作的「巴別塔計畫」。Josef發展的作品，用上6名來自日本、奧地利、德國、希臘、法國與捷克的演員。世界毀滅後，他們各自說著母語，試圖重建一個新的文明。劇中，他們立起比真人還大的雕像偶（如共產國家的「偉人」雕像），像是人類自己創造、給自己崇拜的神祇。 「我們明明不喜歡被操控，卻又創造了他人來操控我們。」Nori這麼說。操控戲偶的演員，因此得反過來演出被戲偶操控的狀態，為表演與敘事賦予更深一層意義。
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特別企畫 Feature劉毓真：有偶陪伴，善待彼此的人生
一直要等到劉毓真帶著醞釀多年的作品《Yakko 4.1》站上牯嶺街小劇場的舞台，用物件與偶述說最私密、最難以面對也最無法解釋的母女關係，我們才驚覺過去對這位全才型偶戲演員的認識，竟是如此神秘而遙遠。 對這名低調又害羞的天蠍座女子來說，要站到鎂光燈下成為眾人焦點，實在不是件容易的事（就連此次訪談提到「可能」要在咖啡館，而非熟悉的排練場拍攝，都可以隱約感受到她的不自在）。還好這世界上還有「偶」，成為舞台上令人安心的陪伴，陪著劉毓真四處征戰；也讓身為觀眾的我們，有機會感受隱身偶後的美麗靈魂。 偶，從彼此陪伴開始 「我去參加徵選，有過非常多失敗經驗，大都是因為自己太害羞、太害怕，想要練膽量，卻始終沒有練起來。」劉毓真說。 她指的不只是就讀北藝大期間「一次都沒徵上」的學畢製，還有畢業後積極參加各劇團徵選，卻大多是失敗收場。中間劉毓真雖也陸續參加過現代劇場、歌舞劇演出，但是有次無獨有偶工作室劇團《光影嬉遊記》的徵選：「我在家裡找了一個手套偶，苦思一整晚，設計了一小段『吃泡麵』的片段，忽然有一種成就感。」人偶同台，讓劉毓真把注意力放在偶身上，「就好像我們在台上成為彼此的陪伴。」自那時起，台上的劉毓真再也不是獨自一人承受眾人目光關注。 她有了戲偶作伴。 戲偶不只是在台上壯膽的陪伴，更是無中生有、為物質賦予生命的手作生產。早在北藝大時期，劉毓真選修偶戲課，便對美術系同學製作精美、材質獨特、用色殊異的偶戲呈現印象深刻。「我看到有同學連《小王子》點燈的星球都做出來，覺得很厲害，但對方也覺得我一人演兩角不簡單。」劉毓真笑著說。在《光影嬉遊記》演出之後，劉毓真持續與無獨有偶固定合作，也在此時期與同梯演員（包括邱安忱、洪瑞霞、邱米溱等人）開始接受紮實偶戲訓練，比如專業偶戲工法，手套偶、執頭偶製作等。「我們先從偶頭開始，先設計繪圖再製作；接著是身體，最後還要做衣服。」劉毓真回憶，「像是執頭偶比較大，有時候我們就會直接拿小孩子的衣服來給偶穿」。
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特別企畫 Feature跨！偶七十二變
台灣的偶戲發展用刻板印象可被區分為「傳統」與「現代」，也就是傳統布袋戲與現代偶戲，甚至最初也往往把偶戲安置於兒童劇的脈絡裡。不過，就像本專題由于善祿撰寫的專文所說：「那可是大大地落伍，且脫離現實的。」其實「偶戲」本就具備「跨界」的概念，而不一定安於某個位置，從物件、戲偶到真人，從古典藝術到現代議題，從傳統戲台到現代劇場，從小孩到成人⋯⋯於是，就讓我們從于善祿的專文開始，再到無獨有偶工作室劇團如何「翻車」，來「跨！偶七十二變」吧！
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特別企畫 Feature找尋自己的當代語彙：台灣現代偶戲的跨界表演
