PAR 表演艺术杂志

四月的香港，阴晴不定。阴郁的天气放诸小剧场中的舞蹈，叫人领略得心眼也迷蒙了。

说的是今年由香港舞蹈联盟主办的「各自各千禧舞蹈系列」当中的「麦高利系列」，演出包括松岛诚的《鸟．鸟s》、南群舞子的《无论如何》及动艺的「男人独白」等。配合整个舞蹈系列尙有「艺穗会系列」（包括「舞蹈炸珍宝」及「艺穗四舞雌」）、由城市当代舞蹈团制作的「脱衣秀」作压轴演出，其他更有一连串周边活动，如座谈会、工作坊、录像放映等。整个系列的活动设计较一九九七年首届举办时更为全面及丰富，香港舞蹈界也一下子热闹起来。

这个舞蹈节的源起，可追溯至一九九五年香港艺术中心举办的「新浪潮舞蹈节」。当时香港小型舞团相继组成，数目之多前所未有，这批年轻编舞家各自拥有独特的气质和力量，为香港舞坛注入极为刺激的新态势、新方向。正当观众仍沈醉于欧洲或美国的舞蹈「强人」（如Pina Bausch，Mark Morris等）时，焦点实在应该转移至香港这批触角敏锐的新生代。九七年首办的「各自各舞蹈系列」可说是「新浪潮舞蹈节」精神的延续，提供香港创作互相碰撞、对话及成长的空间。随著合办单位逐渐增多，规模、形式也推之更广：除了以现代舞为焦点节目外，去年更加入Hip Hop、莎莎舞（Salsa，中南美洲的舞蹈，类似曼波舞）、印度舞、西班牙舞、社交舞等，于艺穗会中演出。

时至今年，参与演出的团体／编舞者也由原来著重香港新生力量走向国际交流的层面，例如有来自日本的松岛  诚及美国的韦施迅。今年的三个演出各拥有各自的题材、各自的风格、各自的个性，但它们都有一个共通点：沈郁、深忧，叫人迷溺于淡然幽邃的况味之中。

松岛诚《鸟．鸟s》：以拼贴呈现碎片式的生活经验

来自东京的松岛诚，以三只生活在都市的小鸟为假借，呈现现代城市生活的无味与伤感、人际关系的疏离和冷漠。《鸟．鸟s》由多个具象及抽象的片段组合而成，粗略区分至少也有十多个独立的伤景，这种拼贴（collage）对作品本身所要呈现的一截截、破裂、不完整的碎片式生活经验，能产生互相呼应的效果，对编舞来说，也是一个较容易处理众多零碎实验片段的方法。然这样一来，作品的衔接性及节奏则被破坏了，给人松散及欠缺焦点的感觉。但如独立抽取松岛诚此次所做的各项实验来看，倒是做得相当不俗。

甫一开场，三点光源在黑暗中浮游，当舞者发觉对方的存在时，步伐开始加快，继而互相追逐、聚集、缠绕、逃避、消失，人际关系的进程就是如此平白简单地表现出来，饶是有趣。接著的录像、音乐和松岛诚的唱咏皆表现出虚空、凄戚的感觉，像是平常生活中无意无为发出的一声叹息，不激动，却由衷。而松岛诚的独舞多以身体的突然变奏而逐节向地面沈下去，能量是抽紧的、向下的，即使作势欲飞，却始终飞不起，就如其后出场的金鱼一样，跃不出水面，复唯有在固有的框框下继续漫无目的地存在。

松岛诚亦爱制造矛盾和荒谬感。其中一位舞者马千山大块头的身型，却与歌曲《我是一只小小鸟》并置，又为场中的机动装置加上人为因素，用其一只手指在水中拨动那只小小金鱼，但这种「照顾」却足以扰乱甚至威胁金鱼的生命；当松岛诚倒在地上，其他人却视若无睹，反而将他手中的书夺去、踏著滑板车的人更自顾自地绕著他兜圈子；另一位舞者何静茹穿上现代城市的办公室服饰，在节拍强烈的派对音乐下缓缓地动著，明显地，身体机能未能配合这急促的都市生活，而这部分更刻意拖长，虽然看得观众都腻了，但当中的矛盾和对立却由于时间的延长而突显出来。而松岛诚穿插在其中，用手去迎挡从舞台右方横射向左的一线强烈红光，应付这外来的压力，他竟肆意地把光源玩弄于手掌之间，令它逐渐消失。以这充满玩味的态度去迎挡高压，确为一绝。

最震撼的部分，要数松岛诚运用灯泡在对方的身旁勾划出他／她们理想中的姿势，投射及放大于墙壁上，带出一个疑问，人的行为、意图究竟由谁来支配？作品末段录像中的人跳起了、越过了、消失了，而剧场中的马千山和何静茹也相继离去，剩下松岛诚一人茫然而动，在黄与绿的灯光下，一个人化为三只鸟的身影，再次作势欲飞，然而举步为艰，难以展翅，静静地走向出口的一扇门，灯随人灭，淡淡的哀愁由是涌起。但这绝对不是完结，而是向往另一个美好国度的开端。

南群舞子《无论如何》充满祭仪色彩，风格特出而完整

在南群舞子的国度里，《无论如何》是一个充满祭仪色彩的原始空间。开首和结尾都以李耀诚的手鼓制造一种不断沈溺的氛围，如录像中的大海一样，深不见底却蠢蠢欲动。鼓声反复低回，带领观众去冥想，走到一个遥远、混浊的时空、创造的源头。

