在莫札特奏鸣曲第四乐章著急不安的a小调轮旋曲里，中段在节奏不变下转为A大调；此刻他指下音色的突然变化，就像从黑白转为彩色，令人眼睛为之一亮，而这中间的过门就只有简单几个音符而已。
挂著一副厚重的深度眼镜，佝偻著上半身，低著头，从后台一股脑儿走出来，一路上双手前前后后摇晃，嘴里念念有词，躁急地笔直走到钢琴前。演出前的布兰德尔，显然早已将周遭世界遗忘，死板著脸，完全沈浸在自己的内心世界里。
钢琴音色及和声平衡的极致追求
几个弱起的十六分音符，理所当然地就忽然响起；在左手下行的三度音伴奏引导下，布兰德尔将一开始海顿g小调的主题弹得黯淡而略带伤感。三小节后C大调的副主题，不著痕迹地转为明朗、轻快的断奏，却没有破坏整个主题的基调。在他指下，这首海顿早期的奏鸣曲，到处是像这样的调性与节奏对比；曲子里无时不刻有惊奇，却巧妙地平衡在整体的完整性之下。一开始，听众就不得不绷紧神经，深怕错过每一个细节。
到了莫札特幻想曲一开始如分解和弦般的琶音中，更可以进一步听到布兰德尔处理和声的诀窍。他用心去注意每一个和弦内声部的配置，尽一切可能达到和声的平衡。很显然地，布兰德尔独立地利用每根手指头做触键变化，来达到调色的作用，让和声清晰而且乾净；同时，每一颗音符都有头有尾，完整而实在。他就一直维持著这样晶莹纯润的钢琴音质，直到音乐会结束为止，没有什么太大的改变。好像已经历经实验，把台上这台史坦威钢琴音色真正细腻地弹出来，让她独一无二的泛音列在音乐厅里回荡，交融成我们所听到的、这台钢琴所能发出最圆润、最优雅（grazioso）的声音。在场所有人，都成为这整个音箱的一部分；甚至任何听众的一举一动，都可能是影响音乐整体表现的关键。很少有古典音乐会，对听众要求这么高；因为没有音乐家，像布兰德尔一样，那么近乎苛刻地要求每个音符与和弦的完美共鸣。
纯正古典风格的秘诀
从近几年在柏林所举行的独奏会来看，今年刚步入不惑之年的布兰德尔似乎特别偏好维也纳古典乐派，曲目不外乎海顿、莫札特、贝多芬等。而他演奏的方式，就是从这个时代细致、敏感、对称且富有生命力的音乐语言出发，赋予每一个单独的音与和弦各自的性格和表情。在莫札特奏鸣曲第四乐章著急不安的a小调轮旋曲里，中段在节奏不变下转为A大调；此刻他指下音色的突然变化，就像从黑白转为彩色，令人眼睛为之一亮，而这中间的过门就只有简单几个音符而已。这样子的处理让音乐色层的明暗丰富变化，让乐曲像在一边流动，一边闪烁，充满对比却又不失平衡，高潮迭起的戏剧性和古典气质并存，新鲜灵动又均衡典雅。这就是典型的布兰德尔风格，而且应该就是当代演奏好古典乐派最重要的秘诀之一。
形相生动，让曲子本身说话
这样子的演出，可说是彻底奠基在曲子本身的分析之上。不论转调前的稍许放慢速度、进入小调变形音群时轻踩踏板以改变气氛、或者是高潮前音色与速度的变化，都有乐曲内在的逻辑可循，而且永远意识到乐曲本身结构的完整性。为了让音乐本身出头，诠释者的角色总是保守而内敛，从不独断地炫技来征服观众。在下半场近一个小时、贝多芬《迪亚贝里》变奏曲的演出，更让人佩服他的自制力与严谨的态度，忠实将每个曲子本身的音乐性格呈现出来。
这时，笔者才忽然理解，他从头到尾充满表情、如歌唱般（cantabile）的钢琴弹奏方式，可以在贝多芬主题和三十三首变奏曲上，发挥多少艺术表现上的可能性：这样的琴声真是能说又能唱，让人想起戏剧表演，不同的鲜明角色轮流登场。有时候触键像大键琴(如第三十一变奏），让人以为贝多芬此处正向巴赫《哥德堡变奏曲》范本致敬；有时又充满童趣，音乐的俏皮和他随之笑开的天真让人不觉莞尔。弱音、抒情及幽默和狂暴和苦思交杂，最复杂的歌剧也不过如此。对于专心的听众而言可说是相当地吃力，一下子没跟上他的脚步，就很容易迷失在音乐波涛汹涌的行进里。
反明星的内省演奏家
音乐会结束，不论观众鼓掌多久，布兰德尔也不愿意弹安可曲，频频挥手，仿佛起立鼓掌的观众让他很难堪似的。用理智分析乐曲，用艺术想像力丰富音乐血肉，表现出来的竟然是这样趣味横生的鲜活古典风格，而且让大家想一再地去听他，像读一本好书一样。在这里，没有如痴如醉的感人热泪时刻；习惯听音乐会做自我投射、期待自恋表演的多情爱乐者，大概很失望吧！
特约撰述｜林育立