嚴格來說，台灣以現代偶戲為主體的創作，發展至今約莫四分之一世紀，大致可以無獨有偶工作室劇團（成立於1999年）、偶偶偶劇團（成立於2000年）、飛人集社劇團（成立於2004年）等主打現代偶戲創作演出的團隊成立時間起算。這些團隊對於偶戲的理解認知，完全不同於過往的傳統偶戲團體及兒童劇團，為此，他們甚至於在創團之初，還得花力氣向大眾解釋及教育，偶戲非專屬於傳統與兒童。他們的偶戲理念，不僅能夠吸引當時年輕的現代劇場演員、設計師，一起投入到現代偶戲的研發與創作之中，某種程度也對傳統偶戲界及兒童劇界，有了些許影響。 如今，若要再說偶戲只見於傳統偶戲（如掌中戲、皮影戲、懸絲傀儡），或者只屬於兒童偶戲（或兒童劇），那可是大大地落伍，且脫離現實的；事實上，現代偶戲所面對的，早已擴及層面更廣的觀眾。至於人偶同台，這都只不過是現代偶戲的基本款與標準配備；重點是，從偶的設計、製材、操作，到故事取材、人偶關係，再到演出的場面調度、跨界混種，已經成為現代偶戲創發產製全流程及全面向的範式轉化（paradigm shift）。
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特別企畫 Feature 林孟寰X鄭嘉音X葉曼玲非「偶」不可？！ 當代偶戲跨界裡的關鍵思考（上）
為了連結劇場創作者間的靈感交流，醞釀合作可能，每季一次的「愛國東小聚場」這次（2024年4月16日）由兩廳院駐館藝術家「無獨有偶工作室劇團」（以下簡稱：無獨有偶）以「偶戲翻車記？當代偶戲跨界成與敗的關鍵時刻」為主題，透過無獨有偶藝術總監、同時也是偶戲導演的鄭嘉音，與資深戲偶設計葉曼玲的對談，向表演藝術工作者分享當代偶戲跨界成敗的關鍵時刻，而劇場編導林孟寰則擔任本場主持人，穿針引線帶起對台灣當代偶戲的觀察。 源自歐洲的偶戲，其實早就有跨東西方文化與跨界元素 「偶戲很適合表現動畫般的奇幻故事？」、「假設表演藝術形式是個光譜，一端是最多最多的語言，也就是話劇；另一端是最多最多的動作，那是舞蹈，那偶戲是偏向哪一邊？」、「比起傳統偶戲，當代偶戲對劇場人比較快上手，也更容易和其他劇場形式結合？」、「偶戲表演的終極目標，是讓戲偶達成和真人演員媲美的表現力？」 講座一開始，林孟寰一連拋出4個問題，以舉手方式調查觀眾對於提問的贊成與否，「這4個問題會貫穿今天的分享，最後你可能得到解答，也可能會產生更多的疑惑，但我們並不會給出解答。」林孟寰坦言，連台上的講者間的想法可能都不太相同，這些提問並不見得有標準答案。 短暫進行提問與舉手調查後，林孟寰對「當代偶戲」的定義、發展與流變，簡短做了介紹。「當代偶戲」這個名稱，是相較於台灣傳統既有的布袋戲、皮影戲、傀儡戲或杖頭偶戲等的稱呼，一部分的當代偶戲表現形式，是由西洋移植而來。 在當代偶戲發源的歐陸裡，德國偶戲大師Albrecht Roser是不可不提的重要人物。1951年他所創作的《Clown Gustaf》裡，打破過往形式，透過戲偶和操偶師的互動，讓觀眾明確看見並意識到操偶師的存在，這在當時不僅是劃時代的想法，也讓「人偶同台」成為當代偶戲的重要特色。 鄭嘉音進一步分析，當代偶戲的發展，有著「跨文化」、「跨界」與「重視『偶』及『操偶師』互動關係」的幾大面向。在歐洲偶戲的創新上，其實有不少是借鏡亞洲的靈感，例如由兩、三個人一起操作出擬真動作的執頭偶，其實是歐洲藝術家借鏡日本的人形淨琉璃，所仿造出來的形式，這是當代偶戲的跨文化。又如法國頗具代表性的香堤人偶劇團，由於導演Philipppe
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特別企畫 Feature 林孟寰X鄭嘉音X葉曼玲非「偶」不可？！ 當代偶戲跨界裡的關鍵思考（下）