编舞王荣禄及其妻周金毅忽地打破这种沈郁，在炽热火红的一角，在垂吊的长形铜片背后，将身体各部分逐件展现：手、肘、脚、头不停地互相试探、重组、分开，继而合为一体。他／她们刻意连接著对方的身体，将身体的重量交给对方互相倚靠著，在对方的身体空间进进出出，并合行动的方向，不争执，只寻求共识；这种互相支持的契合，达到融和、内心澄明的境地。

但如此景象不久便被铜片的介入而扭曲，他／她们利用铜片的顺滑质感，用身体向这新生之地问好，进行祭仪。铜片本身发出的隆隆作响声，预设了埋伏的危机。因此，当音乐逐渐加快，两人连接著的肢体反而成为限制他们行动的框框，此时在对方身体有限空间穿插的动作则变得充满敌意，当初的融合已不复见。两性之间的角力，终归累得一团糟；如果说他俩是另一个版本的亚当和夏娃，受罚的显然是女性了。

随后在周金毅的独舞里，其女性身体俨然如大地之母。而面对从天而降一排又一排带有女性特有生理现象指涉的红线（如月经、生产、堕胎等）。她尝试去征服它、祈求它，却始终摆脱不了纠缠，所承受的痛苦全然是女性内里的身体经验，不由自主，她索性将它结扎在一起，更将自己的外衣脱下，问吊于大红结之中。这种做法无疑是有点自欺欺人，因为女性的自主权并不会因为痛楚的结束而建立，相反的，勇于面对及承担才是上策。

「脱了皮」的女人再次与也是「脱了皮」的男人进行沟通与对话，原始的躯壳再一次成为战场，最后两败倶伤，浴血于大海之中。像神话般的故事说完了，可能像那沈重的大红结一样，沈到海底深处，但人类永恒的共相却飘流于海面，逐代相传。

《无论如何》是一个风格特出、完整的作品，编舞营造了某种怪异诡谲的气氛。眼部夸张的化妆将人异化、传奇化；服装造型以非常简单的布絮及丝袜去勾划身体的线条，原始味十足；俐落的节奏转换与准确的肢体设计叫人屛息注目，加上与李耀诚的音乐所产生的化学作用，这个作品实在叫人欣喜。

动艺的「男人独白」：著重心灵的悸动，风格偏向保守

动艺的「男人独白」由四个单元组成，围绕著男性心中各自的疑问，从而探索未来生活的路向。但在种种抉择之前，他们先将人生经验再次咀嚼、细尝当中的滋味，把心底话展现给观众看的同时，其实他们自己也经历了一次生命思考的旅程。

每次看王廷林跳舞，总会被他那份由心出发的感性所触动，《隧道．光》也不例外。在悬于高空中的镜子缓缓游移反照光影之间，他满载心事地舞动，因此，动作的质感都往下沈去，即使于激动的时刻情绪都很内敛，似乎在心镜的光照下，躲在隧道中的心结仍未能打开，但时间却无情地溜走了。

第二个单元是梁家权的《出出入入》，承接他一贯幽默、顽皮的创作趣味，《出》是在众多深沈作品中最光亮、趣味盎然的舞作。穿上「心形美国国旗」的紧身上衣及美式军装裤的他，随著轻松的美式歌曲搔首弄姿，仿如舞男般诱惑著，但却多次被中国传统戏曲打破这份美式强人的快感，情绪变得不安、悲伤，甚至对性取向产生疑惑。

这是相当有趣的并置：如此一个自信壮男，进出于中国传统思想与西方开放文明之间，竟被折磨得死去活来。这种狂想式的寻觅自我，最后并没有提供有形的满足，反而充斥著无形的孤单，但编舞却不以此为愁，更把「孤单」二字化为自己轻松的调子，幽它一默，非常乐观！

接著是林伟源的《事发》，穿起医生袍的他，手部动作及面部表情非常地多，喋喋不休地在发问、指挥、解说和辩论，但双脚却是紧紧地钉在地上，似乎在「死守」立场！其后神父和军人也加入对话，然而讲求科学的医生、灵性的神父及纪律的军人走在一起，只有「各说各话」的结果。这个作品的败笔也在于「说」得太多、太白：背景音乐不时重复“World law”、 “Is it necessary”等字眼，而林伟源近乎默剧的身体语言亦欠缺变化，可能是受到双脚不能做太多活动的限制，加上背后的幻灯片也未能配合得宜，整个作品就变得平面、冗赘，少了点心灵上的震荡。

最后一段独白是由来自纽约的韦施迅所编排的四人舞Movine through the Thin Air of Nothingness，在组合性的托举、推拉、扶持之中，我们看到了生命与生命之间的交流，每个人都遵循著个人意志或生命定律，去紧捉或放开身边的人和物。乾净的舞台，虽空无一物，却充满令人感触的缱绻心怀，随著结构严密、流畅而交错的动作规律，那流泻的感情亦有机地布满剧场的每个角落，反映了不同的、却互补的生命面貌。

总的来说，三个不同团体的演出都确立了各自的风格，当然亦有各自的改进空间：松岛　诚的作品实验性较强，但仍需要更多时间去剪裁；南群舞子的作品是一个很圆满的祭仪，音乐性很强，但可否再进行顚覆，于生命迹象的母题下开发其他面貌？动艺由于有四位不同的编舞者，难以一语概之，但整体感觉上仍较为著重心灵的悸动，然编舞风格上却相对地保守和安全。

迷蒙的心眼被这个意象丰富的作品冲刷著，又陷入深深的沈思当中……。

 

文字｜小棕  香港舞评人