PAR 表演艺术杂志

金奖配乐大师哥伦•布雷高维契与专属乐团这次带来经典电影配乐作品，包括《地下社会》、《流浪者之歌》、《玛歌皇后》、《亚利桑纳梦游》等主题曲，以及乐团最新专辑选曲。这位知名巴尔干音乐家一出手果然不同凡响，没有影像却依旧使听众感受到音乐的历历在目与故事张力，让音乐厅里习惯正襟危坐的文人雅士全抛开矜持，随著节拍手舞足蹈，甚至在高达五次的安可曲中跟著乐手唱和。

音乐厅真的是电影配乐最好的演出场地吗？

他们的演出充分掌握东南欧传统音乐的内涵与语法（idiom，如偏重口腔与鼻腔共鸣的歌唱方式），而非一知半解地搬弄民俗乐器、混搭传统旋律、挪用特定音阶或节奏以拼贴异国情调。近年来在全球化的威胁之下，包括台湾在内的许多国家均苦思如何避免在地音乐被英、美、日流行音乐同化而特色不再，布雷高维契与其乐团不仅尝试将传统音乐元素融入创作，更对其所运用的音乐元素有充分的了解，这种专业精神值得音乐工作者与阅听大众的深思与重视。

记得当晚布雷高维契曾说，国家音乐厅是他遇过最好的演出场地。这或许是句客套话，却值得我们思考：音乐厅真的是电影配乐最好的演出场地吗？

电影配乐作为录音科技的产物，自一九三○年代被放进音轨，与影像、文字环境音、音效、对话共同成为电影叙事的重要角色。透过事前录音与剪辑编排，它总是以最完美的音量、音色与零缺点的表现，在最适切的时间点上为情节服务。在录音技术与音效的协助下，电影配乐不受「演出人力编制」与「同时演出」的限制，为求效果，可以无限制地添加声部，创造现场演出无法加入的特殊音色。

相较之下，音乐厅当中的演出虽然同样经过妥善的「事前安排」，却多了录音音乐所没有、「突发╱即兴」的刺激与趣味：演出者在一个与观众近距离接触的情境中，展现的不仅是「养兵千日」的实力，还包括对临场状况的即席反应。换言之，在音乐会里，演出者不像在录音室中可以不断重来，相反地，他们每分每秒都处于紧绷状态，面临一闪即逝、一拍两瞪眼的听众考验。除此之外，演出者在台上的音源定位方式，会产生特定的音场与视觉感受，这也是听现场演出与录音音乐的不同之处。

在音乐厅中使用合成器创造与原声带类似的效果

从这个角度出发看布雷高维契与乐团本次的演出，或许在演出人员有限的情况下，为了创造与原声带类似的效果，在音乐厅中使用合成器（synthesizer）制造类似卡拉OK的节奏回路（loop）与音效乃情有可原，然而现场收音消弭不同音源位置的差异、把所有声部全部混在一起，却让人不明就里。而音响总音量过大，不仅让人如坐针毡，更造成明显的干扰回音，使音乐的层次与细节全部糊掉。此外，或许是因为演出频繁，部分乐手似乎有种只想赶紧把「知名旋律」演奏╱演唱过去的应付态度，表现出的音乐性当然也就难以达到原声带中的深沈广袤。

有这些问题不代表电影配乐不适合搬进音乐厅，相反地，音乐厅绝对是电影配乐「配角变主角」的重要舞台。只是，能不能同样完美演出，甚至创造与CD截然不同、崭新而深刻的聆听感受，或许得回到如何改编、如何呈现的问题。

 

文字｜许馨文 政治大学广播电视研究所硕士