為什麼要用偶？什麼時候需要用偶？ 除了找出操偶師存在的必要性之外，對於偶戲創作者來說，更會不斷自問：「為什麼要用偶？使用戲偶比真人演出效果更好的地方在哪裡？」。 無獨有偶在2009年推出，並入選台新藝術獎「年度十大表演藝術」經典作品《最美的時刻》，是由魏雋展挑大梁演出的獨角戲，劇中魏雋展飾演一位替人代筆的作家，在他筆下寫過有錢人、女明星、宗教大師等等不同人的人生，但書寫到最後，這位代筆作家彷彿只活在別人的生命裡，自己的一生反而像張白紙般沒有留下任何痕跡。「所以藉由魏雋展在獨角戲裡操作不同形式的戲偶，來詮釋這個代筆作家正過著不同的人生，甚至到後來，這個戲偶的頭會接到另外一個戲偶的身上，也是在呈現作家的人生已經混亂無比的狀態。」作為此戲聯合導演的鄭嘉音說道，如此奇幻又瘋魔的設定，恰好是戲偶能在表演中展現的優勢。 另一齣在2012年推出的作品《降靈會》也有異曲同工之妙，編劇周伶芝將故事設定一位女作家在生前寄了邀請函給3名親密好友，邀請他們在自己輕生的3年後，來到降靈會中重逢。而戲偶正是3年後歸來的女作家鬼魂，由高丞賢飾演的出版商、劉毓真飾演的女管家以及王世緯飾演的閨蜜女明星輪流操作，女作家的鬼魂既像是背後靈，又像是附身一般，在演員與戲偶的操作及對話中，一點一點揭開女作家生前與3位好友的畸形關係、多角戀情與怪異牽絆。在《降靈會》的劇情開展下，女作家鬼魂這個角色，實在是「非偶不可」。 當然也不得不提林孟寰在無獨有偶擔任專職時創作的《小潔的魔法時光蛋》（2015），鄭嘉音特別欣賞這齣戲，直言這是她目前看過第一個在撰寫劇本時，就已經設想好操偶師跟偶如何在故事中運用的作品。林孟寰接口解釋道，這是一齣在講述小潔與威威兩姊弟長大的故事，戲裡的最後，姊弟倆必須放下小時候的自己，才能真的長大，「所以戲偶就代表著小時候的狀態，放下戲偶才能放下過去，這是一開始就寫在劇本上的內容，對我來說是絕對不能被更動的。」林孟寰坦言，這也是自己在無獨有偶待了數年之後，才有能力用偶的角度來構思故事。
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戲劇 冷酷又溫柔的「手術」《搞砸的那一天》 切片人生、縫合心靈
無獨有偶工作室劇團即將在兩廳院秋天藝術節推出《搞砸的那一天》，從形式與媒材著手，挑戰當代偶戲的可能性，讓操偶台成為解剖台，拼貼音樂與視覺投影，剖開現代化社會的病徵。 從進手術房的那一天開始 雖然《搞砸的那一天》是回應社會的議題之作，初始發想實來自藝術總監與導演鄭嘉音的手術經驗。鄭嘉音原本是健康寶寶，很少進醫院，卻因為子宮肌瘤，在50歲生日那一天被推進開刀房。一進醫院就得被開腸剖肚，而身體被挖開這件事，對她的生命產生了不同的震撼感，也興起了以人體為主題的作品念頭。 在醫院的時間也讓鄭嘉音對醫療器械產生「迷戀」，總是把握時間東看西看、進行觀察。冰冷的手術器材與等待手術的人體，讓她聯想到偶的身體：「對比到偶戲，我們會創造一個肉身 ，肉身擺在那就是肉身，要靠操偶師去操作才會有生命。」但人的生命不僅止於物理性的消化呼吸排泄，更重要的是思想與靈性層面，所以操偶師除了要模擬人體的真實，更要詮釋角色的個性與性格。這些連結，讓鄭嘉音深深著迷。 發展過程中，鄭嘉音由人體運作進一步聯想到社會關係：「人體每一個部件和器官都像一個小社會，所以就想蒐集眾人的故事，讓故事匯集在這樣的人體內部。」於是，她協同文本創作郭品辰，開始整理不同的網路新聞，以及Dcard和PTT的文章，跟演員一起閱讀這些資料。
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戲劇 偶戲結合歌仔戲 演出舊作新面貌《剪紙人—明河之歌》 映照疫情現實
放手或不放手，在面臨生死交關之時，是最難的抉擇。勇於嘗試新媒材並不斷挑戰各式跨界合作的無獨有偶工作室劇團，其2010年發表作品《剪紙人》，透過剪紙窗花、杖頭偶與古老的神話傳說為素材，與大人小孩一起討論難解的離別課題。首演後好評不斷，多次進行海外巡演，也獲得戲曲創作者游源鏗讚賞，認為有發展為戲曲的潛力。
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戲劇 科技虛擬vs.自然實體 「偶」現奇幻夢境
無獨有偶工作室劇團╳德國圖賓根形體劇團《穿越真實的邊界》
在台灣宜蘭生根發芽並走向國際的無獨有偶工作室劇團，在劇團於2019年成立滿20周年之際，大手筆投入人力經費，邀請以詩意與暗黑童話為風格的德國圖賓根形體劇團（Figuren Theater Tbingen）合作，費時3年完成跨國作品《穿越真實的邊界》。由從東方的《山海經》與西方波赫士《想像的動物》兩本經典出發，摸索各式材質與操偶的可能，打造屬於現代虛擬與自然共存的社會裡，遊走在恐懼、幻想與現實之間的奇幻夢境。
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2025中國信託新舞臺藝術節9月登場 共感當代生活「臨界點」
由中國信託文教基金會主辦的「2025中國信託新舞臺藝術節」（下稱「新舞臺藝術節」）9月至11月登場，本屆以「動態臨界點」為主軸，關注現代人分秒必爭的焦慮日常，匯集四部來自歐洲與台灣的當代跨界作品，融合新馬戲、手勢舞蹈、當代舞蹈及偶戲，風格多元卻互有呼應，探索身體與時間的極限邊界，邀請民眾一同共感當代生活「臨界點」。
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TCO國樂歌劇《我的媽媽欠栽培》重磅回歸
台灣歌劇再現感動！由《花甲男孩》原著作家楊富閔散文作品改編、臺北市立國樂團跨界打造的原創國樂歌劇《我的媽媽欠栽培》，將於2025年5月23日至25日及6月7、8日在臺北表演藝術中心與高雄衛武營國家藝術文化中心重磅回歸。這部作品由指揮邱誓舷執棒臺北市立國樂團，融合台灣戲曲、國樂、西洋美聲、偶戲與本土歌謠，以貼近庶民生活的細膩觀察，訴說台灣萬能媽媽的生命故事。
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中國信託新舞臺藝術節7月6日揭幕 4.5米山海巨偶攻占中信園區
由中國信託文教基金會主辦的「2024中國信託新舞臺藝術節」（下稱「新舞臺藝術節」）今年以「換劇話說」為主軸，把劇場打造為穿梭虛實的轉運站，邀請觀眾在輕鬆愉快的氛圍中，探討氣候變遷、性別破框等當代議題。藝術節四檔國內外節目皆為一時之選：橫掃國際大獎的比利時夏綠瓦蒂劇團《最後一個星期天》、驚豔愛丁堡藝穗節的曼波男孩舞團《蓬蓬》，兩檔國際節目皆是來台首演；無獨有偶工作室劇團《巨人來了山海遇見偶》戶外公益場7月6日將在中國信託金融園區登場，邀請大小朋友闔家親近當代大型偶戲。此外，更贊助臺中國家歌劇院比利時偷窺者舞團《密室三畫作》，四檔幽默諷刺、詭譎驚悚的跨界表演藝術，7月到11月於台北、台中接連登場。
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特別企畫 Feature G│Group永續之旅，在日常中啟航
早在「永續」成為一個標籤以前，無獨有偶工作室劇團（下簡稱無獨有偶）就已經做好準備了。藝術總監鄭嘉音說，最初，劇團的成立，就本不為服務單一概念而做，「我們不只是為了一齣戲而生，一開始想的就是長久營運的想法，因此秉持著愛物惜物的出發點，自然而然就做出了很多決定。後來才發現，這些決定在近年來都能夠被套進『永續』這個議題中去談。」正因如此，今（2023）年受邀為國家兩廳院的駐館藝術團隊，他們得以用一個更縝密的方式將過去的習慣為基底，將諸多知識融會貫通，無論是資源整合或是人事思考，都向前跨了一大步。 以理性判斷，捨去情感的盲點 無獨有偶的團員，除了有各自的創作身分，其中亦有部分成員加入永續小組，特別處理劇團與永續發展的落實面向。小組長李豐丞為製偶師，聊到與兩廳院合作的這一年，感觸良多。談起合作近一年的變化，他說：「其實跟多數人一樣，我們過去對於『永續』的想法，也會不自覺與『環保』劃上等號。」 無獨有偶多年來承接過許多公私立單位的委託專案，每每需要盡力符合委製單位所需之「亮點」，並達到諸多KPI需求。起初面對兩廳院的邀請，劇團的心情也是這般想像的，以為是要做一場更大型的「煙火式」表演，製作以一齣戲來強調環保的重要實則非也。「面對永續的議題，兩廳院的觀念走得很前面，讓我們能夠時實實在在進行這樣的行動，而不再只是淪於表面。」李豐丞道。 鄭嘉音解釋：「我們一開始收到合作邀請時，館方就告訴我們，這個合作的重點不在結案的成果，而是整個團隊的經營方向。這讓我們得到一個勇氣，可以好好思考過去有哪些力有未逮之處，能趁這個機會去內化、搜集資料⋯⋯」除此之外，兩廳院亦結合顧問資源，不同單位的整合介紹，使劇團能夠往前跨出劇場的範疇，讓大家不僅只是身為一個創作者，而是以一個「人」的狀態，思考「永續」。 期間，最顯著的差別，是他們習得以「理性」地去判斷，而非感性地選擇。 「過去，我們常常會覺得所有東西都值得被保留下來的，但現在，我們對於什麼該留、什麼該捨的抉擇，學習不以情感為導向。」鄭嘉音解釋。 李豐丞進一步舉例，以木材來說，若小於一個手掌者，多半是需要捨棄的材料，「這些規則也是這些年慢慢發展出來的，我們永續小組在做的事情就是
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特別企畫 Feature定根、漂流，或一株可能遷移的樹？！
近年地方創生政策的推動下，鼓勵年輕人返鄉創業成為顯學趨勢，對應台灣現代劇場生態的發展歷程，亦曾有相似的標幟。然而，隨著藝文環境的日新月異，所謂的地方性劇團經營策略或立案模式出現了多樣的面貌，包括表演藝術個人工作者的自由流動度，時至今日，返鄉或出走、駐地或移動，於近30年來劇團生態中的「地方性」指標，早有各種不同的位移可能，已經不再是二元對立的單一選擇題。 從在地生根開始 首先必須指出，從上世紀迄今，城鄉發展失衡仍然是官方文化資源補助政策必須面對的議題。於是，1990年代的文建會（文化部前身）曾經相繼提出「社區劇團活動推展計畫」（19911993）、「社區營造總體計畫」（1994），確實成為1980年代以台北為主要場域的小劇場運動之外，影響全國各地萌發劇運的重要力量之一，促成了若干存活至今的表演團體。諸如高雄的南風劇團、台東的台東公教劇團（後改名為台東劇團）、台南的華燈劇團，都受惠於這系列公部門資源挹注而踏穩成立初期的腳步，然後，帶著所謂「社區劇團」的身分，以在地文史取向的創作主題穩健茁壯，爾後努力走向現代劇場藝術的品牌定位。 上述中的「華燈劇團」，源起於當時天主教神父紀寒竹以影像藝術專長成立「華燈藝術中心」，舉辦當時地方稀少的藝文活動，滋養了在地青年學子心靈，並不斷組成各種藝文社團，後來看到台北小劇場運動蓬勃新興，派員前往蘭陵劇團研習，1987年籌組成立劇團，吸引有興趣的年輕人聚集，其中包括今天仍從事表演藝術工作的許瑞芳、李維睦、邱書峰、蔡明毅（蔡阿炮）、謝汶錡（阿嬌）等人。因為受到紀神父和藝術中心空間的支持下，劇團開始邀請卓明、劉克華等台北劇場師資南下授課、導戲，大有從玩票性質走向專業的意味。 接著，1992年獲文建會社區劇場計畫補助，大幅穩定成長，強調在地台南人一起做劇場，以風土故事為創作題材的台語演出為走向，至1997年正式改名為「台南．人劇團」（現通稱為「台南人劇團」），一直都是在地生根的鮮明形象。也因此，至2012年初，由於劇團成立了台北辦公室，引發了各方高度熱烈關切「台南人劇團不在／不再台南了！？」事實上，時隔10年後的今日回看這個話題，回歸個別劇團的層面而言，應屬2000年後因應創作核心成員和相關表演製作成員組成地緣背景變
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偶。是大未來！ 台灣全方位「國際偶戲職人學校」即將誕生
無獨有偶工作室劇團耗資千萬，以將近10年時間用心打造利澤國際偶戲藝術村，常態性作為偶戲人才培育基地，同時吸引世界各地藝術家們前來駐村創作，發展成一個極為成熟的當代偶藝創發交流平台。近年，有感於全球劇場工藝人才大量流失，無獨有偶率先提出自身研發20年以上專業偶戲教材為基礎，號召國內當代偶戲菁英齊心合力共同研究、創編偶戲專業教材，這群人更將親身投入教學，為台灣創建出全方位的「國際偶戲職人學校」。
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聚光燈下 In the Spotlight 布袋戲演師
柯世宏 一個快樂演布袋戲的人
「布袋戲不是塑造出來的一門藝術，它是我的真實生活。」柯世宏如是說。彷彿呼應著其家族戲班名「真快樂」，在他身上從來看不到那些文化傳承的使命感，背負三代家傳事業開創新局、以當代美學衝撞傳統的掙扎。「我阿嬤一直相信要有興趣才能真正傳承。」秉持著阿嬤「沒有門派，沒有人十全十美、樣樣精通，每個人都可以是你的老師」信念，柯世宏快樂地把布袋戲變成自己喜歡的樣子
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特別企畫 Feature 五年級
鄭嘉音 偶的打破與創造 與劇團一起成年
今年是無獨有偶工作室劇團創立的廿周年，一個劇團的「成年」，也標誌著該團藝術總監鄭嘉音創作之路的「成年」。一路走來，她與劇團夥伴們翻轉了人們對偶劇的想像，多樣的創作形式、國際偶戲村的大膽經營，一次次沒有前例的挑戰，回首過往，銘刻在她心中的成長轉折，有的是合作者引路的工作思考，有的是對劇場「語言」的翻轉想像，站在當下，仍有必須面對的議題與門檻，跨過「成年」，她仍將與劇團攜手走向未來
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回想與回響 Echo
連結與深化：一個藝術節的偶師之心
在藝術對談裡，除了血緣連結的偶戲家族，不同背景、不同年齡的人也因偶戲被凝聚，因為相同又相異的創作語彙而成為另一種家人──那是作為製偶手藝人與操偶表演者彼此間的惺惺相惜或許因為創作者或多或少都得「退居幕後」，讓物件先行表露生命的另一種型態、翻轉投射不同的想像，於是在這裡交流的作品與創作者，都有種靠近的溫柔，沒有區別地共同交流著。這也回應到了一個「偶戲村」的想像，藉由偶戲，共同生活在一起。
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戲劇
以「家」為起點，走出新局
全戲未以過於戲劇化的貫穿事件來處理主角莉莉的問題，反而將之暗藏於許多日常片段裡，這些日常與平淡成了全劇底色，讓詼諧、夢幻與回憶的色彩偶然出現的時候，更顯得斑斕而可貴。整場下來，細膩而不耽溺，溫情而不濫情，並且充滿著類似現場集體創作的能量，使物件劇場的敘事形式兼具感動、張力和深度，就許多層面來看，都可說是近年來難得的佳作。
